¿Qué es el arte contemporáneo? - Una mirada al arte contemporáneo actual

John Williams 25-09-2023
John Williams

L arte contemporáneo es el arte que se hace hoy en día. Pero este término es más peliagudo porque el significado del término arte contemporáneo no siempre es el mismo que el de otros movimientos artísticos, como hemos visto en la era del arte moderno. El término está marcado por un cambio en la forma en que los artistas ven su forma de hacer arte, y podemos ver mucha innovación en cuanto a los medios que utilizan y las ideas que presentan. En este artículo,nos adentraremos en la idea del arte contemporáneo, examinando algunos de sus temas y ejemplos.

¿Qué es el arte contemporáneo?

La definición de arte contemporáneo es el arte realizado en la segunda mitad del siglo XX hasta la actualidad. Este arte responde a los tiempos modernos en los que vivimos, centrándose en amplios marcos contextuales: desde lo político y cultural, los temas de identidad y el avance de la tecnología. Los artistas hacen arte basado en conceptos y reaccionan ante la vida política y cultural del mundo.

El arte contemporáneo no se limita al placer estético de contemplar una obra de arte, sino que se centra mucho más en compartir ideas. El arte contemporáneo se caracteriza por su diversidad de soportes y estilos.

Características del arte contemporáneo

Aunque la característica más importante del arte contemporáneo es que no hay rasgos que lo definan realmente, hay algunos rasgos comunes que comparte el arte contemporáneo en su conjunto. Algunas de estas características son:

Ver también: ¿Qué es el tono en el arte? - Valores de color claros y oscuros
  • Artistas contemporáneos se dedican a innovar con nuevas ideas y nuevas formas de arte, utilizando todo lo que tienen a su alcance, desde los videojuegos a la ingeniería, pasando por la cirugía plástica. Los artistas emplean diversos medios.
  • Las obras de arte se hacen con un concepto detrás, y cada obra de arte tendrá una razón más allá de existir como objeto puramente estético.
  • Algunos artistas contemporáneos trabajan en grupo pero no hay grandes movimientos como en la época del arte moderno.
  • Los medios forman parte del proceso de creación de significado que los artistas inventan para sí mismos.
  • También hay un movimiento hacia una visión menos eurocéntrica del arte, y muchos más artistas de diversas partes del mundo son reconocidos y reciben más atención.

¿Es lo mismo el arte contemporáneo que el arte moderno?

Las palabras contemporáneo y moderno son técnicamente sinónimas, pero estas dos fases del historia del arte El significado del arte contemporáneo implica mucho más contexto. El arte contemporáneo se considera postmoderno es decir, posterior al Modernismo.

El arte contemporáneo es diferente de movimientos artísticos modernos como el arte pop o el surrealismo. El arte moderno se caracterizaba porque los artistas eran autorreferenciales (hacían arte sobre el arte).

Rosa escultura de Isa Genzken, ejemplo de arte contemporáneo; Christoph Müller, CC BY-SA 3.0, vía Wikimedia Commons

Los artistas crearon movimientos artísticos, con ideas similares y retos técnicos que ocuparon los pensamientos de muchos artistas diferentes. En la era del arte contemporáneo, los artistas crean arte que responde a la experiencia única de vivir en el mundo tecnológicamente avanzado en el que nos encontramos, cada historia es única. Los artistas crean obras de arte basadas en sus experiencias únicas. No existenideas e ideologías, y los artistas no crean nuevos "-ismos" como el surrealismo y el fauvismo.

Los artistas modernos crearon obras centradas en el propio proceso de creación artística, como cuando Impresionistas Los artistas contemporáneos no exploran un medio en particular, sino que cada uno lo utiliza para explorar temas e ideas más amplios.

El arte contemporáneo responde a las ideas del mundo moderno de una forma que se adapta a este momento de la historia y el tiempo, y cada artista se centra en un viaje de toda la vida de creación artística sobre las complejidades de vivir en el mundo a su manera.

Ejemplos de obras de arte contemporáneo

A continuación veremos algunas de las obras de arte moderno contemporáneo más famosas realizadas hasta la fecha, describiendo cómo estos artistas innovan y crean nuevas y emocionantes obras de arte. Estas obras de arte son sólo un atisbo de las diversas ideas con las que trabajan los artistas, pero dan una idea del increíble trabajo que se realiza y de las emocionantes e importantes ideas con las que los artistas trabajan cada día.

Pieza cortada (1964) de Yoko Ono

Título de la obra Pieza cortada
Artista Yoko Ono
Año 1964
Medio Arte escénico trabajo
Dónde se fabricó Nueva York, EE.UU.

Pieza cortada (1964) es uno de los primeros ejemplos de arte contemporáneo. En la década de 1960, artistas como Yoko Ono se hicieron famosos por organizar eventos llamados Happenings, en los que la artista daba a los espectadores y participantes el poder de hacer arte ellos mismos o de participar en la creación artística.

La mayoría de estos acontecimientos eran sólo momentáneos y sólo existirían más tarde en fotografías, o en una obra de arte final que tendría menos significado sin el contexto de la representación.

Fotografía de la artista Yoko Ono en 2011; Earl McGehee - www.ejmnet.com, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons

Ver también: Arquitectura francesa - Historia de los estilos de construcción en Francia

Pieza cortada es uno de estos eventos, en el que la artista pedía a la gente que cortara trozos de su ropa mientras ella permanecía sentada e inmóvil. A medida que la artista se exponía más y más, el público se callaba y se escandalizaba más, recordaba la artista. Esta obra de arte provocativa también puso a la artista en varios niveles de peligro, ya que confiaba en que el público sólo cortaría su ropa y no utilizaría sus tijeras paraotros fines.

Sala de los Espejos Infinitos (1965) de Yayoi Kusama

Título de la obra Sala de los Espejos Infinitos
Artista Yayoi Kusama
Año 1965
Medio Instalación artística
Dónde se fabricó Nueva York, EE.UU.

Kusama Habitaciones con espejos infinitos (1965), de las que existen muchas variaciones diferentes, se consideran obras de instalación. Mediante el uso de espejos, la artista transformó la intensa repetición de sus primeras pinturas en un espacio tridimensional y en una experiencia perceptiva. Existen al menos veinte obras distintas Habitaciones con espejos infinitos Estas salas crean visiones caleidoscópicas con aspectos multimedia, todo lo cual crea una extraña ilusión de que la sala es infinita y los espectadores también.

En Sala Infinity instalación de Yayoi Kusama; Pablo Trincado de Santiago de Chile, Chile, CC BY 2.0, vía Wikimedia Commons

La primera de estas salas Sala Espejo Infinito: Campo de Phalli , muestra una habitación llena de cientos de formas fálicas con lunares que cubren todas las superficies de la estancia. La laboriosa obra hizo que la artista se planteara otras formas de crear el efecto de estar completamente rodeada de estos objetos alargados y redondeados. La artista es famosa por su relación con los lunares y con los círculos, y afirma que crear círculos la reconfortaba infinitamente.

Esta obra también convirtió a los miembros del público en el sujeto de la obra, y la existencia del cuerpo en el espacio lo altera y le da más significado.

Embarcadero en espiral (1970) de Robert Smithson

Título de la obra Embarcadero en espiral
Artista Robert Smithson
Año 1970
Medio Land Art
Dónde se fabricó Gran Lago Salado, EE.UU.

Embarcadero en espiral (1970) es un ejemplo de obra de arte de la Tierra Contemporánea. Esta obra de arte se construyó en el Gran Lago Salado de Utah y consistía en barro, sal y rocas de basalto que se construyeron formando una espiral de 1500 pies de largo que se doblaba en sentido contrario a las agujas del reloj.

Esta espiral podía verse desde arriba dependiendo del nivel del agua del lago, lo que significaba que la propia tierra cambiaba el significado de la obra, ya que a veces no existía o estaba oculta, y otras veces la tierra dejaba entreverla.

Embarcadero en espiral (1970) de Robert Smithson, situada en Rozel Point, en el Gran Lago Salado, Utah, Estados Unidos; Escultura: Robert Smithson 1938-1973Imagen:Soren.harward en en.wikipedia, Dominio público, vía Wikimedia Commons

Esta obra es una de las más famosas del Land art. Los artistas del Land art suelen utilizar la propia tierra como medio, realizando obras que se inspiran en ella y existen en ella, sin ser perjudiciales para la tierra. Este tipo de arte era también bastante tristemente célebre por su incapacidad para venderse: nadie podía comprar una pieza del lago, y esta descomercialización en el mercado del arte era también un nuevo aspecto del arte moderno contemporáneo que lo diferenciaba del Modernismo.

Ritmo 0 (1974) de Marina Abramović

Título de la obra Ritmo 0
Artista Marina Abramović
Año 1974
Medio Arte escénico
Dónde se fabricó Nueva York, EE.UU.

En una obra de arte similar realizada con años de diferencia, Marina Abramović creó la Ritmo 0 (1974). El artista entregó al público 72 objetos con los que podían hacer lo que quisieran: tijeras, una rosa, zapatos, una silla, cuerdas de cuero, un bisturí, una pistola, una pluma, una bala y un pastel de chocolate, entre otros.

El artista permaneció inmóvil durante las seis horas que duró la representación, mientras los miembros del público se volvían cada vez más violentos. Un miembro del público le abrió el cuello, mientras otro le apuntaba con la pistola en la cabeza.

El público acabó enzarzado en una pelea sobre hasta dónde estaban dispuestos a llegar ciertos miembros del público con sus actos violentos. Al final de la representación, todos los que habían participado huyeron para evitar enfrentarse a lo que habían protagonizado. Esta obra de arte se convirtió en un ejemplo estremecedor de la naturaleza humana, así como de hasta dónde podía llegar el arte más allá de ser una pintura tradicional en una pared.

La cena (1974) de Judy Chicago

Título de la obra La cena
Artista Judy Chicago
Año 1974
Medio Arte feminista Instalación artística
Dónde se fabricó Nueva York, EE.UU.

La famosa obra de Judy Chicago era una gran instalación. El término instalación se refiere a una obra de arte en la que el público puede sumergirse completamente, una obra de arte en la que se puede entrar. Esta gran instalación incluía varias mesas dispuestas en forma triangular.

La obra tiene cientos de componentes, pero "The Dinner Party" (1974) organiza un banquete imaginario en el que la artista invita a 39 mujeres de la historia a "sentarse a la mesa", literal y figuradamente.

En la obra se han colocado atuendos femeninos de la historia y la mitología, desde Sacajawea, Susan B. Anthony y Emily Dickinson hasta la Diosa Primordial. La mayoría de estos atuendos representan imágenes estilizadas de la anatomía femenina, como vulvas. Esta obra de arte causó una gran conmoción por la flagrante exhibición de la anatomía femenina y la voluminosidad de los cientos de partes que la componen.

Esta obra de arte ha llegado a ser conocida como una de las piezas de arte feminista más importantes de la historia y se expone de forma permanente en el Museo de Brooklyn (Estados Unidos).

Alma, Silueta en Fuego (1975) de Ana Mendieta

Título de la obra Alma, Silueta en Fuego
Artista Ana Mendieta
Año 1975
Medio Fotografía, Land Art y Body Art
Dónde se fabricó EE.UU.

Ana Mendieta fue una artista de la tierra y también se autodenominó artista del cuerpo que utilizaba la fotografía para plasmar su obra. En la era contemporánea, los artistas también empezaron a utilizar medios digitales y fotográficos para crear y mostrar sus ideas, y el uso del vídeo se ha convertido en algo habitual.

"Alma, Silueta en Fuego" (1975) es sólo una obra de una serie en la que la artista utilizó su propia silueta, camuflada en entornos naturales.

Establecía comparaciones entre la figura femenina y el paisaje, y en esta obra en concreto, la artista señalaba la violencia experimentada por las mujeres y sus cuerpos, así como por la tierra. Estas obras de arte siguen una temática feminista, pero también pueden verse como Arte medioambiental centrado en la tierra y el trato que damos a nuestros recursos naturales. Preguntada por su propia obra, la artista declaró: "A través de mis esculturas tierra/cuerpo, me convierto en uno con la tierra... Me convierto en una extensión de la naturaleza y la naturaleza se convierte en una extensión de mi cuerpo".

Auto (1991) de Marc Quinn

Título de la obra Auto
Artista Marc Quinn
Año 1991
Medio Sangre, acero inoxidable, metacrilato y equipos de refrigeración
Dónde se fabricó Londres, Reino Unido

Auto es un autorretrato realizado por el artista Marc Quinn en 1991. El artista utilizó sus propios materiales corporales para crear esta escultura: su propia sangre. El artista moldeó su propia cabeza con diez litros de su propia sangre recogida a lo largo de unos meses. Esta obra de arte se realizó durante una época en la que el artista luchaba contra la dependencia, y esto se relaciona con el modo en que la escultura necesita electricidad para mantener su forma.

La materialidad de la obra también es muy significativa en este caso, ya que el autorretrato es lo más parecido a su propio cuerpo que el artista ha podido hacer, utilizando partes de su propio cuerpo.

De este modo, el artista experimentó con nuevos materiales de un modo que lo hizo más significativo. Este es un gran ejemplo de arte contemporáneo que utiliza el medio de forma significativa. No se trata simplemente de otro busto de una cabeza hecho con cualquier material, el medio se convierte en parte del mensaje.

Arrojar una urna de la dinastía Han (1995) de Ai Weiwei

Título de la obra Arrojar una urna de la dinastía Han
Artista Ai Weiwei
Año 1995
Medio Obra de arte escénica
Dónde se fabricó China

En 1995, el artista y activista chino creó este provocador ejemplo de obra de arte contemporánea. El artista utilizó lo que denominó un "ready-made cultural": una urna de 2000 años de antigüedad de la dinastía Han. Como sugiere el título, la obra en sí consistía en que el artista dejaba caer y destruía una importante pieza de la historia china. Cuando se le preguntó por la obra, el artista, conocido por su controvertidoobras de arte que criticaban al gobierno chino, citaban a su líder Mao Zedong: "La única forma de construir un mundo nuevo es destruyendo el viejo".

Habiendo pagado cientos de miles de dólares por la urna, destruirla no sólo supuso una pérdida para la cultura, sino también para el propio artista. Algunos dicen que la creación de esta obra de arte fue incluso poco ética. También se debate si el artista utilizó una pieza de antigüedad real o una falsificación, pero su silencio al respecto sigue siendo escandaloso para su público.

En esta obra, se puede ver que el artista utilizó la idea del ready-made, inspirándose en Marcel Duchamp uso de productos precocinados. Estos son objetos encontrados y utilizados en la vida cotidiana que se reutilizan para crear obras de arte. En este sentido, referirse a una parte tan potente de la historia china como un ready-made es escandaloso en sí mismo. Su destrucción es sólo un aspecto de lo que hace que esta obra de arte sea tan poderosa.

Al dejar caer la urna, el artista también abandona valores culturales con la esperanza de crear un futuro mejor.

Serie 99 (2014) de Aïda Muluneh

Título de la obra Serie 99
Artista Aïda Muluneh
Año 2014
Medio Fotografía
Dónde se fabricó Etiopía

Aïda Muluneh es una artista contemporánea que también utiliza la fotografía. Sus retratos en Serie 99 (2014) consideran el África poscolonial. Utiliza el retrato, sobre todo de mujeres de Addis Abeba, su ciudad natal, de una forma que desafía el retrato tradicional. Serie 99 incluye mujeres vestidas con atuendos teatrales, con las caras pintadas.

La artista utiliza estos retratos y su fotografía para abordar los roles de género y la identidad de la mujer en Etiopía. Las fotos de esta serie son tranquilas, utilizando simbólicamente el blanco y el rojo.

El artista se refiere al rostro blanco como una máscara, lo que resume el modo en que se altera la representación para obtener ventajas políticas. La mayoría de las manos de estas fotos son rojas, en referencia a que están manchadas de sangre. Estas manos intentan controlar el retrato, cubriendo los rostros de las mujeres, en referencia a la oscura historia del colonialismo y al modo en que ha afectado a las naciones africanas.

En última instancia, esta serie analiza lo que supone para Muluneh ser una mujer africana, siempre considerada una intrusa allá donde iba.

De este modo, su propia historia personal se convierte en universalmente aplicable a muchas mujeres de todo el mundo y da una idea a otras que no entienden cómo es. Esta historia es descrita por la artista como "una historia que cada uno de nosotros llevamos, de pérdida, de opresores, de víctimas, de desconexión, de pertenencia, de anhelo de ver el paraíso en el oscuro abismo de la eternidad".

Chica con globo (Pintura triturada) (2018) de Banksy

Título de la obra Niña con globo (Pintura triturada)
Artista Banksy
Año 2018
Medio Arte sobre lienzo con trituradora en el marco
Dónde se fabricó Londres, Reino Unido

Banksy , conocido por su arte callejero, fue noticia en 2018 cuando tenía una obra de arte a subasta en Sotheby's en Londres. Tan pronto como la obra de arte fue vendida y el subastador golpeó su martillo, la obra de arte comenzó a pitar y la obra de arte fue destrozada por su marco.

El artista había colocado en secreto una trituradora dentro del marco. En cuanto se vendió, una de sus obras de arte más famosas quedó instantáneamente destruida.

Banksy es famoso por sus poderosas y simplistas obras de graffiti, y la obra de arte destrozada, que parece una broma, demuestra que el humor es también una parte importante del arte moderno contemporáneo.

Aquí ha aprendido sobre las diferentes características del arte contemporáneo y ha visto algunos ejemplos de las inspiradoras y emocionantes obras de arte creadas en los últimos 60 años. Los ejemplos de arte contemporáneo aquí muestran lo diferente y diversa que puede ser la creación artística, y nos permite echar un vistazo a las historias y las vidas que viven otras personas de todo el mundo. Desde Land art a Performance aInstalaciones, artistas crean cada día cosas nuevas e impresionantes para transmitir un mensaje: ¡nuestro único trabajo es escuchar y comprender!

Eche un vistazo a nuestra web de arte contemporáneo.

Preguntas frecuentes

¿Cuál es la definición de arte contemporáneo?

El arte contemporáneo es el arte que se hace hoy, basado en la vida en el mundo tecnológicamente avanzado y en todas sus historias políticas y culturales.

¿Es lo mismo el arte contemporáneo que el arte moderno?

El arte contemporáneo y el arte moderno no son lo mismo, aunque ambas palabras sean sinónimos. El arte moderno describe el periodo de la creación artística anterior a la aparición del arte contemporáneo.

¿Cuáles son algunas características del arte contemporáneo?

El arte contemporáneo es diverso en estilos y técnicas, y la característica más importante es que cada artista hace una obra a su manera sobre un aspecto de la vida en el mundo actual.

John Williams

John Williams es un artista experimentado, escritor y educador de arte. Obtuvo su título de Licenciado en Bellas Artes en el Instituto Pratt en la ciudad de Nueva York y luego obtuvo su Maestría en Bellas Artes en la Universidad de Yale. Durante más de una década, ha enseñado arte a estudiantes de todas las edades en diversos entornos educativos. Williams ha exhibido su obra de arte en galerías de los Estados Unidos y ha recibido varios premios y subvenciones por su trabajo creativo. Además de sus actividades artísticas, Williams también escribe sobre temas relacionados con el arte e imparte talleres sobre historia y teoría del arte. Le apasiona alentar a otros a expresarse a través del arte y cree que todos tienen la capacidad de creatividad.