La superrealisma movado disvolviĝis en Eŭropo kiel sekvo de la Unua Mondmilito, kun la sekvoj de la brutaleco vidita en la milito komenciĝanta manifestiĝi en arto laŭ nekutimaj manieroj. Peze influita fare de la Dadaismo-movado, Superrealismo estis plej konata por siaj bildartoj kaj skribaĵoj kiuj metis fokuson sur la subkonscia menso, la malracia, kaj la potencon de sonĝpejzaĝoj. Malgraŭ la superreala arto komenciĝanta disvastiĝi tra la mondo, ĝia populareco estis interrompita de la komenco de la Dua Mondmilito.

Enkonduko al Superreala Arto

La superreala movado estis fondita de poeto André. Breton en 1924 en Parizo kaj laŭdire ekzistis kiel kaj arta kaj literatura movado. La Surealisma Manifesto de Breton, verkita en la sama jaro, dokumentis la unuan fojon kiam la koncepto de Superrealismo estis esplorita en literaturo, kio kondukis al la posta evoluo de la movado post la unua mondmilito.

Pro la traŭmato kiun la socio travivis post la milito, artistoj volis krei novan specon de realeco ene de sia arto. Ili provis kompreni la tipon de mondo kiu permesis al la hororoj de milito okazi per la absurdaj kaj strangaj bildigoj inkluzivitaj en siaj artaĵoj . Superrealismo, tial, instigis la uzon de sonĝoj kaj subkonsciaj mensoj dum kreado de arto, kio permesis al artistoj temigi sian veran, internanreveca sceno post pasigado de kelkaj tagoj kun lia estonta edzino, Gala. Pluraj aliaj objektoj de deziro estis inkluditaj ene de tiu arto, kiel ekzemple mencioj al Gala mem kaj referencoj al la dezerta oazo. Inkluzive de kelkaj nekonataj senvizaĝaj figuroj kaj insektoj en ĉi tiu pentraĵo, oni opiniis ke Dalí simbolas siajn proprajn paranojajn timojn.

Vidite kiel speco de psika momentfoto de la subkonscio de Dalí tiutempe, la granda distordita kapo reganta la pentraĵo laŭdire estis la masturbato kaj unu el la personigoj de Dalí mem, kiu aperis plurajn aliajn fojojn en malsamaj medioj ene de tiu pentraĵo.

La kapo, nur vidata profile, reflektis la spiritan kaj erotikan. ŝanĝo kiun Dalí spertis pro la subita ĉeesto de Gala en sia vivo.

Vidita kiel tre maltrankviliga memportreto, La Granda Masturbato montris imagon kiu estis ĉe sia pinto. Tion montris la stranga bildigo de akrido, kiu suĉis la roko kiu estis en procezo de transformiĝo al la reprezentado de Dalí.

La centra bildo estis vaste konjektita kiel bazita sur la ofte konata roko. formacio ĉe Cullero, ĉe Cap de Creus en Hispanio. Dalí komparis la rokon kun kapo kun ĝia nazo premita en la grundon kaj li poste daŭriĝus por fari multoblajn referencojn al tiu roko en siaj pli postaj superrealismaj verkoj. Ĉi tio pruvis tiun de Dalíobsedan naturon, ĉar ĉi tiu roko fariĝis la plej alloga kaj ĉiea objekto ene de multaj el liaj superrealismaj artaĵoj

Ene de ĉi tiu artaĵo, Dalí elmontris siajn internajn timojn, personajn angorojn kaj konstantajn obsedojn. La Granda Masturbatoro estas influa superreala arto, ĉar ĝi reprezentis la ideon de eskapo de realeco kiu ĉeestis en la plimulto de la verkoj de Dalí. Tiu paranoja bildigo montris la centrajn trajtojn kiuj estis viditaj ene de aliaj Superrealaj artaĵoj, kie Dalí ekzistas kiel grava gvidanto de la movado.

La Perfido de Bildoj - René Magritte (1929)

Alia signifa artisto kiu helpis antaŭenpuŝi la superrealan movadon estis belga artisto René Magritte. Liaj esploradoj ene de Superrealismo estis forte influitaj per la postmilita atmosfero kiu kaptis socion, strukturismajn lingvoteoriojn, kaj la supozeblan interspacon kiu ekzistis inter lingvo kaj signifo. Unu el la plej konataj verkoj de Magritte, pentrita en 1929, estis La Perfido de Bildoj .

Ene de ĉi tiupentraĵo, simpla bildo de pipo estas montrita, kune kun franca deklaro kiu tradukiĝas al "Ĉi tio ne estas pipo." La kontrasto kiu estas kreita de Magritte pruvis lian ideon pri la malkongruo inter lingvo kaj signifo, ĉar diferenco inter signifanto kaj signifa objekto montriĝas.

Grafitio de la de Magritte. Ceci n'est pas une pipe en Bukareŝto; bixentro, CC BY 2.0, per Vikimedia Komunejo

Ĉi tiu humura pentraĵo prezentis la malkonkordon kiu estis ŝajna inter lingvo kaj signifo en post- 1-mondmilito-socio, ĉar Magritte deklaris ke vortoj jam ne reprezentis kion ili vere signifis. Pro la misharmonio rezulte de la milito, superrealistoj povis libere esplori la dekonstruadon de lingvo, kun la Superrealismo-pentraĵoj de Magritte ekigante ŝokaj pensoj en spektantoj.

La Perfido de Bildoj elstarigis la kredon de Magritte. tiu arto ne estis realo, sed simpla reprezentado de ĝi. Tiel, la deklaro ene de ĉi tiu artaĵo sonis vera, ĉar ĝi ne estis pipo kiun spektantoj rigardis sed prefere bildo de la reala aĵo. Farante tion, Magritte kreis tridirektan paradokson el la tradicia nocio ke objektoj laŭsupoze kongruas kun vortoj kaj bildoj.

Kiel aliaj artistoj ene de la superreala movado, Magritte serĉis renversi la ĉeeston de raciigo kaj logiko ene de arto, kiu estis impresita sur artistojde la burĝa socio. Superrealismo permesis al Magritte forigi la originan signifon de signoj kaj simboloj, kiuj inspiris multajn artistojn fari la saman. Plie, la verkoj de Magritte estis viditaj kiel influa deirpunkto ene de Konceptismo.

Magritte ofte uzis metodojn kiuj dubis la fakta aspekto de liaj artaĵoj, ĉar ili ne ŝajnis konveni en la pentraĵon. aŭ realeco mem.

La streĉiteco kiun Magritte kreis inter vero kaj fikcio, same kiel realeco kaj superrealismo, estis sperte elmontrita ene de liaj verkoj. Tio permesis al La Perfido de Bildoj , kune kun liaj aliaj Superrealaj pentraĵoj, iĝi kelkaj el la plej ikonecaj superrealismaj artaĵoj iam ajn ekzisti.

La Persisto de Memoro – Salvador Dalí (1931)

Alia signifa artaĵo kiu estis pentrita fare de Salvador Dalí dum la superrealisma movado estis lia 1931. pentraĵo, La Persisto de Memoro . Aldone, ĉi tiu artaĵo estas sendube unu el la plej famaj Surealismaj pentraĵoj el la movado kieltuta.

Ene de La Persisto de Memoro , Dalí omaĝis la koncepton de tempo per la degelantaj horloĝoj kiujn li bildigis. Ĉi tiuj horloĝoj laŭdire reflektis la internan funkciadon de la subkonscia menso de Dalí, krom transdoni ambaŭ la simplan sed kompleksan mesaĝon, ke la tempo, kiel la socio perceptis, estis esence sensignifa.

Ene de tiu abstrakta kaj reveca sceno, la gutado. horloĝoj estas portretitaj kiel la centra ĉeftemo, kiu estas prezentita kontraŭ la oraj klifoj de Katalunio, kie Dalí estis naskita. La inkludo de la giganta nazo, sur kiu horloĝo fandiĝas, faras referencon al la antaŭa pentraĵo de Dalí, La Granda Masturbatoro (1929).

Per integriĝo de ĉi tiu figuro en ambaŭ de liaj artaĵoj, kiuj laŭsupoze estis speco de memreferenco, Dalí montris sian obsedan naturon kiu estis ŝajna en siaj Superrealaj pentraĵoj.

Dalí montris grandan intereson en la ideo de subkonscia arto kaj volus. ofte kreas meminduktitan halucinan staton dum pentrado. Tio povas esti vidita en certaj objektoj kiujn li inkludis en sia pentraĵo, ĉar ili ŝajnis veni de profundo ene de lia psiko. Ekzemplo de ŝajne abstrakta inkludo estas la portretado de formikoj en lia laboro, kiu ofte ripetiĝis ene de liaj aliaj Superrealism-pentraĵoj. La formikoj laŭsupoze reprezentis la fascinon de Dalí kun la koncepto de kadukiĝo kaj ke nenio povus esti farita porĉesigu tiun procezon.

La gutaj horloĝoj kaj la misformita vizaĝo ŝajnas tute dekroĉita de la realo, kio pruvas la profundon, kiun Dalí esploris en sia subkonscio. Se demandite pri la signifo de la horloĝoj ene de la pentraĵo, Dalí ofte proklamis ke li havis neniun ideon ankoraŭ rifuzis asocii la bildigon de siaj horloĝoj kun la koncepto de tempo. Farante tion, Dalí povis bildigi konatajn objektojn en nekonataj manieroj, kio tute senigis ilin de ajna signifo kiu havis sencon.

Tiu artaĵo ekzistis kiel tre grava pentraĵo por Dalí, ĉar li konstante revenis. al tiu ĉi temo per la uzo de malsamaj stiloj, amaskomunikiloj kaj variaĵoj en la aliaj verkoj kiujn li produktis.

Ĝia influo disvastiĝis tra la superreala movado, ĉar Dalí povis facile distordi konatajn objektojn ĝis la punkto. kie ili ŝajnis esti parto de abstrakta kaj fantasmagoria mondo, kiu senpene kaptis la neraciecon, pri kiu temas superrealismo.

Ovo en la eklezio aŭ la serpento – André Breton (1932)

Konata kiel la fondinto de Superrealismo, franca verkisto kaj poetoAndré Breton skribis la originan Surrealism-manifeston kiu daŭriĝis por formiĝi kaj difini la movadon kiel artpraktikon. Dum li enfokusigis siajn klopodojn sur skribo ene de la superrealisma periodo, Breton kreis unu rimarkindan arton en 1932, titolita Ovo en la Eklezio aŭ la Serpento.

Pro tio ĉi estas unu el la nuraj de Breton. vidaj artaĵoj, oni ne scias multe pri la papera glumozaiko, kiun li konstruis. Kvankam Ovo en la Preĝejo aŭ la Serpento estas glumozaiko kaj ne pentraĵo, ekzistas kialo ke ĉi tiu artaĵo estas inkluzivita en la listo de famaj superrealismaj pentraĵoj. Ĉi tio estas ĉar ĝi esence pridubis la funkcion de la verkinto plilarĝigante la amaskomunikilaron kaj iniciatante la pioniran uzon de fotomuntado por fari vidan eksperimenton. Tiel, la kombinaĵo de tiuj aspektoj kreis fortan kriptan kaj superrealan sonĝan scenon.

André Breton ĉe Dada festivalo en Parizo, 1920, surhavante signon desegnitan de Francis Picabia; Nekonata aŭtoroNekonata aŭtoro, Publika domeno, per Vikimedia Komunejo

La titolo elektita de Breton estas kaj alegoria kaj enigma pro sia rilato al religio, kie la temo elektita ekzempligas la superrealisman intereson kiu estis pagita al la virina korpo kaj la kristanismo subpremo de seksa deziro. Breton deziris malpliigi ĉiujn seksajn subpremojn al nuraj simboloj kaj lingvo, kiuj daŭriĝus por havigi liberecon deesprimo, kiel pruvite ene de liaj glumozaiko kaj skribaĵoj.

Kvankam Breton ne pentris kaj desegnis tiom multe kiel aliaj superrealismaj artistoj, lia kontribuo al la movado estis valorega ĉar liaj skribaĵoj kaj pensoj laŭdire influis la tre kerno de la avangarda movado.

La Barbaroj – Max Ernst (1937)

Konata kiel kaj influa dadaisto kaj superrealisto estis germana artisto Max Ernst. Dum lia kariero ene de Superrealismo, Ernst evoluigis la teknikon konatan kiel "frottage", kiu uzis krajonfrotaĵojn de objektoj kiel fonton de bildoj. La plej konata artaĵo de Ernst elirinta el la superreala movado estis pentrita en 1937 kaj estis titolita La barbaroj .

La pentraĵo de Ernst estis forte influita de la teorio de senkonscio de Sigmund Freud, kun La Barbaroj ekzistantaj kiel esplorado de lia subkonscio, siaj propraj infanaj memoroj, same kiel paganaj mitologiaj kaj seksaj simboloj. Konsiderante la koncepton de barbaro, Ernst rigardis ilin laŭ la freŭdakonceptoj de personeco kiel la egoo, superegoo kaj la id, tial taŭge metante ilin kiel estaĵojn en superrealan pejzaĝon.

Foto de Max Ernst en 1968; Nekonata aŭtoroNekonata aŭtoro, CC0, per Vikimedia Komunejo

Ene de La Barbaroj , estas bildigitaj gigantaj kaj malicaspektaj figuroj, kiuj ŝajnas alpreni la formon de birdoj. La malhela birdo ŝajnas gvidi la vojon, dum la alia birdo turnas sin por rigardi strangan beston, kiu pendas sur ĝia brako. En la distanco, malgranda virino estas portretita kiu ŝajnas esti tenanta sur neidentigita flugilhava besto. Ernst ofte korpigis la temon de birdoj en siajn verkojn, ĉar li kredis, ke ili enkorpigas iujn homajn elementojn.

La strangaj ŝablonoj desegnitaj sur la korpoj de la figuro estis sufiĉe angulaj kaj malglataj, ĉar ili laŭdire elvokis temojn de roko. kaj fosilia formado. Ernst atingis ĉi tiun aspekton tavoligante farbon sur kartonpecon kaj premante ĝin kontraŭ objektoj dum ĝi estis malseka por lasi spuron. Li tiam tuŝis la figurojn per peniko kiu forskrapis la kromajn tavolojn de farbo.

Tiu artaĵo enkorpigis mitologion tra la du figuroj kiuj estis pentritaj, ĉar Ernst kredis ilin esti barbaroj. La mano de la malhela birdo, kiu estis levita al la ĉielo, reprezentis kiel barbaroj ĉiam kredis, ke ili estas la insulo Atlas, kiu gardas la ĉielon defalante. La alia birdo laŭdire prepariĝis por komenci sian militan progresadon sur la terenon posedata de homoj.

Tial tio reprezentis la penson de Ernst, ke demokratio havas la kapablon transformiĝi en barbarecon, kiel montras la komenco. de milito.

Nedifinita divideblo – Yves Tanguy (1942)

Franca artisto Yves Tanguy estis grava influo ene de la superrealisma movado, ĉar liaj artaĵoj konsistis el nekutima, tuj rekonebla stilo de nereprezenta Superrealismo. Eble lia plej konata laboro de tiu periodo, pentrita en 1942, estis lia pentraĵo titolita Nedifinita Divisibility .

Ene de siaj artaĵoj, Tanguy uzus la koncepton de fluo de konscio, tiel ke liaj Superrealaj pentraĵoj aktivigus emociojn ene de spektantoj kontraste al perado de specifaj klarigoj por la pentraĵo.

Tanguy ankaŭ estis influita per la subkonscio kaj sonĝoj, kun tiuj elementoj aperantaj en malsamaj cirkonstancoj ene de la plimulto de la. liaj artaĵoj.

Nedifinita Divisebleco sentoj, kiujn oni devis trakti.

Kun ĝiaj radikoj etendiĝis al psikanalizo, la superreala movado estis multe influita de la laboro de Sigmund Freud, kiun Breton intense studis. Superrealismo inspiriĝis de la antaŭa Dadaismo-movado, same kiel de la moderna inkludo de avangardaj ideoj en arton, ĉar ĝi etendis tiujn nociojn en muzikon, teatron kaj filozofion krom bildarto.

The Brain (Stoned) (1982) de Hanno Karlhuber, el la serio Energy of Space , "La suĉo en la ĉambron estas kreita de lumfonto. En ĉi tiu kazo la lumfonto estas kovrita. La ŝvebanta persono povas esti interpretita kiel estanta al la kompato, la kosmaj ŝtonoj kiel obstakloj. Ĝi estas naturalisma priskribo de mensaj statoj”; Hanno Karlhuber, CC BY-SA 4.0, per Vikimedia Komunejo

Ofte vidita kiel kaj kultura kaj radikala arta movado , Superrealismo temigis la koncepton de malordo, la elemento de surprizo, surprizaj apudmetoj, kaj nelogikaj bildigoj de realeco. Artistoj temis pri movo for de racio kaj logiko kaj esperis atingi liberan formon de pensado en la artaĵoj kiuj estis kreitaj. La celo de Superrealismo estis liberigi penson, lingvon kaj homan sperton de la subpremaj limigoj de raciismo.

La koncepto de aŭtomatismo estis fokusita ene de la superreala movado, ĉar ĝi priskribis praktikon.prezentis ordinarajn objektojn kiuj estis kunmetitaj por formi la formon de viro, aldone al kio ŝajnis esti la stablo de artisto. Tanguy pruntis vidan simbolon de sia mentoro, ĉar li kreis obskuran kaj mistifikan strukturon kiu transprenis la nedifinitan spacon. Aldone, la formo de la strukturo ŝajnis esti neklara kaj neklara, kio aldonis al la mistero ĉeestanta ene de ĉi tiu pentraĵo.

Metigite sur kio ŝajnas esti strando aŭ blu-simila versio de purgatorio, Tanguy kreis apudmeto inter la formoj formitaj de multoblaj objektoj. Tio estis farita por elvoki sentojn de necerteco ene de la laboro, ĉar spektantoj estis nekapablaj percepti el kio la mondo li kreis estis vere kunmetita. Farante tion, Tanguy alportis signifan filozofian debaton, ĉar li scivolis ĉu homaj formoj kaj objektoj kreitaj de homo estas simple la samaj, aŭ ĉu ili estas imagitaj anstataŭe.

En Nedifinita Divisebleco , revoj kaj realaĵoj kunfandiĝas tra la konfliktantaj formoj kiuj alfrontas la spektanton kaj postulas atenton. Kio igas ĉi tiun arton influa superreala peco estas ke Tanguy koncentriĝis pri esprimi kaj ekigi sentojn prefere ol klarigi kion signifis lia pentraĵo.

En 1950, la Psikologia Institucio de Vieno elmontris la pentraĵojn de Tanguy krom tiuj faritaj de skizofreniuloj. pacientoj, por vidi ĉu la publiko povus diferencigi la du. Kiam iline povis, superrealistoj estis ekstazaj, ĉar ĝi signifis, ke la abstraktado ene de iliaj verkoj vere ne similis al realeco.

Mi vidis tri urbojn – Kay Sage (1944)

Amerika artisto Kay Sage, kiu estis la edzino de kolega artisto Yves Tanguy, estis unu el la malmultaj inaj artistoj ene de Superrealismo, kiu estis nekredeble influa al la movado. Ŝia plej signifa artaĵo, pentrita en 1944, estas I Saw Three Cities.

La pasportfoto de Kay Sage (1922); Usona Registaro, Publika domeno, per Vikimedia Komunejo

La laboro de Sage diferencis multe de la aliaj virinoj ene de Superrealismo, ĉar la universoj kiujn ŝi kreis en siaj pentraĵoj estis neklaraj, nepenetreblaj kaj nihilismaj. Ene de I Saw Three Cities , Sage portretis timigan atmosferon, kiu donis al la artaĵo hantan kaj fantoman senton. Ŝi ankaŭ kontrastis la fluecon de drapaĵo, kiun ŝi enkorpigis en referenco al malnovgreka estetiko, kun akraj geometriaj formoj, kiuj kreis streĉitecon inter moderneco kaj klasika arto en ŝi.pentraĵo.

La dezerta pejzaĝo estas ŝajne regata de alta, kaŝita homaspekta figuro, kiu staras en la malfono de la verko kaj restas nekonata. La kirliĝanta drapaĵo, kiu estis nekredeble bone prezentita, ŝajnas malloka en ĉi tiu abstrakta kaj forlasita medio, kun la apudmeto evoluigita de Sage kreanta tre malorientan efikon al spektantoj.

La koloroj uzitaj de Sage estas tre silentaj. kaj antaŭsento, ĉar oni havas la senton, ke io sinistra povus okazi en ĉi tiu malgaja kaj mizera pejzaĝo. La nura videbla koloro, kiu vidiĝas, estas la ruĝa poluso, kiu ŝajnas esti elstaranta el la materialo ĉe certaj punktoj. Ĉi tio laŭdire reprezentis la internan kernon de Sage kaj pruvis ke malgraŭ ŝiaj mizeraj pentraĵoj, ekzistis ankoraŭ iu formo de vivo ene de ŝi.

Pentrite al la fino de la Dua Mondmilito, oni ne povas helpi sed scivolas ĉu la pentraĵo de Sage estas bildigo de la mizero kaj ruiniĝo kiujn ŝi vidis en socio. La titolo, kiu deklaras ke Sage rigardis tri urbojn, sugestis ke tio eble povus esti pentraĵo farita en funebro de la grandurboj kiuj estis detruitaj kiel rezulto de la milito.

La Filo de. Viro – René Magritte (1964)

Alia signifa pentraĵo de René Magritte al la fino de la superrealisma periodo estis lia 1964 artaĵo titolita La Filo de Homo. Inter ĉi tiu pentraĵo kaj lia 1929 La Perfido de Bildoj , estis dirite ke La Filo de Homo ekzistas kiel la pli elstara artaĵo, same kiel unu el la plej ikonecaj. Superrealismaj pentraĵoj de ĉiuj tempoj.

Konsistante el viro vestita per surtuto kaj melonĉapelo, La Filo de Homo estis pentrita kiel memportreto de Magritte , kiu provis transdoni gravajn mesaĝojn pri la individuo. Magritte kovris sian vizaĝon per la verda pomo, kiu flosas en la aero, kiu komentis la neantaŭvideblan rilaton inter la videbla kaj la kaŝita, same kiel la konscienco kaj subkonscio en la homa personeco.

René Magritte. fotita de Lothar Wolleh; Lothar Wolleh, CC BY-SA 3.0, per Vikimedia Komunejo

Per Magritte kaŝante sian vizaĝon de la publiko, li rimarkis pri la homa deziro konstante vidi kio estas kaŝita malantaŭ la videbla. Tio estis pruvita per liaj okuloj, kiujn oni povas vidi kaŝrigardante tra la folioj de la pomo. Ĉi tio lasas spektantojn kaj scivolemajn kaj ĝenitajn ĉar ili ne povas vidi la vizaĝon, lasante ilin deviimagu kiel Magritte prezentis sin. Aldone, la pecetoj de liaj okuloj, kiuj videblas super la pomo, kreis iomete maltrankviligantan senton de esti rigardata.

La titolo de la pentraĵo ankaŭ supozeble rilatis al Jesuo, kiu helpis en la kreado de suspenso kaj streĉiĝo ene de la artaĵo. Tiu ĉi religia implico ankaŭ vidiĝas per la inkludo de la pomo, ĉar kelkaj artkritikistoj konsideris ĝin reprezenti kristanajn kredojn pri la tento de Adamo en la Edena Ĝardeno kaj la detruo de la homaro.

Tamen, kio faras La Filo de Homo tiel interesa estas, ke malgraŭ la pentraĵo ekzistanta kiel memportreto de Magritte, ĝi esence povas rilati al iu ajn, kiel reprezentate de la senvizaĝa figuro prezentita. Tiel, La Filo de Homo ekzistas kiel influa artaĵo al la fino de Superrealismo, ĉar la helaj kaj iomete ekstremaj koloroj uzitaj fare de Magritte inspiris la komencon de Abstrakta Ekspresionismo kaj Postmodernismo.

Dum nur dek artaĵoj estis listigitaj supre, multaj pli famaj Superrealaj artaĵoj estis kreitaj dum la movado, kiuj estas esplorindaj. Vi trovos, ke multaj artistoj ofte kompletigis pli ol unu konatan verkon, kiel pruvas la ripeto de du artistoj ene de ĉi tiu artikolo. Superrealismo ekzistas kiel nekredeble interesa movado, kiel vidas la kreivaj kaj revecaj pentraĵoj kiuj estis faritaj.

Rigardu.ĉe nia Superrealaj pentraĵoj retrakonto ĉi tie!

La artaĵoj ene de tiu movado montris grandan movon. for de tradiciaj formoj de arto, ĉar artistoj serĉis riveli psikologian veron. Ĉi tio kondukis al kreado de abstraktaj bildoj por reprezenti la izolitecon kiun la socio spertis en la sekvo de militfrapita mondo.

La Dek Plej Famaj Superrealaj Artaj Pecoj

Tra la tuta mondo. la superreala movado, multaj artaĵoj estis faritaj kiuj precize kaptis la ideojn, celojn, kaj karakterizaĵojn kiujn la artperiodo emfazis. Konsiderante ĉi tiujn multajn pecojn, kelkaj pentraĵoj elstaras kiel difinaj verkoj ene de Superrealismo. Malsupre estas listo de la dek plej rekoneblaj kaj famaj superrealismaj artpentraĵoj, pri kiuj oni ankoraŭ parolas hodiaŭ.

C... come condizionamento ("C... por Kondiĉo", 1976) de itala farbisto William Girometti, posedata fare de lia filino; William Girometti, CC BY-SA 3.0, per Vikimedia Komunejo

La Karnavalo de la Arlekeno – Joan Miró (1925)

Ekzistanta kiel unu el la plej elstaraj superrealismaj pentraĵoj de hispana artisto Joan Miró , same kiel lia plej konata peco, estas lia 1925 artaĵo titolita La Karnavalo de la Arlekeno (Carnaval de Arlequín) . La titolo faras referencon al du signifaj vortoj en socio tiutempe. La esprimo "arlekeno" rilatis al la itala komika teatra rolulo, kiu ĉiam estis prezentita portanta kvadratitan kostumon, kaj "karnavalo" laŭsupoze rilatis al festo.

Portreto de Joan Miró en Barcelono, 1935. ; Carl Van Vechten, Publika domeno, per Vikimedia Komunejo

Ene de La Karnavalo de la Arlekeno , bruega festo de la vivo estas prezentita, kiel pruvas la formoj kiuj ŝajne drivas. kaj ĉirkaŭsaltante. Tiu festado ankaŭ estis konjektita por kopii la Mardi Gras-festenon, per kio kristanoj indulgiĝis pri grasaj manĝaĵoj antaŭ sindeteni de manĝado de bestaj produktoj ĝis Pasko. Superfluo de informoj estas prezentitaj de ĉi tiuj karikaturaj kaj biomorfaj formoj, kiujn Miró disĵetis ĉirkaŭe, kiuj superfortas la spektantojn kiam unuafoje alfrontas ĉi tiun superrealisman pentraĵon.

Kiel ajn la pentraĵo.temas pri festo, estas prezentita tre hazarda kaj kaosa sceno, ĉar ŝajnas kvazaŭ Miró sukcesis reprodukti siajn tutajn subkonsciajn pensojn sur la kanvaso. Tamen, ekzamenante ĉi tiujn figurojn atente, ŝajnas esti iom da simboleco en ilia inkludo en la verko.

La Arlekeno, kiu estas poziciigita maldekstre de la centro de la pentraĵo, havas longforman blankon. korpo kun bluruĝa pilko kiel ĝia kapo. Li ŝajnas esti tre malĝoja kaj estas prezentita kun trapiko en lia stomako, kiu laŭsupoze signifis la malriĉecon kaj malsaton de Miró. Kiel lukta artisto, Miró apenaŭ povis havigi aĉeti manĝaĵon foje kaj priskribus reveni hejmen ĉe la fino de la tago sen manĝaĵo en speco de tranco. Estis en ĉi tiu halucina stato kiu permesis al li komenci desegni la abstraktajn formojn kiuj konsistigis ĉi tiun pentraĵon.

Maldekstre, longa ŝtupetaro estas prezentita apogante kontraŭ muro, kio estis motivo ke Miró irus. por uzi en kelkaj el liaj Superrealaj pentraĵoj. Simbolante lian timon de iĝi kaptita, la ŝtupetaro laŭdire ekzistis kiel ilo kiu provizus al li la liberecon kiun li avidis. Aldone, la nigra triangulo en la fenestro en la supra dekstra parto de la pentraĵo supozeble similis al la Eiffel-Turo, kiu emfazis la grandan revon de Miró konkeri la mondon per sia arto kaj eskapi la malriĉecon en kiu li vivis.

Kio faris La Arlekena Karnavalo tiel unika estas tiola formoj prezentitaj estis produktitaj el la malsato, kiun Miró sentis kiam li iris en tranc-similan staton, kontraste al bildoj travivitaj en liaj sonĝoj kiel aliaj Surealismaj artistoj . Tiu pentraĵo ekzistas kiel raporto pri la subkonscio de Miró kiel rezulto de liaj ekonomiaj malfacilaĵoj, kiuj ebligis iun emocion esti alkroĉita al la formoj kiujn li prezentis. Tio estas signifa ekzemplo de superrealisma pentraĵo, ĉar Miró iniciatis la uzon de antropomorfaj formoj en ĉi tiu pentraĵo.

Batalo de Fiŝoj – André Masson (1926)

Franca artisto André Masson entuziasme praktikis aŭtomatan desegnadon ene de kelkaj el siaj Superrealismaj artaĵoj kaj ofte eksperimentis kun ŝanĝitaj statoj de konscio. Lia plej konata pentraĵo de la superrealisma movado estas lia 1926 artaĵo titolita Batalo de Fiŝoj .

Ene de tiu artaĵo, Masson sukcesis krei potencan alegorian vidon de la homa kondiĉo kaj la neniam. -fino de konfliktoj, kiujn oni spertis pro la detruo lasita de la Unua Mondmilito. Trala bildigo de superreala subakva pejzaĝo, Masson desegnis akrajn dentojn fiŝojn brutale atakantajn unu la alian en provo montri siajn pensojn pri la nuna socio post la milito.

Dum engaĝiĝo kun la tuta kanvaso dum kreado Batalo de Fiŝoj , Masson sukcesis konservi fermitan kunmetaĵon kiu tre similis la fermitan naturon de la profundoj de la oceano. Masson ankaŭ kompetente metis la energiajn kaj fluidajn liniojn ene de sia laboro, kiu disponigis iun direkton tra la laboro kaj funkciis kiel gvidpunktoj por spektantoj por temigi. Ĉi tiuj strekoj ŝajnas esti tre solidaj kaj certaj pri sia loko, kio pruvis la fidon, kiun Masson havis en la stilo, kiun li provis portreti.

Kio igis ĉi tiun Superrealan artaĵon tiel fascina estis la nekutima metodo, kiu Masson aplikis, ĉar lia frapa aliro al artkreado ebligis la elementon de hazardo eniri en liajn verkojn.

Ene de Batalo de Fiŝoj , Masson integrigis sablon en sian laboron, libere aplikita gesso. al la kanvaso por krei strukturon por ke la resto de la peco stariĝu, kaj vigle desegnis kaj pentris rekte el liaj farbotuboj.

Dum la areoj de sablo iĝis elstaraj fokusoj, la kolorpaletro kiu estis elektita ankaŭ helpis emfazi certajn areojn ene de la arto. Masson uzis malvarmetajn tonojn, kiuj kaptis la spektanton kaj trenis ilinen la malgajan scenon, same kiel kelkajn kontrastajn varmajn tonojn ĉirkaŭ la areoj kiujn li volis elstarigi. Ĉi tiuj apartaj koloroj, krom la organikaj formoj kiujn Masson uzis, helpis konservi la fluon kaj ritmon ene de la verko kaj krei interesan kaj allogan pecon konsistantan el senlimaj interrompoj.

La pli malhelaj koloroj, kiel la bluoj kaj verduloj, helpis krei humoron de depresio kaj pento ene de la kunmetaĵo, kiu spegulis la humoron en realeco post kiam la milito finiĝis. La pli varmaj koloroj helpis akiri atenton de spektantoj, kun la ruĝecoj kiuj estis uzitaj agante kiel visceraj memorigiloj de la vera hororo kiu okazis en socio.

Ĉi tiu peco estas simbola de vivo en eŭropa socio post la Unua Mondmilito. , ĉar la izolitaj kaj sovaĝaj fiŝoj laŭdire reprezentis la ekscititajn kaj disŝiritajn komunumojn kiuj estis lasitaj por rekonstrui. Kelkaj fiŝoj ankaŭ pruviĝas esti mortaj, kio laŭsupoze simbolas tiujn individuojn kiuj perdis siajn vivojn pro batalado aŭ la tumulto travivita poste.

Tiel ĉi tiu peco ekzistas kiel tre memcerta artaĵo, ĉar la simboloj kiujn Masson metis ene de sia kunmetaĵo estis intence elektitaj kaj uzataj por transdoni mesaĝon.

Tiu artaĵo estas rigardata kiel nekredeble influa al la superreala movado, ĉar Masson aliris sian senkonscian menson por krei. neracia komponado kiu precizekaptis la kaoson kaj timon, kiuj estis sentataj en la socio post la unua mondmilito.

La Granda Masturbato – Salvador Dalí (1929)

Unu el la plej konataj membroj de Superrealismo estis hispana artisto Salvador Dalí, kiu plue pentris kelkajn el la plej ikonecaj verkoj kiuj helpis difini la movadon. Unu el la plej fruaj superrealismaj pentraĵoj de Dalí, pentrita en 1929, estis La Granda Masturbato .

En la tempo, kiam Dalí pentris La Granda Masturbato , li esprimis grandan fascinon pri La psikanaliza teorio de Sigmund Freud kaj estis tre interesita pri ekzamenado de la senkonsciaj aspektoj de memo, inkluzive de sekse subpremitaj mekanismoj kaj memstrukturo. Tial, ĉi tiu pentraĵo estas rigardata kiel memportreto de la propraj seksaj obsedoj de Dalí kaj lia troe superkreskita egoo, pri kiuj li komentis multfoje dum sia kariero.

Portreto de Salvador Dali, prenita en Hôtel Meurice. , Parizo, 1972; Allan warren, CC BY-SA 3.0, per Vikimedia Komunejo

Lokita en nekredeble superreala pejzaĝo, Dalí pentris ĉi tion