Jasper Johns - Αφηρημένη έκφραση, Neo-Dada και Pop Artist

John Williams 29-07-2023
John Williams

Οι πίνακες του αφηρημένου εξπρεσιονιστή ζωγράφου Τζάσπερ Τζονς είναι παιχνιδιάρικα, προκλητικά έργα τέχνης που εξετάζουν τις προσεγγίσεις που χρησιμοποιούμε για να δούμε και να κατανοήσουμε τον κόσμο γύρω μας. Τα έργα τέχνης του Τζάσπερ Τζονς απέφευγαν την τέχνη που ήταν αποσυνδεδεμένη από τη συνηθισμένη ζωή, καθιστώντας βασικούς δείκτες, όπως στόχους και σημαίες, το επίκεντρο της τέχνης του μινιμαλισμού. Από τη δεκαετία του 1950 μέχρι σήμερα, οι πίνακες του Τζάσπερ Τζονς είχαν μιααντίκτυπο σχεδόν σε κάθε δημιουργική τάση.

Βιογραφία του Jasper Johns

Εθνικότητα Αμερικανική
Ημερομηνία γέννησης 15 Μαΐου 1930
Ημερομηνία θανάτου N/A
Τόπος γέννησης Augusta, Georgia

Επεξηγώντας τις αντιθέσεις των στυλ των Αφηρημένος εξπρεσιονισμός και Dada, ο διάσημος ζωγράφος του αφηρημένου εξπρεσιονισμού ανέπτυξε μια εκλεπτυσμένη αισθητική που πραγματεύεται θέματα ατομικότητας, παιγνιώδους παιχνιδιού και διανοητικής αλληλεπίδρασης. Τα έργα του Jasper Johns δημιούργησαν αποτελεσματικά τις βάσεις για την υιοθέτηση της Pop Art από την καταναλωτική κοινωνία, καταρρίπτοντας τα συνήθη εμπόδια μεταξύ της καλής τέχνης και της συνηθισμένης ζωής.

Η εκφραστική κατανομή του χρώματος στους πίνακες του Jasper Johns παραπέμπει στο μεγαλύτερο μέρος του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, ωστόσο, δεν τον γεμίζει με τη φιλοσοφική ή μεταφυσική πολυπλοκότητα που έκαναν οι σύγχρονοί του.

Παιδική ηλικία

Ο Jasper Johns γεννήθηκε στις 15 Μαΐου 1930 στην Augusta της Georgia και μεγάλωσε στις αγροτικές περιοχές της Νότιας Καρολίνας με τους παππούδες του, όταν οι γονείς του χώρισαν όταν ήταν μωρό. Τα έργα τέχνης της γιαγιάς του εκτίθεντο στο σπίτι του παππού του, όπου έμεινε μέχρι τα εννέα του χρόνια, και ήταν η μοναδική του επαφή με την τέχνη κατά τη διάρκεια της παιδικής του ηλικίας.

Δείτε επίσης: Ποια χρώματα ταιριάζουν με το Maroon; - Χρώματα που συμπληρώνουν την διακόσμηση Maroon

Ο Τζονς άρχισε να σχεδιάζει σε νεαρή ηλικία με την αόριστη ιδέα να γίνει ζωγράφος, αλλά άρχισε να μελετάει την τέχνη μόνο στο κολέγιο.

Μίλησε για το νεανικό του όνειρο να γίνει ζωγράφος, λέγοντας: "Δεν είχα ιδέα τι σήμαινε αυτό. Πιστεύω ότι το παρερμήνευσα ως ένδειξη ότι θα μπορούσα να βρίσκομαι σε μια καλύτερη περίσταση από αυτή που βρισκόμουν." Στην εφηβεία του, ο Τζονς μετακόμισε στη θεία του Γκλάντις, η οποία έκανε ιδιαίτερα μαθήματα σε αυτόν και άλλα δύο παιδιά σε μια τάξη ενός δωματίου.

Αργότερα ο Τζονς συμφιλιώθηκε με τη μητέρα του και αποφοίτησε ως αριστούχος του λυκείου του.

Πρώιμη εκπαίδευση

Ξεκινώντας το 1947, ο Τζονς παρακολούθησε το Πανεπιστήμιο της Νότιας Καρολίνας μετά την αποφοίτησή του από το λύκειο. Το 1948, ήρθε στη Νέα Υόρκη μετά από συμβουλή των καθηγητών του και ολοκλήρωσε ένα εξάμηνο στη Σχολή Σχεδιασμού Parsons. Δυστυχώς, το Parsons δεν ήταν το καλύτερο ταίρι για τον Τζονς, και εγκατέλειψε, καθιστώντας τον διαθέσιμο για τη στρατιωτική επιστράτευση. Στρατολογήθηκε στο στρατό το 1951 και υπηρέτησε για δύοχρόνια.

Το 1953, όταν ο Johns επέστρεψε στη Νέα Υόρκη μετά την τιμητική του απόλυση από το στρατό, συνάντησε τον νεαρό ζωγράφο Robert Rauschenberg, ο οποίος τον εισήγαγε στον κόσμο της τέχνης. Από το 1954 έως το 1961, οι δύο καλλιτέχνες είχαν μια παθιασμένη ρομαντική και δημιουργική σχέση.

"Έμαθα τι είναι οι καλλιτέχνες παρατηρώντας τον Ράουσενμπεργκ", είπε ο Τζονς. Το ζεύγος των καλλιτεχνών μετακόμισε τελικά μαζί, μοιράστηκε χώρους εργαστηρίων και ήταν ο ένας το κοινό που παρακολουθούσε ο άλλος, όταν λίγοι άλλοι ενθουσιάζονταν με τα έργα τους.

Φωτογραφία του Αμερικανού καλλιτέχνη Jasper Johns που παραλαμβάνει το Μετάλλιο της Ελευθερίας στις 15 Φεβρουαρίου 2011, Βιντεογράφος του Λευκού Οίκου για τον Λευκό Οίκο Ομπάμα, Public domain, μέσω Wikimedia Commons

Επηρέασαν βαθιά ο ένας την τέχνη του άλλου, καθώς μοιράστηκαν έννοιες και προσεγγίσεις που παρέκκλιναν από την τότε επικρατούσα τάση του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού. Και οι δύο συμμετείχαν στο κολέγιο και απέρριψαν τον ψυχολογικό και υπαρξιστικό λόγο που περιέβαλλε την κυρίαρχη τότε Σχολή Τέχνης της Νέας Υόρκης. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Τζονς άρχισε να ζωγραφίζει τις εικόνες του με τις αμερικανικές σημαίες και τους στόχους του σε καμβάμε κερί ενκαυστικής, χρησιμοποιώντας μια διαδικασία που αναμείγνυε κομματάκια εφημερίδων και υπολείμματα υλικού σε χαρτί.

Αυτές οι προσπάθειες ανακάτεψαν ντανταϊστικές χειρονομίες με στοιχεία της τέχνης του μινιμαλισμού και της εννοιολογικής τέχνης. Σύμφωνα με τον Johns, η έμπνευση για τη "Σημαία" (1955) έτυχε να του έρθει ένα βράδυ του 1954, ενώ ονειρευόταν να δημιουργήσει μια γιγαντιαία αμερικανική σημαία. Την επόμενη μέρα, μετέτρεψε το όνειρο σε πραγματικότητα και τελικά ολοκλήρωσε πολλαπλούς καμβάδες με το ίδιο ακριβώς θέμα.

Ο Τζονς απολάμβανε να δημιουργεί έργα που μπορούσαν να ερμηνευτούν με διάφορους τρόπους, δηλώνοντας ότι "αυτοί οι πίνακες δεν έχουν να κάνουν με ένα σύμβολο περισσότερο από τις πινελιές ή την απτότητα του χρώματος". Το 1958, ο Ράουσενμπεργκ και ο Τζονς πήγαν αεροπορικώς στη Φιλαδέλφεια για να εξετάσουν την έκθεση του Ντυσάν στο Μουσείο της Φιλαδέλφειας, όπου τα readymades του παλαιότερου δημιουργού του Νταντά έκαναν τεράστια εντύπωση και στους δύο.

Το 1959, ο Duchamp επισκέφθηκε το εργαστήριο του Johns, δημιουργώντας έναν άμεσο σύνδεσμο μεταξύ της προηγούμενης πρωτοπορίας του 20ού αιώνα και του σημερινού κύματος των Αμερικανών ζωγράφων. Η δημιουργική τεχνική του Johns αναπτύχθηκε ως αποτέλεσμα αυτών των συναντήσεων, καθώς ενσωμάτωσε νέες τεχνικές στα δικά του έργα.

Ώριμη περίοδος

Παρά το γεγονός ότι είχε παρουσιάσει το έργο του μόνο Πράσινος στόχος (1955) σε μια συλλογική έκθεση στο Εβραϊκό Μουσείο το 1957, ο Johns είχε την πρώτη του ατομική έκθεση το 1958, όταν ο Rauschenberg τον πρότεινε στον ανερχόμενο, εξέχοντα γκαλερίστα, Leo Castelli. Η ατομική έκθεση περιελάμβανε το θεμελιώδες έργο του Johns Σημαία (1955), καθώς και κομμάτια που είχαν ήδη προβληθεί τα προηγούμενα χρόνια.

Η έκθεση της γκαλερί Castelli γοήτευσε ορισμένους επισκέπτες, όπως ο καλλιτέχνης Allan Kaprow, αλλά προβλημάτισε άλλους.

Αν και οι επιφάνειες του πίνακα έχουν τις ιδιότητες που μοιάζουν με σταγόνες Το έργο του Willem de Kooning και τους χειρονομιακούς καμβάδες του Τζάκσον Πόλοκ, ο συναισθηματικός εξπρεσιονισμός αυτών των έργων έλειπε. Παρά τις αρχικές αμφιβολίες, η πρώτη ατομική έκθεση του Τζονς έτυχε συντριπτικά καλής κριτικής και τον έφερε στο προσκήνιο. Ο διευθυντής του Μουσείου του Μοντέρνα τέχνη αγόρασε τρία έργα για το ίδρυμα, πράγμα πρωτοφανές για έναν νεαρό, άγνωστο καλλιτέχνη.

Καθώς η Pop Art τάση άνθισε γύρω του, ο Τζονς εγκατέλειψε τους ζωηρούς πίνακές του με τα αναγνωρίσιμα κινήματα και μοτίβα υπέρ μιας πιο σκούρας παλέτας. Ορισμένοι σχολιαστές αποδίδουν τη στροφή του μακριά από τα χρώματα και προς τα μαύρα, γκρι και λευκά που χαρακτηρίζουν πολλούς πίνακές του από τις αρχές της δεκαετίας του 1960 στην ταραχώδη ολοκλήρωση της συνεργασίας του με τον Ράουσενμπεργκ. Παρά το γεγονός ότι δεν άφησαντα εργαστήριά τους στη Νέα Υόρκη μέχρι το 1961, η σύνδεσή τους είχε ήδη επιδεινωθεί από το 1959.

Την ίδια χρονιά, ο Rauschenberg άνοιξε ένα εργαστήριο στη Φλόριντα και λίγο αργότερα, ο Johns άνοιξε ένα εργαστήριο στο Edisto Island της Νότιας Καρολίνας.

Αν και πέρασαν κάποιο διάστημα μόνοι τους στη Νέα Υόρκη, σταδιακά απομακρύνθηκαν. Η ολοκλήρωση μιας τόσο σημαντικής και επιδραστικής σχέσης είχε μεγάλη ψυχολογική επίδραση στον Τζονς και ο ίδιος θάφτηκε στην τέχνη του. Το 1963 δήλωσε ότι "είχε την εντύπωση ότι έφτασε σε ένα μέρος όπου δεν υπήρχε χώρος για να παραμείνει". Παρά τις επιφυλάξεις αυτές, προχώρησε στη διεύρυνση του πεδίου και τη σύγχυση τωνερμηνείες των πινάκων του.

Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ήταν μέλος της Merce Cunningham Dance Company, όπου διετέλεσε καλλιτεχνικός διευθυντής από το 1967 έως το 1980.

Ύστερη περίοδος

Μετά την πυρπόληση του στούντιό του στο νησί Edisto το 1968, ο Johns περνούσε το χρόνο του μεταξύ του νησιού St. Martin και του Stony Point της Νέας Υόρκης- στις αρχές της δεκαετίας του 1970, αγόρασε εγκαταστάσεις σε δύο τοποθεσίες. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, ο Johns υιοθέτησε το θέμα της διασταυρούμενης διαγράμμισης στο ρεπερτόριό του, και αυτή η προσέγγιση κυριάρχησε στην παραγωγή του μέχρι τις αρχές της δεκαετίας του 1980.

Σε όλη τη δεκαετία του 1980 και του 1990, τα έργα του Johns απέκτησαν έναν πιο στοχαστικό τόνο, καθώς πρόσθεσε περισσότερο αυτοαναφορικό υλικό. Αν και, όπως έξυπνα σημείωσε ο Johns, "υπάρχει μια φάση κατά την οποία άρχισα να χρησιμοποιώ εικόνες από την καθημερινή μου ύπαρξη, αλλά ό,τι χρησιμοποιείς είναι από την καθημερινή σου ύπαρξη", υπονοώντας ότι τα έργα του πάντα περιείχαν μια αυτοβιογραφική πτυχή.

Στα χρόνια μετά τον χωρισμό του από τον Ράουσενμπεργκ, ο Τζονς παρέμεινε σταδιακά απομονωμένος, δεν παραχωρούσε σχεδόν ποτέ συνεντεύξεις και διατηρούσε μια πολύ μέτρια δημόσια παρουσία- ωστόσο, διατηρούσε στενές επαφές με έναν περιορισμένο αριθμό ελίτ του κόσμου της τέχνης. Ο Τζονς έγινε και πάλι είδηση το 2013, όταν ο βοηθός του στο εργαστήριό του, Τζέιμς Μέγιερ, κατηγορήθηκε ότι έκλεψε πίνακες ζωγραφικής αξίας 6,5 εκατομμυρίων δολαρίων από ένα αρχείο ημιτελών έργωνπου ο Τζονς είχε απαγορεύσει να πωληθούν.

Ο Μάγιερ έκλεψε 22 έργα από το στούντιο του Τζονς στο Σάρον του Κονέκτικατ και προσπάθησε να τα πουλήσει μέσω μιας ανώνυμης γκαλερί στη Νέα Υόρκη, λέγοντας ότι ήταν δώρα του Τζονς. Ο Τζονς δεν έκανε καμία παρατήρηση για την κλοπή, αν και απέλυσε τον Μάγιερ αμέσως μετά τη διαπίστωση της κλεμμένα έργα τέχνης.

Έργα τέχνης του Jasper Johns

Ο Johns θόλωσε τη γραμμή μεταξύ της καλής τέχνης και της mainstream κουλτούρας χρησιμοποιώντας πεταμένα υλικά, κομμάτια εφημερίδων, ακόμα και προϊόντα μαζικής παραγωγής. Αυτό μετακίνησε τη σύγχρονη τέχνη προς την αμερικανική καταναλωτική σκηνή των μέσων του αιώνα, προκαλώντας μια πληθώρα καλλιτεχνών της ποπ κατά τη διάρκεια της δεκαετίας του 1960.

Χρησιμοποιώντας καθημερινά θέματα, όπως στόχους και σημαίες, ο Johns ασχολήθηκε τόσο με την αφηρημένη όσο και με την αφηρημένη τέχνη. αναπαραστατική τέχνη.

Οι στόχοι και οι σημαίες είναι και οι δύο εκ φύσεως επίπεδες, επομένως όταν χρησιμοποιούνται ως θέμα τεχνικής ζωγραφικής, δίνουν έμφαση στην επιπεδότητα του πίνακα. Δεν προσδίδει στο έργο την ίδια βαθύτητα που είχαν οι πρόγονοί του.

Αντίθετα, μιμείται αποτελεσματικά τη χειρονομιακή εκφραστική πινελιά, θεωρώντας το σημάδι του καλλιτέχνη ως ένα ακόμη σημείο ή μέσο που προστίθεται στο πλήθος των ερμηνειών μέσα στα έργα του.

Σημαία (1955)

Ημερομηνία ολοκλήρωσης 1955
Μεσαίο Κολάζ και λάδι σε κόντρα πλακέ
Διαστάσεις 107 cm x 154 cm
Τοποθεσία Μουσείο Μοντέρνας Τέχνης

Μέσω της απόδοσης μιας οικείας κοινής εικόνας - της αμερικανικής σημαίας - ο πρώτος σημαντικός πίνακας του Jasper Johns διαφοροποιήθηκε από την παράδοση του αφηρημένου εξπρεσιονισμού της μη αντικειμενικής τέχνης. Επιπλέον, αντί να εφαρμόσει ελαιοχρώματα στον πίνακα με πινέλο, ο Johns δημιούργησε τη σημαία χρησιμοποιώντας μια εξαιρετικά δυναμική επιφάνεια που σχηματίστηκε από τεμαχισμένες εφημερίδες εμποτισμένες με εικαστικό, επιτρέποντας σε κομμάτια κειμένου να φανούνμέσα από το κερί.

Καθώς το υγρό, χρωματιστό κερί στερεοποιούνταν, έθετε τα θραύσματα του χαρτιού εφημερίδας σε αισθητικά ευδιάκριτα σημάδια που θύμιζαν σε μεγάλο βαθμό την εκφραστική πινελιά του Αφηρημένου Εξπρεσιονισμού. Η γοητεία του Johns για τη σημειωτική, ή την εξέταση των συμβόλων και των σημείων, εκφράστηκε από τις φαινομενικά παγωμένες σταγόνες και κινήσεις.

Στην ουσία, ο Johns αναφέρθηκε στις εκφραστικές πινελιές των Action Artists, μετατρέποντάς τες σε μια μεταφορά για την καλλιτεχνική δημιουργικότητα αντί για έναν ευθύ τρόπο έκφρασης. Αυτός ο πειραματισμός έδωσε το έναυσμα για την έρευνα της καριέρας του σχετικά με το "γιατί και πώς αντιλαμβανόμαστε την πραγματικότητα με τον τρόπο που την αντιλαμβανόμαστε".

Δείτε επίσης: Η αντίθεση στην τέχνη - Τι είναι η αντίθεση στην τέχνη;

Μέχρι και σήμερα, το έμβλημα της αμερικανικής σημαίας έχει μια πληθώρα υποδηλώσεων και συνειρμών που ποικίλλουν από άτομο σε άτομο, καθιστώντας το ιδανικό θέμα για το πρώτο ταξίδι του Johns στη γραφική εξέταση των "πραγμάτων που το μυαλό ήδη γνωρίζει".

Με την παραπλανητικά κοινότυπη θεματολογία του, διέβρωσε σκόπιμα τα εμπόδια μεταξύ της καλής τέχνης και της ζωής γενικότερα.

Σημαία ζωγραφίστηκε από τον Johns κατά τη διάρκεια του αγώνα για τα πολιτικά δικαιώματα. Ορισμένοι παρατηρητές, τόσο τότε όσο και σήμερα, μπορεί να διαβάσουν πατριωτικά συναισθήματα ή ελευθερία στο έργο τέχνης, ενώ άλλοι θα αντιληφθούν μόνο αποικιοκρατία και τυραννία. Ο Johns ήταν από τους πρώτους ζωγράφους που έφεραν τους θεατές αντιμέτωπους με τις δυαδικότητες που ενυπάρχουν στο εθνικό έμβλημα.

Ψευδής εκκίνηση (1959)

Ημερομηνία ολοκλήρωσης 1959
Μεσαίο Λάδι σε καμβά
Διαστάσεις 171 cm x 137 cm
Τοποθεσία Ιδιωτική συλλογή

Ο Jasper Johns χρησιμοποίησε λέξεις για να εμπλέξει τους θεατές σε μια συνομιλία με αυτόν τον πίνακα. Οι λέξεις "πορτοκαλί, κόκκινο, κίτρινο και μπλε" είναι χαραγμένες σε πολλαπλές θέσεις πάνω στην επιφάνεια του καμβά ανάμεσα στις χειρονομιακές περιοχές των χρωμάτων. Η μετατόπιση του θέματος από μη λεκτικές ενδείξεις στόχων και δείκτες στην ίδια την επικοινωνία ώθησε τον Johns βαθύτερα στη σημειολογία και στο πώς οι άνθρωποι κατανοούν και αποκωδικοποιούν τα σημάδια.και σύμβολα.

Όπως ανέφερε: "Τα χρώματα στους στόχους και τις σημαίες είναι τοποθετημένα σε ένα συγκεκριμένο μοτίβο. Ήθελα να αναπτύξω μια τεχνική για την εφαρμογή του χρώματος με τέτοιο τρόπο ώστε το χρώμα να επιλέγεται με άλλο τρόπο." Ο Johns αφαίρεσε κάθε απόχρωση και τις φράσεις που τις περιγράφουν εστιάζοντας σε αυτές και εξαλείφοντας τους συνήθεις συνειρμούς που τις συνοδεύουν.

Αντί να ζωγραφίζει με το χέρι κάθε λέξη, ο Johns χρησιμοποίησε ένα stencil που αγόρασε από κατάστημα - μια έτοιμη διαδικασία για τη δημιουργία μιας εικόνας χωρίς να φαίνεται το άγγιγμα του καλλιτέχνη. Καθώς δούλευε, έβαζε με στένσιλ τις χρωματικές φράσεις πάνω και κάτω από τα πολυάριθμα στρώματα χρώματος.

Οι περισσότερες από τις λέξεις μετατράπηκαν σε αντικείμενα από τον Johns ζωγραφίζοντάς τες σε αποχρώσεις που δεν συνδέονται με αυτό που γλωσσικά αντιπροσωπεύουν- για παράδειγμα, το "RED" εμφανίζεται φτιαγμένο με έντονο πορτοκαλί χρώμα στο κέντρο του πίνακα πάνω σε μια περιοχή κίτρινου χρώματος. Η αντίφαση μεταξύ των φράσεων και των αποχρώσεων αποκαλύφθηκε από τον Johns, μετατρέποντας το ρόλο τους από ταυτοποίηση σε μια απλή συνάθροιση συμβόλων έτοιμων γιαεπανεκτίμηση.

Ο Johns χρησιμοποιούσε τη μεθοδολογία που βασιζόταν σε χειρονομίες, εφαρμόζοντας συγκεκριμένα τμήματα χρώματος στο έργο τέχνης σε σχέση με τυχαίες κινήσεις του χεριού αντί για οποιαδήποτε προϋπάρχουσα τοποθέτηση για κάθε συγκεκριμένη πινελιά, επηρεασμένος από την ίντριγκα του John Cage για το ρόλο της πιθανότητας στην καλλιτεχνική διαδικασία, μια μέθοδο που ονόμασε "brush marking." Η χρήση του brush marking παρήγαγε θεαματικές εκρήξεις χρώματος, σαν νασε ένα σόου πυροτεχνημάτων, το οποίο ταυτόχρονα τόνιζε και επισκίαζε τις εκνευριστικά χρωματισμένες φράσεις που ήταν διασκορπισμένες γύρω από τον πίνακα, δημιουργώντας μια σημειωτική σύγκρουση.

Εισάγοντας λέξεις στο οπτικό του λεξιλόγιο, ο Johns διεύρυνε την επικοινωνία του με τους θεατές ώστε να συμπεριλάβει το ρόλο τόσο των ορατών όσο και των προφορικών σημάτων. Τέτοιες έρευνες είναι εμφανείς πρόδρομοι της ανάλυσης των λέξεων και των εννοιών από το κίνημα της Εννοιολογικής Τέχνης στα τέλη της δεκαετίας του 1960.

Βαμμένο μπρούντζο (1960)

Ημερομηνία ολοκλήρωσης 1960
Μεσαίο Βαμμένο μπρούντζο
Διαστάσεις 34 cm x 20 cm
Τοποθεσία Μουσείο Ludwig, Κολωνία

Ο Johns θολώνει τα όρια μεταξύ των αντικειμένων που ανακαλύφθηκαν και της δημιουργικής αντιγραφής σε αυτό το μπρούντζινο γλυπτό. Ο Willem de Kooning φέρεται να ειρωνεύτηκε ότι ο ιδιοκτήτης της γκαλερί Leo Castelli μπορούσε να πουλήσει οτιδήποτε, ακόμη και δύο κουτιά μπύρας, γεγονός που τον ώθησε να δημιουργήσει το έργο. Ο Johns ανέλαβε την πρόκληση που ενυπάρχει στην παρατήρηση του De Kooning, χύτευσε και ζωγράφισε στο χέρι δύο κουτιά μπύρας Ballantine Ale σε μπρούντζο, τα οποία ο Leo Castelliπουλήθηκε αμέσως.

Επειδή ο μπρούντζος αντικατοπτρίζει τη φυσική απόχρωση των κουτιών μπύρας, ο Johns πέτυχε μια εντύπωση trompe l'oeil- ωστόσο, υπονόμευσε απαλά το αποτέλεσμα αφήνοντας τις πινελιές του εμφανείς στις ζωγραφισμένες ετικέτες, δημιουργώντας μια ατέλεια που διακρίνεται μόνο με προσεκτική προσοχή.

Ο Jasper Johns δημιούργησε ένα ανοιχτό κουτί και τοποθέτησε πάνω του το έμβλημα της Ballantine και τη λέξη Florida. Το άλλο κουτί είναι σφραγισμένο, χωρίς ετικέτα και εντελώς απρόσιτο. Ορισμένοι σχολιαστές θεωρούν τις αντιθέσεις μεταξύ των κουτιών ως μια μεταφορά για τη σχέση του Johns και του Rauschenberg.

Το ανοιχτό δοχείο απεικόνιζε τον εξωστρεφή και διάσημο Rauschenberg, ο οποίος άρχισε να επενδύει μεγάλο μέρος του χρόνου του στο εργαστήριό του στη Φλόριντα το 1959, ενώ το σφραγισμένο δοχείο συμβόλιζε τον Johns και το σιωπηλό, αδιαπέραστο δημόσιο πρόσωπό του.

Άλλοι υποστηρίζουν μια λιγότερο προσωπική αφήγηση που απλώς απεικονίζει τη συνηθισμένη ζωή, με το κλειστό δοχείο να αναφέρεται στο προηγούμενο, στο δυναμικό, και το ανοιχτό δοχείο να αναφέρεται στο μεταγενέστερο αποτέλεσμα, στις επιπτώσεις. Προφανώς, ο Johns δεν δήλωσε ποτέ την αγαπημένη του ανάγνωση, αφήνοντας χώρο για ερμηνείες. Από πολλές απόψεις, η απεικόνιση των μαζικά παραγόμενων αντικειμένων από τον Johns προμήνυε το στυλ της Pop Art.

Περισκόπιο (1962)

Ημερομηνία ολοκλήρωσης 1962
Μεσαίο Λάδι σε καμβά
Διαστάσεις 137 cm x 101 cm
Τοποθεσία Συλλογή του καλλιτέχνη

Σε αυτό το έργο, ο Τζονς ενσωμάτωσε μερικά από τα προηγούμενα μοτίβα και σύμβολα του σε μια περιορισμένη παλέτα μαύρου, γκρι και λευκού. Το μισό ενός κύκλου απεικονίζεται στο πάνω δεξί άκρο του έργου. Το 1959, ο Τζονς άρχισε να χρησιμοποιεί μια μέθοδο κατά την οποία κολλούσε μια ξύλινη λάμα στο έργο, γενικά έναν χάρακα ή ένα φορείο για καμβά, για να σχηματίσει έναν κύκλο σχεδιασμένο με πυξίδα. Το εργαλείο τραβούσε μέσα από το χρώμα, κάνοντας ένα στόχοΩστόσο, εδώ διαταράσσει τους ομόκεντρους δακτυλίους του στόχου με την αποτύπωση του τεντωμένου χεριού του.

Το αποτύπωμα του χεριού υποδηλώνει ότι το χέρι του καλλιτέχνη έχει αντικατασταθεί από ένα μηχανικό όργανο. Το χέρι του καλλιτέχνη είναι ένα επαναλαμβανόμενο σχήμα σε μια σειρά έργων του Johns από το 1962 έως το 1963, συμπεριλαμβανομένου του "Periscope", το οποίο επικεντρώνεται στον ποιητή Hart Crane, το έργο του οποίου συνδέθηκε έντονα με τον Johns.

Ο Κρέιν φέρεται να αυτοκτόνησε σε ηλικία 32 ετών, ενώ επέστρεφε από τις τροπικές περιοχές, πηδώντας από ένα σκάφος στον Κόλπο του Μεξικού. Σήκωσε το χέρι του πάνω από τα νερά λίγο πριν εξαφανιστεί κάτω από τα κύματα.

Έτσι, το αποτύπωμα του χεριού του Τζονς μπορεί να θεωρηθεί ως μια οπτική σύνδεση με την αυτοκτονία του Κρέιν. Εκτελέστηκε λίγο μετά το τέλος της συνεργασίας του με τον Ράουσενμπεργκ και αντιπροσωπεύει την προσωπική θλίψη του Τζονς μετά τον χωρισμό τους. Το περισκόπιο στο όνομα παραπέμπει επίσης στο έργο του Κρέιν. Ακρωτήριο Χάτερας (1929), το οποίο ήταν σημαντικό για τον Johns σε δύο επίπεδα. Το 1961, όχι μόνο μετακόμισε σε ένα εργαστήριο κοντά στο Cape Hatteras, αλλά ο ποιητικός στίχος ακολουθεί επίσης τις μεταβολές στις αναμνήσεις κάποιου με το πέρασμα του χρόνου.

Μετά το χωρισμό τους, ο Τζονς πιθανότατα συνδέθηκε με την έννοια της μετάβασης και της απώλειας, την οποία απεικόνιζε με το χέρι που αρπάζει, τις φράσεις με καθρέφτη και την επιδεικτική πινελιά που μιμούνταν τα κύματα που συντρίβονται γύρω από έναν πνιγόμενο άνθρωπο. Σε πλήρη αντίθεση με την ψυχρά μηχανική ματιά της Pop Art, στην καθιέρωση της οποίας συνέβαλε, ο Τζονς γέμισε τους πίνακές του στις αρχές της δεκαετίας του 1960 με σύνθετα συναισθήματα απώλειας καιψυχολογική πάλη.

Σύμφωνα με το What (1964)

Ημερομηνία ολοκλήρωσης 1964
Μεσαίο Λάδι σε καμβά
Διαστάσεις 200 cm x 487 cm
Τοποθεσία Ιδιωτική συλλογή

Αυτό το ιλιγγιωδώς μεγάλο έργο τέχνης παρήχθη από τον Johns συνδέοντας πολλούς καμβάδες μεταξύ τους και τοποθετώντας διάφορα αντικείμενα που βρέθηκαν στο στρώμα του χρώματος: μια καρέκλα, ένα χύτευση άκρων, έναν άλλο εκτεταμένο καμβά με μεντεσέ, μεταλλικά γράμματα και έναν γάντζο παλτού.

Χρησιμοποίησε μεθόδους από προηγούμενα έργα του, όπως το "μαρκάρισμα με πινέλο", χρωματικούς προσδιορισμούς με στένσιλ, ένα αρθρωτό κάλυμμα που μπορεί να σφραγιστεί και χυτά μέρη του σώματος. Διεύρυνε επίσης το οπτικό του λεξιλόγιο εισάγοντας στο κέντρο του πίνακα κομμάτια από μεταξοτυπίες σελίδων ειδήσεων που αναφέρουν το Κρεμλίνο.

Ενώ ο Robert Rauschenberg και ο Andy Warhol χρησιμοποίησε τη μεταξοτυπία για την αναπαραγωγή εικόνων σε πίνακες χωρίς να φαίνεται το χέρι του καλλιτέχνη, ο Johns χρωμάτισε πυρετωδώς μέσα και γύρω από τους τίτλους της οθόνης, τονίζοντας την έννοια του χεριού του καλλιτέχνη και των gadgets για την κατασκευή μηχανικών αντιγράφων.

Τα πολλά μέρη συνδυάζονται για να παρέχουν στρώματα πιθανών ερμηνειών, όπως σε πολλά έργα του Jasper Johns. Ενώ πολλά από τα μέρη φαίνεται να υπονοούν ένα κρυφό μήνυμα, ένας φανερός υπαινιγμός υπενθυμίζει στο κοινό τον φόρο τιμής του Johns στον δάσκαλό του, Marcel Duchamp Μια ασαφής εικόνα του Duchamp και το μονόγραμμά του "MD" μπορεί να βρεθεί στην αριστερή πλευρά του πίνακα.

"Ο Duchamp έφτιαξε ένα έργο που ήταν ένα σχισμένο τετράγωνο", θυμάται ο Johns. "Ανίχνευσα το προφίλ του, το κρέμασα από ένα σχοινί και έριξα τη σκιά του, με αποτέλεσμα να παραμορφωθεί και να μην είναι πλέον τετράγωνο. Τροποποίησα σκόπιμα το έργο του Duchamp για να δημιουργήσω ένα είδος παρωδίας για το ποιανού έργο ήταν".

Το "According to What" αποτελεί παράδειγμα του συνεχιζόμενου πειραματισμού του Johns με τη δημιουργική ιδιοκτησία και, ως συνήθως, καλεί το κοινό να συμμετάσχει στη νοηματοδότηση, εκθέτοντας διαφορετικά κομμάτια χωρίς σαφή χάρτη των σχέσεών τους.

Πτώμα και καθρέφτης II (1974)

Ημερομηνία ολοκλήρωσης 1974
Μεσαίο Πετρέλαιο και άμμος
Διαστάσεις 146 cm x 191 cm
Τοποθεσία Ινστιτούτο Τέχνης του Σικάγο

Το 1972, ο Τζονς ανακάλυψε ένα νέο θέμα, τη διασταυρούμενη γραμμή, το οποίο θα ακολουθούσε κατά την επόμενη δεκαετία. Οι καλλιτέχνες παραδοσιακά χρησιμοποιούσαν τη διασταυρούμενη γραμμή, ένα σύνολο γραμμών, για να παράγουν διαβαθμίσεις της σκιάς στο σχέδιο και τη χαρακτική- οι πιο πυκνές γραμμές δημιουργούν βαθύτερες σκιές, ενώ οι πιο αραιές διατάξεις δημιουργούν ελαφρύτερες σκιές.

Με το χαρακτηριστικό του ιδιόρρυθμο στυλ, ο Johns αφαίρεσε και επανέλαβε το θέμα στον καμβά με έντονες αποχρώσεις για να δημιουργήσει έναν παλλόμενο, αφηρημένο πίνακα.

"Το πρόσεξα μόνο για ένα δευτερόλεπτο, αλλά ήξερα αμέσως ότι σκόπευα να το χρησιμοποιήσω", είπε ο Johns για το ότι είδε το μοτίβο σε ένα διερχόμενο αυτοκίνητο. "Έχει όλα τα χαρακτηριστικά που μου κεντρίζουν το ενδιαφέρον: κυριολεξία, επανάληψη, έντονη όψη, τάξη με χαζομάρα και τον κίνδυνο της πλήρους απουσίας νοήματος".

Ενώ το μοτίβο μπορεί να είναι "χαζό" και χωρίς σημασία, ο τίτλος του Johns Πτώμα και καθρέφτης I Υπονοώ ότι υπάρχει κάτι περισσότερο στη δουλειά. Πολλοί άνθρωποι πιστεύουν ότι ο τίτλος σχετίζεται τόσο με την Σουρεαλιστές activity Exquisite Corpse, ένα συνεργατικό παιχνίδι που διαμορφώνεται από διαδοχικές δημιουργικές ενέργειες, και το εμβληματικό και μυστηριώδες έργο του Marcel Duchamp.

Η γενεαλογία και τα αισθητικά ενδιαφέροντα του Johns υποδηλώνονται απαλά μέσα από συνδέσεις με τον υπερρεαλισμό και τον ντανταϊσμό.

Ενώ οι γραμμές των πινάκων είναι κάπως ζωγραφικές, η επαναληπτικότητά τους υποδηλώνει ψυχραιμία ή τεχνική απαλλαγμένη από συναισθήματα, αλλά ο τίτλος, με τις αναφορές του στο θάνατο και την αντίληψη, υποδηλώνει κάτι πιο ζοφερό και πιο διανοητικό, δημιουργώντας μια ένταση μεταξύ δομής και θέματος που ο Johns εκμεταλλεύεται συνεχώς.

Καθετήρας (1999)

Ημερομηνία ολοκλήρωσης 1999
Μεσαίο Εγκαυστική σε καμβά
Διαστάσεις 64 cm x 85 cm
Τοποθεσία Συλλογή του καλλιτέχνη

Μετά από περαιτέρω αναδρομική έκθεση στα μέσα της δεκαετίας του 1990, ο Johns ξεκίνησε μια σειρά που μελετά τα catenaries - καμπύλες που δημιουργούνται από ένα μήκος νήματος ή αλυσίδας που αιωρείται χαλαρά από δύο σταθερές θέσεις. Στο Catenary, ένα οικιακό νήμα είναι κρεμασμένο ανάμεσα σε δύο προεξέχοντα κομμάτια ξύλου σε κάθε πλευρά του καμβά. Σκιές δημιουργούνται στο πλούσιο σκούρο γκρι έδαφος τόσο από το νήμα όσο και από τις λωρίδες ξύλου.

Μεταβαίνοντας στην εικαστική, η μονοχρωματική επιφάνεια του Johns διατηρεί τις εκφραστικές κινήσεις της διανομής, παράγοντας ένα παχύ παλίμψηστο ιχνών που είναι προκλητικό και αδιαφανές.

Ο βασικός καμπυλωτός σχεδιασμός θυμίζει γέφυρες και τις συνδέσεις που αυτές δίνουν, αλλά δημιουργεί επίσης φυσικές μορφές, όπως οι βυθίσεις και οι καμπύλες του ανθρώπινου σώματος. Κάποιοι σχολιαστές έχουν δει την αντίδραση του σχοινιού στη βαρύτητα ως μια μεταφορά για την εξέλιξη της ζωής κάποιου, ή τις διασυνδέσεις και τους περιορισμούς που έρχονται με την αύξηση της ηλικίας. Εκτός από το ξύλινο παιχνίδι,

Η σκάλα του Ιακώβ σχετίζεται με τη βιβλική διήγηση στην οποία ο Ιακώβ ονειρεύτηκε μια σκάλα που συνδέει τον ουρανό με τη γη. Οι υπαινιγμοί αφθονούν σε όλο το έργο, όπως είναι χαρακτηριστικό του έργου του Johns, αλλά όλοι περιστρέφονται γύρω από τις έννοιες της σύνδεσης. Ο ζωγράφος χάραξε ένα σύνολο γραμμάτων χωρίς κενά μεταξύ τους στο κάτω μέρος του πίνακα, στο ίδιο γκρι με το φόντο, και μπορεί κανείς να καταλάβει το όνομακαι το έτος του έργου τέχνης, αλλά μόνο με προσπάθεια.

Σε αυτή την ευαίσθητη, αλλά και διασκεδαστική, συνθετική απόφαση, ο Johns επιστρέφει σε θέματα που τον βασανίζουν εδώ και δεκαετίες: η πολυπλοκότητα του νοήματος και της ερμηνείας, ο συγκερασμός των μορφών και του εδάφους, η αφαίρεση και η απεικόνιση, και η πρόθεση να συμμετάσχει ο θεατής πέρα από το παθητικό κοίταγμα.

Κληρονομιά του Jasper Johns

Ως μέλος του κινήματος Neo-Dada, ο Johns πέρασε το στιλιστικό χάσμα μεταξύ της Pop Art και του αφηρημένου εξπρεσιονισμού στα τέλη της δεκαετίας του 1950, συνεχίζοντας να διευρύνει τα θέματα, τα υλικά και τις τεχνικές του μέχρι σήμερα.

Οι ζωγράφοι της ποπ όπως ο James Rosenquist και ο Andy Warhol επωφελήθηκαν από την πρωτοποριακή στροφή του Johns στη σφαίρα του πολιτισμού, παρουσιάζοντας καθημερινά αντικείμενα και προϊόντα μαζικής παραγωγής ως κατάλληλα θέματα για την υψηλή τέχνη.

Johns έθεσε τα θεμέλια για Εννοιολογική τέχνη στη δεκαετία του 1960 με την έρευνά του για τις μεταβαλλόμενες σημασίες των εικόνων και των συμβολισμών. Το διευρυνόμενο δημιουργικό έργο του Johns βοήθησε να εγκαινιαστούν τάσεις και οργανώσεις όπως η Body Art, και η Performance Art Ενώ οι ζωγράφοι της ποπ απορροφούσαν αμέσως την εικόνα του Τζονς για τον εξωτερικό κόσμο, το στυλ του μεταμοντερνισμού "bricolage" είναι κληρονόμος της ανησυχίας του για την οικειοποίηση, τις πολλαπλές ερμηνείες και το σημειωτικό παιχνίδι.

Τέλος, ο Johns και οι ομότεχνοί του Neo-Dada μεταμόρφωσαν την αμερικανική πρωτοπορία, προβλέποντας τον πειραματισμό και τη συμμετοχή του κοινού που θα καθόριζαν την τέχνη στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα.

Συνιστώμενη ανάγνωση

Σας άρεσε να μαθαίνετε για τους πίνακες του αφηρημένου εξπρεσιονιστή ζωγράφου Jasper Johns; Ίσως θέλετε να μάθετε ακόμα περισσότερα για τη βιογραφία και την τέχνη του Jasper Johns; Τότε απλά μελετήστε τη λίστα με τα προτεινόμενα βιβλία μας!

Jasper Johns: Mind/Mirror (2021) του Carlos Basualdo

Ο Jasper Johns θεωρείται συχνά ως ο σημαντικότερος εν ζωή καλλιτέχνης. Τα τελευταία 65 χρόνια, έχει δημιουργήσει ένα τολμηρό και ποικίλο έργο που διακρίνεται από συνεχή επανεφεύρεση. Το βιβλίο αυτό, εμπνευσμένο από τη μακροχρόνια ενασχόληση του καλλιτέχνη με τον καθρέφτη και τα διπλά, προσφέρει μια φρέσκια και συναρπαστική άποψη για το έργο του Johns και τη συνεχιζόμενη σημασία του. Μια ευρεία συλλογή επιμελητών,μελετητές, καλλιτέχνες και συγγραφείς παρέχουν μια σειρά από δοκίμια -πολλά από τα οποία είναι συζευγμένα κείμενα- που εξετάζουν χαρακτηριστικά του έργου του καλλιτέχνη, όπως τα επαναλαμβανόμενα μοτίβα, οι έρευνες για τον τόπο και η χρήση ποικίλων μέσων στην υβριδική μινιμαλιστική τέχνη του.

Jasper Johns: Mind/Mirror
  • Μια αναδρομική ματιά στο έργο ενός εμβληματικού Αμερικανού καλλιτέχνη
  • Ο πλούσια εικονογραφημένος τόμος περιλαμβάνει σπάνια δημοσιευμένα έργα
  • Περιλαμβάνει πρωτόγνωρο αρχειακό περιεχόμενο
Προβολή στο Amazon

Jasper Johns (2017) του Jasper Johns

Αυτό το όμορφα σχεδιασμένο βιβλίο συγκεντρώνει τους καμβάδες, τα γλυπτά, τα χαρακτικά και τα σκίτσα του Johns. Εστιάζει σε διάφορες περιόδους της καριέρας του Johns και συζητά τη διεθνή σημασία του έργου του, από τις προόδους του στη γλυπτική μέχρι τη χρήση του κολάζ στους πίνακες. Αυτή η ανθολογία, η οποία περιλαμβάνει σχόλια από διάφορους μελετητές, υπόσχεται να εμβαθύνει στο εύρος και το βάθος της παραγωγής του Johns, η οποίακαλύπτει περισσότερο από μισό αιώνα.

Jasper Johns
  • Συγκεντρώνει τους πίνακες ζωγραφικής, τα γλυπτά, τις εκτυπώσεις και τα σχέδια του Johns.
  • Δίνει έμφαση σε διαφορετικά κεφάλαια της καριέρας του Johns
  • Εξετάζει τη διεθνή σημασία του έργου του
Προβολή στο Amazon

Οι αφηρημένοι πίνακες του εξπρεσιονιστή ζωγράφου Jasper Johns είναι χιουμοριστικά, προκλητικά έργα που αμφισβητούν τον τρόπο με τον οποίο αντιλαμβανόμαστε και κατανοούμε τον κόσμο γύρω μας. Τα έργα του Jasper Johns απέφευγαν την τέχνη που ήταν αποκομμένη από την καθημερινή ζωή, κάνοντας απλούς δείκτες, όπως στόχους και σημαίες, το επίκεντρο της μινιμαλιστικής τέχνης του. Από τη δεκαετία του 1950 μέχρι σήμερα, οι πίνακες του Jasper Johns έχουν επηρεάσει τονσχεδόν κάθε δημιουργική τάση.

Συχνές ερωτήσεις

Ποιος ήταν ο Jasper Johns;

Ο Jasper Johns θεωρείται ευρέως ως ένας από τους σημαντικότερους ζωγράφους του 20ου αιώνα και έχει παραμείνει ζωτικής σημασίας για την αμερικανική τέχνη. Ο Johns, μαζί με τον τότε συνεργάτη του Robert Rauschenberg, συνέβαλαν στην καθιέρωση μιας οριστικής νέας κατεύθυνσης στον κόσμο της τέχνης, η οποία ονομάστηκε τότε Neo-Dada. Η αξιοσημείωτη χρήση της κοινής εικονογραφίας από τον Johns, όπως ο ίδιος τη διατύπωσε, πράγματα που το μυαλό ήδη γνωρίζει(σημαίες, αριθμοί, χάρτες), καθιστούσε το οικείο ασυνήθιστο και είχε τεράστια επιρροή στον κόσμο της τέχνης, αποτελώντας σημείο αναφοράς για την ποπ, τον μινιμαλισμό και την εννοιολογική τέχνη.

Τι είδους τέχνη παρήγαγε ο Jasper Johns;

Στα μέσα της δεκαετίας του 1950, ο Τζάσπερ Τζονς έκανε τη μεγάλη του ανακάλυψη ως ζωγράφος όταν άρχισε να ενσωματώνει διάσημα, δημοφιλή μοτίβα στους πίνακές του, μια εκρηκτική κίνηση σε μια εποχή που η προοδευτική ζωγραφική θεωρούνταν αποκλειστικά αφηρημένη. Οι πλούσιες, ζωγραφικές επιφάνειες των πινάκων του Τζονς στα μέσα του αιώνα μοιάζουν με εκείνες του αφηρημένου εξπρεσιονισμού, αλλά ο Τζονς τις πέτυχε χρησιμοποιώντας επίπονες, πολυέξοδες διαδικασίεςΚατά τη διάρκεια της 60χρονης καριέρας του, ο Johns πειραματίστηκε με μια ποικιλία μέσων και τεχνικών, επιτρέποντάς του να διερευνήσει την αλληλεπίδραση των υλικών, του νοήματος και της αναπαράστασης στην τέχνη.

John Williams

Ο John Williams είναι έμπειρος καλλιτέχνης, συγγραφέας και εκπαιδευτικός τέχνης. Απέκτησε το πτυχίο του Bachelor of Fine Arts από το Pratt Institute στη Νέα Υόρκη και αργότερα συνέχισε το μεταπτυχιακό του στις Καλές Τέχνες στο Πανεπιστήμιο Yale. Για πάνω από μια δεκαετία, έχει διδάξει τέχνη σε μαθητές όλων των ηλικιών σε διάφορα εκπαιδευτικά περιβάλλοντα. Ο Williams έχει εκθέσει τα έργα του σε γκαλερί στις Ηνωμένες Πολιτείες και έχει λάβει πολλά βραβεία και επιχορηγήσεις για το δημιουργικό του έργο. Εκτός από τις καλλιτεχνικές του αναζητήσεις, ο Williams γράφει επίσης για θέματα που σχετίζονται με την τέχνη και διδάσκει εργαστήρια για την ιστορία και τη θεωρία της τέχνης. Είναι παθιασμένος με το να ενθαρρύνει τους άλλους να εκφραστούν μέσω της τέχνης και πιστεύει ότι όλοι έχουν την ικανότητα για δημιουργικότητα.