Plein Air Malerei - Eine detaillierte Geschichte der Freilichtmalerei

John Williams 12-10-2023
John Williams

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts war das Malen im Freien oder en Plein air, wurde unter den Malern des Impressionismus immer beliebter. Diese Malweise ermöglichte es den Impressionisten, die eher flüchtigen Eigenschaften der Umwelt einzufangen. Es gibt verschiedene Methoden, die Plein air Die Impressionisten waren in der Lage, die Wirkung des natürlichen Lichts wie nie zuvor in der Malerei wiederzugeben. en Plein air.

Eine kurze Geschichte der Plein-Air-Malerei: Was ist Plein Air Malerei?

Das Malen im Freien hat eine lange Geschichte in der Kunstwelt, aber erst zu Beginn des 19. Davor mischten viele Künstler ihre eigenen Farben aus rohen Pigmenten. Diese Pigmente mussten gemahlen und zu Farbe gemischt werden, was die Tragbarkeit erschwerte. Die meisten Malaktivitäten waren streng auf das Atelier beschränkt. Plein air Die Malerei wurde für viele Künstler zu einer praktikablen Option, als in den 1800er Jahren Farbtuben weithin verfügbar wurden.

Französische Impressionisten und Plein Air Gemälde

Die Kunstschule von Barbizon in Frankreich war entscheidend für die zunehmende Popularität der Malerei en Plein air. Künstler aus Barbizon wie Theodore Rousseau und Charles-Francois Daubigny waren Verfechter dieses Malstils, da sie durch das Malen im Freien einfangen konnten, wie das Wetter die Erscheinung des Lichts in einer Umgebung verändert.

In den 1860er Jahren malt Pierre-Aguste Renoir, Claude Monet Frederic Bazille und Alfred Sisley lernten sich während ihres Studiums bei Charles Gleyre kennen. Die vier Künstler entdeckten ihre gemeinsame Leidenschaft für das Malen von Szenen aus dem zeitgenössischen Leben und von Landschaften. Die Gruppe begab sich oft aufs Land, um dort zu malen. en Plein air. Mit Hilfe des natürlichen Sonnenlichts und der neu zur Verfügung stehenden Vielfalt an reichen Pigmenten entwickelten diese Künstler einen neuen Malstil, der heller und leichter war als der Realismus der Schule von Barbizon.

Dieser Malstil war zunächst radikal, aber gegen Ende des 19. Jahrhunderts hatten die Theorien des Impressionismus die akademischen Kreise und die alltägliche künstlerische Praxis durchdrungen. In ganz Europa bildeten sich kleine Künstlerkolonien, die sich auf impressionistische Techniken und Plein air Die Landschaftsimpressionisten Henri Le Sidaner und Eugene Chigot waren Teil der Künstlerkolonie an der Cote d'Opal.

Plein Air Malerei in Italien

In der Toskana hat die Macchiaioli-Gruppe von Italienische Maler brachen in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts mit den antiquierten Traditionen der Akademien. Ab den 1850er Jahren malten diese Künstler überwiegend im Freien, wo sie die Farben, Schatten und das natürliche Licht der Umgebung genau einfangen konnten. Die Praxis der Malerei en Plein air verbindet diese Gruppe von Künstlern mit den französischen Impressionisten, die einige Jahre später bekannt wurden.

Plein Air Malerei in Englands Landschaft

Auch in England wurde das Malen im Freien zu einer vorherrschenden Praxis unter den Landschaftsmalern. Viele in England glauben, dass Johann Wachtmeister war der erste Pionier der Plein air Malerei um 1813. Insbesondere in England wurde die Malerei en Plein air war ein wesentlicher Bestandteil der Entwicklung des Naturalismus. Ende des 19. Jahrhunderts war die Newlyn-Schule ein starker Verfechter der en Plein air Techniken.

Weniger bekannte Künstlerkolonien, die im Freien malten, entstanden in ganz England, darunter das Kollektiv von Amberly. Dieses Kollektiv in West Sussex bildete sich um den in Paris ausgebildeten Landschaftsmaler Edward Stott. Die späten Viktorianer liebten die stimmungsvollen Landschaften von Stott. Das Malen im Freien wurde oft auf die Spitze getrieben. Es gibt zum Beispiel ein Foto von Stanhope Forbes, der bei starkem Wind auf eineram Strand, mit seiner Leinwand und seiner Staffelei, die mit Seilen befestigt waren.

Die Wasserstelle (1879-1918) von Edward Stott; Edward Stott, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Malen im Freien in Nordamerika

Die Praxis der Plein air Die Malerei verbreitete sich auch in Nordamerika, beginnend mit der Hudson River School. Viele Amerikanische Künstler wie Guy Rose, reisten nach Frankreich, um bei französischen Impressionisten zu studieren. Sammlungen amerikanischer Impressionisten wuchsen in Gegenden mit atemberaubenden Landschaften und viel natürlichem Licht auf. Teile des amerikanischen Südwestens, der West- und der Ostküste wurden bei Künstlern wegen ihres unglaublichen Lichts beliebt. Das Malen im Freien wurde zu einem grundlegenden Bestandteil der Kunsterziehung, und viele Künstler unternahmen unerschrockeneReisen, um herrliche Landschaften zu studieren und zu malen.

Bei Reisen zu verschiedenen Orten ist es für Schüler und Lehrer gleichermaßen wichtig, dass die Malerei en Plein air Um das lebendige Sonnenlicht in Rhode Island einzufangen, stellte der amerikanische Maler Philip Leslie Hale Modelle im Garten seiner Tante auf. Die Fähigkeit amerikanischer Künstler, das Gefühl von freier Luft und echtem Sonnenlicht einzufangen, wird vielleicht am besten von Edmund Tarbell verkörpert. Bemerkenswert Plein air Der Maler William Merritt Chase ist nicht nur für seine Gemälde von Meeresküsten und Parks bekannt, sondern auch für den Unterricht in Freiluftmalerei, den er an der Shinnecock Summer Art School und anderen Einrichtungen gab.

Herausforderungen der Malerei en Plein Air und die Ausrüstung, um sie zu überwinden

Die Malerei im Freien stellte die ersten Befürworter des Systems vor mehrere Probleme Plein air. Die Künstler mussten nicht nur ihre gesamte Ausrüstung transportieren, sondern auch die nassen Leinwände nach Hause tragen und mit dem Wetter zurechtkommen. Das Wetter war vielleicht die größte Herausforderung für Plein air Die neuesten Entwicklungen im Bereich der Malerausrüstung konnten Regen und Wind nicht ausgleichen.

Die Kastenstaffelei, auch französische Kastenstaffelei genannt, ist eine der bedeutendsten Erfindungen des 19. Es besteht kein Konsens darüber, wer diesen Kasten zuerst entwickelt hat, aber die unglaublich tragbaren Staffeleien mit eingebautem Farbkasten und ausziehbaren Beinen machten das Malen en Plein air Diese Staffeleien lassen sich auf die Größe einer Aktentasche zusammenklappen, so dass sie leicht zu transportieren und zu verstauen sind, und sind auch heute noch bei Künstlern sehr beliebt.

Eine weitere Entwicklung im Bereich der Malausrüstung ist die Pochade-Box. Eine kompakte Box, in der die Künstler ihre Malutensilien aufbewahren konnten und die im Deckel auch eine Leinwand aufnahm. Je nach Ausführung konnten die Künstler größere Leinwände an den Deckel klemmen, und einige Modelle hatten eingebaute Fächer, um nasse Leinwände aufzubewahren. Obwohl diese Boxen ursprünglich für die Malerei im Freien konzipiert waren, haben viele KünstlerSie werden auch heute noch zu Hause, im Klassenzimmer oder im Studio verwendet.

Einige der berühmtesten en Plein Air Maler

Wir haben im Großen und Ganzen einige der einflussreichsten Maler besprochen, die die en Plein air Techniken. Plein air Künstler wie Constable, Monet und Renoir gehen als einige der einflussreichsten Maler dieser Bewegung in die Geschichte ein. Wir wollen ihre Stile und Praktiken etwas genauer untersuchen.

John Constable (1776-1837)

Viele Kunsthistoriker halten John Constable für den ersten Pionier der Freilichtmalerei. Der in Suffolk geborene englische Künstler ist berühmt für seine Landschaftsgemälde. Constable besaß die Fähigkeit, mit Präzision und Gefühl die Farben, das Licht, das Klima und die schlichte Romantik der englischen Landschaft einzufangen. Nach dem Studium der Werke eines der größten Barocke Landschaftsmaler Claude Lorrain, malte Constable makellos gemessene Rekonstruktionen der Landschaft.

Constables Gemälde zeichnen sich durch ihre Leichtigkeit aus, mit der er die Licht- und Farbenspiele in der hügeligen englischen Landschaft mit verblüffender Genauigkeit einfängt. Mit kleinen, gebrochenen Pinselstrichen, wie sie später die Impressionisten kennzeichnen sollten, konnte Constable Licht und Bewegung so einfangen, dass sie auf der Leinwand funkelten und tanzten.

Während seiner Karriere malte Constable einige Porträts. Obwohl diese Porträts ausgezeichnet sind, hatte Constable keine Freude an Porträts, da sie nicht so aufregend waren wie Landschaften. Religiöse Gemälde waren ein Genre, in dem sich Constable nicht auszeichnete. Constable zog das ganze Jahr über viel in England umher. Er verbrachte den Sommer malend in East Bergholt und ging dann für den Winter nach London. Constablemochte Salisbury besonders gern und besuchte es bei jeder Gelegenheit. Seine Aquarellmalerei, Stonehenge gilt als eines seiner besten Werke.

Bedeutende Werke

Erst im Alter von 43 Jahren verkaufte Constable sein erstes großes Gemälde. Das Weiße Pferd ebnete den Weg für künftige großformatige Gemälde, die oft mehr als sechs Fuß lang waren. Das vielleicht berühmteste Gemälde von Constable ist Die Heuwaage, das er 1821 malte. Das Gemälde zeigt ein Pferdegespann, das einen breiten Fluss vor einer weiten Hügellandschaft überquert. Nachdem er dieses Gemälde in einer Ausstellung der Akademie gesehen hatte, wurde der einflussreiche Französischer Künstler Theodore Gericault lobte Constable, und durch Gericault kam der Kunsthändler John Arrowsmith zum ersten Mal mit Constable in Kontakt. Die Heuwaage, die er später kaufte . Im Jahr 1824 auf einer Ausstellung im Pariser Salon, Die Heuwaage gewann die Goldmedaille.

Siehe auch: Burg Himeji in Japan - Ein Blick in die Burg Himeji

Die Heuwaage (1800) von John Constable; Ernst Ludwig Kirchner, CC0, über Wikimedia Commons

Claude Monet (1840-1926)

Von allen Malern des französischen Impressionismus ist Monet wohl der berühmteste. Der in Paris geborene Monet begann schon als Kind zu zeichnen. Schon als kleiner Junge verkaufte Monet Karikaturen und Porträts, um sich ein Taschengeld zu verdienen. Als Teenager begann Monet, Landschaften zu malen en Plein air. Nachdem er zwei Jahre in der Armee gedient hatte, kehrte Monet nach Paris zurück und schloss feste Freundschaften mit anderen jungen Malern, aus deren Kreisen der französische Impressionistische Bewegung Die Besessenheit Monets, im Freien zu malen, wurde für die Impressionisten zur gängigen Praxis.

Im Gegensatz zu vielen anderen Künstlern seiner Zeit widmete sich Monet ganz der Malerei außerhalb des Ateliers. Das Spiel von natürlichem Licht und Schatten auf jeder Oberfläche stand im Mittelpunkt von Monets Werken, und er war der Meinung, dass das Malen im Freien der beste Weg war, dies einzufangen. Aufgrund seines Interesses an Licht und Farbe malte Monet viele Motive, die andere Künstler nicht in Betracht zogen. Ob es sich um eineHeuhaufen oder ein roter Kimono, Monet fand die Schönheit in der Art, wie das Licht auf ihnen spielte.

Monet stellte nicht nur die Konventionen des Fachs in Frage, sondern auch die traditionellen Vorstellungen von der Vollendung eines Gemäldes. Monet und die anderen frühen impressionistischen Maler arbeiteten schnell, um einen bestimmten Moment des Lichts einzufangen. Viele konventionelle Künstler spotteten über Monets Stil, er sei kaum mehr als eine grobe Skizze.

Bedeutende Werke

Monets berühmteste Werkserie ist zweifellos die Seerosen Diese Sammlung von rund 250 Ölgemälde seines Seerosengartens in Giverny ist weltberühmt. Monet malte das Seerosen Diese Gemälde konzentrieren sich ganz auf das Wasser, ohne jegliche Darstellung von Himmel oder Land. Jede Andeutung von Himmel oder Land ist kaum mehr als eine Spiegelung im Wasser. Bevor Monet mit dieser Serie von Gemälden begann, pflanzte er die Seerosen in seinem Garten in Giverny. Die Anordnung der Blumen in diesem Garten warIn den letzten 30 Jahren seines Lebens widmete sich Monet dem Festhalten der sich ständig verändernden Welt seines Seerosenteichs.

Eine weitere einflussreiche Serie von mehreren Gemälde von Monet ist Heuhaufen Die Serie besteht aus 25 Gemälden, von denen jedes einen Heuhaufen mit geerntetem Weizen zeigt. Monet begann mit dieser Serie gegen Ende 1890 und setzte sie im darauffolgenden Jahr fort. Die Bedeutung dieser Serie liegt in der Art und Weise, wie Monet die Veränderungen der Atmosphäre, des Lichts und der Farben einfing. Die Serie ist ein Meisterwerk des Impressionismus und wurde in der ganzen Welt ausgestellt.

Seerosen (1906) von Claude Monet; Claude Monet, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Pierre-Auguste Renoir (1841-1919)

Ein weiterer großer französischer Impressionist, Pierre-Aguste Renoir, wurde von den frühen Malern der Schule von Barbizon beeinflusst. Renoir, der während seiner gesamten Laufbahn Landschaften malte, ließ sich von der naturalistischen Herangehensweise dieser Künstler an die Darstellung von Landschaften inspirieren. Reine Landschaften oder Landschaften ohne Anzeichen menschlicher Aktivität waren die häufigsten Motive dieser Barbizon-Malerund Renoir.

Renoir folgte dem Beispiel der Maler von Barbizon und malte vorwiegend im Freien, oder en Plein air. Wenn er im Freien malte, fertigte Renoir oft kleine Studien für spätere Werke an und vollendete die Gemälde in einer einzigen Sitzung. In vielen Gemälden Renoirs sind die schnellen Pinselstriche, die locker definierten Formen und die raue Oberflächenstruktur des frühen Impressionismus zu erkennen. Renoir nutzte diese Techniken, um die atmosphärischen Bedingungen und die Veränderungen des Lichts einzufangen, die für dieImpressionistische Malerei.

Bedeutende Werke

Die für Renoirs Stil charakteristischen schnellen und unvermischten Pinselstriche sind in Die Windböe. Dieses Gemälde ist voller Widersprüche: Die Pinselstriche lassen eine fast skizzenhaft wirkende Landschaft entstehen, was den atmosphärischen Eindruck eines stürmischen Tages noch verstärkt. Im Gegensatz dazu ist die Art und Weise, wie Renoir es schafft, die Lichtsprenkel und die Luftbewegungen einzufangen, unglaublich lebendig. Es wird angenommen, dass Renoir dieses Gemälde Plein air in einer einzigen Sitzung zu malen.

Im Jahr 1877 stellte Renoir aus Die Seine bei Champrosay, Als er Champrosay besuchte, um ein Auftragsporträt zu malen, war Renoir von der Landschaft begeistert. In diesem Gemälde sind die schnellen Pinselstriche und die kräftigen, unvermischten Farben zu sehen, die für den impressionistischen Stil charakteristisch sind.

Seine-Ufer in Champrosay (1876) von Pierre-Auguste Renoir; Pierre-Auguste Renoir, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Empfohlene Lektüre zum Thema Malerei en Plein Air

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Baltic Light: Frühe Freilichtmalerei in Dänemark und Norddeutschland

Im frühen 19. Jahrhundert brachten viele Künstler aus Deutschland und Dänemark, die in Rom und Paris studiert hatten, das Konzept der Malerei mit nach Hause. en Plein air. Die atmosphärischen Bedingungen und das Licht im Norden waren wie geschaffen für diese Art der Landschaftsmalerei, insbesondere während der langen Sommertage. Dieses Buch untersucht die Werke mehrerer niederländischer und deutscher Landschaftsmaler aus dem 19. Caspar David Friedrich der vor allem für die Entwicklung des romantischen Stils bekannt ist, wird eingehend behandelt.

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Künstler, die malen en Plein Air Heute

Bisher haben wir uns in diesem Artikel vor allem mit Künstlern aus dem 19. Jahrhundert befasst, aber die Praxis des Malens im Freien ist auch heute noch sehr lebendig. Im Folgenden stellen wir die Erfahrungen mehrerer Künstler vor, die weiterhin im Freien malen, und zwar in verschiedenen Medien.

Siehe auch: "Heuhaufen" von Claude Monet - Monets Getreidestapel in Giverny Gemälde

Brian Shields

Für Brian Shields geht es beim Malen im Freien darum, zu erkunden, wie man die natürlichen Elemente darstellt. Malen en Plein air kann eine Herausforderung sein, und für Shields besteht die größte Herausforderung darin, alle seine Sinneserfahrungen in einer Umgebung - Geruch, Geräusche, Emotionen und Visionen - auf einer kleinen Leinwand darzustellen. Shields stellt oft fest, dass er eine schnelle Skizze anfertigen oder eine Szene fotografieren sollte und dann in sein Atelier zurückkehrt, um die Erinnerung durch Malen zu verdichten. Nachdem er fast 30 Jahre lang im Freien gemalt hat, ist Shields nunEr sammelt seine Bilder am liebsten bei langen Spaziergängen und kehrt dann in sein Atelier zurück, um sie zusammenzustellen.

David Grossmann

David Grossmann wurde in Colorado geboren und verbrachte seine Kindheit in Chile. Seine Karriere als Künstler führte ihn durch die ganze Welt, aber er lebt heute mit seiner Frau in Colorado. Grossmanns Landschaftsbilder Grossmann war schon immer ein Künstler und erhielt seine formale Ausbildung an der Colorado Academy of Art und bei Jay Moore, dem bekannten Landschaftsmaler.

Für Grossmann ist die Malerei ein Weg, um mit den Menschen in Kontakt zu treten. Seine Bilder von ruhigen Landschaften und stillen, wachen Himmeln spiegeln die Sehnsucht nach Geborgenheit und Frieden wider. Er hofft, dass seine Bilder dieses Gefühl der Geborgenheit wiedergeben, damit andere es mit ihm teilen können.

Grossmann verbindet verschiedene alte Techniken mit einer zeitgenössischen Ästhetik und schlägt so eine Brücke zwischen Altem und Neuem. Typischerweise malt Grossmann leuchtende Pigmentschichten mit aufwändiger Oberflächenstruktur auf handgefertigte Holztafeln. Für Grossmann hat dieser zeitaufwändige Prozess etwas sehr Meditatives.

Mit Auszeichnungen wie dem Southwest Art Award of Excellence und dem Artists Choice Award wurde Grossmanns Werk weithin gefeiert und hat im Laufe der Jahre in ganz Europa und Nordamerika ausgestellt.

Frances B. Ashforth

Frances B. Ashforth wuchs in einer Künstlerfamilie auf und fühlte sich schon immer zu Farben und Linien hingezogen. Auf der Farm ihrer Großeltern in New Hampshire entwickelte Ashforth ihre Faszination für die Horizontlinie, die in ihren Werken häufig vorkommt. en Plein air Mit ihrer Arbeit möchte Ashforth das Erbe ihrer Familie als Künstler und Landbesitzer ehren.

Ashforth nutzt eine Kombination aus Freiluft- und Ateliermalerei, um ihre Werke zu vollenden. Manchmal fertigt sie eine Zeichnung komplett im Freien an, ein anderes Mal fertigt sie Feldzeichnungen an, um sie mit ins Atelier zu nehmen. Wasser und der Horizont zwischen Wasser und Land waren schon immer ein beliebtes Thema für Ashforth. Stein ist ein weiteres Thema, von dem Ashforth nicht genug bekommen kann. Für sie,Ein Stein ist genauso schön wie der Strauch, der ihn in den Sommermonaten bedeckt. Ashforth sagt, dass unsere individuellen Erinnerungen die Art und Weise bestimmen, wie wir die Welt sehen, und so ist ihre Kunst eine direkte Kommunikation mit ihrer Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.

Jane Shoenfeld

Jane Shoenfelds bevorzugtes Medium bei der Arbeit en Plein air Shoenfeld hat die meiste Zeit ihres Lebens im Freien gemalt, und ihre abstrakten Werke spiegeln oft das Licht, die Farben und den Rhythmus der Natur wider, die sie so sehr liebt. Viele von Shoenfelds Werken sind völlig abstrakt, aber ihr Spiel mit Farben und Formen vermittelt eine gewisse Emotionalität.

Wenn Jane draußen zeichnet, spürt sie Aufregung und Spannung, während sie die Landschaft vor sich abtastet. Oft halten diese Arbeiten nicht eine Szene fest, sondern das Gefühl eines Ortes. Für Shoenfeld ist die Energie, die sie an einem bestimmten Ort erlebt, viel wichtiger und hat einen viel größeren Einfluss auf das endgültige Werk als das, was sie mit ihren Augen sieht.

Das Malen en Plein air hat eine lange und internationale Geschichte. Von den frühen Naturforschern und französischen Impressionisten bis hin zu zeitgenössischen Künstlern ist das Malen im Freien eine beliebte Technik. Das Malen einer Landschaft von innen heraus scheint ihr Wesen auf eine sehr reale Weise einzufangen, die dieser Methode eigen ist.

John Williams

John Williams ist ein erfahrener Künstler, Autor und Kunstpädagoge. Er erwarb seinen Bachelor of Fine Arts am Pratt Institute in New York City und machte später seinen Master of Fine Arts an der Yale University. Seit über einem Jahrzehnt unterrichtet er Schüler jeden Alters in verschiedenen Bildungseinrichtungen Kunst. Williams hat seine Kunstwerke in Galerien in den Vereinigten Staaten ausgestellt und für seine kreative Arbeit mehrere Auszeichnungen und Stipendien erhalten. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit schreibt Williams auch über kunstbezogene Themen und gibt Workshops zu Kunstgeschichte und -theorie. Es ist ihm eine Leidenschaft, andere dazu zu ermutigen, sich durch Kunst auszudrücken, und er ist davon überzeugt, dass jeder die Fähigkeit zur Kreativität besitzt.