Jasper Johns - Abstrakter Ausdruck, Neo-Dada und Pop-Künstler

John Williams 29-07-2023
John Williams

Die Gemälde des abstrakten Expressionisten Jasper Johns sind spielerische, provokative Kunstwerke, die die Ansätze untersuchen, mit denen wir die Welt um uns herum betrachten und verstehen. Jasper Johns' Kunstwerke haben sich von der Kunst, die vom gewöhnlichen Leben abgekoppelt ist, abgewendet, indem er grundlegende Markierungen wie Zielscheiben und Flaggen in den Mittelpunkt seiner Minimalismus-Kunst gestellt hat. Von den 1950er Jahren bis heute haben die Gemälde von Jasper Johns eineEinfluss auf praktisch jeden kreativen Trend.

Biografie von Jasper Johns

Nationalität Amerikanisch
Geburtsdatum 15. Mai 1930
Datum des Todes K.A.
Ort der Geburt Augusta, Georgia

Erläutert die gegensätzlichen Stile von Abstrakter Expressionismus Der berühmte Maler des abstrakten Expressionismus entwickelte eine raffinierte Ästhetik, die sich mit Themen wie Individualität, Verspieltheit und intellektueller Interaktion auseinandersetzt. Jasper Johns' Werke schufen die Grundlage für die Übernahme der Pop Art durch die Konsumgesellschaft, indem sie die üblichen Barrieren zwischen bildender Kunst und Alltag niederrissen.

Die ausdrucksstarke Farbverteilung in Jasper Johns' Gemälden erinnert an die meisten Werke des Abstrakten Expressionismus, allerdings füllt er sie nicht mit der philosophischen oder metaphysischen Komplexität, wie es seine Zeitgenossen taten.

Kindheit

Jasper Johns wurde am 15. Mai 1930 in Augusta, Georgia, geboren und wuchs in den ländlichen Regionen von South Carolina bei seinen Großeltern auf, die sich trennten, als er noch ein Baby war. Die Kunstwerke seiner Großmutter wurden im Haus seines Großvaters ausgestellt, wo er bis zu seinem neunten Lebensjahr wohnte, und waren seine einzige Begegnung mit der Kunst während seiner Kindheit.

Johns begann schon in jungen Jahren mit dem Skizzieren und hatte die vage Vorstellung, Maler zu werden, beschäftigte sich aber erst am College mit einem formalen Kunststudium.

Über seinen Jugendtraum, Maler zu werden, sagte er: "Ich hatte keine Ahnung, was das bedeutete. Ich glaube, ich habe das falsch interpretiert, um anzudeuten, dass ich in einer besseren Situation sein könnte als der, in der ich mich befand." Als Teenager zog Johns zu seiner Tante Gladys, die ihn und zwei andere Kinder in einem Einraumklassenzimmer unterrichtete.

Johns versöhnte sich später mit seiner Mutter und machte seinen Abschluss als Abschiedsredner an seiner High School.

Frühe Ausbildung

Ab 1947 besuchte Johns nach seinem Highschool-Abschluss die University of South Carolina. 1948 kam er auf Anraten seiner Tutoren nach New York und absolvierte ein Semester an der Parsons School of Design. Leider war Parsons nicht die beste Wahl für Johns, und er brach das Studium ab, so dass er sich für die Einberufung zum Militär zur Verfügung stellte. 1951 wurde er zur Armee eingezogen und diente zwei Jahre lang.Jahre.

Als Johns 1953 nach seiner ehrenvollen Entlassung aus der Armee nach New York zurückkehrte, begegnete er dem jungen Maler Robert Rauschenberg, der ihn in die Kunstwelt einführte. 1954 bis 1961 hatten die beiden Künstler eine leidenschaftliche romantische und kreative Verbindung.

"Ich lernte, was Künstler sind, indem ich Rauschenberg beobachtete", sagte Johns. Die beiden Künstler zogen schließlich zusammen, teilten sich einen Workshop-Raum und waren füreinander das Publikum, als sich nur wenige andere für ihre Kunst begeisterten.

Foto des amerikanischen Künstlers Jasper Johns, der am 15. Februar 2011 die Medal of Freedom erhielt; Videofilmer des Weißen Hauses für das Weiße Haus von Obama, Public domain, via Wikimedia Commons

Sie beeinflussten sich gegenseitig in ihrer Kunst, indem sie Konzepte und Ansätze teilten, die von der damals vorherrschenden Strömung des Abstrakten Expressionismus abwichen. Beide waren am College tätig und lehnten den psychologischen und existenzialistischen Diskurs ab, der die damals dominierende New Yorker Kunstschule umgab. In dieser Zeit begann Johns, seine Bilder mit der amerikanischen Flagge und Zielscheiben auf Leinwand zu malenmit enkaustischem Wachs, wobei er ein Verfahren anwendet, bei dem Zeitungspapierfetzen und Materialreste auf Papier vermischt werden.

Dabei vermischten sich dadaistische Gesten mit Elementen des Minimalismus und der Konzeptkunst. Laut Johns kam ihm die Inspiration zu "Flag" (1955) eines Abends im Jahr 1954, als er davon träumte, eine riesige amerikanische Flagge zu gestalten. Am nächsten Tag setzte er den Traum in die Realität um und vollendete schließlich mehrere Leinwände mit demselben Motiv.

Johns war begeistert davon, Werke zu schaffen, die auf vielfältige Weise interpretiert werden konnten, und erklärte, dass es bei diesen Gemälden nicht mehr um ein Symbol geht als um Pinselstriche oder die Greifbarkeit von Farbe". 1958 flogen Rauschenberg und Johns nach Philadelphia, um sich die Duchamp-Ausstellung im Philadelphia Museum anzusehen, wo die Readymades des älteren Dada-Schöpfers einen enormen Eindruck auf beide machten.

1959 besuchte Duchamp das Atelier von Johns und stellte damit eine direkte Verbindung zwischen der vorangegangenen Avantgarde des 20. Jahrhunderts und der aktuellen Welle amerikanischer Maler her. Johns' kreative Technik wuchs durch diese Begegnungen, da er neue Techniken in seine eigenen Werke integrierte.

Reifezeit

Trotz der Tatsache, dass er nur seine Arbeit gezeigt hatte Grünes Ziel (1955) in einer Kollektivausstellung im Jüdischen Museum 1957 hatte Johns 1958 seine erste Einzelausstellung, als Rauschenberg ihn dem aufstrebenden, prominenten Galeristen Leo Castelli empfahl. Die Einzelausstellung umfasste Johns' bahnbrechendes Werk Flagge (1955), sowie bereits gesehene Werke aus den vergangenen Jahren.

Die Ausstellung in der Galerie Castelli hat einige Besucher, wie den Künstler Allan Kaprow, begeistert, andere hingegen verblüfft.

Obwohl die Oberflächen der Gemälde die tropfenähnlichen Eigenschaften von Willem de Koonings und Jackson Pollocks gestischen Leinwänden fehlte der emotionale Expressionismus dieser Werke. Trotz anfänglicher Zweifel wurde Johns' erste Einzelausstellung von der Kritik überwältigend gut aufgenommen und rückte ihn ins öffentliche Rampenlicht. Der Direktor des Museum of Moderne Kunst erwarb drei Werke für die Institution, was für einen jungen, unbekannten Künstler ein Novum war.

Da die Pop-Art Trend um ihn herum aufblühte, gab Johns seine lebhaften Gemälde mit erkennbaren Bewegungen und Motiven zugunsten einer dunkleren Farbpalette auf. Einige Kommentatoren führen seine Abkehr von den Farben und die Hinwendung zu den Schwarz-, Grau- und Weißtönen, die viele seiner Gemälde seit den frühen 1960er Jahren kennzeichnen, auf das turbulente Ende seiner Partnerschaft mit Rauschenberg zurück. Obwohl sie sich nicht trenntenDa sie ihre New Yorker Werkstätten bis 1961 nicht verlassen konnten, war ihre Verbindung bereits 1959 gestört.

Im selben Jahr eröffnete Rauschenberg ein Atelier in Florida, und kurz darauf eröffnete Johns ein Atelier auf der Insel Edisto in South Carolina.

Obwohl sie einige Zeit allein in New York verbrachten, entfernten sie sich allmählich voneinander. Das Ende einer so bedeutenden und einflussreichen Verbindung hatte eine große psychologische Wirkung auf Johns, und er vergrub sich in seiner Kunst. 1963 erklärte er, dass er "den Eindruck hatte, an einen Ort zu kommen, an dem es keinen Platz zum Bleiben gab". Trotz dieser Vorbehalte fuhr er fort, den Umfang und die Verwirrung seiner Werke zu erweitern.Interpretationen seiner Gemälde.

Während dieser Zeit war er Teil der Merce Cunningham Dance Company, wo er von 1967 bis 1980 als künstlerischer Leiter fungierte.

Spätzeit

Nachdem sein Atelier auf Edisto Island 1968 bis auf die Grundmauern niedergebrannt war, verbrachte Johns seine Zeit zwischen St. Martin Island und Stony Point, New York; in den frühen 1970er Jahren erwarb er Einrichtungen an zwei Orten. In dieser Zeit nahm Johns das Thema der Kreuzschraffur in sein Repertoire auf, und dieser Ansatz dominierte seine Produktion bis in die frühen 1980er Jahre.

In den 1980er und 1990er Jahren nahmen Johns' Werke einen kontemplativeren Ton an, und er fügte mehr selbstreferenzielles Material hinzu, obwohl, wie Johns klugerweise bemerkte, "es eine Phase gab, in der ich anfing, Bilder aus meiner täglichen Existenz zu verwenden, aber was immer man verwendet, ist aus seiner täglichen Existenz", was bedeutet, dass seine Werke immer einen autobiografischen Aspekt enthielten.

In den Jahren nach der Trennung von Rauschenberg zog sich Johns immer mehr zurück, gab fast nie Interviews und hielt sich in der Öffentlichkeit sehr bescheiden; dennoch pflegte er enge Kontakte zu einer begrenzten Anzahl von Eliten der Kunstwelt. 2013 machte Johns erneut Schlagzeilen, als sein Werkstatthelfer James Meyer beschuldigt wurde, Gemälde im Wert von 6,5 Millionen Dollar aus einer Datei mit unvollendeten Werken gestohlen zu habendie Johns verboten hatte, verkauft zu werden.

Meyer stahl 22 Werke aus Johns' Atelier in Sharon, Connecticut, und versuchte, sie über eine anonyme Galerie in New York zu verkaufen, wobei er behauptete, es handele sich um Geschenke von Johns. Johns äußerte sich nicht zu dem Diebstahl, obwohl er Meyer kurz nach der Entdeckung der Werke entließ. gestohlene Kunstwerke.

Jasper Johns' Kunstwerke

Johns verwischte die Grenze zwischen bildender Kunst und Mainstream-Kultur, indem er weggeworfene Materialien, Zeitungsschnipsel und sogar massenproduzierte Waren verwendete. Dies brachte die zeitgenössische Kunst in die amerikanische Konsumszene der Mitte des Jahrhunderts und löste in den 1960er Jahren eine ganze Reihe von Pop-Künstlern aus.

Indem er alltägliche Themen wie Zielscheiben und Flaggen verwendete, versuchte sich Johns sowohl an abstrakten als auch an gegenständliche Kunst.

Zielscheiben und Fahnen sind beide von Natur aus flach und betonen daher, wenn sie als Thema für die technische Malerei verwendet werden, die Flachheit der Bildscheibe. Er verleiht dem Werk nicht die gleiche Tiefe wie seine Vorfahren.

Vielmehr ahmt er den gestisch ausdrucksstarken Pinselstrich effektiv nach und betrachtet das Zeichen des Künstlers nur als ein weiteres Zeichen oder Mittel, das zu der Vielzahl von Interpretationen in seinen Werken beiträgt.

Flagge (1955)

Datum der Fertigstellung 1955
Mittel Collage und Öl auf Sperrholz
Abmessungen 107 cm x 154 cm
Standort Museum für Moderne Kunst

Mit seiner Darstellung eines vertrauten, alltäglichen Bildes - der amerikanischen Flagge - wich Jasper Johns' erstes bedeutendes Gemälde von der Tradition der gegenstandslosen Kunst des Abstrakten Expressionismus ab. Statt Ölfarbe mit dem Pinsel auf die Tafel aufzutragen, schuf Johns die Flagge mit einer hochdynamischen Oberfläche aus zerrissenen, in Enkaustik getränkten Zeitungen, so dass Textteile sichtbar wurden.durch das Wachs.

Als das flüssige, farbige Wachs erstarrte, setzte es die Fragmente des Zeitungspapiers in ästhetisch unterscheidbare Markierungen, die an die expressive Pinselführung des Abstrakten Expressionismus erinnern. Johns' Faszination für die Semiotik, die Untersuchung von Symbolen und Zeichen, kam in den scheinbar eingefrorenen Tropfen und Bewegungen zum Ausdruck.

Im Wesentlichen bezog sich Johns auf die ausdrucksstarken Pinselstriche der Action Artists, die er in eine Metapher für künstlerische Kreativität umwandelte, anstatt sie einfach nur auszudrücken. Dieses Experiment war der Auftakt zu seiner karrierebegleitenden Untersuchung, "warum und wie wir die Realität so wahrnehmen, wie wir es tun".

Bis heute hat das Emblem der amerikanischen Flagge eine Fülle von Bedeutungen und Konnotationen, die von Mensch zu Mensch variieren. Das macht es zum idealen Thema für Johns' ersten Ausflug in die grafische Untersuchung der "Dinge, die der Verstand bereits kennt".

Mit seinen trügerisch banalen Themen untergrub er gezielt die Grenzen zwischen der bildenden Kunst und dem Leben im Allgemeinen.

Flagge wurde von Johns während des Bürgerrechtskampfes gemalt. Manche Betrachter mögen damals wie heute patriotische Gefühle oder Freiheit in dem Kunstwerk lesen, während andere nur Kolonialismus und Tyrannei wahrnehmen. Johns gehörte zu den ersten Malern, die den Betrachter mit den dem nationalen Emblem innewohnenden Dualitäten konfrontierten.

Falscher Start (1959)

Datum der Fertigstellung 1959
Mittel Öl auf Leinwand
Abmessungen 171 cm x 137 cm
Standort Privatsammlung

Jasper Johns benutzte Worte, um den Betrachter in ein Gespräch mit diesem Gemälde zu verwickeln. Die Worte "orange, rot, gelb und blau" sind in mehreren Positionen auf die Leinwandoberfläche inmitten der gestischen Farbflächen schabloniert. Die Verlagerung des Themas von nonverbalen Indikatoren für Ziele und Markierungen auf die Kommunikation selbst brachte Johns dazu, sich eingehender mit der Semiologie zu befassen und damit, wie Menschen Zeichen verstehen und entschlüsselnund Symbole.

Ich wollte eine Technik entwickeln, mit der ich die Farbe so auftragen konnte, dass sie auf andere Weise ausgewählt wurde", sagte er und abstrahierte jeden Farbton und die ihn beschreibenden Phrasen, indem er sich auf sie konzentrierte und die üblichen Konnotationen, die sie begleiteten, eliminierte.

Anstatt jedes Wort mit der Hand zu malen, verwendete Johns eine im Geschäft gekaufte Schablone - ein fertiges Verfahren, um ein Bild zu schaffen, ohne dass man die Handschrift des Künstlers sieht. Während er arbeitete, schablonierte er die farbigen Phrasen über und unter die zahlreichen Farbschichten.

Die meisten Wörter wurden von Johns in Objekte umgewandelt, indem er sie in Farbtönen malte, die nichts mit dem zu tun haben, für das sie sprachlich stehen; zum Beispiel erscheint "RED" in leuchtendem Orange in der Mitte des Gemäldes über einer gelben Fläche. Der Widerspruch zwischen den Phrasen und den Farbtönen wurde von Johns aufgedeckt, indem er ihre Rolle von der Identifizierung in eine einfache Ansammlung von Symbolen umwandelte, die fürNeubeurteilung.

Johns benutzte eine gestenbasierte Methode, bei der er bestimmte Farbanteile im Verhältnis zu zufälligen Armbewegungen in das Kunstwerk einbrachte, anstatt jeden einzelnen Pinselstrich vorher zu platzieren, beeinflusst von John Cages Interesse an der Rolle der Wahrscheinlichkeit im künstlerischen Prozess, eine Methode, die er "brush marking" nannte.in einer pyrotechnischen Show, die die beunruhigend farbigen Phrasen, die um das Gemälde herum verstreut sind, sowohl hervorhebt als auch verdeckt, wodurch ein semiotischer Konflikt entsteht.

Durch die Aufnahme von Wörtern in sein visuelles Vokabular erweiterte Johns seine Kommunikation mit dem Betrachter um die Rolle von sichtbaren und gesprochenen Signalen. Solche Untersuchungen sind offensichtliche Vorläufer der Analyse von Wörtern und Konzepten durch die Konzeptkunstbewegung der späten 1960er Jahre.

Lackierte Bronze (1960)

Datum der Fertigstellung 1960
Mittel Lackierte Bronze
Abmessungen 34 cm x 20 cm
Standort Museum Ludwig, Köln

In dieser Bronzeskulptur verwischt Johns die Grenze zwischen entdeckten Objekten und kreativer Nachbildung. Willem de Kooning soll gespottet haben, dass der Galerist Leo Castelli alles verkaufen könne, sogar zwei Bierdosen, was ihn dazu veranlasste, dieses Kunstwerk zu schaffen. Johns nahm die Herausforderung an, die in De Koonings Bemerkung lag, und goss und bemalte zwei Dosen Ballantine Ale in Bronze, die Leo Castellisofort verkauft.

Da die Bronze den natürlichen Farbton der Bierdosen widerspiegelt, erzielte Johns einen Trompe-l'oeil-Effekt, den er jedoch behutsam unterlief, indem er seine Pinselstriche in den gemalten Etiketten sichtbar ließ, so dass eine Unvollkommenheit entstand, die nur bei sorgfältiger Betrachtung erkennbar war.

Jasper Johns hat eine Dose mit offenem Deckel gestaltet und mit dem Ballantine-Emblem und dem Wort Florida versehen. Die andere Dose ist versiegelt, unbeschriftet und völlig unzugänglich. Einige Kommentatoren sehen in den Kontrasten zwischen den Dosen eine Metapher für die Verbindung von Johns und Rauschenberg.

Die offene Dose stellte den aufgeschlossenen und berühmten Rauschenberg dar, der ab 1959 einen Großteil seiner Zeit in seinem Atelier in Florida verbrachte, während die versiegelte Dose Johns und sein stilles, undurchdringliches öffentliches Gesicht symbolisierte.

Andere plädieren für eine weniger persönliche Erzählung, die einfach das alltägliche Leben abbildet, wobei die geschlossene Dose auf das Vorher, das Potenzial, und die offene Dose auf das Nachher, die Auswirkungen, verweist. Johns hat sich natürlich nie auf die von ihm bevorzugte Lesart festgelegt, was Raum für Interpretationen lässt. In vielerlei Hinsicht war Johns' Darstellung von Massenprodukten ein Vorbote des Pop-Art-Stils.

Periscope (1962)

Datum der Fertigstellung 1962
Mittel Öl auf Leinwand
Abmessungen 137 cm x 101 cm
Standort Sammlung des Künstlers

In diesem Werk hat Johns einige seiner früheren Muster und Symbole in eine begrenzte Palette von Schwarz, Grau und Weiß integriert. Die Hälfte eines Kreises ist am oberen rechten Rand des Kunstwerks abgebildet. 1959 begann Johns mit einer Methode, bei der er eine Holzlatte, in der Regel ein Lineal oder einen Keilrahmen, auf das Werk klebte, um einen mit dem Kompass gezeichneten Kreis zu formen. Das Gerät zog durch die Farbe und bildete eine ZielscheibeAllerdings stört er hier die konzentrischen Ringe der Zielscheibe durch den Abdruck seiner ausgestreckten Hand.

Der Handabdruck deutet an, dass die Hand des Künstlers durch ein mechanisches Instrument ersetzt wurde. Die Hand des Künstlers ist eine wiederkehrende Form in einer Reihe von Werken von Johns aus den Jahren 1962 bis 1963, darunter "Periscope", in dem der Dichter Hart Crane im Mittelpunkt steht, mit dessen Werk sich Johns stark verbunden fühlt.

Crane soll sich im Alter von 32 Jahren auf dem Rückweg von den Tropen durch einen Sprung von einem Boot in den Golf von Mexiko das Leben genommen haben. Er hob seine Hand über das Wasser, bevor er in den Wellen verschwand.

So kann der Handabdruck von Johns als visuelle Verbindung zu Cranes Selbstmord gesehen werden. Er wurde kurz nach dem Ende seiner Partnerschaft mit Rauschenberg ausgeführt und steht für Johns' persönliche Trauer nach der Trennung. Das Periskop im Namen spielt auch auf Cranes Werk an Kap Hatteras (1929), das für Johns in zweierlei Hinsicht bedeutsam war. 1961 bezog er nicht nur ein Atelier in der Nähe von Cape Hatteras, sondern die poetischen Verse folgen auch den Veränderungen der Erinnerungen im Laufe der Zeit.

Nach ihrer Trennung assoziierte Johns am ehesten das Konzept des Übergangs und des Verlusts, das er mit der ergreifenden Hand, den verspiegelten Phrasen und den auffälligen Pinselstrichen darstellte, die Wellen imitierten, die einen Ertrinkenden umspülen. Im krassen Gegensatz zum kühl-mechanischen Look der Pop Art, die er mitbegründete, füllte Johns seine Gemälde der frühen 1960er Jahre mit komplexen Gefühlen von Verlust undpsychologischer Kampf.

Siehe auch: Aqua Color - Verschiedene Aqua-Töne und Farbkombinationen

Nach dem Motto "Was (1964)

Datum der Fertigstellung 1964
Mittel Öl auf Leinwand
Abmessungen 200 cm x 487 cm
Standort Privatsammlung

Dieses schwindelerregend große Kunstwerk entstand, indem Johns viele Leinwände miteinander verband und verschiedene gefundene Dinge auf die Farbschicht legte: einen Stuhl, einen Abguss von Gliedmaßen, eine weitere verlängerte Leinwand mit einem Scharnier, einen Metallschriftzug und einen Kleiderhaken.

Er verwendete Methoden aus früheren Werken, wie die "Pinselmarkierung", schablonierte Farbbezeichnungen, einen aufklappbaren Deckel, der versiegelt werden kann, und abgegossene Körperteile. Außerdem erweiterte er sein visuelles Vokabular, indem er in der Mitte des Gemäldes Stücke von mit Siebdruck versehenen Nachrichtenseiten einfügte, die über den Kreml berichten.

Während Robert Rauschenberg und Andy Warhol Johns nutzte den Siebdruck, um Bilder in Gemälden zu reproduzieren, ohne die Hand des Künstlers zu zeigen, und malte fieberhaft in und um die Bildtitel herum, wobei er das Konzept der Hand des Künstlers und der Geräte zur Herstellung mechanischer Repliken betonte.

Wie bei vielen Werken von Jasper Johns bieten die vielen Teile eine Vielzahl von Interpretationsmöglichkeiten. Während viele der Teile eine versteckte Botschaft anzudeuten scheinen, erinnert eine offensichtliche Anspielung das Publikum an Johns' Hommage an seinen Meister, Marcel Duchamp Ein undeutliches Bild von Duchamp und sein Monogramm "MD" sind auf der linken Tafel zu sehen.

"Duchamp schuf eine Arbeit, die ein zerrissenes Quadrat war", erinnerte sich Johns, "ich habe das Profil nachgezeichnet, es an einem Seil aufgehängt und seinen Schatten geworfen, so dass es sich verformte und nicht mehr quadratisch war. Ich habe Duchamps Arbeit absichtlich verändert, um eine Art Parodie auf seine Arbeit zu schaffen".

"According to What" ist ein Beispiel für Johns' fortwährendes Experimentieren mit kreativen Eigentumsverhältnissen, und wie üblich lädt er das Publikum dazu ein, sich an der Bedeutungsgebung zu beteiligen, indem er verschiedene Stücke ohne eine klare Darstellung ihrer Beziehungen ausstellt.

Leiche und Spiegel II (1974)

Datum der Fertigstellung 1974
Mittel Öl und Sand
Abmessungen 146 cm x 191 cm
Standort Kunstinstitut von Chicago

1972 entdeckte Johns ein neues Thema, die Kreuzschraffur, die er in den nächsten zehn Jahren weiterverfolgen sollte. Künstler verwenden die Kreuzschraffur, eine Ansammlung von Linien, traditionell, um in der Zeichnung und in der Druckgrafik Abstufungen von Schatten zu erzeugen; dichter gepackte Linien erzeugen tiefere Schatten, während spärlichere Anordnungen hellere Schatten erzeugen.

In seinem charakteristischen, skurrilen Stil abstrahierte Johns das Thema und wiederholte es auf der Leinwand in leuchtenden Farben, um ein pulsierendes, abstraktes Bild zu schaffen.

"Ich habe es nur eine Sekunde lang bemerkt, aber ich wusste sofort, dass ich es verwenden wollte", sagte Johns, als er das Muster auf einem vorbeifahrenden Auto sah. Es hat alle Eigenschaften, die mein Interesse wecken: Buchstäblichkeit, Wiederholung, ein intensiver Aspekt, Ordnung mit Albernheit und die Gefahr einer völligen Bedeutungslosigkeit".

Das Muster mag zwar "dumm" und ohne Bedeutung sein, aber Johns' Titel Leiche und Spiegel I Viele Menschen glauben, dass sich der Titel sowohl auf die Surrealistisch Activity Exquisite Corpse, ein kollaboratives Spiel, das aus aufeinanderfolgenden kreativen Aktionen und Marcel Duchamps ikonischem und mysteriösem Werk besteht.

Johns' Genealogie und ästhetische Interessen werden durch Verbindungen zum Surrealismus und Dadaismus sanft angedeutet.

Die Linienführung der Bilder hat etwas Malerisches, ihre Wiederholbarkeit impliziert Kühle oder eine gefühllose Technik, aber der Titel mit seinen Verweisen auf den Tod und die Wahrnehmung impliziert etwas Grausameres und Intellektuelleres und erzeugt eine Spannung zwischen Struktur und Thema, die Johns ständig ausnutzt.

Oberleitung (1999)

Datum der Fertigstellung 1999
Mittel Enkaustik auf Leinwand
Abmessungen 64 cm x 85 cm
Standort Sammlung des Künstlers

Nach einer weiteren Retrospektive Mitte der 1990er Jahre begann Johns mit einer Reihe von Arbeiten, in denen er sich mit Oberleitungen beschäftigte - Kurven, die durch ein Stück Faden oder eine Kette erzeugt werden, die locker an zwei festen Stellen hängt. In Catenary ist ein Haushaltsfaden zwischen zwei auskragenden Holzstücken auf beiden Seiten der Leinwand aufgehängt. Sowohl der Faden als auch die Holzstreifen erzeugen Schatten auf dem satten dunkelgrauen Grund.

Durch den Wechsel zur Enkaustik bewahrt Johns' monochrome Oberfläche die ausdrucksstarken Striche der Verteilung und erzeugt ein dichtes Palimpsest von Spuren, das provokant und undurchsichtig ist.

Das geschwungene Grunddesign erinnert an Brücken und deren Verbindungen, aber auch an natürliche Formen, wie die Vertiefungen und Kurven des menschlichen Körpers. Einige Kommentatoren haben die Reaktion des Seils auf die Schwerkraft als Metapher für die Entwicklung des eigenen Lebens oder die Verbindungen und Einschränkungen, die mit dem Älterwerden einhergehen, gesehen. Abgesehen von dem Holzspielzeug,

Die Jakobsleiter bezieht sich auf die biblische Erzählung, in der Jakob von einer Leiter träumt, die Himmel und Erde verbindet. Wie für Johns' Werk typisch, sind Anspielungen im gesamten Werk zu finden, die sich jedoch alle um Konzepte der Verbundenheit drehen. Der Maler hat am unteren Rand des Bildes eine Reihe von Buchstaben ohne Zwischenräume in demselben Grau wie der Hintergrund aufgeschrieben, und man kann den Namen herausfindenund das Jahr des Kunstwerks, aber nur mit Mühe.

Mit dieser heiklen, aber unterhaltsamen kompositorischen Entscheidung kehrt Johns zu Themen zurück, die ihn seit Jahrzehnten beschäftigen: die Komplexität von Bedeutung und Interpretation, die Verschmelzung von Figur und Grund, Abstraktion und Darstellung und die Absicht, den Betrachter über das passive Starren hinaus zu beteiligen.

Das Vermächtnis von Jasper Johns

Als Mitglied der Neo-Dada-Bewegung überschritt Johns in den späten 1950er Jahren die stilistische Grenze zwischen Pop Art und Abstraktem Expressionismus und erweitert seine Themen, Materialien und Techniken bis zum heutigen Tag.

Pop-Maler wie James Rosenquist und Andy Warhol profitierten von Johns' bahnbrechendem Vorstoß in die Sphäre der Kultur, indem sie Alltagsgegenstände und Massenware als geeignete Motive für die hohe Kunst präsentierten.

Johns legte den Grundstein für Konzeptuelle Kunst in den 1960er Jahren mit seiner Erforschung der sich wandelnden Bedeutungen von Bildern und Symbolen. Johns' expandierendes kreatives Schaffen trug dazu bei, Trends und Organisationen wie Body Art und Performance-Kunst Während die Pop-Maler Johns' Bild der äußeren Welt sofort aufnahmen, ist der Bricolage-Stil der Postmoderne ein Erbe seines Interesses an Aneignung, Mehrfachinterpretation und semiotischem Spiel.

Schließlich veränderten Johns und seine Neo-Dada-Kollegen die amerikanische Avantgarde, indem sie das Experimentieren und die Einbeziehung des Publikums vorwegnahmen, die die Kunst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bestimmen sollten.

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Die abstrakten Gemälde des expressionistischen Malers Jasper Johns sind humorvolle, provokante Werke, die die Art und Weise, wie wir die Welt um uns herum wahrnehmen und begreifen, in Frage stellen. Jasper Johns vermied eine vom Alltag losgelöste Kunst, indem er einfache Indikatoren wie Zielscheiben und Flaggen in den Mittelpunkt seiner Minimalismus-Kunst stellte. Von den 1950er Jahren bis heute haben die Gemälde von Jasper Johns diefast jeder kreative Trend.

Häufig gestellte Fragen

Wer war Jasper Johns?

Jasper Johns gilt weithin als einer der bedeutendsten Maler des 20. Jahrhunderts und ist für die amerikanische Kunst bis heute unverzichtbar. Zusammen mit seinem damaligen Partner Robert Rauschenberg trug Johns dazu bei, eine neue Richtung in der Kunstwelt zu etablieren, die damals als Neo-Dada bezeichnet wurde. Johns' bemerkenswerter Gebrauch von gewöhnlicher Ikonographie, wie er es ausdrückte, Dinge, die der Verstand bereits kennt(Flaggen, Ziffern, Landkarten), machte das Gewohnte ungewöhnlich und hatte großen Einfluss auf die Kunstwelt und wurde zum Prüfstein für Pop, Minimalismus und Konzeptkunst.

Welche Art von Kunst hat Jasper Johns geschaffen?

Mitte der 1950er Jahre hatte Jasper Johns seinen großen Durchbruch als Maler, als er begann, berühmte, populäre Motive in seine Gemälde zu integrieren - ein brisanter Schritt zu einer Zeit, in der die fortschrittliche Malerei als rein abstrakt galt. Die üppigen, malerischen Oberflächen von Johns' Gemälden aus der Mitte des Jahrhunderts ähneln denen des Abstrakten Expressionismus, aber Johns erreichte sie durch mühsame, arbeitsintensive VerfahrenWährend seiner 60-jährigen Karriere hat Johns mit einer Vielzahl von Medien und Techniken experimentiert, die es ihm ermöglichten, die Interaktion von Materialien, Bedeutung und Darstellung in der Kunst zu untersuchen.

John Williams

John Williams ist ein erfahrener Künstler, Autor und Kunstpädagoge. Er erwarb seinen Bachelor of Fine Arts am Pratt Institute in New York City und machte später seinen Master of Fine Arts an der Yale University. Seit über einem Jahrzehnt unterrichtet er Schüler jeden Alters in verschiedenen Bildungseinrichtungen Kunst. Williams hat seine Kunstwerke in Galerien in den Vereinigten Staaten ausgestellt und für seine kreative Arbeit mehrere Auszeichnungen und Stipendien erhalten. Neben seiner künstlerischen Tätigkeit schreibt Williams auch über kunstbezogene Themen und gibt Workshops zu Kunstgeschichte und -theorie. Es ist ihm eine Leidenschaft, andere dazu zu ermutigen, sich durch Kunst auszudrücken, und er ist davon überzeugt, dass jeder die Fähigkeit zur Kreativität besitzt.