Vanitas - En påmindelse om menneskets dødelighed gennem Vanitas-malerier

John Williams 30-09-2023
John Williams

V anitas var en kunstform, der begyndte i det 16. og 17. århundrede, og som eksisterede som en symbolsk type kunstværk, der viste livets og nydelsens tidslighed og meningsløshed. Den mest kendte genre, der kom ud af Vanitas-temaet, var stillebenet, som var utroligt populært i Nordeuropa og Holland. Vanitas-kunstværker opstod i en tid med stor religiøsspændinger i Europa, da den fremstod som en forsvarer af den protestantiske mission om selvransagelse.

Hvad er Vanitas?

Vanitas, der har sin oprindelse i Nederlandene i det 16. og 17. århundrede, blev en meget udbredt type af Hollandsk mestermaleri Vanitas-genren benyttede sig af stillebenformen for at fremkalde livets flygtige kvalitet og forfængelighed i de kunstværker, der blev fremstillet.

På det tidspunkt var Europa præget af stor handelsmæssig rigdom og regelmæssige militære konflikter, hvilket gav malerne interessante emner og idéer at tage stilling til. Kunstnerne begyndte at udtrykke interesse for livets kortvarighed, de jordiske glædernes meningsløshed samt den meningsløse søgen efter magt og ære. Disse temaer blev overbetonet i de malerier, der blev lavet, ogblev senere betragtet som væsentlige kvaliteter i de efterfølgende Vanitas-kunstværker.

En meget mørk form for stillebenmaleri blomstrede op, da Vanitas-temaet begyndte at blive mere populært, da kunstværkerne havde til formål at minde beskuerne om deres egen forestående dødelighed. Vanitas-kunstnerne dedikerede sig til at kommunikere til det velhavende publikum, at ting som fornøjelser, rigdom, skønhed og autoritet ikke var uendelige egenskaber.

Alt er forfængelighed (1892) af Charles Allan Gilbert, hvor livet, døden og meningen med tilværelsen er sammenflettet. På billedet ses en kvinde, der kigger ind i et spejl, der har form som et kranie; Charles Allan Gilbert, Public domain, via Wikimedia Commons

Denne stærke påmindelse om forgængelighed blev demonstreret i forskellige Vanitas-malerier gennem inddragelse af visse genstande. Ting, der blev almindelige i disse malerier, var verdslige genstande som bøger og vin, der blev placeret ved siden af betydningsfulde symboler som kranier, skrumpende blomster og timeglas. Disse genstande formidlede alle temaet om tidens gang i malerierne, hvilketunderstregede yderligere dødelighedens allestedsnærværende virkelighed.

Da formålet med Vanitas-malerierne var at demonstrere både det nyttesløse i verdslige sysler og dødens vished, fandtes der to typer af malestilarter. Den første kategori omfattede malerier, der fokuserede på døden ved at inkludere genstande som kranier, stearinlys, udbrændte lamper og visne blomster. Den anden kategori, der forsøgte at antyde dødens uundgåelighed, symboliserede denjordiske nydelsers flygtige karakter med genstande som penge, bøger og smykker.

Et andet vigtigt symbol, der blev brugt i begge kategorier, var timeglas, åbne lommeure og ure, som indikerede, at tiden gik. Disse genstande opfordrede seerne til at forstå, at tid var en værdifuld ressource, og skældte subtilt ud på dem, der tilsyneladende spildte deres tid.

Mange Vanitas-malerier kombinerede således begge kategorier for at skabe kunstværker, der eksisterede som symboler på både død og flygtighed.

Ridderens drøm (ca. 1650) af Antonio de Pereda, hvor en herre fra det syttende århundrede, klædt i tidens tøj, sidder og sover, mens en engel viser ham den flygtige karakter af fornøjelser, rigdom, ære og ære; Antonio de Pereda, Public domain, via Wikimedia Commons

Ved første øjekast er Vanitas-malerier utroligt slående, da deres kompositioner er meget kaotiske og uorganiserede. Lærredet er typisk fyldt med genstande, der ved første øjekast virker tilfældige, men ved nærmere eftersyn viser genstandenes type og nærhed sig at indeholde en masse symbolik og eksisterer som et stilistisk valg.

Selv om Vanitas-malerierne indeholder elementer fra stilleben, adskiller de sig meget fra hinanden, fordi de er meget symbolske. Kunstnerne skabte ikke malerier i et forsøg på at vise forskellige genstande eller demonstrere deres kunstneriske færdigheder, da begge træk blev tydelige, jo mere maleriet blev betragtet og observeret.

De malerier, der blev skabt i denne periode, var en symbolsk skildring af verdens usikkerhed og understregede ideen om, at intet kan overleve forfald og død. Vanitas-kunstværkerne havde således et alvorligt budskab, da formålet var at forkynde genrens tanker og idéer for sine beskuere.

Ud over at være populær i hele sin tid har Vanitas fortsat påvirket nogle af de kunstværker, der i dag ses i det postmoderne kunstsamfund. Kendte kunstnere, der har eksperimenteret med Vanitas-stilen, er bl.a. Andy Warhol og Damien Hirst, som har brugt kranier i deres kunstværker.

Ligesom med de moderne afbildninger af Vanitas-kunstværker, der findes i dag, er budskabet i genren det samme: Dette er det eneste liv, vi får, så lad det ikke gå forbi, før du er i stand til at nyde det fuldt ud.

Forståelse af Vanitas Art Definition

Når vi søger efter en definition, bør vi først forstå begrebets etymologi. Ordet vanitas er af latinsk oprindelse og skulle efter sigende betyde "meningsløshed", "tomhed" og "værdiløshed". Desuden var "vanitas" nært beslægtet med det latinske ordsprog memento mori Man sagde, at dette ordsprog eksisterede som en kunstnerisk eller allegorisk påmindelse om dødens vished, hvilket retfærdiggjorde medtagelsen af kranier, døende blomster og timeglas i de Vanitas-malerier, der blev skabt.

En passende definition af Vanitas-kunsten ville således omfatte kunstværker, der taler om dødelighedens uundgåelighed og det meningsløse i verdslig nydelse, hvilket hovedsageligt blev gjort ved at inddrage forskellige symbolske genstande, der skulle minde beskueren om disse idéer.

Vanitas minder os om forfængelighed

Udtrykket vanitas Man mente, at forfængelighed indkapslede idéen bag Vanitas-malerierne, da de blev skabt for at minde folk om, at deres skønhed og materielle besiddelser ikke udelukkede dem fra deres uundgåelige dødelighed.

Udtrykket stammer oprindeligt fra Bibelen i de indledende linjer i Prædikerens Bog 1:2, 12:8, hvor der står: "Forfængelighed af forfængelighed, siger prædikanten, forfængelighed af forfængelighed, alt er forfængelighed". hevel blev fejlagtigt oversat til at betyde "forfængelighedernes forfængelighed", selv om det i virkeligheden betyder "meningsløs", "nyttesløs" og "ubetydelig", hevel indebærer også begrebet forgængelighed, som var en vigtig idé i Vanitas-malerierne.

Kranie i en niche (ca. første halvdel af det 16. århundrede) af Barthel Bruyn den Ældre, hvor vi ser et anatomisk korrekt kranium placeret i en stenniche. Papiret kan oversættes til "Uden skjold til at redde dig fra døden, lev indtil du dør"; Barthel Bruyn den Ældre, Public domain, via Wikimedia Commons

Forholdet mellem vanitas og religion

Vanitas-malerierne blev ikke kun betragtet som et rent kunstværk, men de indeholdt også vigtige moralske budskaber, der gjorde, at de blev betragtet som en slags religiøs påmindelse. Malerierne skulle først og fremmest minde dem, der så på dem, om livets trivialitet og dets glæder, da intet kunne modstå den bestandighed, som døden medførte.

På grund af emnet er det tvivlsomt, om Vanitas-genren ville have været lige så populær, hvis det ikke var for modreformationen og calvinismen, som satte den i fokus. Begge disse bevægelser, den ene katolsk og den anden protestantisk, opstod på samme tid, som Vanitas-maleriet begyndte at blive mere populært.

I dag tilskriver kritikere disse bevægelser som en yderligere advarsel mod livets forfængelighed, da de understregede reduktionen af besiddelser og triumf, hvilket yderligere understregede det, som Vanitas-genren stod for.

Protestantismens indflydelse

Den protestantiske reformation, der fandt sted i det 16. århundrede, forårsagede et bemærkelsesværdigt skift i den religiøse tænkning i hele Europa. Kontinentet begyndte at dele sig op mellem katolicismen og protestantismen, hvilket skabte stor usikkerhed om mange religiøse spørgsmål. Dette førte til, at katolikkerne gik ind for udryddelse af hellige billeder, mens protestanterne mente, at disse billeder kunne væregavnlig til individuel refleksion over Gud og andre hellige emner.

Den hollandske republik, som var ved at frigøre sig fra sine katolske spanske herskere, blev en stolt protestantisk stat i begyndelsen af det 17. århundrede. Den individualistiske følelse af bevidsthed, der fulgte med protestantismen, var med til at lede de hollandske kunstnere mod vanitas-genren, da de ønskede at udtrykke deres religiøse følelser gennem den rette kunstform.

Vanitas-genren var således bygget på protestantisk etik, hvilket fremgår af de idéer og temaer, der kom frem i de skabte malerier. Vanitas mindede den enkelte om, at på trods af de verdslige tings tiltrækningskraft, var de flygtige og utilstrækkelige i forhold til Gud. Således understregede disse malerier den uundgåelige dødelighed, som beskuerne stod over for, i et forsøg på at minde beskuerne om at handle ii overensstemmelse med Gud.

Exitus Acta Probat ("Resultatet retfærdiggør handlingen", ca. 1627-1678) af Cornelis Galle den Yngre, der forestiller en allegori om døden. Under inskriptionen står der Quid terra cinisque superbis Hora fugit, marcescit Honor, Mors imminet atra. Oversat betyder det: "Hvad er asken stolt af? Tiden flyver, tvivlsom ære, død og sort."; Cornelis Galle den Yngre, Public domain, via Wikimedia Commons

Vanitas og realisme

Vanitas-kunsten var utrolig realistisk, da den var solidt forankret i jordiske begreber, som adskilte sig meget fra den katolske kunsts mystiske teknik. Derfor var denne genre af Vanitas-kunst medvirkende til at lede beskuerens fokus mod himlen gennem afbildningen af genstande, der eksisterede på jorden.

Realismen er også mærkbar i Vanitas-malerierne, da de var usædvanligt indviklede og specifikke. En nærmere undersøgelse af kunstværkerne afslørede kunstnernes øgede dygtighed og hengivenhed, da de fremhævede genstande fra beskuerens liv i et forsøg på at gøre maleriet så relevant og anvendeligt som muligt.

Ved at anvende en realistisk stil var Vanitas-kunstneren i stand til at isolere og derefter understrege kunstværkernes hovedbudskab, som drejede sig om de verdslige tings forfængelighed. Realismen i disse kunstværker hjalp beskuerne med at forstå og efterfølgende ordne deres sind med hensyn til livets flygtige aspekter, som stod i stor kontrast til den uorden, der herskede i det faktiske maleri.

Vanitas og stilleben

Et af de vigtigste aspekter af Vanitas-genren var, at den blev betragtet som en undergenre af stilleben maleri Vanitas-malerier var således blot en variation af den traditionelle stillebenform. Typiske stillebenmalerier bestod af livløse og almindelige genstande som blomster, mad og vaser, hvor kunstværkets opmærksomhed udelukkende var rettet mod disse genstande.

I et Vanitas-stillebensmaleri blev der imidlertid gjort brug af disse genstande, der traditionelt findes i et stilleben, for at fremhæve en helt anden idé.

Vanitas-stillebenet skulle efter sigende lære beskuerne en vigtig og moralsk lektie, da kunstnerne satte almindelige forfængeligheder i kontrast til et individs eventuelle død. Dette blev gjort for i første omgang at appellere til beskuerne, før de blev ydmyge med hensyn til, hvordan de behandlede andre og verden, når de havde overvejet og forstået værket fuldt ud.

Se også: Akvarel valmuer - Hvordan man maler valmuer i akvarel

Nature morte de chasse ou Attirail d'oiseleur ('Jagtstilleben' eller 'Stilleben med fangstudstyr', før 1675) af Cornelis Norbertus Gysbrechts; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, via Wikimedia Commons

Karakteristik af et vanitas-kunstværk

I de Vanitas-malerier, der blev skabt, var der visse karakteristika, der gjorde det muligt at indlemme dem i genren. Disse karakteristika var centreret omkring de temaer og motiver, der blev udforsket i hvert kunstværk, og som diskuteres nedenfor.

Temaer

De temaer, der var til stede i de Vanitas-malerier, der blev fremstillet, havde meget til fælles med middelalderens mindehøjtideligheder om de døde. Før denne malegenre virkede denne besættelse af død og forfald morbid. Men efter overlapning med den latinske sætning memento mori blev disse temaer i malerierne langsomt mere indirekte og derfor mere acceptable.

Efterhånden som stillebengenren blev mere og mere populær, steg Vanitas-stilen også i popularitet. Dens temaer var stadig chokerende og dystre for beskuerne, men de blev lettere at forstå, da de kun blev brugt til at minde beskuerne om livets og glædens tidslighed og om dødens faktuelle sikkerhed.

Ud over de centrale principper præsenterede Vanitas-kunsten en moralsk begrundelse for at male attraktive genstande i makabre omgivelser, fordi det budskab, som malerierne forsøgte at formidle, var langt vigtigere end selve genstandene.

Blomster og små væsener - Vanitas (anden halvdel af det 17. århundrede) af Abraham Mignon, hvor et enkelt fugleskelet, der er knap nok synligt midt i en levende og farlig natur (slanger, giftige svampe), er et symbol på forfængelighed og livets korthed; Abraham Mignon, Public domain, via Wikimedia Commons

Motiver

Der findes flere motiver, som var grundlæggende for Vanitas-genren. Afhængigt af maleriets geografiske placering, da forskellige regioner havde en præference for forskellige motiver, lagde kunstnerne vægt på en række forskellige motiver.

Vanitas-malerierne indeholdt mange symboler, og der blev brugt den samme type motiver for hver kategori. De motiver, der blev brugt til at skildre rigdom, var guld, punge og smykker, mens de motiver, der blev brugt til at beskrive viden, var bøger, kort og kuglepenne.

Motiverne, der blev brugt til at skildre repræsentationer af nydelse, tog form af mad, vinkopper og stoffer, og symbolerne for død og forfald blev typisk repræsenteret af kranier, stearinlys, røg, blomster, ure og timeglas.

Symbolik i Vanitas-malerier

Det vigtigste symbol, der var allestedsnærværende i de mange Vanitas-malerier, var bevidstheden om menneskets dødelighed. Uanset hvilke andre genstande der blev inddraget, blev henvisningen til dødeligheden altid tydeliggjort. Oftest blev dette skildret ved at inddrage et kranium, men andre genstande som visne blomster, brændende lys og sæbebobler opnåede den samme effekt.

Vanitas stilleben med kranie, noder, violin, globus, lys, timeglas og spillekort, alt sammen på et draperet bord (1662) af Cornelis Norbertus Gijsbrechts; Cornelis Norbertus Gijsbrechts, Public domain, via Wikimedia Commons

Der blev også anvendt symboler, der relaterede til begrebet tid, som typisk blev skildret ved hjælp af et ur eller et timeglas. Selv om forfaldne blomster kan tale om døden, antyder de også, at tiden går, hvilket gør det muligt at bruge dem til begge begreber. Det begreb, som Vanitas-malerier muligvis fremkalder mest, ud over dødelighed, er dog den barske sandhed.

I Vanitas-stillebenene blev håbløsheden i vores verdslige aktiviteter i lyset af vores dødelige eksistens udforsket.

Berømte Vanitas-kunstnere og deres kunstværker

Vanitas-malerier startede først som stilleben, der blev malet på bagsiden af portrætter som en direkte og klar advarsel til emnet om livets forgængelighed og dødens uundgåelighed. Med tiden udviklede disse advarsler sig til en selvstændig genre og blev til kunstværker.

I begyndelsen af bevægelsen virkede kunstværkerne meget dystre og mørke. Men efterhånden som bevægelsen blev mere og mere populær, begyndte kunstværkerne at lysne en smule mod slutningen af perioden. En række kunstnere blev kendt for deres Vanitas-kunstværker, der betragtes som en karakteristisk kunstnerisk stil i den hollandske kunst. På listen nedenfor vil vi undersøge nogle af de mest berømte og indflydelsesrige kunstværkerfra Vanitas-perioden.

Hans Holbein den Yngre: Ambassadørerne (1533)

Malet af tyskeren Hans Holbein den Yngre, Ambassadørerne I dette kunstværk afbilder Holbein den franske ambassadør i England og biskoppen af Lavaur, hvor de to mænd læner sig op ad en hylde med Vanitas-symboler.

Ambassadørerne (1533) af Hans Holbein den Yngre; Hans Holbein, Public domain, via Wikimedia Commons

Disse genstande omfatter et solur, en verdensklode, bøger og musikinstrumenter. Ved at se disse genstande i forhold til de to mænd lærer man, at de er uddannede, rejste og efterfølgende udsat for verdens glæder.

Disse genstande symboliserer den viden, som de besidder, og som blev betragtet som forbigående i forhold til den permanente viden om, at døden stadig var på vej.

Det mest iøjnefaldende Vanitas-symbol i dette maleri er kraniet, som er placeret i forgrunden. Dette kranie er imidlertid forvrænget, hvilket betyder, at det kun kan ses præcist fra ét bestemt perspektiv. Denne deformation skaber et stort mysterium omkring ideen om døden i dette kunstværk, da det kan ses fra flere forskellige synsvinkler. Når man er i stand til at se kraniet korrekt, eksisterer det somen påmindelse om dødelighed og den forestående død, men når man ser det fra en anden vinkel, overså seerne det ofte og var forvirrede over, hvad det var.

Pieter Claesz: Vanitas stilleben med violin og glaskugle (c. 1628)

En af de største malere i den hollandske guldalder var Pieter Claesz, som malede Vanitas Stilleben med violin og glaskugle. Dette kunstværk viste Claesz' kunstneriske mesterskab, når det gjaldt om at skildre flere Vanitas-motiver.

Vanitas-Stillleben mit Selbstbildnis ("Vanitas stilleben med violin og glaskugle", ca. 1628) af Pieter Claesz; Pieter Claesz, Public domain, via Wikimedia Commons

I dette kunstværk bliver beskuerens øje ledt til de forskellige detaljer af det efterfølgende lys, der er afbildet. Det væltede glas, som er helt tomt, afspejler et vindue og kan også ses i refleksionen af glaskuglen på den modsatte side af maleriet. Det blev anset for at symbolisere de verdslige fornøjelsers kortvarighed, hvilket yderligere blev understreget af inddragelsen af enslukket lys, et ur og et kranium.

Selv om de i første omgang var tilfældige, blev de enkelte genstande i denne samling nøje udvalgt, da de eksisterede som repræsentationer af den latinske sætning memento mori Claesz var kendt for de begrænsede farver, han brugte i sine Vanitas-stilleben, og dette maleri er ingen undtagelse. Hele maleriet er sammensat af brune og grønne nuancer, bortset fra det blå bånd, som bidrager til kunstværkets mørke og dystre stemning.

Antonio de Pereda: Allegori om forfængelighed (1632 - 1636)

Der er meget lidt kendt om Spansk kunstner Antonio de Pereda, som malede et af de mest kendte Vanitas-stilleben. Dette kunstværk, der har titlen Allegori om forfængelighed , antyder på elegant vis den meningsløse stræben efter magt, som det fremgår af englen, der er omgivet af udsøgte varer. Ved siden af hende ligger penge og fine smykker, men englen synes uvidende om denne rigdom. Det er som om hun forstår den skjulte mening, som maleriet forsøger at formidle, før beskueren er i stand til at regne den ud.

Allegori om forfængelighed (1632-1636) af Antonio de Pereda; Antonio de Pereda, Public domain, via Wikimedia Commons

På trods af at døden er uundgåelig, som timeglasset, lysestagen og kraniet viser, kommunikerer dette maleri ikke direkte temaer som morbiditet og modløshed til beskueren. Dette skyldes muligvis, at englen synes at være bevidst om sin forgængelighed i den naturlige verden, da hun ved, at hendes tilstedeværelse vil være evig i hendes liv efter døden.

Magtens meningsløshed skildres igen af englen, som holder en cameo, der forestiller Spaniens konge, mens han peger på kloden. Denne bevægelse skulle referere til det nyttesløse i menneskelige bestræbelser som f.eks. del og hersk-strategien, som blev medtaget i et forsøg på at advare folk om håbløsheden i alle deres handlinger, så de kunne stoppe dem.

Jan Miense Molenaer: Allegori om forfængelighed (1633)

Allegori om forfængelighed, malet af Jan Miense Molenaer, anses for at være et fremragende eksempel på Vanitas-kunst. Dette kunstværk forestiller tre personer, som menes at være en kvinde, hendes søn og hendes tjener. Der findes flere symboler i maleriet, som hentyder til temaer som luksus, ekstravagance og tilfredshed. Disse ideer skildres af musikinstrumenterne, ringen på hendes finger, kortet, der hænger på væggen i denbaggrund, samt det tøj, som moderen og sønnen har på.

Allegori om forfængelighed (1633) af Jan Miense Molenaer; Jan Miense Molenaer, Public domain, via Wikimedia Commons

På trods af al denne overdådighed vises en følelse af meningsløshed og ubetydelighed gennem kvinden om hendes forhold til sin søn. Kvinden sidder og stirrer alvorligt ud i det fjerne, mens hendes søn forsøger at fange hendes opmærksomhed. Mens dette sker, ser hun ud til at holde en ring og et spejl i hånden, som er medtaget som symboler på hendes forfængelighed.

Det ser ud til, at uanset hvor meget drengen forsøger at fange sin mors opmærksomhed, kan han ikke redde hende fra hendes slaveri over for det meningsløse liv, som hun er fanget i. Dette meningsløse liv understreges yderligere af kraniet, som hun hviler sine fødder på, da det er medtaget som en påmindelse om den forestående død og forfald.

Willem Claesz: Stilleben med østers (1635)

Den hollandske maler Willem Claesz var kendt for sin nyskabelse i sine stilleben, som han udelukkende malede i hele sin karriere. Stilleben med østers Det skyldes, at der ikke er nogen åbenlyse Vanitas-symboler og -genstande, men at Claesz i stedet blot har afbildet genstande af rigdom, såsom østers, vin og en tazza af sølv.

Stilleben med østers, en tazza af sølv og glasvarer (1635) af Willem Claesz; Willem Claesz. Heda, Public domain, via Wikimedia Commons

Disse genstande, der er kendt for deres rigdom, synes at være i fuldstændig uorden, da fadene er blevet væltet og maden er blevet for tidligt efterladt. Et subtilt Vanitas-motiv er repræsenteret ved at inkludere en skrællet citron, der afslører bitterheden indeni, og som siges at eksistere som en symbolsk skildring af menneskelig grådighed. Derudover synes østersene tomme for både mad ogog livet, og det sammenrullede stykke papir er taget fra en kalender. Begge genstande siges at skildre tidens gang.

Claesz' farvepalet i dette maleri er både mørk og begrænsende, hvilket var et almindeligt valg i størstedelen af datidens Vanitas-malerier. Disse farver blev primært valgt på grund af deres grublende egenskaber og deres evne til at skabe en dyster stemning. Den eneste lyskilde, der er medtaget, blev gjort for at minde beskueren om hans egen forestående død.

Judith Leyster: Den sidste dråbe (Den homoseksuelle kavalerist) (1639)

Den sidste dråbe, malet af Judith Leyster, er et enestående eksempel på datidens Vanitas-malerier. To mænd, som ud fra kunstværkets titel opfattes som homoseksuelle, er afbildet som to mænd, der giver sig hen og giver sig hen til deres fornøjelser gennem druk og dans.

Den sidste dråbe (Den homoseksuelle kavalerist) (1639) af Judith Leyster; Philadelphia Museum of Art, offentligt område, via Wikimedia Commons

Bag disse mænd er der i baggrunden et skelet, som fanger beskuerens opmærksomhed. Skelettet er vist med et timeglas og et kranium i hænderne, hvilket skaber en meget makaber scene. På trods af den tone, som skelettet sætter, fremkalder dets inddragelse sammen med de genstande, det holder i hånden, idéer om flygtighed og dødens uundgåelige karakter.

Figurernes glæde står i kontrast til skelettets frygtelige udseende og sender et stærkt Vanitas-budskab til seerne. Budskabet opfordrer grundlæggende den enkelte til at leve i livets øjeblikke, mens han/hun kan, for tiden går så hurtigt, og før han/hun ved af det, vil døden være over ham/hende.

Harmen van Steenwyck: Stilleben: en allegori over menneskelivets forfængelighed (1640)

Den hollandske maler Harmen van Steenwyck var blandt de førende kunstnere inden for Vanitas-genren og blev en af de bedste stillebenmalere i sin tid. Stilleben: en allegori over menneskelivets forfængelighed er et godt eksempel på Vanitas-maleriet, da det i virkeligheden var et religiøst værk forklædt som et stilleben.

Stilleben: en allegori over menneskelivets forfængelighed (ca. 1640) af Harmen van Steenwyck; Harmen Steenwijck, Public domain, via Wikimedia Commons

Inddragelsen af kraniet antyder, at selv for de rigeste personer er der ingen måde at undslippe døden og den himmelske dom på. Kronometeret, som er et ur, symboliserer, hvordan tidens gang bringer os tættere på døden. Et andet interessant symbol er tilføjelsen af skallen, som var et sjældent samlerobjekt på den tid. Den blev anset for at symbolisere jordisk rigdom.og den meningsløshed, der fulgte med jagten på disse rigdomme, og dette fremgår yderligere af stoffet, bøgerne og instrumenterne.

Hver enkelt genstand i maleriet blev nøje udvalgt for at formidle Vanitas' budskab, som blev opsummeret i Matthæusevangeliet i Det Nye Testamente, og som gik ud på, at man skal passe på med at lægge for stor vægt på rigdom, materielle genstande og livets tilfredsstillelser, da disse genstande kan blive en barriere på vejen til frelse.

Joris van Son: Allegori om menneskeliv (1658 - 1660)

Den flamske kunstner Joris van Son, som malede Allegori om menneskeliv , behandlede Vanitas-temaet i en æstetisk smuk stil. Ved første øjekast bliver man straks fanget af skønheden i dette kunstværk, som skildret af den rigelige mængde blomster og frugter. De farver, der er brugt i dette maleri, tilføjer varme, hvilket får roserne, druerne, kirsebærrene og fersknerne til at se endnu mere udsøgte ud, end de ser ud til at være.

Allegori om menneskeliv (ca. 1658-1660) af Joris van Son; Joris van Son, Public domain, via Wikimedia Commons

Men ved nærmere eftersyn kan man i baggrunden se et kranium, et timeglas og et brændende lys. Disse Vanitas-genstande er blevet placeret midt i kunstværket og ligger efterfølgende uvirksomme i skyggen af den levende krans af vitalitet og liv.

Der skabes en stor kontrast mellem de sanselige frugter, de blomstrende blomster og de mørke og vage objekter, der viser tidslighed.

Ud over livets forfald, der er afbildet, synes den modne frugt og de farverige blomster at være ved at sprænge og inviterer beskueren til at røre ved dem, før de uundgåeligt forfalder. Inddragelsen af to idéer, der dannes omkring det centrale tema om forfald, viser den åndelige betydning, der findes i dette maleri. Mens forfaldet stadig henviser til menneskeliv, indrammer og supplerer det også denVanitas-objekter, før nogen af dem dør ud. Menneskelivets kortvarighed og menneskets evne til at hæve sig over døden er således et stærkt tema.

Edwaert Collier: Vanitas - Stilleben med bøger og håndskrifter og et kranie (1663)

Den hollandske guldaldermaler Edwaert Collier var mest kendt for sine stilleben, som det fremgår af hans imponerende kunstværk med titlen Vanitas - Stilleben med bøger, håndskrift og kranie. Collier var kun 21 år gammel, da han malede dette værk, hvilket viser det store kunstneriske talent, som han besad.

Vanitas - Stilleben med bøger og håndskrifter og et kranie (1663) af Edwaert Collier; Evert Collier, Public domain, via Wikimedia Commons

I dette maleri kombinerede Collier mange klassiske Vanitas-symboler såsom kraniet i midten af kunstværket, det åbne lommeur, bøger, et musikinstrument, briller og et timeglas. Ved at inddrage disse elementer kommunikerede Collier budskabet om, at livet, i alle dets herlige aspekter, i bund og grund var meningsløst på grund af dets flygtige natur. Ligesom sandet itimeglas, viste Collier, at mennesker, musik og ord til sidst vil visne bort.

Efter at have set dette værk opfordres publikum til at gribe fat i nuet og leve livet så dejligt og behageligt som muligt, for med tiden ville ingen fornøjelser være mulige. Colliers Vanitas-stilleben er en advarsel mod verdens forfængelighed og en advarsel om at nyde livet, før det er for sent.

Pieter Boel: Allegori over verdens forfængelighed (1663)

Pieter Boel, en anden vigtig flamsk Vanitas-kunstner, specialiserede sig i sin karriere i overdådige stilleben. Allegori over verdens forfængelighed anses for at være et mesterværk inden for Vanitas-genren på grund af sin detaljerigdom og usædvanligt store størrelse.

Allegori over verdens forfængelighed (1663) af Pieter Boel; Pieter Boel, Public domain, via Wikimedia Commons

Når man betragter værket, tænker beskuerens øje straks på den barokke storhed, der er til stede, som er repræsenteret ved det omfattende symbolske indhold, der er inkluderet. Ved nærmere inspektion af denne storhed synes den pragt, som Boel skildrer, at hvile på en sarkofag, der befinder sig i en kirke, der gradvist går i opløsning. Flere genstande, såsom en brystplade og et pilekogger, antyder, at denarrogante karakter af militære nederlag.

I modsætning til disse genstande er der afbildet forskellige intellektuelle Vanitas-genstande, herunder bøger og dokumenter. Der er også afbildet genstande af rigdom i form af biskoppens mitra, diademet, den kronede turban og den hermelinkantede silkekåbe. Selv om disse symboler på rigdom indebærer politisk og religiøs magt, er der en modsætning.

Jo mere man bevæger sig gennem disse genstande, jo mere er disse genstande en skarp påmindelse om, at døden sejrer over alt, uanset hvad.

Arven fra Vanitas-kunsten

Mod slutningen af den hollandske guldalder begyndte kunstgenren Vanitas at miste sin popularitet i offentligheden, hvilket skyldtes, at betydningen af det, Vanitas stod for, mistede sin kraft, og at ånden i den religiøse kampreform mistede sin styrke. Den udvikling, der fandt sted inden for stillebenmaleriet i denne periode, skulle imidlertid få stor indflydelse på denkommende generationer af kunstnere.

Interessant nok siges det, at Vanitas blev født af en selvmodsigelse. Ved at male og efterfølgende skabe et smukt artefakt blev der skabt en forfængelighed, der advarede beskuerne mod farerne ved andre forfængeligheder i livet. Vanitas forblev således en vigtig kunstgenre i det 17. århundrede, da den ledte og fokuserede individers sind mod idéer, der afspejlede døden.og den tilsyneladende værdiløse, men alligevel overstrømmende handling at leve.

Se også: Berømte popkunstnere - en liste over de bedste kunstnere inden for popkulturen

Det, der fortsatte i Vanitas' fodspor, var tilføjelsen af æstetisk skønhed til kunstværker. Efter Vanitas' afslutning var stilleben forbløffende smukke i deres fremstilling, indtil de gennemgik en ny betydningsændring mod slutningen af det 19. århundrede. Dette blev primært ledet af kunstnere Paul Cézanne og Pablo Picasso, som begyndte at eksperimentere med de forskellige æstetiske muligheder, som stillebenkompositionen havde at byde på.

Når man ser på de forskellige malerier, der udgjorde denne genre, er det let at spørge sig selv: Hvad er Vanitas? Vanitas-perioden inden for kunsten fokuserede i sin kerne på at skabe kunstværker, der understregede livets forgængelighed og dødens uundgåelighed over for beskuerne. Således var budskabet i Vanitas-malerierne, at selvom verden kan være apatisk over for menneskelivet, kan dens skønhed stadig værenydes og reflekteres over, inden dødens endelige forfald finder sted.

Se vores webhistorie om Vanitas stilleben her!

John Williams

John Williams er en erfaren kunstner, forfatter og kunstunderviser. Han tog sin Bachelor of Fine Arts-grad fra Pratt Institute i New York City og forfulgte senere sin Master of Fine Arts-grad ved Yale University. I over et årti har han undervist i kunst til elever i alle aldre i forskellige uddannelsesmiljøer. Williams har udstillet sine kunstværker i gallerier over hele USA og har modtaget adskillige priser og legater for sit kreative arbejde. Ud over sine kunstneriske sysler skriver Williams også om kunstrelaterede emner og underviser i workshops om kunsthistorie og teori. Han brænder for at opmuntre andre til at udtrykke sig gennem kunst og mener, at alle har evnen til kreativitet.