Tilegnelse i kunsten - hvordan og hvorfor kunstnere bruger eksisterende elementer

John Williams 31-05-2023
John Williams

A ppropriation Kunst refererer til brugen af allerede eksisterende genstande eller billeder næsten uden ændringer. Praksis med tilegnelse i kunsten har spillet en vigtig rolle gennem hele dens historie. I forbindelse med billedkunst refererer kunstnerisk tilegnelse til korrekt adoption, lån, genbrug eller sampling af menneskeskabte kulturelle billeder.

Hvad er tilegnelse af kunst?

Præmissen er, at det aktuelle værk rekontekstualiserer det, det låner billeder fra, og det gør skabelsen ny - hvilket er et grundlæggende aspekt at forstå i vores forståelse af appropriationsfotografi og kunst. I de fleste tilfælde forbliver det oprindelige "objekt" tilgængeligt i sin oprindelige form.

Kunstnerisk tilegnelse, ligesom kunst med fundne genstande, defineres som "den målrettede kopiering, lån og ændring af tidligere billeder, genstande og koncepter som en æstetisk metode."

Appropriation art er også blevet karakteriseret som "inkorporering af en fysisk enhed eller måske et eksisterende kunstværk i et nyt kunstværk".Appropriation i kunst fremhæver spørgsmål om unikhed, legitimitet og ejerskab og er en del af den lange modernistiske arv af kunst, der sætter spørgsmålstegn ved selve kunstens essens eller betydning.

Historien om tilegnelse i kunsten

Mange malere i det 19. århundrede hentydede til tidligere kunstneres værker eller emner, f.eks, Jean-Auguste Dominique Ingres fremstillede Madame Moitessiers portræt i 1856. Den usædvanlige kropsholdning var påvirket af den berømte antikke Romersk kunstværk Herakles finder sin søn Telephas (begyndelsen af det 2. århundrede fvt.).

Madame Moitessier (1856) af Jean-Auguste Dominique Ingres, som befinder sig i National Gallery i London; Jean Auguste Dominique Ingres, Public domain, via Wikimedia Commons

Som et resultat heraf etablerede skaberen en forbindelse til både sit emne og den olympiske gudinde, Vincent van Gogh kan identificeres ved at finde værker, der er påvirket af Delacroix, Jean Francois Millet eller japanske billeder i hans personlige besiddelse.

Tilegnelseskunst som kunstform kan dog spores tilbage til Georges Braque og Pablo Picassos kubistiske assemblagerier og collager fra 1912 og frem, hvor ægte ting som f.eks. avispapir blev brugt til at symbolisere dem selv.

Tidligt 20. århundrede

Georges Braque og Pablo Picasso indarbejdede genstande fra andre miljøer end kunstmiljøer i deres værker i de første år af det 20. århundrede. Picasso placerede en strimmel voksdug på maleriet i 1912. Efterfølgende stykker, som f.eks. Guitar, aviser, glas og flaske (1913), hvor kunstneren brugte avisudklip til at bygge former, er eksempler på tidlig assemblage, der blev forbundet med den syntetiske kubisme. De to malere inddrog elementer fra den "virkelige verden" i deres malerier, hvilket gav anledning til debat om den opfattede betydning og det kunstneriske udtryk.

I 1915 foreslog Marcel Duchamp begrebet readymade, hvor "kommercielt fremstillede funktionelle genstande kun opnår kunstens status gennem valg- og udstillingsprocesser".

Fotografi af den franske dadakunstner Marcel Duchamp, taget i 1927; Ukendt forfatterUkendt forfatter, Public domain, via Wikimedia Commons

Duchamp udforskede denne idé første gang i 1913, da han fastgjorde et sæde med et cykelhjul, og igen i 1915, da han købte en sneske og skrev den "i forventning om den brækkede arm, Marcel Duchamp". Under aliaset R. Mutt koordinerede Duchamp indtastningen af en færdiglavet til udstillingen Society of Independent Artists i 1917. Den blev døbt Springvand og bestod af et urinal i porcelæn, der stod på en platform.

Værket blev afvist af udstillingskomitéen, fordi det udgjorde en klar udfordring for de etablerede opfattelser af høj kunst, forfatterskab, unikhed og efterligning. Andre kunstkritikere havde dog stærke holdninger til værket.

De bemærkede, at "Det er ligegyldigt, om hr. Mutt har bygget springvandet med sine egne hænder eller ej. Han PLEKTE det. Han tog en dagligdags ting i livet, omlagde den, så dens nytteværdi forsvandt under det nye navn og synspunkt, og opfandt derefter et nyt begreb for denne ting."

Fotografi af Duchamps berygtede Springvand (1917); Marcel Duchamp , Public domain, via Wikimedia Commons

Dada-gruppen fortsætter med at eksperimentere med at tilegne sig almindelige materialer og kombinere dem i collage. Dada-værker udviste målrettet absurditet og en tilsidesættelse af kunstens etablerede normer. Kurt Schwitters' " merz "Værkerne har en tilsvarende sensibilitet. Dele af dem blev bygget af fundne ting, og de tog form af enorme strukturer, der er kendt som installationer.

Efter dadabevægelsen tog surrealisterne brugen af "fundne genstande" til sig, som f.eks. Salvador Dalis "Lobster Telephone" (1936). Når disse genfundne genstande blev kombineret med andre usædvanlige og skræmmende genstande, fik de en ny betydning.

Realisme og popkunst (1950 - 1960)

Robert Rauschenberg brugte det, han kaldte "combines" i 1950'erne, hvor han blandede færdige materialer som dæk og madrasser med maling, silketryk, collager og fotografi. Jasper Johns, der arbejdede sammen med Rauschenberg i samme periode, integrerede ligeledes fundne genstande i sin kunst.

Fluxus-bevægelsen gjorde også brug af kunstnerisk tilegnelse, da dens medlemmer kombinerede mange kunstneriske områder som billedkunst, musik og skrivning.

Det officielle manifest for kunstbevægelsen Fluxus; fluxus , Public domain, via Wikimedia Commons

I 1960'erne og 1970'erne afholdt de "action"-møder og skabte skulpturelle værker med uortodokse materialer. Kunstnere som Andy Warhol og Claes Oldenburg kopierede i begyndelsen af 1960'erne motiver fra corporate design og offentlig kultur samt metoder fra disse sektorer, og Warhol malede f.eks. Coca-Cola-flasker.

De blev kaldt "popkunstnere", fordi de betragtede massepopulærkulturen som det primære sprog, der deles af alle, uanset uddannelse.

Disse kunstnere var fuldstændig fordybet i det affald, der blev skabt af denne masseproducerede kultur, og de omfavnede det at være engangsartikler og frigjorde sig fra sporene af kunstnerens tilstedeværelse. Roy Lichtenstein , en af de mest kendte popmalere, blev berygtet for at kopiere billeder fra tegneserier i værker som f.eks. Druknende pige (1963).

Medarbejdere ved opsætningen af en udstilling af Roy Lichtensteins værker på Stedelijk Museum i Nederlandene i 1967; Ron Kroon / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Elaine Sturtevant genskabte store mesterværker af sine jævnaldrende kunstnere. Blandt de kunstnere, hun "kopierede", kan nævnes Jasper Johns , Andy Warhol, Joseph Beuys, James Rosenquist, Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein m.fl. Selv om hun ikke primært reproducerede Popkunst I 1965 genskabte hun Andy Warhols kunstværk Blomster Hun blev instrueret i at replikere kunstnerens egen tilgang, så Warhol, der konstant blev spurgt om det, engang svarede: "Jeg ved det ikke. Jeg er ikke sikker. Inquire with Elaine."

I efterkrigstidens Tyskland udviklede de tyske malere Sigmar Polke og hans kammerat Gerhard Richter "kapitalistisk realisme", som var en satirisk kritik af forbrugerismen. De brugte tidligere optagne billeder og ændrede dem. Polkes mest kendte værker var sammensætninger af popkultur og kommercielle billeder, som f.eks. hans Supermarkeder scenarie med superhelte, der surfer i et supermarked .

Neopop og Pictures-generationen (1970 - 1980)

Hvor tilegnelse i kunsten tidligere blev repræsenteret ved "sprog", er nutidens tilegnelseskunst blevet symboliseret gennem fotografi som en metode til "semiotiske repræsentationsformer". The Pictures Generation var en samling af kunstnere, der brugte tilegnelse og collage til at fremhæve billedernes kunstige karakter og var inspireret af popkunsten.

Sherrie Levine behandlede tilegnelsespraksis som et kunstnerisk problem.

Kanin (1986) af Jeff Koons; Fred Romero, Jeff Koons, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Levine citerer ofte hele kompositioner i sin kunst, som f.eks. Walker Evans' billeder Levine beskæftiger sig med begrebet "næsten det samme", sætter spørgsmålstegn ved ideer om det unikke og henleder opmærksomheden på forholdet mellem autoritet, sexisme, innovation, kommercialisering og markedsværdi, kunstens sociale oprindelse og formål. Richard Prince genfotograferede reklamer for Marlboro smøger i 1970'erne og 1980'erne. Hans arbejde forstærker betydningen af ansigtsløse og allestedsnærværendecigaretreklamer og fokuserer vores opmærksomhed på billederne.

Se også: Japansk arkitektur - Oplev traditionel arkitektur i Japan

Appropriationskunstnere gør sig overvejelser om mange dele af samfundet og kulturen.

Tulipaner (1994) af Jeff Koons, udstillet uden for Guggenheim-museet i Bilbao i Spanien; Flere billeder end visninger..., CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

For at interagere med filosofisk og kognitiv teori tilegnede Joseph Kosuth sig billeder, og Richard Pettibone begyndte at reproducere værker af nyligt anerkendte malere som Andy Warhol og senere modernistiske ikoner i en lille skala, idet han markerede den aktuelle kunstners navn og også sit eget.

Jeff Koons blev kendt i 1980'erne ved at skabe konceptuelle skulpturer som The New Series.

Det var en række støvsugere, typisk udvalgt efter handelsnavne, der gav genlyd hos kunstneren, såsom den legendariske Hoover, og i stil med Duchamps readymades. Senere lavede han kunstværker i rustfrit stål, der var påvirket af oppusteligt legetøj som kaniner og hunde.

1990'erne

Kunstnere fortsatte med at lave appropriationskunst i 1990'erne og brugte den som et middel til at konfrontere teoretiske og samfundsmæssige problemstillinger i stedet for at fokusere på selve værkerne. Damian Loeb brugte film og filmkunst til at tale om emner som realisme og simulakrum.

Deborah Kass, Christian Marclay og Genco Gulan var blandt de andre kendte malere, der var aktive i denne periode med tilegnelse.

Sherrie Levines hyldest til Marcel Duchamps Springvand , med titlen Springvand (Buddha) (1996); Hesperian Nguyen, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Sherrie Levine har lånt ideen fra Duchamp's Springvand (1917), da hun skabte polerede urinaler i støbt bronze. De ses som en "hyldest til Marcel Duchamps velkendte readymade. Levine bidrager til Duchamps dristighed ved at ophøje hans gestus' materialisme og polering og forvandler den igen til et "kunstobjekt". Som feministisk designer genfortolker Levine værker af mandlige malere, der har taget patriarkalsk kontrol i kunsthistorien."

21. århundrede

Appropriation er meget udbredt blandt nuværende kunstnere, der regelmæssigt genskaber tidligere kunstværker, som f.eks. Fransk kunstner Zevs, der har omarbejdet logoer fra virksomheder som Google eller David Hockneys værker. Mange metro- og gademalere, som Banksy og Shepard Fairey, anvender billeder fra mainstreamkulturer, som Banksy's Pige med gennemboret trommehinde , som stjal kunstværker af Vermeer eller Claude Monet .

Richard Prince udgav en serie af fotografier med navnet Nye portrætter i 2014, hvor han stjal billeder af navnløse og kendte personer, der havde uploadet en selfie på Instagram. Kunstnerens ændringer af fotografierne er de kommentarer, som Prince har placeret under billederne.

Fotografi af Banksy's Godt sultne elsker (2006), vægmaleri, spraymalet i England; Fotograferet af Richard Cocks, CC BY-SA 2.5, via Wikimedia Commons

Se også: Berømte portrætmalerier - Se de mest berømte portrætter

Mr. Brainwash er en gadekunstner, der blev kendt som følge af Banksy , og hvis værker blander historiske popbilleder med nutidig kulturel ikonografi for at skabe hans fortolkning af den pop-graffiti-fusion, som andre gadekunstnere foretrækker.

Tilegnelse af kunst i den digitale tidsalder

Siden 1990'erne har tilegnelsen af historiske forgængere været lige så forskelligartet som selve tilegnelsesbegrebet. En hidtil uset mængde tilegnelser gennemsyrer ikke kun billedkunsten, men alle kulturelle områder. Den yngre generation af tilegnere ser sig selv som "øjeblikkets arkæologer". Nogle taler om "post-produktion", som er en ny redigering af "manuskriptet tilkultur" baseret på allerede eksisterende sammensætninger.

Anskaffelsen af andres værker eller eksisterende kulturgenstande er normalt styret af idéen om nytteværdi. Såkaldte "prosumenter" - folk, der forbruger og producerer på samme tid - gennemtrawler den digitale verdens allestedsnærværende bibliotek og tager prøver af de altid tilgængelige billeder, sætninger og lyde for at "remixe" dem efter eget ønske. Tilegnelser er nu blevet en almindelig foreteelse.

Den nye "remix-generation", som ikke kun har indtaget ikke blot billedkunsten, men også musik, bøger, dans og film, har udløst heftige diskussioner. Lawrence Lessig, der er medieforsker, opfandt udtrykket "remix-kultur" i begyndelsen af 2000'erne.

Skulpturerne af en fjerbolde designet af Claes Oldenburg og Coosje van Bruggen uden for National Art Gallery i USA (1994); Americasroof på engelsk Wikipedia, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

På den ene side forventer mange en ny æra af opfindsomme, nyttige og fornøjelige metoder til kunst i det digitale og globaliserede 21. århundrede. De nye tilegnere vil ikke kun anerkende Joseph Beuys' udsagn om, at alle er kunstnere, men de vil også "skabe frie samfund". Ved i sidste ende at frigøre kunsten fra konventionelle opfattelser som aura, unikhed og glans vil de bane vejen forvejen for nye måder at fortolke og beskrive kunst på.

Kritiske iagttagere ser dette som begyndelsen på et massivt problem: Hvis kreativitet kun er baseret på skødesløse procedurer med at opdage, kopiere, rekombinere og ændre allerede eksisterende materiale, begreber, former, navne osv. fra enhver kilde, vil kunsten i deres øjne blive betragtet som en marginaliseret, lidet krævende og tilbagestående aktivitet.

Fordi kunsten er begrænset til hentydninger til allerede eksisterende begreber og former, forudser de en uendelig strøm af genbrugsprodukter. Skeptikere ser dette som et genbrugssamfund med en fiksering på fortiden. Nogle hævder, at det kun er dovne individer uden noget at sige, der lader sig inspirere af historien på denne måde. Andre er bekymrede for, at denne nye tendens til tilegnelse er motiveretudelukkende af et ønske om at pryde sig selv med en tiltalende herkomst.

Tilegnelse i kunsten karakteriseres som en slags "racing stop", hvilket hentyder til accelerationen af uforudsigelige, ukontrollerbare handlinger i stærkt mobiliserede, dynamiske vestlige samfund, der i højere grad styres af abstrakte autoritetsmetoder.

Den uhindrede adgang til det digitale arkiv af kreative værker og let tilgængelige digitale teknologier samt prioriteringen af ny kreativitet og nye procedurer frem for et ideelt mesterværk giver anledning til en ophidsende travlhed omkring fortiden snarere end til nye udflugter på ukendt territorium. Disse kunne bringe de forsømte spøgelser og oversete spøgelser fra vorespopulære myter og filosofier.

Eksempler på tilegnelse i kunsten

Andy Warhol blev ramt af en række sager fra fotografer, hvis kunstværker han havde stjålet og derefter forvandlet til silketryk. Selv om Warhols ikoniske kunstværker blev stjålet på åbenlys vis, blev Campbell's suppedåser Jeff Koons er endda blevet sagsøgt før; en af gangene blev designeren anklaget for at have tilegnet sig et billede af Art Rogers af to personer, der vugger et kuld hvalpe. Lad os se på nogle berømte eksempler på tilegnelse i kunsten.

Springvand (1917) af Marcel Duchamp

Dato for afslutning 1917
Medium Glaseret keramik
Mål 61 cm x 36 cm x 48 cm
Nuværende placering 291 kunstgalleri

Et almindeligt stykke VVS-udstyr, som Duchamp havde udvalgt, blev indstillet til en installation i Society of Independent Artists i april 1917, som var selskabets første udstilling. Duchamp beskrev sine Readymade-skulpturer som "almindelige ting, der er ophøjet til et kunstværks storhed ved designerens udvælgelse." Urinalen blev ændret i forhold til sin normale placering i Duchamps udstilling.

Fountain blev ikke afvist af komitéen, da selskabets regler angav, at alle værker indsendt af kunstnere, der betalte penge, ville blive optaget, men skulpturen blev aldrig udstillet.

Værket opfattes af kunsthistorikere og kunsthistorikere som en vigtig milepæl i det tyvende århundredes kunst. avantgarde I 1950'erne og 1960'erne blev der anmodet om 16 reproduktioner fra Duchamp, og de blev fremstillet med hans samtykke.

Nogle hævder, at det oprindelige værk blev skabt af den kvindelige kunstner Elsa von Freytag-Loringhoven, som præsenterede det for Duchamp som en veninde, mens kunsthistorikere hævder, at Duchamp var helt og holdent ansvarlig for Fountain-udstillingen.

Indflydelsen fra Duchamps kunstværk ændrede folks opfattelse af kunst på grund af hans vægt på "intellektuel kunst" snarere end blot "øjenkunst", da dette var en måde at involvere potentielle beskuere på en tankevækkende måde snarere end at belønne den æstetiske etablerede orden med "at vende sig fra traditionalisme til modernitet." Fordi Stieglitz' fotografi er det unikke billede af den førsteskulptur, visse fortolkninger af Springvand er baseret på, at man ikke kun ser på kopier, men også på dette specifikke billede.

Campbell's suppedåser (1968) af Andy Warhol

Dato for afslutning 1968
Medium Serigrafi
Mål 81 cm x 48 cm
Nuværende placering Museum of Modern Art

Campbell's suppedåser er blandt de mest berømte billeder i amerikansk samtidskunst. Suppedåserne, der begyndte som en serie malerier i 1962, blev internationalt anerkendt som et vartegn for Pop Art. Da kunstværkerne oprindeligt blev vist det år, blev de præsenteret sammen, som om de var varer i en købmandsbutik. Hver suppedåse repræsenterede en anden smag og var modelleret efter den hvide og røde suppedåser.

Selv om de lignede kendte supermarkedsvarer, kunne kunstnerens håndværk ses i de små ændringer i teksten og de håndstemplede symboler på bunden af hver enkelt beholder.

Serien bliver endnu mere fascinerende af kontrasten mellem den rene kopi og kunstnerens hånd. Inspirationen til serien stammer fra Warhols privatliv. "Jeg plejede at spise det," siger han. "Jeg spiste det samme måltid hver dag i måske 20 år, den samme ret igen og igen."

Dette begreb om gentagelse blev uden tvivl optaget af kunstneren og udtrykt af den kommercielle massekultur. Campbell's suppedåser blev i begyndelsen stærkt anfægtet, da mange tilskuere havde svært ved at forlige sig med en så åbenlys udnyttelse af en banal handelsvare.

I 1968 udvidede Warhol imidlertid idéerne om gentagelse og produktion ved at lave to præsentationer af Campbell's Soup Can-screenprints.

Efter Walker Evans (1981) af Sherrie Levine

Dato for afslutning 1981
Medium Gelatin sølv print
Mål 12 cm x 10 cm
Nuværende placering Metro Museum of Art

Levine genfotograferede uhæmmet Walker Evans' billede af Allie Mae Burroughs, ægtefælle til en landmand i Alabama, mere end 50 år efter, at Evans havde taget det. Det er bemærkelsesværdigt, at hun ikke har taget selve aftrykket, men derimod en kopi af billedet i et Walker Evans-showhæfte. Billedet efter Walker Evans: 4 er en kopi af en kopi af det faktiske foto.

Selv denne karakteristik er en smule vildledende, fordi der ikke findes et enkelt "originalt" Evans-billede - der findes mange udskrifter, der alle er identiske. Levine afdækker de tvetydigheder af autenticitet og ægthed, der ligger i mediet, ved at genfotografere Evans' fotografi.

Hun udfordrer også, hvordan den kunstneriske eller æstetiske værdi af et kunstværk er forbundet med begreber som kunstnerisk geni, og hvordan denne værdi derefter kommercialiseres på kunstmarkedet, afhængigt af eksklusivitet og knaphed.

Levines konceptuelle indsats roses som et kendetegn ved postmoderne kunst minder om den franske filosof Roland Barthes' artikel "The Death of the Author", hvori han hævdede, at det var læserens ansvar, ikke forfatterens, at producere og beslutte sig for at betyde. Levine brugte Barthes' ord, da hun sagde: "Billedets betydning ligger ikke i dets begyndelse, men i dets skæbne." "Tilskuerens skabelse må ske på bekostning af maleren."

Ved at lægge så meget magt i beskuerens hænder, dvs. ved at bede publikum om at udfordre og opfatte, sætter Levine de romantiske forestillinger om den "vidunderlige" kunstner, der leverer autentisk aktualitet, til diskussion, men peger i stedet på en situation, hvor de visuelle billeder aldrig er autentiske og altid stammer fra mange kilder, som publikum skal afkode.

Arrangeret af Barbara og Eugene Schwartz (1982) af Louise Lawler

Dato for afslutning 1982
Medium Gelatin sølv print
Mål 32 cm x 55 cm
Nuværende placering Privat samling

Dette billede er en del af en af Lawlers første serie af billeder, der viser en kronik over kunstudstillinger i boliger og institutioner. Vi kan se to af Cindy Shermans kunstværker hængende i et rum, der kan ses gennem den åbne dør, samt en abstrakt scene, der er monteret på væggen ved siden af indgangen, med billedet centreret på en dør, der går mellem rummene.

Lawler nævner ikke de enkelte værker ved navn; i stedet er det samlerne Barbara og Eugene Schwartz, der er krediteret for at have arrangeret værket, og som i titlen fremhæves som aktive skabere af den udstillede scene.

Kunstneren synliggør den kontinuerlige modtagelse af kunstværker ved at flytte betragterens fokus fra skaberen til samleren og tilbyder denne udstilling til publikum på en måde, der placerer kunstværket i sammenhæng med både dets handelsværdi og dets kulturelle status.

De tilhører ikke længere deres skaber, men er snarere et udtryk for deres ejers smag og personlighed.

Selv om denne handling med at skildre kunstværker, som de præsenteres i samleres hjem, er optaget af de måder, hvorpå erhvervelse og arrangement ændrer kunstværkers betydning, forbliver Lawlers holdning hertil tvetydig. Hun undgår en simpel fordømmelse af, hvordan kunstværker kommercialiseres gennem markedet, i stedet for at fokusere på emnet uden at have til hensigt at afklare det.

Vi har ikke brug for endnu en helt (1986) af Barbara Kruger

Dato for afslutning 1986
Medium Fotografisk silketryk
Mål 277 cm x 533 cm
Nuværende placering Forskellige billboards

Billedet og ordene, der er forbundet med Barbara Krüger's værk, har en figurativ konnotation, da de er forbundet med en af J. Howard Millers plakater fra 1942 med titlen Rosie the Riveter. Under Anden Verdenskrig blev Rosie the Riveter-billedet produceret for at tilskynde kvinder til at gå ind i arbejdsmarkedet. Kruger udnytter det miljø, som Rosie the Riveter-plakaten blev skabt i, til at fremhæve betydningen afhendes arbejde.

Krügers værk er baseret på den antagelse, at publikum skal genkende forholdet mellem, hvordan kvinder blev opfattet før krigen, og hvordan kvinder opfattes efter krigen, for at forstå hendes værk.

Ikke desto mindre indebærer postmodernismen, at selv om en postmoderne skabelse kan være en "kritik af kilden", skal den "ikke vende tilbage til dem", og derfor kan Barbara Krügers kunst læses som en anden helt, der ikke er nødvendig, fordi kampen er forbi og ikke vil vende tilbage.

Som følge heraf er Krügers værk intertekstuelt, men ikke selvbestemt, da det anerkender fortiden for at udvikle bevidsthed i nutiden.

Salme (1999) af Damien Hirst

Dato for afslutning 1999
Medium Bronze
Mål 6m
Nuværende placering Gagosian Gallery

I 2000, Damien Hirst blev tvunget til at betale en ukendt erstatning til skaberne af et legetøj, som han havde piratkopieret, og det kulminerede i en stor skulptur, der lignede originalen påfaldende meget. Hirsts metode kaldes appropriation, men hvad indebærer det præcist, og er det tyveri eller innovation?

Hirst forstørrede legetøjet til en seks meter høj skulptur og ændrede komponenterne fra plastik til guld, bronze og sølv.

Hirst har også ændret kunstværkets omgivelser fra et medicinsk legetøj til et moderne kunstmuseum. Hans lille ændring af det oprindelige legetøjsdesign kulminerede i en retssag, hvor han blev anklaget for plagiat. Hirst blev dømt til at betale erstatning for sin tilegnelse.

Selv om Hirsts skulptur ser ud til at være en kopi, virker den også på et dybere plan, idet den fremkalder tro og kunsthistorie.

Udtrykket Hymn er en leg med det mandlige pronomen og henviser til en andagtsvise eller sang, hvor Gud eller en gud hyldes. Denne skulptur er hverken en sang eller en sang, men den kan alligevel genkendes som et billede, der viser et portræt af en genstand for tilbedelse, som det er almindeligt i afguderi over hele verden, hvor skulpturer er bygget med verdens mest værdifulde materialer, indviklethed og perfektion.

En belgisk politiker (2011) af Luc Tuymans

Dato for afslutning 2011
Medium Olie på lærred
Mål Ukendt
Nuværende placering Privat samling

Dette er et portræt af politikeren Jean-Marie Dedecker. Tuymans' begrænsede farvepalet og nærbilleder er almindelige. Billedets mest slående træk er det hårde snit midt i modellens ansigt. Beskæringen af fotografiet har været genstand for en heftig debat, men mest af juridiske og ikke kunstneriske årsager.

Dette skyldes en retssag, hvor Tuymans blev fundet skyldig i plagiat, da kunstværket blev anset for at krænke ophavsretten til det billede, som det er baseret på.

Originalen blev fotograferet for det belgiske dagblad De Standaard af den prisbelønnede portrætfotograf og journalistiske fotograf Katrijn Van Giel og har samme beskæring, men fordi det er i farver, minder Tuymans' gengivelse om et avisbillede snarere end om dets trykte modstykke.

Ifølge Tuymans' advokat, Michael De Vroey, havde kunstneren "til hensigt at skabe et slående billede for at kommunikere en kritik af det belgiske samfunds march mod højrefløjen".

I mange år har hans karriere været koncentreret om at udnytte allerede eksisterende fotografier, som ofte allerede er udgivet. Tuymans ser denne form for drift som analog med ytringsfrihed og som en moderne kritikform. "Hvordan kan en kunstner bringe verden i tvivl med sine værker, hvis han ikke har lov til at bruge verdens billeder?", sagde hans advokat.

Tilegnelse Kunst defineres som brugen af allerede eksisterende genstande eller billeder med få eller ingen ændringer. Gennem hele kunsthistorien har tilegnelsespraksis spillet en afgørende rolle. I billedkunsten er kreativ tilegnelse den korrekte vedtagelse, lån, genbrug eller prøveudtagning af menneskeskabte kulturelle billeder.

Læs også vores webstory om appropriationskunst.

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er tilegnelse af kunst?

Konceptet er, at det nuværende værk rekontekstualiserer det materiale, det henter fra, og gør produktionen ny - hvilket er en afgørende faktor at forstå i vores forståelse af appropriationsfotografi og kunst. For det meste er originalen stadig tilgængelig i sin oprindelige form. Kunstnerisk appropriation, ligesom kunst med fundne genstande, beskrives som bevidst kopiering, lån og modificering afAppropriation art defineres alternativt som integrationen af en fysisk enhed eller endog et eksisterende kunstværk i et helt nyt kunstværk.

Hvor længe har tilegnelse i kunsten fundet sted?

Mange kunstnere fra det 19. århundrede indarbejdede referencer til tidligere kunstneres værker eller idéer. Jean-Auguste Dominique Ingres skabte for eksempel Madame Moitessiers portræt i 1856. Den mærkelige holdning var inspireret af den kendte antikke Romersk maleri Herakles Finding His Son Telephas (tidligt 2. århundrede f.Kr.). Som følge heraf skabte forfatteren en forbindelse mellem sit emne og den olympiske guddom. På samme måde kan værker, der er påvirket af Delacroix, Jean Francois Millet eller japanske billeder i hans personlige besiddelse, bruges til at identificere Vincent van Gogh. Tilegnelseskunst som kunstform kan imidlertid spores tilbage til Georges Braque og Pablo Picassoskubistiske assemblager og collager fra 1912 og frem, hvor autentiske genstande som aviser blev brugt som tegn på dem selv.

John Williams

John Williams er en erfaren kunstner, forfatter og kunstunderviser. Han tog sin Bachelor of Fine Arts-grad fra Pratt Institute i New York City og forfulgte senere sin Master of Fine Arts-grad ved Yale University. I over et årti har han undervist i kunst til elever i alle aldre i forskellige uddannelsesmiljøer. Williams har udstillet sine kunstværker i gallerier over hele USA og har modtaget adskillige priser og legater for sit kreative arbejde. Ud over sine kunstneriske sysler skriver Williams også om kunstrelaterede emner og underviser i workshops om kunsthistorie og teori. Han brænder for at opmuntre andre til at udtrykke sig gennem kunst og mener, at alle har evnen til kreativitet.