D en surrealistiske bevægelse udviklede sig i Europa som en eftervirkning af Første Verdenskrig, hvor eftervirkningerne af krigens brutalitet begyndte at manifestere sig i kunsten på usædvanlige måder. Surrealismen, der var stærkt påvirket af Dada-bevægelsen, var bedst kendt for sine visuelle kunstværker og skrifter, der satte fokus på det underbevidste sind, det irrationelle og drømmelandskabernes kraft.Den surrealistiske kunst begyndte at sprede sig over hele verden, men dens popularitet blev afbrudt af starten af Anden Verdenskrig.

En introduktion til surrealistisk kunst

Den surrealistiske bevægelse blev grundlagt af digteren André Breton i 1924 i Paris og skulle eksistere som både en kunstnerisk og litterær bevægelse. Bretons Surrealistisk manifest , der blev skrevet samme år, dokumenterede første gang, at surrealismen blev udforsket i litteraturen, hvilket førte til bevægelsens efterfølgende udvikling i tiden efter Første Verdenskrig.

På grund af det traume, som samfundet oplevede i kølvandet på krigen, ønskede kunstnerne at skabe en ny form for virkelighed i deres kunst. De forsøgte at forstå den type verden, der tillod krigens rædsler at finde sted gennem det absurde og mærkelige skildringer i deres kunstværker Surrealismen tilskyndede derfor til at bruge drømme og underbevidsthed i kunstnerens arbejde, hvilket gjorde det muligt for kunstnerne at fokusere på deres sande, indre følelser, som de havde brug for at blive behandlet.

Den surrealistiske bevægelse havde sine rødder i psykoanalysen og var stærkt påvirket af Sigmund Freuds arbejde, som Breton havde studeret intensivt. Surrealismen hentede inspiration fra den tidligere Dada-bevægelse samt den moderne inddragelse af avantgarde-ideer i kunsten, da den udvidede disse begreber til musik, teater og filosofi ud over billedkunst.

Hjernen (skæv) (1982) af Hanno Karlhuber, fra serien Energi i rummet , "Suget ind i rummet skabes af en lyskilde. I dette tilfælde er lyskilden dækket til. Den svævende person kan fortolkes som værende på barmhjertighed, de kosmiske sten som forhindringer. Det er en naturalistisk beskrivelse af mentale tilstande"; Hanno Karlhuber, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Ofte ses den som både kulturel og radikal kunstbevægelse Surrealismen fokuserede på begrebet uorden, overraskelseselementet, overraskende sammenstillinger og ulogiske skildringer af virkeligheden. Kunstnerne var optaget af at bevæge sig væk fra fornuft og logik og håbede at opnå en fri form for tænkning i de kunstværker, der blev skabt. Målet med surrealismen var at frigøre tanken, sproget og den menneskelige erfaring fra de undertrykkende begrænsninger, somrationalisme.

Begrebet automatism blev fokuseret på inden for den surrealistiske bevægelse, da det beskrev en praksis, der lignede fri association, hvilket gjorde det muligt for kunstnere at producere værker, der fokuserede på deres ubevidste tanker. Således udforskede den type malerier, der blev skabt inden for surrealismen, den dialog, der eksisterede mellem drømme og virkelighed, da kunstnerne understregede vigtigheden af atunderbevidste billeder.

Kunstværkerne inden for denne bevægelse viste en betydelig afstandtagen fra traditionelle kunstformer, da kunstnerne søgte at afsløre psykologiske sandheder, hvilket førte til abstrakte billeder, der skulle repræsentere den isolation, som samfundet oplevede i kølvandet på en krigshærget verden.

De ti mest berømte surrealistiske kunstværker

I løbet af den surrealistiske bevægelse blev der lavet mange kunstværker, der præcist indfangede de idéer, mål og karakteristika, som kunstperioden lagde vægt på. Når man ser på disse mange værker, er der nogle malerier, der skiller sig ud som definerende værker inden for surrealismen. Nedenfor er der en liste over de ti mest genkendelige og berømte surrealistiske kunstværker, som man stadig taler om i dag.

C.... come condizionamento ("C... for Conditioning", 1976) af den italienske maler William Girometti, som ejes af hans datter; William Girometti, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Harlekins karneval - Joan Miró (1925)

Det findes som et af de mest fremragende surrealistiske malerier fra Spansk kunstner Joan Miró, samt hans mest kendte værk, er hans kunstværk fra 1925 med titlen Harlekins karneval (Carnaval de Arlequín) Titlen refererer til to betydningsfulde ord i det daværende samfund: "Harlekin" henviste til den italienske komiske teaterfigur, der altid blev afbildet i et ternet kostume, og "karneval" blev opfattet som en fest.

Portræt af Joan Miró i Barcelona, 1935; Carl Van Vechten, Public domain, via Wikimedia Commons

Inden for Harlekins karneval er der tale om en livlig fejring af livet, som det fremgår af figurerne, der tilsyneladende flyder og hopper rundt. Det er også blevet spekuleret i, at denne fejring efterligner Mardi Gras-festen, hvor de kristne gav sig hen og spiste fed mad, inden de afstod fra at spise animalske produkter indtil påske. Disse tegneserieagtige og biomorfe figurer, som Miróspredt rundt omkring, hvilket overvælder beskueren, når han først konfronteres med dette surrealistiske maleri.

Uanset hvad fejringen handler om, præsenteres en meget tilfældig og kaotisk scene, da det virker som om Miró har formået at gengive hele sin underbevidsthed på lærredet. Når man ser nærmere på disse figurer, synes der dog at være en vis symbolik i deres inddragelse i værket.

Harlekinen, der er placeret til venstre for midten af maleriet, har en aflang hvid krop med en blå-rød kugle som hoved. Han virker meget trist og er afbildet med et hul i maven, hvilket menes at være et tegn på Mirós fattigdom og sult. Som kæmpende kunstner havde Miró til tider dårligt nok råd til at købe mad og beskrev, at han kom hjem sidst på dagen udenDet var i denne hallucinerende tilstand, at han kunne begynde at tegne de abstrakte former, som dette maleri består af.

Til venstre ses en lang stige lænet op ad en væg, et motiv, som Miró senere ville bruge i en række af sine surrealistiske malerier. Stigen symboliserer hans frygt for at blive fanget og skulle være et redskab, der kunne give ham den frihed, han længtes efter. Desuden skulle den sorte trekant i vinduet øverst til højre i maleriet ligne Eiffeltårnet,som understregede Mirós store drøm om at erobre verden med sin kunst og slippe ud af den fattigdom, han levede i.

Hvad gjorde Harlekins karneval er, at de afbildede former blev skabt ud fra den sult, Miró følte, når han gik ind i en trancelignende tilstand, i modsætning til billeder, som han oplevede i sine drømme, som andre Surrealistiske kunstnere Dette maleri eksisterer som en beretning om Mirós underbevidsthed som følge af hans økonomiske vanskeligheder, hvilket gjorde det muligt at knytte nogle følelser til de former, han afbildede. Dette er et vigtigt eksempel på et surrealistisk maleri, da Miró var banebrydende i brugen af antropomorfe former i dette maleri.

Kampen om fisk - André Masson (1926)

Den franske kunstner André Masson praktiserede entusiastisk automatisk tegning i nogle af sine surrealistiske kunstværker og eksperimenterede ofte med ændrede bevidsthedstilstande. Hans mest kendte maleri fra surrealismen er hans kunstværk fra 1926 med titlen Kampen om fisk .

I dette kunstværk formåede Masson at skabe et stærkt allegorisk billede af den menneskelige tilstand og de uendelige konflikter, der blev oplevet på grund af ødelæggelserne efter Første Verdenskrig. Gennem skildringen af et surrealistisk undervandslandskab tegnede Masson skarptandede fisk, der brutalt angreb hinanden i et forsøg på at vise sine tanker om det nuværende samfund i kølvandet på denkrig.

Mens du arbejder med hele lærredet, når du skaber Kampen om fisk formåede Masson at opretholde en lukket komposition, der ligner den lukkede natur af havets dybder. Masson placerede også de energiske og flydende linjer i sit værk på en dygtig måde, hvilket gav en vis retning gennem værket og fungerede som ledende punkter for beskueren at fokusere på. Disse streger virker meget solide og sikre på deres plads, hvilket viste den tillid, somMasson havde i den stil, som han forsøgte at skildre.

Det, der gjorde dette surrealistiske kunstværk så fascinerende, var den usædvanlige metode, som Masson anvendte, da hans slående tilgang til kunstfremstilling gjorde det muligt for tilfældighederne at komme ind i hans værker.

Inden for Kampen om fisk , Masson inkorporerede sand i sine værker, påførte frit gesso på lærredet for at skabe en struktur, som resten af værket kunne stå på, og han tegnede og malede kraftigt direkte fra sine malerrør.

Mens områderne med sand blev fremtrædende fokuspunkter, var den valgte farvepalet også med til at fremhæve visse områder i kunstværket. Masson gjorde brug af kølige toner, som greb beskueren og trak ham ind i den dystre scene, samt nogle kontrasterende varme toner omkring de områder, han ønskede at fremhæve. Disse tydelige farver, ud over de organiske former, som Masson brugte,var med til at opretholde flowet og rytmen i værket og skabe et interessant og fængslende værk med ubegrænsede afbrydelser.

De mørkere farver, som de blå og grønne, var med til at skabe en stemning af depression og anger i kompositionen, hvilket afspejlede stemningen i virkeligheden efter krigens afslutning. De varmere farver var med til at få opmærksomheden fra seerne, idet de røde farver, der blev brugt, fungerede som en visceral påmindelse om den virkelige rædsel, der havde fundet sted i samfundet.

Dette værk er symbolsk for livet i det europæiske samfund efter Første Verdenskrig, da de isolerede og vilde fisk skulle repræsentere de fortvivlede og splittede samfund, der skulle genopbygges. Nogle af fiskene er også vist døde, hvilket skulle symbolisere de personer, der mistede livet i kampene eller i den uro, der fulgte efter.

Således er dette værk et meget selvsikkert kunstværk, da de symboler, som Masson har placeret i sin komposition, er bevidst valgt og brugt til at formidle et budskab.

Dette kunstværk anses for at være utrolig indflydelsesrig for den surrealistiske bevægelse, da Masson fik adgang til sit ubevidste sind for at skabe en irrationel komposition, der præcist indfangede det kaos og den frygt, der føltes i samfundet efter Første Verdenskrig.

Den store onanist - Salvador Dalí (1929)

Et af de mest kendte medlemmer af surrealismen var den spanske kunstner Salvador Dalí, som senere malede nogle af de mest ikoniske værker, der var med til at definere bevægelsen. Et af Dalís tidligste surrealistiske malerier, malet i 1929, var Den store onanist .

På det tidspunkt, hvor Dalí malede Den store onanist , udtrykte han en stor fascination af Sigmund Freuds psykoanalytiske teori og var meget interesseret i at undersøge de ubevidste aspekter af selvet, herunder seksuelt undertrykte mekanismer og egostruktur. Derfor ses dette maleri som et selvportræt af Dalís egne seksuelle besættelser og hans overdrevent udvoksede ego, som han kommenterede mange gange i løbet af sin karriere.

Portræt af Salvador Dali, taget i Hôtel Meurice, Paris, 1972; Allan warren, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Dalí malede denne drømmeagtige scene i et utroligt surrealistisk landskab efter at have tilbragt nogle dage med sin kommende kone, Gala. Flere andre objekter af begær blev inkluderet i dette kunstværk, såsom omtaler af Gala selv og referencer til ørkenoasen. Ved at inkludere nogle ukendte ansigtsløse figurer og insekter i dette maleri, blev det antaget, at Dalí symboliserede sin egen paranoidefrygter.

Det store forvredne hoved, der dominerer maleriet, blev set som en slags psykisk øjebliksbillede af Dalís underbevidsthed på det tidspunkt, og det siges at være masturbatoren og en af personifikationerne af Dalí selv, der optrådte flere andre gange i forskellige sammenhænge i maleriet.

Hovedet, der kun ses i profil, afspejler den åndelige og erotiske forandring, som Dalí havde oplevet på grund af Gala's pludselige tilstedeværelse i hans liv.

Set som et meget foruroligende selvportræt, Den store onanist viste en fantasi, der var på sit højeste, hvilket viste sig i den mærkelige afbildning af en græshoppe, der sugede på den sten, der var ved at forvandle sig til Dalís afbildning.

Det centrale billede er blevet spekuleret i, at det er baseret på den almindeligt kendte klippeformation Cullero ved Cap de Creus i Spanien. Dalí sammenlignede klippen med et hoved med næsen trykket ned i jorden, og han ville senere komme til at referere flere gange til denne klippe i sine senere surrealistiske værker. Dette viste Dalís besatte natur, da denne klippe blev den mest fængslende og allestedsnærværendeobjekt i mange af hans surrealistiske kunstværker

I dette kunstværk afslørede Dalí sin indre frygt, sine personlige bekymringer og konstante besættelser. Den store onanist er et indflydelsesrigt surrealistisk kunstværk, da det repræsenterede den virkelighedsflugtstanke, der var til stede i de fleste af Dalís værker. Denne paranoide skildring demonstrerede de centrale karakteristika, der blev set i andre surrealistiske kunstværker, hvor Dalí var en vigtig leder af bevægelsen.

Billedernes forræderi - René Magritte (1929)

En anden betydningsfuld kunstner, der var med til at drive den surrealistiske bevægelse fremad, var den belgiske kunstner René Magritte. Hans udforskninger inden for surrealismen var stærkt påvirket af den efterkrigsatmosfære, der havde grebet samfundet, strukturalistiske sprogteorier og den formodede kløft, der eksisterede mellem sprog og mening. Et af Magrittes mest kendte værker, malet i 1929, var Billedernes forræderi .

I dette maleri vises et simpelt billede af en pibe sammen med et fransk udsagn, der kan oversættes til "Dette er ikke en pibe".Den kontrast, som Magritte skaber, demonstrerer hans idé om uoverensstemmelsen mellem sprog og betydning, da der vises en forskel mellem signifiant og significeret objekt.

Graffiti af Magritte's Ceci n'est pas une pipe i Bukarest; bixentro, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Dette humoristiske maleri skildrede den uenighed, der var tydelig mellem sprog og betydning i samfundet efter Første Verdenskrig, da Magritte erklærede, at ord ikke længere repræsenterede, hvad de virkelig betød. På grund af den disharmoni, der opstod som følge af krigen, var surrealisterne frie til at udforske dekonstruktionen af sproget, og Magrittes surrealistiske malerier udløste chokerende tanker hos beskuerne.

Billedernes forræderi fremhævede Magrittes overbevisning om, at kunst ikke var virkeligheden, men en simpel repræsentation af den. Således var udsagnet i dette kunstværk sandt, da det ikke var et rør, som beskuerne kiggede på, men snarere et billede af den virkelige ting. På den måde skabte Magritte et tredobbelt paradoks ud af den traditionelle opfattelse, at objekter skulle passe sammen med ord og billeder.

Ligesom andre kunstnere inden for den surrealistiske bevægelse søgte Magritte at omstøde tilstedeværelsen af rationalisering og logik i kunsten, som det borgerlige samfund havde pålagt kunstnerne. Surrealismen gav Magritte mulighed for at fjerne den oprindelige betydning af tegn og symboler, hvilket inspirerede mange kunstnere til at gøre det samme. Derudover blev Magrittes værker set som et indflydelsesrigt udgangspunkt inden forKonceptualisme.

Magritte benyttede sig ofte af metoder, som rejste tvivl om kunstværkernes faktiske udseende, da de ikke syntes at passe ind i maleriet eller i selve virkeligheden.

Den spænding, som Magritte skabte mellem sandhed og fiktion, samt virkelighed og surrealisme, blev på en dygtig måde vist i hans værker, hvilket gjorde det muligt at Billedernes forræderi , sammen med hans andre surrealistiske malerier, til at blive nogle af de mest ikoniske surrealistiske kunstværker, der nogensinde har eksisteret.

Hukommelsens vedholdenhed - Salvador Dalí (1931)

Et andet vigtigt kunstværk, som Salvador Dalí malede under surrealismen, var hans maleri fra 1931, Hukommelsens vedholdenhed Desuden er dette kunstværk utvivlsomt et af de mest berømte værker, som Surrealistiske malerier fra bevægelsen som helhed.

Inden for Hukommelsens vedholdenhed Disse ure skulle afspejle det indre arbejde i Dalís underbevidsthed og samtidig formidle det enkle, men komplekse budskab, at tiden, som samfundet opfatter den, i bund og grund er meningsløs.

I denne abstrakte og drømmeagtige scene er de dryppende ure det centrale motiv, som er afbildet på baggrund af de gyldne klipper i Catalonien, hvor Dalí blev født. Inddragelsen af den gigantiske næse, hvorpå et ur smelter, er en reference til Dalís tidligere maleri, Den store onanist (1929).

Ved at integrere denne figur i begge sine kunstværker, hvilket blev anset for at være en form for selvreference, viste Dalí sin besatte natur, som var tydelig i hans surrealistiske malerier.

Dalí udviste en stor interesse for tanken om underbevidst kunst og skabte ofte en selvinduceret hallucinerende tilstand, når han malede. Dette kan ses i visse genstande, som han inkluderede i sit maleri, da de syntes at komme fra dybt inde i hans psyke. Et eksempel på en tilsyneladende abstrakt inddragelse er portrætteringen af myrer i hans værker, som gentog sig ofte i hans andre surrealistiske værker.Myrerne blev anset for at repræsentere Dalís fascination af begrebet forfald, og at man ikke kunne gøre noget for at stoppe denne proces.

De dryppende ure og det deformerede ansigt virker fuldstændig løsrevet fra virkeligheden, hvilket viser den dybde, som Dalí udforskede i sin underbevidsthed. Når Dalí blev spurgt om betydningen af urene i maleriet, erklærede han ofte, at han ikke havde nogen idé, men nægtede alligevel at forbinde afbildningen af hans ure med begrebet tid. På den måde var Dalí i stand til at gengive velkendte genstande iuvante måder, som fuldstændig fratog dem enhver mening, der gav mening.

Dette værk var et meget vigtigt maleri for Dalí, da han konstant vendte tilbage til dette tema gennem brugen af forskellige stilarter, medier og variationer i de andre værker, han producerede.

Dens indflydelse spredte sig til hele den surrealistiske bevægelse, da Dalí nemt kunne forvrænge velkendte genstande til et punkt, hvor de så ud til at være en del af en abstrakt og fantasmagorisk verden, hvilket ubesværet indfangede den irrationalitet, som surrealismen handlede om.

Æg i kirken eller slangen - André Breton (1932)

Den franske forfatter og digter André Breton, der er kendt som grundlæggeren af surrealismen, skrev det oprindelige surrealistiske manifest, der udviklede og definerede bevægelsen som kunstpraksis. Selv om han fokuserede sine bestræbelser på at skrive i surrealismen, skabte Breton et bemærkelsesværdigt kunstværk i 1932, der fik titlen Æg i kirken eller i slangen.

Da dette er et af Bretons eneste visuelle kunstværker, ved man ikke meget om den papircollage, som han konstruerede. Æg i kirken eller slangen er en collage og ikke et maleri, er der en grund til, at dette kunstværk er med på listen over berømte surrealistiske malerier. Det skyldes, at det i bund og grund sætter spørgsmålstegn ved forfatterens funktion ved at udvide medierne og være banebrydende i brugen af fotomontage for at lave et visuelt eksperiment. Kombinationen af disse aspekter skabte således en stærk kryptisk og surrealistisk drømmeagtigscene.

André Breton ved en Dada-festival i Paris i 1920 med et skilt designet af Francis Picabia; Ukendt forfatterUkendt forfatter, Public domain, via Wikimedia Commons

Bretons titel er både allegorisk og gådefuld gennem sin relation til religion, og det valgte emne er et eksempel på den surrealistiske interesse, der blev lagt i kvindekroppen og kristendommens undertrykkelse af seksuel lyst. Breton stræbte efter at reducere alle seksuelle undertrykkelser til blot symboler og sprog, der ville give ytringsfrihed, som det fremgår af hanscollage og skrifter.

Selv om Breton ikke malede og tegnede så meget som andre surrealistiske kunstnere, var hans bidrag til bevægelsen uvurderligt, da hans skrifter og tanker blev anset for at påvirke selve kernen i avantgardebevægelsen.

Barbarerne - Max Ernst (1937)

Kendt som både en indflydelsesrig dadaister og surrealist var Tysk kunstner Max Ernst. I løbet af sin karriere inden for surrealismen udviklede Ernst den såkaldte "frottage"-teknik, som benyttede sig af blyantskrabninger af genstande som billedkilde. Ernsts mest kendte kunstværk fra den surrealistiske bevægelse blev malet i 1937 og fik titlen Barbarerne .

Ernsts maleri var stærkt påvirket af Sigmund Freuds teori om ubevidsthed, med Barbarerne Ernst så på barbarerne ud fra de freudianske personlighedsbegreber som egoet, overjeget og id'et og placerede dem derfor passende som væsener i et surrealistisk landskab.

Et fotografi af Max Ernst i 1968; Ukendt forfatterUkendt forfatter, CC0, via Wikimedia Commons

Inden for Barbarerne er der afbildet gigantiske og ondskabsfuldt udseende figurer, der ser ud til at have form af fugle. Den mørke fugl ser ud til at gå forrest, mens den anden fugl vender sig om og stirrer på et mærkeligt dyr, der hænger på dens arm. I det fjerne ses en lille kvinde, der ser ud til at holde fast i et uidentificeret vinget dyr. Ernst indarbejdede ofte fugletemaet i sine værker, som f.eks.han mente, at de indeholdt nogle menneskelige elementer.

De mærkelige mønstre, der blev tegnet på figurernes kroppe, var ret kantede og grove, da de skulle minde om temaer som klippe- og fossildannelse. Ernst opnåede dette udseende ved at lægge lagvis af maling på et stykke karton Derefter rettede han figurerne op med en pensel, som skrabede de ekstra lag maling væk.

Dette kunstværk inkorporerede mytologi gennem de to figurer, der blev malet, da Ernst mente, at de var barbarer. Den mørke fugls hånd, der var løftet mod himlen, repræsenterede, hvordan barbarerne altid troede, at de var Atlas' ø, der holdt himlen fra at falde ned. Den anden fugl skulle være ved at forberede sig på at begynde sin militære fremmarch på menneskers land.

Dette repræsenterede således Ernsts tanke om, at demokratiet havde evnen til at forvandle sig til barbari, som det blev vist ved krigens udbrud.

Ubestemt delbarhed - Yves Tanguy (1942)

Fransk kunstner Yves Tanguy var en vigtig indflydelse inden for surrealismen, da hans kunstværker bestod af en usædvanlig, øjeblikkeligt genkendelig stil af ikke-repræsentationel surrealisme. Hans måske mest kendte værk fra denne periode, malet i 1942, var maleriet med titlen Ubestemt delbarhed .

I sine kunstværker gjorde Tanguy brug af begrebet bevidsthedsstrøm, så hans surrealistiske malerier aktiverede følelser hos beskueren i stedet for at formidle specifikke forklaringer på maleriet.

Tanguy var også påvirket af det underbevidste og drømme, og disse elementer optræder under forskellige omstændigheder i de fleste af hans værker.

Ubestemt delbarhed afbildede almindelige genstande, der blev sat sammen til en mand, foruden det, der lignede et staffeli. Tanguy lånte et visuelt symbol fra sin mentor, da han skabte en uklar og mystificerende struktur, der overtog det ubestemte rum. Desuden virkede strukturen utydelig og vag, hvilket bidrog til det mystiske i dennemaleri.

Placeret på noget, der ser ud til at være en strand eller en blålig version af skærsilden, skabte Tanguy et modsætningsforhold mellem de former, der består af flere objekter. Dette blev gjort for at fremkalde en følelse af usikkerhed i værket, da beskuerne ikke kunne se, hvad den verden, han skabte, egentlig bestod af. Dermed rejste Tanguy en vigtig filosofisk debat, da han spurgte sig selv, om menneskelige formerog genstande skabt af mennesket simpelthen var de samme, eller om de i stedet var fantaserede.

På Ubestemt delbarhed Det, der gør dette kunstværk til et indflydelsesrigt surrealistisk værk, er, at Tanguy fokuserede på at udtrykke og udløse følelser frem for at forklare, hvad maleriet betød.

I 1950 udstillede den psykologiske institution i Wien Tanguys malerier ved siden af dem, der var lavet af skizofrene patienter, for at se, om publikum kunne skelne mellem de to. Da de ikke kunne det, var surrealisterne ekstatiske, da det betød, at abstraktionen i deres værker virkelig ikke havde nogen lighed med virkeligheden.

Jeg så tre byer - Kay Sage (1944)

Den amerikanske kunstner Kay Sage, som var hustru til kunstnerkollegaen Yves Tanguy, var en af de få kvindelige kunstnere inden for surrealismen, som havde en utrolig stor indflydelse på bevægelsen. Hendes mest betydningsfulde kunstværk, malet i 1944, er Jeg så tre byer.

Kay Sage's pasfoto (1922); USA's regering, offentligt område, via Wikimedia Commons

Sages arbejde adskilte sig meget fra de andre kvinder inden for surrealismen, da de universer, hun skabte i sine malerier, var uklare, uigennemtrængelige og nihilistiske. Jeg så tre byer Sage portrætterede en uhyggelig atmosfære, som gav kunstværket en hjemsøgende og spøgelsesagtig fornemmelse. Hun kontrasterede også draperiernes flydende form, som hun indarbejdede med henvisning til den antikke græske æstetik, med skarpe geometriske former, som skabte en spænding mellem modernitet og klassisk kunst i hendes maleri.

Det øde landskab er tilsyneladende kontrolleret af en høj, skjult menneskelignende figur, der står i værkets forgrund og forbliver ukendt. Det hvirvlende draperi, som var utroligt velgennemført, virker malet ude af sted i denne abstrakte og forladte ramme, og Sages sidestilling skaber en meget desorienterende effekt på beskueren.

De farver, som Sage bruger, er meget afdæmpede og uhyggelige, da man får en fornemmelse af, at der kan ske noget uhyggeligt i dette dystre og elendige landskab. Den eneste mærkbare farve, der ses, er den røde pæl, der på visse steder synes at stikke ud af stoffet. Dette skulle repræsentere Sages indre kerne og vise, at der trods hendes elendige malerier stadig varen form for liv i hende.

Maleriet blev malet mod slutningen af Anden Verdenskrig, og man kan ikke undgå at spekulere på, om Sages maleri er en skildring af den elendighed og ødelæggelse, hun så i samfundet. Titlen, som angiver, at Sage så tre byer, antyder, at det muligvis kunne være et maleri, der er lavet i sorg over de byer, der blev ødelagt som følge af krigen.

Menneskesønnen - René Magritte (1964)

Et andet vigtigt maleri af René Magritte mod slutningen af surrealismen var hans kunstværk fra 1964 med titlen Menneskesønnen. Mellem dette maleri og hans 1929 Billedernes forræderi , er det blevet sagt, at Menneskesønnen er det mest fremtrædende kunstværk og et af de mest ikoniske surrealistiske malerier gennem tiderne.

Bestående af en mand iført en overfrakke og en bowlerhat, Menneskesøn blev malet som et selvportræt af Magritte, der forsøgte at formidle vigtige budskaber om individet. Magritte dækkede sit ansigt med det grønne æble, der svæver i luften, hvilket kommenterede det uforudsigelige forhold mellem det synlige og det skjulte samt samvittigheden og det ubevidste i den menneskelige personlighed.

René Magritte fotograferet af Lothar Wolleh; Lothar Wolleh, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Ved at Magritte skjulte sit ansigt for offentligheden, bemærkede han det menneskelige ønske om konstant at se det, der er skjult bag det synlige. Dette blev demonstreret gennem hans øjne, som kan ses kigge gennem æblets blade. Dette efterlader beskuerne både nysgerrige og irriterede, da de ikke kan se ansigtet, hvilket efterlader dem til at forestille sig, hvordan Magritte afbildede sig selv. Derudover er de dele af hansøjnene, der kan ses over æblet, skaber en lidt foruroligende følelse af at blive overvåget.

Maleriets titel blev også anset for at henvise til Jesus, hvilket bidrog til at skabe spænding og spænding i kunstværket. Denne religiøse underforståethed ses også gennem inddragelsen af æblet, da nogle kunstkritikere har anset det for at repræsentere den kristne tro på Adams fristelse i Edens have og menneskehedens undergang.

Men hvad der gør Menneskesønnen så interessant er, at selvom maleriet eksisterer som et selvportræt af Magritte, kan det i bund og grund henvise til hvem som helst, som repræsenteret af den ansigtsløse figur, der er afbildet, Menneskesønnen eksisterer som et indflydelsesrigt kunstværk mod slutningen af surrealismen, da de lyse og lidt ekstreme farver, som Magritte brugte, inspirerede starten på den abstrakte ekspressionisme og postmodernismen.

Selv om der kun er opført ti kunstværker ovenfor, blev der skabt mange flere berømte surrealistiske kunstværker under bevægelsen, som er værd at udforske. Du vil opdage, at mange kunstnere ofte har udført mere end ét velkendt værk, som det fremgår af gentagelsen af to kunstnere i denne artikel. Surrealismen eksisterer som en utrolig interessant bevægelse, som det fremgår af de kreative og dagdrømmeagtige malerierder blev foretaget.

Tag et kig på vores webhistorie om surrealistiske malerier her!