Rokokostilen inden for dekorativ kunst, arkitektur, interiørdesign, skulptur og maleri opstod i begyndelsen af det 18. århundrede i Paris. Denne overdådige og elegante bevægelse spredte sig til Frankrig og andre europæiske lande som Østrig og Tyskland. Rokokostilen er luksuriøs, ekstravagant og munter.

En kort introduktion til rokokostilen

Hvis der nogensinde har været en aristokratisk fransk kunststil, så er det rokoko. Rokoko design var utroligt teatralske og ornamentale, designet til at imponere og kommunikere rigdom. Rokokostilen er kendetegnet ved lethed, svungne former, asymmetriske værdier, naturinspirerede motiver og legende temaer, og den er virkelig unik.

Stilen i rokoko perioden har en stærk følelse af lune. Sammenlignet med barok stilen, der gik forud for den, havde rokoko stilen en meget lysere farvepalet. Lethed og elegance gennemsyrer rokoko design med pastelfarver, meget guld og elfenbenshvid. Mange rokoko indretningsdesignere brugte spejle til at skabe en følelse af lethed og rummelighed.

Kurvede former var et fremtrædende træk i rokoko-designet med hvirvlende ruller og kurvede møbler. Modkurver og bølger afspejlede naturlige former som planter og muslingeskaller. Kurvede designs inkorporerede slangeformede linjer eller snoede linjer, der bøjede sig i forskellige retninger, ligesom planternes ranker.

Et af de karakteristiske elementer for rokoko er manglen på præcis balance i ornamentale elementer. Asymmetrien findes både i udsmykningen og i et møbel eller en arkitektur som helhed. Møbler og arkitektoniske designs indeholder ofte asymmetriske C-figurer. Asymmetriske værdier omfatter også repræsentation af muslingeskaller og andre naturinspirerede former.Rokokomøbler, som f.eks. skabe og sofaer, havde ofte ubalancerede dekorative elementer. På trods af den manglende balance i udsmykningen er den overordnede følelse af balance bevaret.

Et særligt fremtrædende dekorativt motiv, der blev brugt i rokokoens malerier, skulpturer og interiørdesign, er naturinspireret. Mange af de buede former var baseret på organiske former som bølger, muslinger og andre motiver med havmotiver. Bladmotiver var også almindelige med krøllede vinblade som stiliserede akantusblade. Selv om de var organisk inspireret, var disse former ofte overdrevne og forgyldte.

Legende og lette temaer er fremtrædende træk ved rokokomaleri og -skulptur. Ofte var rokokomalerier baseret på temaer om kærlighed, leg og natur. Klassiske myter var også populære temaer blandt rokokokunstnere. De populære rokokotemaer er endnu et eksempel på, hvordan rokokodesign afviste barokens traditioner.

Tre ornamentale motiver i rokokostil, 1889; Jules Lachaise, CC0, via Wikimedia Commons

Oprindelse af begrebet rokoko

Rokokodefinitionen blev først brugt humoristisk som en variation af det franske ord rocaille, en metode til udsmykning af grotter og springvand med muslingeskaller, småsten og cement. I slutningen af det 17. århundrede begyndte man at bruge dette udtryk til at beskrive et dekorativt motiv, der opstod i den sene Louis XIV-stil. Dette ornamentale motiv bestod af en muslingeskal flettet sammen med bladene fra akantusplanten.

Første gang udtrykket rocaille blev brugt til at betegne en bestemt stil i 1736 af guldsmeden og designeren Jean Mondon. Mondon udgav et katalog med design af møbler og andre dekorative ornamenter i rocaille-stilen. Disse designs til møbler, dekorative døråbninger og vægpaneler var med buede skaller kombineret med snoede vinranker eller palmeblade.

I 1825, næsten et århundrede senere, blev udtrykket rokoko trykt for første gang. I denne sammenhæng beskrev rokoko udtrykket den gammeldags stil fra det foregående århundrede. Udtrykket blev brugt i hele det 19. århundrede til at beskrive arkitektur, musik, skulptur og design, der var overdrevent ornamentalt. Siden da har kunsthistorikere accepteret rokoko udtrykket som stilen i det 18. århundredes europæiskekunst.

På trods af debatten om rokokostilens historiske betydning er den anerkendt som en særskilt europæisk designstil.

Historien om rokokostilen

Rokokostilen begyndte med interiørdesign og møbler. Som en reaktion på barokkens strenge stivhed var rokoko-designet overdrevent ornamentalt. Nogle gange omtaler kunsthistorikere rokoko-perioden som senbarok, der begyndte i Frankrig som en reaktion på Ludvig XIV's formelle stil. Da Ludvig XIV's regeringstid sluttede, vendte de aristokratiske og velhavende tilbage til Paris. Her begyndte de atIndretningsarkitekter, gravere og malere, herunder Juste-Aurele Meissonier, Nicolas Pineau, Pierre Le Pautre og Jean Berain, udviklede en mere intim udsmykningsstil til adelens huse.

Fransk rokoko

Rokokoen blomstrede i Frankrig mellem 1723 og 1759. Fransk rokoko-design var mest fremtrædende i saloner. Salonen var en ny stil af rum, der var designet til at underholde og imponere gæsterne. På det parisiske Hotel de Soubise er Princess-salonen et perfekt eksempel på rokokosaloner.

Interiør af den salon de la princesse , i Hôtel de Soubise, Paris; NonOmnisMoriar, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Den franske rokokostil var kendetegnet ved en usædvanlig kunstnerisk kvalitet, især i maleriernes og spejlenes rammer. Disse designs var ofte præget af sammenflettede planteformer, der var skulpteret i gips og forgyldt. Disse snoede kurver og naturinspirerede designs var også populære i møbeldesign. Førende franske møbelsnedkere som Charles Cressent og Meissonier var fortalere for rokokostilen.

Rokokostilen dominerede fransk kunst og design indtil midten af det 18. århundrede, hvor opdagelserne af romerske oldtidsfund førte til, at den franske arkitektur blev styret i retning af neoklassisk design.

Italiensk rokoko

Rokokostilen var særlig overdådig i Italien. Venedig var epicenteret for italiensk rokoko. Italienske rokokodesigns som f.eks. de venetianske kommoder brugte de samme ornamentale dekorationer og kurvede linjer som de franske rocaille , men med lidt ekstra. Mange venetianske stykker var malet med blomster Chinoiserie, eller den europæiske efterligning af kinesiske og andre østasiatiske kunsttraditioner, var også populær i den italienske rokoko.

Giovanni Battista Tiepolo var en bemærkelsesværdig dekorativ maler fra den italienske rokokotid. Tiepolo malede lofter og vægmalerier i paladser og kirker. I 1750'erne rejste Tiepolo til Tyskland sammen med sin søn, og de dekorerede lofterne i Wurzburg-residensen. En anden berømt italiensk rokoko-maler var Giovanni Battista Crosato. Crosato er bedst kendt for maleriet i kvadratstilen på CaRezzonico loftet i festsalen.

Tiepolos loftsfresko i Wurzburg-residensen; Myriam Thyes, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Venetiansk glaskunst var en vigtig del af den italienske rokoko-periode. Det var i denne periode, at det farvede og ofte graverede Murano-glas blomstrede. Glasarbejder som spejle med udsmykkede rammer og flerfarvede lysekroner blev eksporteret til hele Europa.

Sydtysk rokoko

Det var i Sydtyskland og Østrig, at rokokostilen nåede sit højdepunkt. Franske arkitekter og designeres offentliggjorte værker introducerede rokokostilen til Tyskland, og den fortsatte med at dominere tysk kunst og design mellem 1730'erne og 1770'erne. Mens tyske designere og arkitekter fandt inspiration hos franske arkitekter som Germain Boffrand og indretningsarkitekter som Giles-MarieOppenordt nåede den tyske rokokoarkitektur og -design nye højder.

Rokoko-arkitekturen blev overtaget af tyske arkitekter, som fyldte den med endnu mere udsmykkede dekorationer og gjorde den langt mere asymmetrisk. Rokoko-udsmykningen dominerer stadig den dag i dag tyske kirker. Arkitekterne byggede kurver og modkurver ud af lister og skabte mønstre, der snoede og vendte sig, og vægge og lofter uden rette vinkler. Et særligt populært motiv var stuccoDenne udsmykkede udsmykning var ofte forsølvet eller forgyldt, hvilket skabte en fantastisk kontrast til de lyse pastelfarvede eller hvide vægge.

Den første bygning, der blev opført i rokokostilen, var Amalienburg-pavillonen i München. Den belgiskfødte designer og arkitekt Francois de Cuvilies var ansvarlig for udformningen af denne bygning og fandt inspiration i de franske pavilloner Marly og Trianon. Amalienburg-pavillonen blev oprindeligt bygget som et jagtslot og havde en platform på taget til fasanskydning. Det indrehavde en spejlsal skabt af Johann Baptiste Zimmermann, og denne bygning var langt mere ekstravagant end den franske rokokoarkitektur.

Østvendt udsigt over Amalienburg-pavillonen i München; Digital cat, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Et andet enestående eksempel på tysk rokokoarkitektur er Wurzburg-residensen. Dette imponerende palads havde et mere barok ydre, men interiøret afspejlede den lyse rokokostil. Residensen blev designet i samråd med de franske kunstnere Robert de Cotte og Germain Boffrand og den italienske rokokomaler Tiepolo, som skabte et vægmaleri over trappen i tre etager. Trappen var enI Augustusburg-palæet var den store trappe et centralt element i denne bolig, ligesom trappen i Augustusburg-palæet, hvor den store trappe førte de besøgende opad gennem en vision af skulpturer, malerier, udsmykninger og jernarbejder.

Selv om rokokostilen var en verdslig stil ved sin begyndelse, så man i den tyske periode mange kirker i rokokostil. I løbet af 1740'erne og 1750'erne tegnede rokokoarkitekter flere pilgrimskirker i Bayern. Disse kirker har et tydeligt rokokostilinteriør. Bemærkelsesværdige eksempler er Dominikus Zimmermanns Wierskirche, som havde et enkelt ydre med få ornamenter og enkleNår man træder ind i kirken, bliver man imidlertid mødt af et ovalt deambulatorium, der oversvømmer kirken med lys. Blå og lyserøde stukssøjler i koret står i kontrast til de hvide vægge, og gipsengle omgiver kuppelloftet.

Britisk rokoko

Selv om rokokoens indflydelse ikke kunne mærkes så stærkt i Storbritannien som andre steder i Europa, var britisk silke, porcelæn og sølvsmedearbejder dog inspireret af rokokoen. Det teoretiske grundlag for rokokoens skønhed blev til dels lagt af William Hogarth, som hævdede, at rokokoens S-kurver og bølgende linjer var grundlaget for skønhed og ynde i naturen og kunsten.

Rokokostilen tog sin tid, før den kom til England. Britiske møbler havde længe fulgt den palladianske neoklassiske model under designeren William Kent. Kent var en indflydelsesrig person, der designede møbler for Lord Burlington. Det var sammen med Lord Burlington, at Kent rejste til Italien mellem 1712 og 1720. Kent bragte Palladio-idéer og -modeller med hjem og designede møbler tilChiswick House, Hampton Court Palace og Holkham Hall blandt andre.

Fremkomsten af mahogni i England omkring 1720 var den mest betydningsfulde rokokoudvikling i tiden. Sammen med valnøddetræ blev mahogni populært til møbler. Det var møbeldesigner Thomas Chippendale, hvis arbejde lå tættest på rokokostilen. Kataloget med design af chinoiserie-, rokoko- og gotiske møbler kaldet "The Vejviser over herre- og møbelsnedkere, blev udgivet af Chippendale i 1754. Selv om Chippendales møbler helt sikkert var inspireret af rokokoen, brugte han ikke indlægninger eller intarsia i sine møbler i modsætning til franske designere.

Thomas Johnson var en anden vigtig person i britisk rokoko. I 1761 udgav Johnson sit eget katalog over rokokomøbler, herunder møbler baseret på indiske og kinesiske motiver.

Kunst og design i rokoko-perioden

Som du har set, var der stor variation i design i Europa. Mens Sydtyskland faldt for rokokoarkitekturen, foretrak englænderne rokokomøbler. Uanset om det er maleri, skulptur, møbler eller arkitektonisk design, kan vi se den tydelige rokokostil.

Rokoko indretning

Indretningsdesignet var den afgørende faktor i rokoko perioden. Selv om rokoko stilen voksede til at dominere maleri, skulptur og endda musik, startede den som en stil inden for indretning. Mens fokus i arkitekturen typisk er på det ydre design, bragte rokoko designere det indenfor. Højdepunktet af rokoko indretning ligger i salonen.

Paris, Hôtel de Soubise, Musikkammer; Parsifall, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Hvad er en rokokosalon?

Salonen er ligesom en salon eller stue et rum, der er designet til at underholde og imponere gæster. Oprindeligt var salonen designet til det rige aristokrati, hvor man kunne vise sin utrolige rigdom frem og føre intellektuelle samtaler. Dengang mente man i oplysningsfilosofien, at ydre arkitektoniske omgivelser opmuntrede til en bestemt livsstil.

Rokokosaloner var centrale rum, der var indrettet i den typisk ekstravagante og luksuriøse rokokostil.

Saloner havde de typiske udførlige rokokodekorationer, slangeformede linjer, lyse pastelfarver, indviklede mønstre, asymmetri og en masse guld. Salonrummenes indretning var ofte asymmetrisk, en type design, der er kendt som kontrast Skulpturelle former på vægge og lofter med abstrakte, blad- og muslingelignende teksturer var indvendige ornamenter.

Salon de Monsieur le Prince er et særligt berømt eksempel. Et andet bemærkelsesværdigt eksempel på rokokosalonen er Germain Boffrands salon på Hotel Soubise i Paris. Disse saloner har alle lofter, vægge og lister med indviklede dekorationer af S-kurver, naturlige former og muslingeskaller.

Rokokomøbler

Salonen var en måde at afspejle social status på, og møblerne i salonen var en anden. I løbet af rokoko perioden var der en eksplosion i møbelfremstillingen. Møbeldesignet understregede rokoko periodens lethed. Møblerne blev lavet for at være fysisk lettere, så de let kunne flyttes rundt. Møblerne blev også mere delikate og raffinerede, med tynde buede borde ogben.

Rokokomøbler var fritstående i stedet for at stå op ad væggen, hvilket også bidrog til at tilføre et rum lethed og alsidighed, som aristokratiet ønskede.

Mahogni blev et populært træ til rokokomøbler, fordi det var stærkt. Mahogniens styrke betød, at møbelfabrikanterne kunne udskære fine møbler, der ikke ville gå i stykker. Mange specialiserede møbler opstod i løbet af rokoko-perioden, herunder den voyeuse Spejle med udsmykkede og dekorerede rammer blev også mere og mere populære i rokoko-tiden. Indretningsarkitekter brugte spejle til at øge fornemmelsen af lys og rummelighed i et rum.

Små lænestole fra det lombardiske værksted, ca. 1750, fra festsalen i Sormani-paladset; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Rokoko-arkitektur: Barok vs. rokoko

Det 18. århundrede Rokoko-arkitektur Rokoko-arkitekturen var mere yndefuld, lettere og mere detaljeret end barokens stilarter. Selv om rokokoarkitekturen på nogle måder lignede barokdesignet, var de meget forskellige på andre punkter.

Barok vs. rokoko arkitektonisk stil

Ligesom med indretning og møbler lagde rokokoarkitekturen vægt på design og formasymmetri, mens det modsatte var tilfældet for barokarkitekturen. Barokarkitekturen var mere seriøs og brugte religiøse temaer fra den protestantiske reformation, mens rokokoarkitekturen var mere munter, sjov og verdslig. Barokke bygninger var designet til stor offentlig majestæt, mens rokokoarkitekturen lagde vægt på privatlivets fred.

Rokokoko-kurverne og de dekorative elementer, som vi ser i møbler og interiørudsmykning, blev også overført til arkitektonisk design, og den karakteristiske rokoko-farvepalet med guld, hvidt og pastelfarver var også et vigtigt træk ved rokokoarkitekturen.

Blandt de berømte rokokobygninger kan nævnes det portugisiske Queluz-palads, Katharina-paladset i Rusland, det kinesiske hus i Potsdam, Falkenlust- og Augustusburg-paladserne, dele af slottet Versailles og Charlottenburg-paladset i Tyskland. Den italienske arkitekt Francesco Bartolomeo Rastrelli er kendt for sine overdådige og overdådige designs og arbejdede i Rusland. Philip de Lange arbejdede ii både hollandsk og dansk arkitektur, og Matthaus Daniel Poppelmann var en senbarokarkitekt, som hjalp med genopbygningen af den tyske by Dresden.

Facaden af Katarina-paladset i Pushkin, Rusland; W. Bulach, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Rokokomaleri

Den delikate og lette karakter af rokoko design er måske mest synlig i malerier fra denne æra. Ved hjælp af den lette rokoko palet af pastelfarver, guld og hvidt og andre rokoko designelementer som asymmetriske kurver og slangeformede linjer, er rokoko maleri let at skelne. Utrolig opmærksomhed på detaljer, legende temaer og en pastelfarve palet er vigtige rokoko maleri.funktioner.

Upåklagelig opmærksomhed på detaljer

Rokokomalerier er inspireret af kunstnere fra renæssancen og har en utrolig sans for detaljerne. Den franske kunstner Francois Boucher er især berømt for sin detaljeorienterede tilgang til maleriet. Boucher formår at indfange de mindste detaljer i de udsmykkede kostumer og skabe smukt detaljerede scener.

Legende emner

Måske er det temaerne i rokokomalerierne, der bedst understreger den joviale atmosfære i denne kunstperiode. Temaer om ungdom, kærlighed, leg, klassiske myter, idylliske landskaber og portrætter er typiske for rokokomaleriet. Den franske maler Antoine Watteau er kendt for at have gjort de legende rokokoemner populære. Watteau er kendt som faderen til den fete galante Watteau malede scener med pastorale landskaber og finurlige mennesker, der hyggede sig. Græske gudinder, amoriner og andre mytologiske væsener var ofte med, og de blandede virkeligheden med fantasien på en legende måde.

La Partie carrée ("The Foursome", ca. 1713) af Antoine Watteau; Antoine Watteau, Public domain, via Wikimedia Commons

Rokoko-farvepaletten

Farvepaletten i malerier fra rokoko-perioden adskiller sig markant fra den tidligere barokperiode. Barokmalerne brugte dybe og følelsesladede farver, mens rokokokunstnere som Jean-Honore Fragonard skaber lette scener med lyse pastelfarver. Fragonard's Svinget er et af de mest berømte malerier fra rokoko-perioden. Lysegrønne hvirvler af løv omgiver en kvinde i en lyserød kjole, der flirtende smider sin sko af sig, mens hun svinger sig.

Swing (1767) af Jean-Honoré Fragonard; Jean-Honoré Fragonard, Public domain, via Wikimedia Commons

Rokoko-skulptur

Rokoko-tidens skulpturer var dynamiske, teatralske og farverige. Skulpturerne er præget af en følelse af bevægelse i alle retninger. Skulpturerne var tæt integreret med arkitektur og maleri og kunne ofte findes i kirker.

Den tidlige franske rokokoskulptur er meget lettere end den klassiske Louis XIV-stil. Madame de Pompadour var en mæcen for rokokoskulptur, og hun bestilte adskillige værker til sine haver og slotte. En skulptur af Amor, der skærer sine kærlighedspile ud af Herkules' kølle, er en berømt rokokoskulptur af Edme Bouchardon. Du kan finde andre eksempler på rokokoskulptur omkring Versailles-fontæner, som f.eks.Neptunfontænen af Nicolas-Sebastien Adam og Lambert-Sigisbert Adam fra 1740. Efter deres succes inviterede Frederik den Store disse billedhuggere til at skabe en fontænekulptur til sit palads i Preussen.

Amor (1744) af Edme Bouchardon; National Gallery of Art, CC0, via Wikimedia Commons

Den førende franske billedhugger Etienne-Maurice Falconet er bedst kendt for sin statue af Peter den Store i Sankt Petersborg, og han skabte også mindre værker i terrakotta eller bronze til velhavende samlere. Falconet var ikke den eneste billedhugger, der fremstillede mindre serier af skulpturer til samlere. Jean-Baptiste Pigalle, Michel Clodion, Jean-Louis Lemoyne og Louis-Simon Boizot skabte alle skulpturserier.

Den italienske Antonio Corradini var en af de førende rokoko-skulptører i Venedig. Han rejste rundt i Europa og arbejdede en tid i Sankt Petersborg for Peter den Store og ved de østrigske og napalesiske kejserlige hoffer. Corradinis skulpturer har en mere sentimental følelse, og han lavede en række fine skulpturer af slørklædte kvinder.

Rokoko porcelæn

I løbet af rokoko-perioden begyndte små porcelænsskulpturer at dukke op. I begyndelsen blev porcelænsfigurerne fremstillet til at erstatte sukkerskulpturerne på store spiseborde, men de blev snart populære som dekorationer på kaminhylder. Efterhånden som antallet af europæiske porcelænsfabrikker voksede i løbet af det 18. århundrede, blev små porcelænsskulpturer tilgængelige for middelklassen. Som århundredet skred frem,er mængden af overglasurdekorationer på disse farverige porcelænsskulpturer også steget.

Meissen-porcelænsfabrikken er den ældste i Europa og forblev den vigtigste indtil omkring 1760. Johann Joachim Kandler var den vigtigste modelbygger på Meissen-fabrikken. Franz Anton Bustelli, en tysk billedhugger, arbejdede på Nymphenburg-porcelænsfabrikken og var berømt for sin serie af farverige figurer, der blev solgt i hele Europa. Efter hans eksempel blev Etienne-Maurice Falconet den største modelbygger på Meissen-fabrikken.Direktør for porcelænsfabrikken i Sevres, hvor han fremstillede forskellige små skulpturer i serier med temaer om lethed og kærlighed.

Lyttere ved brønden (1756) af Franz Anton Bustelli; Rufus46, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Rokokomusik

Selv om rokokomusikken ikke er lige så kendt som de senere klassiske og tidligere barokformer, har den en plads i musikhistorien. Rokokokomusikstilen, ligesom meget af rokokobevægelsen, udviklede sig fra baroktiden. I Frankrig, stil galant, eller den elegante musikstil var intim musik, der var let, raffineret og detaljeret. Blandt de indflydelsesrige franske rokokokomponister kan nævnes Louis-Claude Daquin, Jean Philippe Rameau og Franscois Couperin. I Tyskland var Johann Sebastian Bachs to sønner, Johann Christian Bach og Carl Philip Emanuel Bach, pionerer inden for rokokomusikken eller den "følsomme stil".

I anden halvdel af det 18. århundrede var der et tilbageslag mod rokokostilens overdrevne brug af dekoration og ornamentik. Christoph Willibald Gluck stod i spidsen for denne reaktionære bevægelse, som i sidste ende blev til den klassiske stil. Variationer over et rokokotema af Pjotr Iljitj Tjajkovskij blev komponeret i rokokostil, selv om det ikke blev skrevet i rokoko-tiden.

Rokoko mode

Rokokostilens ekstravagance, raffinement, udsmykning og elegance gik ikke tabt i rokokomoden. Kvindemoden i det 18. århundrede var sofistikeret og meget udsmykket i ægte rokokostil. Fra det kongelige hof spredte denne mode sig hurtigt til borgerskabets caféer og saloner.

Mod slutningen af Ludvig XIV's regeringstid blev en flydende kjole, kendt som den robe volante En overkrop, en afrundet underkjole og store plisseringer, der flød ned ad ryggen, var de fremtrædende træk ved denne kjole. En mørk og rig farvepalet af stoffer ledsagede tunge og dristige designtræk. Efter kong Louis XIV's død begyndte modestilen at ændre sig med rokokotrends.

Rokokomoden var mere useriøs, meget lettere og mere afslørende. A pastel farvepalet var en overflod af sløjfer, blonder, flæser, flæser og en lav halsudskæring kendetegnende for rokokoens damemode. En ny kjole, kendt som den morgenkåbe a la Francaise havde en stram overkrop og normalt et stort antal båndbuer ned langs fronten. Denne kjole havde brede bukser og var dekoreret med overdådige mængder af blomster, blonder og bånd. Jean-Antoine Watteau, maleren, der indfanger indviklede detaljer af syninger, blonder og andre pyntegenstande på udsmykkede kjoler, var inspirationen til Watteau-folder .

Kvindekåbe à la français e, England, ca. 1765. Satin af silke med skud-flot-mønster og passementerie af silke; Los Angeles County Museum of Art, offentligt område, via Wikimedia Commons

Omkring 1718 blev den mantua og taske Det var brede bøjler, der forlængede hofterne sidelæns og blev båret under kjolen. Disse genstande blev hurtigt vigtige basisvarer i rokokomoden. Det ikoniske look for rokokotiden er kjolen med forlængede hofter og overdrevne mængder af udsmykning. Særlige lejligheder krævede meget brede bøjler, hvoraf nogle nåede op til 16 fod i diameter. Mindre bøjler var til daglig brug.

Denne beklædningsgenstand stammer fra det 17. århundredes Spanien og blev oprindeligt designet til at skjule en gravid mave.

Rokokomodeens guldalder var omkring 1745, da en mere orientalsk og eksotisk kultur, kendt som a la turque Madame de Pompadour var med til at fremme denne stil, da hun bestilte et maleri af sig selv som en tyrkisk sultaninde af Charles Andre Van Loo. I 1760'erne opstod en mindre formel modestil. Polonaise-kjolen, en kortere kjole inspireret af polsk mode, gjorde anklerne og underkjolen synlige. Polonaise-kjolen gjorde det også muligt for kvinderne at bevæge sig rundt med betydeligmere lethed.

robe a l'anglais, eller engelsk kjole, var en anden populær stil i sidste halvdel af det 18. århundrede. Denne kjole indeholdt mere maskuline modeelementer som lange ærmer, brede revers og en kort jakke. Et fyldigt skørt med et lille slæb, men uden bælter, en tætsiddende overkjole og et lille halstørklæde med blonder om halsen fuldendte ensemblet. En redingote, en kombination af en overfrakke og en kappe, var en anden ny rokokomodeartikel.

Ud over de mange forskellige beklædningsgenstande var tilbehør en vigtig del af rokokomoden i det 18. århundrede. Tilbehør som halskæder og smykker bidrog til den overdådige og dekadente udsmykning af kjolerne. Kvinder med korte ærmer var forpligtet til at bære handsker ved officielle ceremonier.

Rokokostilens gradvise nedgang

Det varede ikke længe, før rokokoens vægt på galanteri og dekorativ mytologi inspirerede en reaktion. Det franske akademi begyndte at undervise i en mere Klassisk kunststil og De Troy, en fremtrædende klassisk kunstner, blev akademiets direktør i 1738. Selv om rokokoen var i tilbagegang i Frankrig, blomstrede den fortsat i Østrig og Tyskland.

Madame de Pompadour var en fremtrædende og indflydelsesrig person gennem hele det 18. århundrede, idet hun fremmede rokokokunsten og -moden og bidrog til dens nedgang. I 1750 sendte Madame de Pompadour sin bror og flere kunstnere, herunder arkitekten Soufflot og graveren Charles-Nicolas Cochin, på en toårig rejse for at studere den italienske arkæologiske og kunstneriske udvikling. Denne gruppe vendte tilbage med lidenskabeligom klassicismen, og Abel-Francious Poisson de Vandieres, Madame de Pompadours bror, blev marquis.

La Marquise de Pompadour i haven (ca. 1754-1755) af Charles-André van Loo; Charles-André van Loo, Public domain, via Wikimedia Commons

Vandieres blev også udnævnt til generaldirektør for kongens bygninger, og han var ansvarlig for at flytte den franske arkitektur mod det neoklassiske. Cochin, en indflydelsesrig kunstkritiker, fordømte Boucher-stilen, som han kaldte petit stil. Cochin opfordrede snarere til en større stil inden for maleri og arkitektur, der lagde vægt på adel og klassisk oldtid.

Jacques-Francois Blondel og Voltair tilføjede deres stemmer til den rungende kritik af rokokokunstens overfladiske karakter. 1760'erne markerede begyndelsen til enden for rokokostilen, da kunstnere begyndte at kræve kunst med formål og værdi. Rokokoen var officielt død i 1785 og blev erstattet af nyklassicismen.

Rokokoen blev latterliggjort som overfladisk og useriøs og bredte sig til Tyskland i slutningen af det 18. århundrede. Selv om det lykkedes rokokoen at forblive populær i Italien og visse tyske stater, blev den udslettet fuldstændigt af det 18. århundrede. Empire stil anden bølge af Neoklassicisme .

Berømte rokokokunstnere

Der var så mange malere, arkitekter og billedhuggere, der opstod i rokoko-perioden, og blandt de mange er der nogle få, der har gjort et varigt indtryk på den dekorative kunstverden, herunder Francois Boucher, Elisabeth Louise Vigee le Brun og Giovanni Battista Tiepolo.

Francois Boucher (1703-1770)

Af alle de fremtrædende rokokokunstnere fortjener Boucher bestemt en plads på denne liste. Berømt for sine portrætter af gamle romerske og græske mytologier, og Bouchers malerier prægede rokokostilen. Som ung kunststuderende studerede Boucher i den sene barokke periode og rejste til Italien. Han studerede også den hollandske landskabsstil.

Boucher blev meget berømt blandt de franske kunstnere i sin tid. Den vellystige måde, som Boucher portrætterede figurer på i sine malerier, gjorde ham meget berømt. Mange af Bouchers malerier viste hyrder og forskellige former for husdyr i pastorale scener. Af hans værker er den Venus' triumf (1740) anses for at være hans mest berømte, men den er i tæt konkurrence med Morgenmad (1739) og Drueædere (1749).

Venus' triumf (1740) af François Boucher; François Boucher, Public domain, via Wikimedia Commons

Jean-Honore Fragonard (1732-1806)

Den franske rokoko-grafiker og maler Jean-Honore Fragonard er en af de mest berømte malere fra rokoko-perioden. Selv om han levede i slutningen af det 18. århundrede, da rokokoen begyndte at falde, skabte han hedonistiske malerier. I løbet af sin levetid malede Fragonard også adskillige værker for den kongelige familie, herunder Mødet (1771).

Fragonard mødte Boucher, da han kun var 18 år gammel, og selv om Boucher nægtede at arbejde med Fragonard på grund af hans manglende erfaring, sendte han ham til at studere hos Jean-Baptiste-Simeon Chardin, og på trods af hans tidlige mangel på erfaring, Fragonard blev en af de mest produktive malere i den franske kunsthistorie. Et særligt berømt Fragonard-maleri er Det stjålne kys (1788).

Stjålet kys (slutningen af 1780'erne) af Jean-Honoré Fragonard; Jean-Honoré Fragonard, Public domain, via Wikimedia Commons

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Selv om han døde før rokokoens guldalder, var Jean-Antoine Watteau en af de mest indflydelsesrige personer i bevægelsen. Det er Watteau, der er krediteret for at være pioner for rokokostilen, som han opnåede ved at integrere sin egen kunstneriske flair med elementer fra mestre som Peter Paul Rubens og Titian.

Watteaus stil var særlig farverig, med levende nuancer og meget dybde. Mange af Watteaus værker er typiske for rokokostilen i deres teatralske udseende. Watteau var også berømt for sin utrolige evne til at indfange små og indviklede detaljer, især i udsmykkede klæder. Watteaus måske mest berømte maleri er Pilgrimsrejse til øen Cythera, som han færdiggjorde i 1717. Andre bemærkelsesværdige værker omfatter Pierrot (1719) og Ombordstigning på Cythera (1717).

Pilgrimsrejse til Cythera , såkaldt Afsætningen til Cythera (1717) af Antoine Watteau; Antoine Watteau, Public domain, via Wikimedia Commons

Elisabeth Louise Vigee le Brun (1755-1842)

En af de mest fremtrædende kvindelige kunstnere i fransk historie, er le Brun bedst kendt for sine overdådige portrætter. Da le Brun udviklede sine kunstneriske evner, fik hun ikke lov til at deltage i nogen af de formel kunst Heldigvis var hendes far kunstner, og han lærte hende at male.

Som kun 15-årig begyndte le Brun at arbejde som professionel maler. På trods af datidens sexisme og de mange, der undgik hendes arbejde, blev le Brun som 28-årig optaget på Det Kongelige Akademi af kong Louis XVI og Marie Antoinette Le Brun fortsatte med at male nogle af de mest berømte malerier i Frankrigs historie, og hendes mest kendte værk er Marie Antoinette i en hofkjole (1778).

Marie Antoinette i hofkjole (1778) af Élisabeth Louise Vigée Le Brun; Kunsthistorisches Museum, Public domain, via Wikimedia Commons

Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770)

Den berømte venetianske maler Tiepolo er kendt for sine meget dekorative og overdrevent udførlige malerier, der ofte forestiller kongelige figurer. Tiepolo havde en unik stil i rokoko-perioden, idet han havde studeret under flere kunstnere, der var påvirket af den Høj renæssance Som følge af sin uddannelse var Tiepolos stil en kombination af rokoko og renæssance.

Af hans mange værker, Ægteskab mellem kejser Frederik og Beatrice af Burgund (1752) er nok hans mest berømte maleri. Denne utroligt betydningsfulde historiske begivenhed blev skildret i typisk rokokostil. En overdådigt dekoreret sal med buer, flydende gardiner og elegant klædte figurer pryder lærredet på dette berømte maleri.

Ægteskab mellem Frederik Barbarossa og Beatrice af Burgund (1727-1804) af Giovanni Domenico Tiepolo; Giovanni Domenico Tiepolo, Public domain, via Wikimedia Commons

Giovani Antonio Canal (1697-1768)

Giovani Antonio Canal, bedre kendt som Canaletto, var en af de mest berømte personer i det 18. århundredes rokoko. Den italienskfødte maler viste tidligt kunstnerisk løfteevne og blev en af de mest berømte kunstnere inden for både rokoko og den venetianske skolebevægelse.

Canaletto rejste meget rundt i Europa i løbet af sit liv og var kendt for sine utroligt realistiske bybilleder. Blandt de mest berømte malerier fra hans ungdom er Indgangen til Canal Grande, Venedig (1730), og Stenhuggerens gård (Canaletto færdiggjorde begge disse malerier, da rokokobevægelsen begyndte at vokse i Frankrig. Det var takket være Canaletto, at rokoko bredte sig til Italien.

Canaletto's Indgangen til Canal Grande , c. 1730; Canaletto, Public domain, via Wikimedia Commons

Thomas Gainsborough (1727-1788)

Gainsborough er en fremtrædende britisk rokokokunstner og er bedst kendt for sine detaljerede portrætter og elegante landskaber. Gainsborough var et af de mest fremtrædende medlemmer af St. Martin's Lane Academy, som blev grundlagt af Hubert Francois Gravelot, efter at rokokoen havde krydset kanalen fra Frankrig.

Gainsborough er husket som en af de mest berømte britiske malere fra det 18. århundrede, og hans rokokomalerier er blandt hans mest berømte. berømt rokokomaleri er Den blå dreng som han malede i 1770.

Jonathan Buttall (Den blå dreng) (ca. 1770) af Thomas Gainsborough; Thomas Gainsborough, Public domain, via Wikimedia Commons

Rokokostilen fra det 18. århundrede er fuld af overdådighed, guld og ekstravagance og er umiddelbart genkendelig. Selv om bevægelsen ikke varede særlig længe, gjorde den bestemt indtryk, og mange af kunstnerne fra denne periode er stadig vigtige historiske personer.

Tag et kig på vores webhistorie om rokokokunst her!