Realismen, der begyndte i Frankrig i midten af 1800-tallet, forkastede udadtil den tidligere kunstbevægelse romantikken, da den angiveligt ikke længere kunne indfange samfundets liv præcist. Efter den franske revolution begyndte kunstnere at søge efter en kunststil, der kunne repræsentere de nye nutidige emner og situationer troværdigt og sandfærdigt med realismens teknikker og elementer.Mange kunstnere gik over til realisme-bevægelsen, hvilket førte til, at der blev skabt mange kunstværker i denne stil.

Hvad stod realisme-bevægelsen for?

Realismen, der primært er en fransk kunstbevægelse, opstod i 1850'erne efter revolutionen i 1848. Denne kunstneriske stil, der undertiden kaldes "naturalisme", fokuserede på at repræsentere emnet så præcist som muligt og samtidig undgå alle antydninger af kunstighed, fantasi og overjordiske elementer, som tidligere var populære i kunsten.

Realismen er i det væsentlige blevet beskrevet som en fuldstændig undgåelse af stilisering og blev mere og mere populær i de mange kunstperioder, der fulgte efter .

Den industrielle revolution udløste store sociale forandringer i kølvandet på den, da den etablerede "retten til arbejde" i Frankrig. Dette oprør introducerede ideen om almindelige og arbejderklassens personer, moderne omgivelser og hverdagsscener som emner, der var værdige til at blive portrætteret i kunsten. Dette førte til et større fokus på de realistiske aspekter, der var tydelige i disse områder,da emner, der faldt uden for den traditionelle høje kunst, pludselig blev anset for at være værdifulde.

Den sovende spinder (1853) af Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Efterhånden som samfundet tilpassede sig disse forandringer, følte kunstnerne, at der var brug for en anden kunstform til at skildre denne nye fase af livet i stedet for blot at forbedre scenerne, der fordrejede virkeligheden. Realismen, der er kendetegnet ved en hidtil uset opmærksomhed på almindelige emner, ændrede fuldstændig den vestlige kunstverdens idealer.

Realismen gjorde oprør mod overdrevent indhold og overdrevne følelser og valgte i stedet at fremhæve eksistensen af almindelige arbejdere og almindelige mennesker, der var engageret i håndgribelige aktiviteter i den virkelige verden.

Ud over at fokusere på mere naturalistiske aspekter, opgav kunstnere, der praktiserede den realistiske stil, helt og holdent alle de standarder, der var forbundet med den romantiske bevægelse. Før udviklingen af realismen havde romantikken domineret fransk litteratur og kunst fra slutningen af det 18. århundrede til omkring 1850. Mens romantiske værker var defineret af en øget følelse af følelser, allegoriskefigurer og storslåede naturscenerier søgte realistiske kunstnere at skildre deres motiver og landskaber præcis, som de blev opfattet.

Udgravning af mastodonten (1806) af C. W. Peale; Charles Willson Peale, Public domain, via Wikimedia Commons

Da realismen fokuserede på de personer og områder, der tidligere var blevet ignoreret i andre kunststile og genrer, gik realismen så vidt som til at skildre selv de mest ubehagelige og modbydelige aspekter af livet. Realistiske malerier var således en sand afspejling af de forandringer, der var sket i samfundet, da de informerede offentligheden om forandringer, der ellers ikke ville være kommet frem i lyset. Dette førteat mange kritikere betegner disse kunstværker som grove, da deres ærlige følelse af sikkerhed ofte var ubehagelig at se på.

Realismen var en subtil, men utrolig direkte afvigelse fra romantikken, da livet ikke længere blev forherliget i de malerier, der blev fremstillet. Selv om interessen for de tilsyneladende almindelige aspekter af livet måske ikke er så bemærkelsesværdig i dag, betød realismen et stort skift i kunsthistorien.

Af alle de kunstnere, der arbejdede inden for denne bevægelse, var der kun nogle få, der viste sig at være bemærkelsesværdige, bl.a. Gustave Courbet, Honoré Daumier og Jean-François Millet.

Nøgleelementer i realisme-bevægelsen

Realistiske malerier og kunstnere fokuserede på nutidige emner og omgivelser og forsøgte at skildre mennesker fra alle sociale klasser i samme lys, så en gruppe ikke konstant blev favoriseret frem for en anden. Billeder, der lå op til klassisk idealisme, dramatik og enhver form for sentimentalisme, blev stort set undgået. I stedet blev kaotiske aspekter af livet fremhævet, da de fremstod som heltusympatiske og fjernede helt og holdent elementet af prætentiøs skønhed.

Til søndagsmiddagen (1888) af William Harnett; William Harnett, Public domain, via Wikimedia Commons

Inden for den visuel kunst verden, blev det sagt, at den illusionistiske realisme skildrede alle former, perspektiver og præcise detaljer som lys og farver for at skabe det mest nøjagtige billede muligt. Disse naturalistiske værker gav således en illusion af, hvordan virkeligheden så ud fra 1850'erne og fremefter. Denne periode i historien blev også sagt at give plads til udviklingen af andre kunstneriske bevægelser som f.eks. den amerikanske regionalisme,Socialrealisme og Køkkenvaskrealisme.

Det vigtigste element i realismen var den fuldstændige undgåelse af kunstighed i alle aspekter af de kunstværker, der blev skabt.

For en af de første gange i kunsthistorien blev menneskelige relationer og følelser behandlet med respekt i malerier, da de fik lov til at eksistere i virkeligheden, som de var, uden ændringer. Ved at forsøge at indfange en præcis og detaljeret repræsentation af emner og følelser, gjorde realistiske malerier og kunstnere oprør mod brugen af overdrivelse, da det almindelige liv ikke blev anset for at være såovervurderet.

De rejsende ledsagere (1862) af Augustus Egg; Augustus Egg, Public domain, via Wikimedia Commons

I det væsentlige viste de emner, som realismens kunstnere valgte, de sociale forandringer, som revolutionen medførte. Det kunstneriske fokus, som tidligere havde været forbeholdt overklassen, blev pludselig flyttet til almindelige menneskers almindelige liv. Dette skyldtes, at man mente, at disse personer gav den mest nøjagtige repræsentation af, hvordan livet virkelig var i denne periode.periode, hvor kunstnere viste selv de mest elendige og uordnede elementer af livet i deres kunstværker.

Realismen spredte sig til sidst til næsten alle kunstgenrer og fik indflydelse på den fremtidige fremkomst af Impressionisme De emner, som realismens kunstnere foretrak, betød, at bevægelsen aldrig blev fuldt ud accepteret af over- og middelklassens mæcener og kritikere, som anså den stigende åbenhed i disse værker for at være chokerende og foruroligende.

Realismen indledte den generelle bevægelse væk fra det "ideelle" og mere mod det "almindelige", da kunstnerne følte sig frie til at skildre det virkelige liv, der var blottet for al æstetik og universelle sandheder.

Vores top 15 over de 15 mest berømte realistiske malerier og kunstnere gennem tiderne

Realisme-bevægelsen var en utrolig bemærkelsesværdig periode inden for kunsten, da dens vægt på det almindelige indledte en ny æra af kunstnerisk udforskning. På grund af dette findes der mange realistiske kunstgenstande, der indfanger bevægelsens sande essens. Af alle de kunstværker, der blev lavet, skiller flere realistiske malerier sig ud fra resten, da de anses for at have været med til at være banebrydende for bevægelsens udvikling.Nedenfor vil vi diskutere vores 15 bedste realistiske malerier og kunstnere fra denne tid.

Stenbryderne - Gustave Courbet

Et maleri, der indkapsler idealerne i realismen, er "Stenbryderne", som blev malet af den franske kunstner Gustave Courbet Som leder af Realismen fik Courbet i 1849 til opgave at male flere kunstværker, som alle har opnået lige stor berømmelse i bevægelsens storhedstid. Efter at have udstillet dette værk på Pariser Salonen i 1850 fik Courbet en enorm modreaktion fra publikum og kritikere. Denne reaktion skulle dog også have udløst en stor ændring i udviklingen af Realismen.

Stenbryderne (1849) af Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Inden for Stenbryderne Ved at give beskueren et øjebliksbillede af disse arbejderes hverdagsliv var Courbet i stand til autentisk at skildre en scene, der havde fundet sted i den virkelige verden og derfor var blottet for storslåede elementer.

Med arbejdernes rygge vendt væk fra beskuerne tilføjede Courbet en følelse af anonymitet til sit værk, da han nægtede at fokusere på den del af billedet, der normalt ville tiltrække mest opmærksomhed.

Ved at skildre en scene, der var kendt for at være fysisk krævende og stærkt underbetalt, med de enkelte personers ansigter skjult, viste Courbet en åbenlys afvigelse fra det traditionelle maleris gamle skikke. Der blev lagt mere vægt på mændenes flossede tøj og deres forhold til jorden, hvilket var meget forskelligt fra den kunst, som samfundet var vant til. Stenbryderne blev sagt, at det var for almindeligt for det aristokratiske samfund, der så på kunst, da skildringer af bondelivet ikke fortjente overklassens opmærksomhed.

Pløjning i Nivernais - Rosa Bonheur

En af de velkendte kvindelige realistiske kunstnere var Rosa Bonheur, der generelt blev betragtet som den mest berømte kvindelige maler i hele det 19. århundrede. Hendes kunstværker, Pløjning i Nivernais Bonheur fortsatte med at skildre bondegårdsdyr og landskaber i de fleste af sine malerier, som blev rost for den ekstreme realisme, der var til stede, og som blev rost for den ekstreme realisme, der var til stede. Pløjning i Nivernais blev bestilt af regeringen og vandt den første medalje ved det års salon.

Pløjning i Nivernais (1849) af Rosa Bonheur; Rosa Bonheur, Public domain, via Wikimedia Commons

Ifølge maleriets titel afbildede Bonheur sæsonens første pløjning, som normalt blev udført i det tidlige efterår for at bryde jordoverfladen op til vinteren. På hendes værk er tolv okser vist i færd med at pløje jorden fredeligt som forberedelse, men værkets fokus synes at ligge på den ro, der er til stede i landskabet. Pløjning i Nivernais fortæller en nådig historie om en bondes uendelige strabadser, herunder deres arbejde, liv og traditioner. Stemningen i dette maleri giver en ydmyg følelse af realisme.

Ved at præsentere et billede af okser og mænd, der arbejder sammen om at høste jorden, kommenterer Bonheur forholdet mellem menneske og natur.

Der er afbildet en problemfri scene, hvor dyrene fremstår som de sande helte i arbejdet, og hvor der kun er lidt plads til, at mændene kan blive bemærket. Bonheurs værk eksisterer således som en lovprisning af det landbrugsarbejde, som bønderne skulle udføre, og denne almindelige aktivitet bliver hævet i status på grund af den attraktive scene, som det sætter. Interessant nok var dette realistiske maleri et af de få, der tegnede solidekritikerroser.

En begravelse i Ornans - Gustave Courbet

En begravelse i Ornans , malet mellem 1849 og 1850, er Gustave Courbets mest berømte maleri. På grund af sin enorme størrelse tiltrak dette kunstværk sig både ros og fordømmelse fra kritikere og offentligheden, da det blev udstillet første gang, da det behandlede en standardbegravelse i provinsen med uflatterende elementer af realisme. Det måler 3,1 meter gange 6,6 meter, En begravelse i Ornans blev stærkt kritiseret for sin størrelse, da et maleri af denne størrelse traditionelt var forbeholdt heroiske og religiøse scener i det moderne maleri.

En begravelse i Ornans (1849-1850) af Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

Courbet skildrer sin grandonkel, der blev begravet i Ornans i Frankrig i september 1848. Men på trods af at det var en dyster begivenhed, trodsede Courbet alle forventninger forbundet med døden ved at præsentere begravelsen på en så realistisk måde. Traditionelt indeholdt disse begivenheder øjeblikke af både sorg og skønhed, så seerne nemt kunne visualisere den afdødes sjæl på en yndefuld måde.I stedet lægger Courbet mere vægt på de sørgende, som tilsyneladende ikke lægger særlig meget mærke til præsten.

En begravelse i Ornans Ved at fjerne alle kunstige tegn på sorg fra værket virker de sørendes ansigter mere overdrevne, og kritikere beskylder Courbet for bevidst at krænke religionen ved at søge at skabe en ubehagelig følelse i sit maleri.

Ved at skabe en baggrund bestående af flere anonyme personer kunne Courbet skildre noget så banalt som en begravelsesgudstjeneste med ukendte personer, uden åndelige værdier og i stor skala.

Hestemessen - Rosa Bonheur

Et andet af Rosa Bonheurs berømte realistiske malerier er Hestemessen , malet mellem 1852 og 1855. Da de fleste af hendes kunstværker havde en tendens til at fokusere på dyr, er dette maleri ikke anderledes, da fokus er placeret på en gruppe heste i maleriets forgrund. Hestemessen anses af mange for at være det mest ikoniske realistiske kunstværk, der blev produceret på bevægelsens højdepunkt. Bonheur, der har en monumental størrelse, helligede sig selv til at studere trækheste i et år.

Hestemessen (1852-1855) af Rosa Bonheur; Rosa Bonheur, CC0, via Wikimedia Commons

Bonheur, der i halvandet år var forklædt som mand for ikke at tiltrække sig opmærksomhed, deltog i hestemarkedet Boulevard de I'Hôpital i Paris og lavede endeløse skitser af dyrene. Disse tegninger var både enkle stregtegninger og mere detaljerede elementer. Mens Bonheur portrætterede forhandlere, der havde travlt med at sælge deres heste på markedet, var det egentlige omdrejningspunkt for dennevar hestenes intense kraft, skønhed og styrke, som hun formåede at indfange.

Den dygtige behandling af bevægelse og hvirvlen af mørke og lys, der omgiver de utæmmede dyr, blev modsat stillet over for de rolige og kyndige håndlangere, der førte hestene rundt på lærredet. På trods af at der er tale om et utroligt travlt maleri, formåede Bonheur at balancere bevægelsen i midten med den enkelhed og stilhed, der kan ses i forgrunden.

Dette maleri viste sig at være meget populært, da det blev rost for sine fejlfri detaljer af både heste og ryttere og blev verdenskendt efter salonen i 1853.

La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) - Gustave Courbet

Det sidste kunstværk af Gustave Courbet, der er medtaget på denne liste, er La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) , som blev malet i 1854. Dette maleri, der er et af de første malerier, der fik den kontroversielle betegnelse "avantgarde", viste Courbets villighed til at risikere sit omdømme i jagten på en ny metode til visuelt udtryk. Denne nye metode, realismen, hjalp ham med at bryde de gamle tilgange til kunstnerisk fremstilling, hvilket kan ses i forskellige elementer af Mødet .

La rencontre (Bonjour Monsieur Courbet) (1854) af Gustave Courbet; Gustave Courbet, Public domain, via Wikimedia Commons

På dette store maleri skabte Courbet en form for selvportræt ved at skildre sig selv i højre side af lærredet, hvor han møder Alfred Bruyas, som var en vigtig mæcen og støtte for hans arbejde. Ved at skildre sig selv som en rejsende mand, der netop er stødt på to adelsmænd, understreger Courbet begrebet selvhævdelse gennem den måde, han skildrer sig selv på.

Ved at placere sig selv i det direkte lys med hovedet let bagudvendt antyder Courbet, at værkets fokus skal ligge på ham, og den stok, han bærer, understreger yderligere hans store styrke.

Mødet er bemærkelsesværdig for de grænser, der blev brudt af Courbet, da han satte et nyt tempo for kunstnerisk udforskning i dette værk. Da begge mænd synes at være på landet for at male, fortsatte Courbet med at lave en sammenligning mellem dem gennem deres holdning. Han antydede, at han var Bruyas langt overlegen, da han bar alle sine kunstmaterialer i en rygsæk, mens sidstnævnte havde brug for en tjener til atDette kunstværk understreger således ideen om, at både Bruyas og beskuerne af værket befinder sig på Courbets område.

Gleanerne - Jean-François Millet

En kunstner, der blev anset for at være en af de berømte realistiske malere, var Jean-François Millet. Han malede Gleanerne i 1857, som af mange anses for at være et af de vigtigste værker i hele realismen. Mens Millet gennemgik en fase med fokus på landskaber, vendte begrebet "gleaning" tilbage til ham i over syv år. Gleaning beskriver det knusende arbejde med at fjerne de kornstykker, der var tilbage på markerne efter høsten, og dette arbejde blev udført af kvinder ogbørn.

Gleanerne (1857) af Jean-François Millet; Jean-François Millet, Public domain, via Wikimedia Commons

Gleanerne er Millets bedste kunstværk på grund af dets skildring af underklassens virkelighed. I dette maleri afbildede han tre almindelige kvinder, der var beskæftiget med meget almindelige aktiviteter for arbejderklassen. Da indsamling blev anset for at tilhøre den laveste rang i det franske samfund på den tid, skildrede Millet dette møjsommelige arbejde på en måde, der satte disse arbejdere i centrum for vores opmærksomhed.

Dermed kommer Millet med en skarp bemærkning om, at man ikke må glemme denne integrerede del af arbejdsstyrken, for uden dem ville høsten ikke kunne lade sig gøre.

På trods af deres fattige omstændigheder tillagde Millet kvinderne en rolig værdighed, idet de på trods af den monotone opgave løste den med stor styrke. Millet betragtede temaet om indsamling som et evigt tema, hvilket førte til, at han forbandt Gleanerne På trods af denne religiøse forbindelse, som han tilføjede, viste hans maleri sig at være meget upopulært, da det blev indsendt til salonen i 1857. Det kedelige og banale motiv gjorde publikum meget vrede, da det ikke blev anset for at være værd at se det.

Angelus - Jean-François Millet

Et andet af Jean-François Millet's bedste realistiske malerier er hans Angelus , som han malede mellem 1857 og 1859. Dette kunstværk viste Millets ønske om at kaste lys over de franske bønders liv og de strabadser, som de led, for at oplyse dem, der tilhørte det aristokratiske samfund, om livet uden for deres sociale kreds. Dette maleri blev til efter at være blevet bestilt af kunstsamleren Thomas Gold Appleton, men han blev som bekendt aldrigkom for at afhente arbejdet, når det var blevet afsluttet.

Angelus (1857-1859) af Jean-François Millet; Jean-François Millet, Public domain, via Wikimedia Commons

Inden for Angelus Millet afbildede to landarbejdere med bøjet hoved, der beder Angelus efter en hård arbejdsdag ude på marken. Begge personer ser ud til at læne sig over en kurv med kartofler, mens manden til venstre holder sin hat i hænderne, og kvinden til højre har hænderne solidt placeret i bøn.

Angelus var en velkendt bøn om frelse på den romersk-katolske tid, og dette maleri viser en simpel handling af hengivenhed og bøn om frelse fra den laveste klasse i samfundet.

Med solen i det fjerne, Angelus markerede det øjeblik, hvor bønnen begyndte kl. 18.00, da en klokke ville være blevet hørt fra kirken i baggrunden, der signalerede, at dagen var slut. På trods af deres flossede tøj og bøjede skuldre har arbejderne en stille værdighed over sig. Dette kunstværk påvirkede surrealisten Salvador Dalí, som i stedet så arbejderne bede over deres begravede barn. I 1963 foretog Louvre en røntgenscanning afværket, som faktisk viste en skjult kontur af en geometrisk form, der lignede en kiste.

Den gamle musiker - Édouard Manet

Selv om de oftest studeres i forbindelse med impressionismen, Den franske kunstner Édouard Manet Manet blev set som en central figur i overgangsperioden fra impressionisme til realisme, og han malede med en fremragende modernitet, hvilket førte til, at han afbildede arbejderklassen i sine realistiske malerier. Den gamle musiker , som han malede i 1862, er det største maleri, som Manet nogensinde har malet, og det viser tydeligt den indflydelse, som Gustave Courbet havde på hans kunstneriske stil på det tidspunkt.

Den gamle musiker (1862) af Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Den gamle musiker findes som et storslået eksempel på Manets evne til at indfange indtrykkene fra hverdagslivet. Maleriet viser flere personer, der står omkring musikeren i midten af værket, som er ved at spille violin for dem at lytte til. Musikeren blev spekuleret som Jean Lagrène, der var leder af et lokalt sigøjnerband på det tidspunkt.

De personer, der er afbilledet i denne scene, blev konstant undersøgt, da ingen af dem syntes at danne en sammenhængende gruppe.

Helt til højre i maleriet ses en orientalsk mand med turban og lang kjortel, som står lige over for en ung mor uden sko og hendes nyfødte barn. Hvis man blot ser på disse to figurer, er der stor forskel på deres påklædning og efterfølgende sociale klasse, hvilket understreger den eksisterende uenighed. Den gamle musiker indeholdt en række referencer til Manets andre malerier, som f.eks. manden med den høje hat, der også optrådte i hans maleri fra 1859, Absintedrikkeren .

Vogn af tredje klasse - Honoré Daumier

Betragtes som en af de mest berømte realistiske malere var den Fransk kunstner Honoré Daumier, som skabte maleriserien "Vognen på tredje klasse" mellem 1862 og 1864. Daumier er kendt for at være en meget grafisk maler og beskrev ofte underklassens levevilkår og industrialiseringens indvirkning på det moderne byliv i Frankrig. Daumier malede andre togscener fra første- og andenklasses kupéer, men Vogn af tredje klasse viste sig at være det mest indflydelsesrige af de tre værker.

Vogn af tredje klasse (1862-1864) af Honoré Daumier; Honoré Daumier, Public domain, via Wikimedia Commons

Et tilbagevendende tema hos Daumier, som kan ses i dette værk, er den effekt, som urbaniseringen havde på arbejderklassen i Paris. Samtidig er der stadig særlig opmærksomhed på formen af offentlig transport, Vogn af tredje klasse lægger mere vægt på den måde, hvorpå det sociale hierarki stadig blev håndhævet i en tid, der angiveligt var så moderne.

Ved at portrættere medlemmer af en underklasse i tredje klasses vognen, en scene, der på ingen måde var ualmindelig, kommenterede Daumier den sociale politik, der stadig var på spil i Frankrig.

Personerne i vognen ser ud til at være udmattede efter en lang arbejdsdag, og maleriets fokus falder på de personer, der sidder på træbænken i forgrunden. En blød lysglimt siver ind gennem vinduet, hvilket yderligere fremhæver den ammende mor, den gamle dame og den sovende dreng, der udstråler en fredfyldthed, som ikke ofte er forbundet med offentlig transport. RigerePassagererne ser ud til at sidde bag dem og er adskilt af en bænk, der adskiller de to klasser, hvilket yderligere antyder den opdeling, der eksisterede i Frankrig.

Olympia - Édouard Manet

Manets andet bemærkelsesværdige og angiveligt realistiske maleri var Olympia , som han malede i 1863. Manet var meget glad for de kvindelige former og afbildede mange kvindelige nøgne kvinder i nogle af sine værker. Han havde også en tendens til at fokusere på det franske samfunds liv, hvilket også kan ses i hans malerier. Inden for Olympia I denne udstilling benyttede Manet sig af sine to foretrukne emner, da han forestillede en prostitueret fra den lavere klasse, der poserer nøgen. På grund af den formodet vulgære scene var værket straks kontroversielt, fra det øjeblik det blev udstillet.

Olympia (1863) af Édouard Manet; Édouard Manet, Public domain, via Wikimedia Commons

Kvinden, hvis navn formodedes at være Olympia, er vist liggende på en åben seng på en måde, der inviterer til at slutte sig til hende. I baggrunden ses en tjenestepige, der bringer hende blomster, som sandsynligvis var en gave fra en elsker. Manet skabte en stærk kontrast mellem disse to kvinder, ikke kun gennem deres hudfarve men af det faktum, at tjenestepigen syntes at være fuldt påklædt i sit arbejdstøj, mens den prostituerede lå der helt nøgen. Men på trods af denne sårbarhed virker kvinden helt tryg ved sin manglende påklædning.

Det skamløse og udfordrende blik, hvormed kvinden henvendte sig til seerne, var Manets måde at udfordre overklassesamfundets hykleriske forestillinger om anstændighed på.

Ved at vælge at afbilde en prostitueret kommenterede Manet meget åbenlyst det borgerlige samfund på den tid, som foretrak at holde sådanne uanstændige aktiviteter hemmelige, selv om de var en velkendt del af samfundet, Olympia blev lavet for at være bevidst provokerende, da Manet havde til hensigt at chokere seerne på salonen i 1865, som i øvrigt strømmede til for at se dette maleri.

Pramme på Volga - Ilya Repin

En ikonisk russisk maler inden for realismen var Ilya Repin, som fortsatte med at male Pramme på Volga mellem 1870 og 1873. Repin blev anset for at være ansvarlig for indførelsen af realismen i Rusland og var en stor fortaler for socialrealismen, hvilket kan ses i nogle af hans værker. Han blev anset for at være en kritik af profitten af menneskeligt arbejde, Pramme på Volga fokuserede på de almindelige sømænds og havnearbejderes vanskeligheder i de kendte havne langs Volga-floden i denne periode.

Pramme på Volga (1870-1873) af Ilya Repin; Ilya Repin, Public domain, via Wikimedia Commons

Repin brugte måneder på at sidde langs Volga-floden og dokumentere skibene og deres hårdtarbejdende søfolk og malede Pramme på Volga Dette gjorde det muligt for ham at skabe et utroligt nøjagtigt portræt af disse søfolks arbejdsliv, som hver eneste dag knoklede hårdt om bord på skibene. I dette værk afbildede Repin 11 mandlige slæbebåde, som på grund af deres forskellige udseende viser sig at have forskellig etnisk baggrund, mens de langsomt trækker en pram opstrøms på Volga-floden.

Den fysiske udmattelse er tydelig på den måde, som mændene går på, da de er foroverbøjet af træthed. De varmere toner i floden og bredden står i kontrast til deres forvitrede hud og den mørke skygge, som deres kroppe danner, når de klumper sig sammen. Kun én mand skiller sig ud fra gruppen på grund af sit farvestrålende tøj og sit ungdommelige udseende. Han er vist som værende mere oprejst end sine medmennesker.arbejdere, da han synes at være ved at slippe af med sine bånd.

Dette forslag indfangede ånden i protesten mod udnyttelse og for at få værdigheden tilbage.

Whistlers mor - James McNeill Whistler

Amerikansk maler James McNeill Whistler var kendt for sin opgivelse af realismen til fordel for at udvikle sin egen stil i det moderne maleri. Hans mest bemærkelsesværdige værk blev malet i 1871 og fik titlen Whistlers mor , selv om den også er kendt som Arrangement i grå og sort Nej Dette maleri blev det første amerikanske værk, der blev købt af den franske regering i 1891, hvilket i høj grad løftede Whistlers omdømme som kunstner og sikrede ham mange velhavende amerikanske mæcener.

Whistlers mor (1871) af James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, Public domain, via Wikimedia Commons

Whistlers mor er ved første øjekast ganske dystert og alvorligt, men kunstkritikere og publikum har gennem årene været fascineret af Whistlers evne til at portrættere sin mor så detaljeret. Klædt i en lang sort kjole og en hvid blondehue er det stadig uklart, om hans mor var i sorg eller blot iført en beskeden påklædning, der var i overensstemmelse med tidens mode.

"Whistlers mor", der sidder i profil, er blevet kaldt "den amerikanske Mona Lisa", da den indeholder samme grad af hemmelighedskræmmeri og dygtighed som Da Vincis maleri.

Whistler, der på det tidspunkt boede sammen med sin søn, bad sin mor om at posere for ham, efter at en model havde aflyst den planlagte session. Da hun på det tidspunkt var 67 år gammel, ændrede Whistler sin komposition, så hun kunne males i en siddende stilling, så hun kunne føle sig godt tilpas. Det tolkes som et symbol på moderskabet, Whistlers mor eksisterer som et så vigtigt maleri, da det var et af de meget få værker, der blev værdsat af det borgerlige samfund og samtidig gav genlyd hos masserne, fordi det ikke krævede meget forklaring.

Gross-klinikken - Thomas Eakins

En anden amerikansk realistisk maler, som vi har medtaget på vores liste, er Thomas Eakins, som malede Gross-klinikken i 1875. I midten af 1800-tallet fandt der mange medicinske udviklinger sted, som var med til at vise vejen til de innovationer, der ændrede verden. Eakins' udviste en stor fascination af medicin i denne periode, og hans værk eksisterer som et øjebliksbillede af en forelæsning, der fandt sted på Jefferson Medical College. gennem tiden, Gross-klinikken er berygtet som et af de bedste amerikanske malerier, der nogensinde har eksisteret.

Gross-klinikken (1875) af Thomas Eakins; Thomas Eakins, Public domain, via Wikimedia Commons

Eakins' er kendt som et af de førende medicinske institutter i verden i 1800-tallet og har fanget en lektion, der blev givet af Dr. Samuel D. Gross, som dengang var den 70-årige underviser. Klædt i en sort frakke ses Gross midt i kompositionen, mens han formentlig holder en forelæsning om den operation, der i øjeblikket fandt sted ved siden af ham, for et rum fuld af ivrige studerende. Over Gross'skulder, til højre for arbejdet, er hans kliniksekretær Dr. Franklin West, som tog notater om den ortopædiske operation, der var i gang.

I øverste venstre hjørne har Eakins sat sig selv ind i publikum. Det siges at være påvirket af hans egne kurser i anatomi og dissektion, da han var meget opmærksom på detaljerne i operationen. Maleriets videnskabelige anstrengelser, der viser stor kunstnerisk dygtighed, står i skærende kontrast til den følelsesmæssige reaktion fra den eneste tilstedeværende kvinde i nederste venstre hjørne.

"The Gross Clinic" blev betragtet med stor opmærksomhed på grund af sin uskønne karakter, da publikum kæmpede for at forstå den rene sandhed om virkeligheden i dette værk.

Nighthawks - Edward Hopper

Malet i 1942, næsten et århundrede efter at realismen nåede sit højdepunkt, Nighthawks anses stadig for at være et vigtigt realistisk maleri Den amerikanske kunstner Edward Hopper var kendt for sin brug af realisme, da genrens overordnede stil havde ændret sig meget lidt på trods af den tid, der var gået. Nighthawks anses for at være et af de mest genkendelige amerikanske malerier, der nogensinde er blevet skabt, da det skildrer en typisk scene i Amerika i tiden efter Anden Verdenskrig.

Nighthawks (1942) af Edward Hopper; Edward Hopper, Public domain, via Wikimedia Commons

I løbet af 1940'erne havde industrialiseringen forandret livet i den vestlige verden. I Hoppers maleri portrætterede han fire ensomme personer i en sparsomt møbleret spisestue i downtown om natten. Der vises en enkelt lyskilde, som oplyser hele rummet, vælter ud på fortovet og står i stor kontrast til de andre skygger på gaden. Selv om det blev opfattet som ret simpelt, er Hoppersmanipulation af omgivelserne og den dramatiske belysning illustrerede temaerne fremmedgørelse, depression og tvetydighed, som fandtes i Amerika efter krigen.

Ingen af tallene i Nighthawks Hopper afspejlede med denne skildring det hårde liv og de kampe, som enkeltpersoner oplevede i de mørkeste dage i amerikansk historie, da krigens rædsler og fordærv permanent ændrede samfundet.

Hopper malede med en åben fortælling og krævede, at beskueren selv skulle fuldføre historien, hvilket var typisk for hans stil på den tid.

Christina's verden - Andrew Wyeth

Det sidste maleri på vores liste, som også blev malet længe efter, at realismen var slut, blev malet af A merikanske kunstner Andrew Wyeth. Christinas verden, malet i 1948, er et af de mest kendte værker fra Amerikanske malerier Wyeth malede det i en tid, hvor polio var udbredt i hele Amerika, og det siges, at han har afbildet Anna Christina Olson, som var en af hans bekendte, der led af en invaliderende degenerativ muskelsygdom.

Med figuren, der sidder i det høje græs og kigger mod et ensomt bondehus, har Wyeth afbildet Olson som værende ude af stand til at gå på grund af sin tilstand. Selv om det ser ud som om hun blot ligger og slapper af på marken, forsøgte Olson at kravle og hjælpeløst bevæge sig hen over marken mod huset. Christina's verden repræsenterede den barske virkelighed, som dem, der led af polio, måtte håndtere. Men i stedet for at skildre en dyster scene, malede Wyeth Olson med et stort ønske om at se verden, som det fremgår af hendes villighed til at kravle over marken.

Mens Wyeth indføjede en lille følelse af beslutsomhed, forblev Olson stadig begrænset til blot at være en almindelig plet græs i scenen. Olsons spinkle arme og ben samt hendes lille ramme skaber en følelse af sårbarhed omkring hende. Dette understreges yderligere af, at hendes krop vender sig væk fra beskueren, så vi ikke engang er i stand til at få et glimt af hendes ansigt. I dette værk var Wyeth i stand til atskaber en følelse af uvished, da det er usikkert, hvad figuren i græsset vil gøre for at nå frem til bondehuset.

Realisme-bevægelsen i kunsthistorien viste sig at være utrolig indflydelsesrig, hvilket fremgår af de typer af kunstværker, der kom fra denne periode. Selvom vores liste over berømte realistiske malere og deres ikoniske kunstværker på ingen måde er udtømmende, har vi dækket de 15 mest kendte malerier, der typisk anerkendes, når det kommer til at diskutere de vigtige principper for realismen. Hvis du har nydt at læseom disse malerier, vil vi opfordre dig til at udforske nogle af de mere ukendte realistiske malerier, der blev produceret i denne periode, yderligere.

Tag et kig på vores webhistorie om realistiske kunstnere her!