Har du nogensinde undret dig over, hvad byggestenene i et maleri er? Uanset om du ser på et renæssancemesterværk som f.eks. Mona Lisa (ca. 1503) eller en impressionist en Plein air værk af Claude Monet, vil du blive konfronteret med en visuel komposition af en scene eller en person, som i virkeligheden er en kombination af kunstneriske elementer og principper. I denne artikel vil vi forklare, hvad disse kunstelementer og designprincipper er.

Grundlæggende: Hvad er principperne for kunst?

Ifølge Merriam-Webster Online Dictionary betyder ordet "princip": "en omfattende og grundlæggende lov, doktrin eller antagelse", herunder "en regel eller et adfærdskodeks". Et princip henviser derfor til de grundlæggende aspekter eller regler for noget.

I billedkunsten henviser det til dens grundlæggende principper eller regler, hvilket fører os til spørgsmålet: Hvad er de grundlæggende principper i billedkunsten, eller hvad er kunstens principper? Et sæt regler, som kunstnere følger, der informerer kompositionen? Ofte er det også kriterier, der bruges til at analysere kunstværker.

Den store bølge ud for Kanagawa (mellem 1830 og 1832) af Katsushika Hokusai, som befinder sig på Metropolitan Museum of Art i New York, USA; Katsushika Hokusai, Public domain, via Wikimedia Commons

Det er vigtigt at bemærke, før vi udforsker disse kunstprincipper, at de ikke skal forveksles med de kunstens elementer , som beskrives som de "visuelle værktøjer", der udgør et kunstværk. Disse bliver også de kriterier, som kunstværker analyseres ud fra. Vi vil også se nærmere på disse nedenfor.

Desuden kan du støde på forskellige kunstkilder, der bruger disse to udtryk (elementer og principper) i flæng.

Husk det derfor, når du læser og forsker i kunst, og husk deres forskelle og funktioner inden for billedkunsten. Vi vil forsøge at give dig forskellene mellem de to, samtidig med at vi bevidst anvender begreberne i flæng.

Principper for kunst Oversigt

Vi har nu en forståelse for kunstens elementer, som vi beskrev som værende næsten som farverne på din palet. Spørgsmålet "hvad er principperne for design?" relaterer sig direkte til kunstens elementer, og når vi gennemgår principperne for design i kunsten, vil vi se, hvordan disse bestemmer kunstværkets samlede resultat. Disse kan næsten ses i dine pensler, så at sige; hverpensel vil være unik og have en specifik funktion, der samler kompositionen.

Der er flere principper for design i kunsten, nogle kilder udforsker det som 10, mens andre ser det som seks eller syv. Nogle kan også grupperes sammen, da begreberne ligner hinanden, men man skal være opmærksom på ikke at blive forvirret af de tætte ligheder mellem nogle af dem.

Nedenfor vil vi skitsere otte kunstprincipper, hvoraf nogle er grupperet sammen, og en kort forklaring på hvert af dem, nemlig balance, kontrast/betoning, bevægelse, rytme, variation, enhed/harmoni, mønster/gennemgang, proportion og skala.

Balance

Balance handler om de visuelle elementers kompositoriske "vægt", om disse er anvendt på en sådan måde, at de virker jævnt fordelt. Der kan være symmetrisk, asymmetrisk og radial balance.

Symmetrisk betyder, at begge sider er ens eller "spejler" hinanden. Asymmetrisk betyder, at begge sider har forskellige emner eller objekter, men at der alligevel er en afbalanceret effekt. Radial balance betyder, at de visuelle elementer er "lige" placeret omkring et centralt "punkt" i kompositionen.

Den sidste nadver (1495 - 1498) af Leonardo da Vinci, som befinder sig i Santa Maria delle Grazie i Milano, Italien; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Kontrast og vægtning

Kontrast henviser til placeringen af forskellige elementer i en komposition, f.eks. farve, rum, form eller andet. Ved at bruge kontrast strategisk vil det formidle en følelse af vægt, eller sagt på en anden måde; det vil fremhæve et bestemt område i kompositionen. Se også " Notan " for at få et eksempel på kontrast.

Med vægtning menes et "fokuspunkt" i en komposition.

Matthæus' kaldelse (1599 - 1600) af Caravaggio, som befinder sig i Contarelli-kapellet i Rom, Italien; Caravaggio , Public domain, via Wikimedia Commons

Bevægelse og rytme

Bevægelse handler om at lede øjet til brændpunktet eller det centrale emne eller blot rundt om hele kompositionen. Det opnås ved at arrangere og anvende forskellige elementer på en sådan måde, at der skabes en følelse af dynamik.

Nogle af de kunstelementer, der skaber bevægelse, kan være placeringen af forskellige linjer.

Skriget (1893) af Edvard Munch, som befinder sig på Nationalmuseet for kunst, arkitektur og design i Oslo, Norge; Edvard Munch, Public domain, via Wikimedia Commons

Disse linjer er som regel diagonale eller buede, hvilket bidrager til farver, rum, form og forskellige andre elementer. Rytme skabes hovedsageligt ved at gentage elementer eller placere dem i mønstrede arrangementer.

Dette skaber i sidste ende en følelse af bevægelse i en komposition.

Sortering

Variation handler grundlæggende om forskellige elementer i en komposition, der giver den dens unikke karakter. Det giver en vedvarende kontrast, eller nogle kilder beskriver det som "kaos", som engagerer beskueren og opretholder et niveau af interesse og ærefrygt for kompositionen; det fremkalder følelser og udtryk.

Det er vigtigt, at variationen også udnyttes på en afbalanceret måde, så der ikke er for meget af den, så den går ud over kompositionens skønhed eller fortælling, eller for lidt, så den skaber en følelse af kedsomhed eller forvirring i betydningen.

Stakkevis af hvede (sidst på sommeren) (mellem 1891 og 1897) af Claude Monet, som befinder sig på Art Institute of Chicago i Chicago, USA; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Enhed og harmoni

Selv om dette princip kan virke som balance, er der en lille forskel i dets betydning. Begge begreber, enhed og harmoni, kan opfattes på samme måde og forskelligt, hvilket kan gøre det forvirrende.

Hvis vi ser på deres ligheder, kan de begge henvise til, hvordan alle de visuelle elementer i en komposition så at sige arbejder sammen. Med andre ord, supplerer alle de visuelle elementer hinanden? Er der uordnede visuelle elementer?

En søndag eftermiddag på øen La Grande Jatte (mellem 1884 og 1886) af Georges Seurat, som befinder sig på Art Institute of Chicago i Chicago, USA; Georges Seurat, Public domain, via Wikimedia Commons

Det, der kan adskille begreberne fra hinanden, er, at harmoni vedrører den måde, hvorpå kunstelementer anvendes sammen, hvilket kan være gennem gentagelse eller rytme, og i sidste ende er det det det modsatte af variation og tanken om kaos, og det giver en følelse af "ro" eller "flow".

Enhed kan også beskrives som værende relateret til hele den kompositoriske sammenhæng, uanset om man anvender principper for variation og harmoni.

Mønster og gentagelse

Mønstre er kunstelementer, der er placeret i gentagne arrangementer eller sekvenser, hvad enten de består af linjer, farver, former eller andet. Denne gentagelse i en komposition kan skabe forskellige effekter, f.eks. idéen om bevægelse, tekstur, enhed eller balance.

Andel

Proportioner henviser til, hvordan et objekts dele i en komposition forholder sig til hinanden på grund af deres størrelse eller form, f.eks. kan en figurs øje være i forhold til resten af ansigtet, men det kan også være for lille eller for stort.

Dette vil enten skabe vægt eller forskellige visuelle effekter.

Vitruvianske mand (ca. 1492) af Leonardo da Vinci, som befinder sig i Gallerie dell' Accademia i Venedig, Italien; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Skala

I kunstens designprincipper er det vigtigt ikke at forveksle skala med proportioner. Skalaen vedrører objektets størrelse i kompositionen sammenlignet med alle de andre objekter. For eksempel en figur, der står ved siden af en bygning, som vil være i skala, hvis den er afbildet nøjagtigt i forhold til, hvordan den ville se ud i virkeligheden, eller som nogle kunstkilder siger, "typisk størrelsen af kunstværket i forhold til denseerens krop".

De syv elementer i kunsten

Lad os starte med de syv kunstelementer. Som vi forklarede ovenfor, er det de "visuelle værktøjer", der bruges til at komponere et maleri. Tænk på dem som farverne på din palet, da de hver især har en unik kvalitet, som så at sige giver din komposition sin form.

Der er syv elementer i kunsten, nemlig farve, form, linje, værdi, form, rum og tekstur. Disse er vigtige at forstå, når man ser et maleri eller skaber et maleri. Vi vil gennemgå hvert af disse elementer mere detaljeret nedenfor.

Farve

Farve er et vigtigt element i billedkunst Der er en videnskab i farverne, og mange store kunstnere har også hyldet farvernes iboende magi, tænk bare på Wassily Kandinsky og Piet Mondrian, for blot at nævne nogle få.

Farver har et bredt spektrum, så lad os først begynde med at se på, hvordan de fungerer med lys, da det vil give en sammenhæng, når vi næste gang ser på et kunstværk. Farver når vores øjne i form af reflekteret lys, som "preller" af på objekter omkring os.

Der er tre primære aspekter eller elementer i forbindelse med farver, nemlig farvetone, værdi og intensitet (dette kaldes også undertiden for mætning eller kroma). Farvetone vedrører farvens farve, så man kan sige, at farvetone f.eks. er blå, grøn eller lilla.

Sammensætning VII (1913) af Wassily Kandinsky, som befinder sig i Tretjakov-galleriet i Moskva, Rusland; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Værdi vedrører farvens "lysstyrke"; dens lysstyrke som hvid eller dens mørke som sort og alle de andre farver derimellem. Hvis hvid tilføjes til en farve, bliver den kendt som en "nuance", og værdien af den bliver lysere, og omvendt, hvis sort tilføjes til en farve, bliver den en "skygge", og værdien bliver mørkere.

Intensitet er et udtryk for, hvor lys eller kedelig en farve er. Dette kan ofte forveksles med værdien, men det, der adskiller de to, er, at intensitet, også kaldet mætning, henviser til farvens lysstyrke. Hvis farvens værdi er lysere, vil farvens intensitet dog også falde og omvendt.

Farvehjulet er et andet vigtigt aspekt og omfatter de primære, sekundære og tertiære farver. De primære farver består af rød, blå og gul, og de sekundære farver består af lilla, orange og grøn.

Farvestudie: Firkanter med koncentriske cirkler (1913) af Wassily Kandinsky, som befinder sig i Stadtische Galerie i München, Tyskland; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Farverne mellem primær og sekundære farver kaldes "mellemfarver", nemlig gul-grønne, gul-orange, rød-orange, rød-lilla/violet, blå-grøn og blå-lilla/violet. Det er vigtigt at bemærke her, at disse mellemfarver også nogle gange kaldes tertiære farver.

Flere online-kilder oplyser imidlertid, at tertiære farver faktisk er kombinationen af to sekundære farver og ikke de mellemliggende farver, som er en kombination af primære og sekundære farver, der fremgår af farvecirklen.

Værdi

Værdi er et andet element i ar Som vi nævnte ovenfor, henviser værdi til lysstyrke og mørke i en farve. Et andet udtryk, der relaterer til værdi, er også "luminositet". For at få en bedre forståelse af, hvordan værdi virkelig fungerer, kan du se et billede på en gråskala, hvor der vil være lysere og mørkere områder.

Dette giver en indikation af de lysere og mørkere farveområder. Et andet begreb, der anvendes her, er "kontrast", som henviser til forskellen mellem de lysere og mørkere områder.

Melencolia I (1514) af Albrecht Dürer, som befinder sig på Minneapolis Institute of Art i Minneapolis, USA; Albrecht Dürer, Public domain, via Wikimedia Commons

Linje

Linje i billedkunst anses for at være et af de vigtigste elementer og beskrives typisk som et mærke, der bevæger sig i rummet mellem to punkter. Der findes forskellige typer af linjer, nemlig lodrette, vandrette og diagonale.

Linjer kan også være tykke, tynde, buede, lige, korte, lange eller mønstrede, hvilket skaber forskellige effekter i en komposition.

Sammensætning II i rød, blå og gul (1930) af Piet Mondrian, som befinder sig i Kunsthaus Zürich i Zürich, Schweiz; Piet Mondrian, Public domain, via Wikimedia Commons

F.eks. kan bevægelse, dybde, skygger, perspektiv samt fremhævelse af en form eller "kontur" skabes med linjen, hvilket ses, hvis vi ser på eksempler på kunstnere, der har anvendt tykke mørke konturer på former fra det Ekspressionisme kunstbevægelse .

Nogle bemærkelsesværdige kunstnere, der har gjort brug af tykke linjer, er Edvard Munch og Vincent van Gogh.

Formular

Form som et kunstelement henviser til et objekts tredimensionalitet og beskrives normalt som værende et objekt med volumen, der omfatter bredde, højde og dybde. Det repræsenteres også ved hjælp af andre elementer som farvevariationer og linjer, der angiver en kontur eller et omrids.

Desuden ser vi i billedkunst normalt på en todimensional overflade, og derfor skaber en form en "illusion" af tredimensionalitet.

David (1501 - 1504) af Michelangelo, som befinder sig i Galleria dell' Accademia i Firenze, Italien; Michelangelo, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Der findes forskellige typer af former, nemlig organiske og geometriske former. Organiske former kan stamme fra naturen og er mere tilfældige og asymmetriske, mens geometriske former beskrives som "matematiske", nemlig cylinderen, kuben, keglen eller pyramiden og kuglen.

Form

Form er tæt forbundet med form, men den væsentligste forskel er, at en form henviser til todimensionalitet. Den beskrives ofte som "flad", med kun længde og bredde, og har ikke det samme udseende af volumen som en form har. På samme måde kan former også grupperes under kategorierne geometrisk eller organisk.

Form angiver konturen af et objekt, som i det væsentlige består af linjer.

Sort firkant (1915) af Kazimir Malevich, som befinder sig i Tretjakov-galleriet i Moskva, Rusland; Kazimir Malevich , Public domain, via Wikimedia Commons

Der findes forskellige typer af former, nemlig cirkel, firkant, trekant, rektangel, oval m.m. En sjov detalje ved disse former er, når de bliver til former, f.eks. en cirkel bliver til en kugle, en trekant bliver til en kegle, og en firkant bliver til en terning og så videre.

En anden kunstnerisk teknik, der formidler former, er at bruge positivt og negativt rum.

Rummet

Rummet beskrives ofte som "afstanden" enten "inden for", "omkring" eller "mellem" det kompositoriske rum, som kan være et lærred, et skulpturelt rum eller enhver anden form for kunst. Der findes også forskellige typer rum, nemlig positivt, negativt, åbent og lukket rum.

Det positive rum er selve objektet eller emnet i kunstværket, f.eks. hvis der tegnes en saks, vil det positive rum være saksen. Det negative rum er rummet omkring emnet, i dette tilfælde vil saksen og området i saksens løkker udgøre det negative rum.

Jægerne i sneen (1565) af Pieter Brueghel den Ældre, som befinder sig i Kunsthistorisches Museum i Wien, Østrig; Pieter Brueghel den Ældre, Public domain, via Wikimedia Commons

Det er ligesom åbne og lukkede rum, hvor genstanden befinder sig i det lukkede rum, og det åbne rum er omkring den. Rummet formidles også, når en komposition er opdelt i dele, især når man analyserer et maleri og beskriver motivet i form af dets rumlige placering, som enten kan være i forgrunden, i mellemgrunden eller i baggrunden, øverst, nederst, til venstre eller til højre.

Desuden formidles rum i kunsten gennem variationer af dybde, også kaldet perspektiv, og proportioner, også kaldet størrelse.

Tekstur

Tekstur handler om følelse, og der er typisk to primære måder at formidle den på i billedkunst, nemlig i det virkelige liv eller det tredimensionelle rum, f.eks. skulpturer, eller den "taktile" følelse af maling på et lærred, f.eks. gennem "impasto"-teknikken, hvor malingen er fysisk struktureret på lærredet.

Den anden måde, hvorpå tekstur kan vises, er gennem antydning eller "illusionen" af tekstur i et todimensionalt rum.

Portræt af Arnolfini (1434) af Jan van Eyck, som befinder sig i National Gallery i London, Storbritannien; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Dette gøres ved at anvende forskellige teknikker med maling, blyant eller pen på et lærred eller et stykke papir. Begge henviser til det, der beskrives som et kunstværks "overfladekvalitet". Tekstur giver karakter til en kunstform og skaber psykologiske virkninger for os, beskuerne, når vi beskæftiger os med den.

Samling af det hele

I artiklen ovenfor udforsker vi de syv kunstprincipper, som vi har bemærket også kaldes kunstelementer. Det er dog vigtigt at huske forskellen mellem kunstelementer og designprincipper, så at sige.

Kunstelementerne kan ses som farverne på din palet, og designprincipperne kan ses som de forskellige pensler. Når du anvender hver farve eller kunstelement med en specifik pensel eller et kunstprincip, skaber du en kompositorisk helhed.

Læs også vores webhistorie om principperne for kunst på nettet.

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er principperne for design?

Der findes flere designprincipper i kunsten, som alle kan anvendes til at skabe bestemte visuelle effekter og følelser, nemlig balance, kontrast/betoning, bevægelse, mønster/gennemgang, proportioner, rytme, skala, enhed/harmoni og variation.

Hvad er forskellen mellem kunstens elementer og principperne for design?

Kunstelementerne og designprincipperne er forskellige, men nogle gange bruges de to udtryk i flæng. Kunstelementerne beskrives som visuelle redskaber til kunstneriske kompositioner, og designprincipperne i kunsten handler om, hvordan disse elementer anvendes.

Hvad er de syv kunstprincipper?

Der er almindeligvis syv elementer i kunsten. Disse er blevet beskrevet på forskellige måder; nogle kilder henviser til dem som byggestenene for kunstneriske kompositioner, mens andre kilder har beskrevet dem som de visuelle værktøjer, der anvendes til at skabe kompositioner. De er som følger: farve, form, linje, tekstur, form, rum og værdi.