I 1950'erne foretog den internationale kunst en pludselig og uventet 180 graders vending. I USA og Storbritannien begyndte en ny kunstbevægelse, pop art, at vokse i popularitet. Denne nye kunstbevægelse hentede inspiration fra de ofte banale, forbrugeristiske, let kitschede og masseproducerede dele af populærkulturen. Popkunstnere som Andy Warhol, Richard Hamilton og Roy Lichtenstein var initiativtagere tilDisse kunstnere henledte opmærksomheden på den voksende forbrugerisme på markederne og vores kunstforbrug.

Et kort resumé af popkunstbevægelsen: Hvad er popkunst?

Mange af os kender kunstnere som Andy Warhol, men hvad er Pop Art som bevægelse? Når vi skal definere Pop Art, skal vi først se på typen af Pop Art. Der er en vis uenighed om, hvor Pop Art oprindeligt blev født. Lignende tendenser begyndte at dukke op i England og USA i begyndelsen af 1950'erne. Pop Art var en 180 graders vending i modernismens udvikling fra den abstrakteekspressionistiske bevægelse, der kom før den.

Pop Art-definitionen vendte sig mod håndgribelige og tilgængelige dele af populærkulturen som inspiration og erstattede de traditionelle "high art"-temaer som klassisk historie, mytologi, moral og abstraktion. Pop Art ophøjede de mere banale dele af populærkulturen til fin kunst, og i dag er det en af de mest anerkendte moderne kunststile.

Vigtige idéer til pop art

Pop Art kan virke mere triviel og overflødig end andre traditionelle kunstbevægelser. De klare farver, brugen af populære billeder, grundlæggende former og tykke konturer kan antyde en mere legende form for kunst, men Pop Art-bevægelsen er fyldt med underliggende kompleksiteter og sociale kommentarer. Her er lidt baggrundsinformation om Pop Art.

Marilyn i himlen (1999) af James Gill; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Hvad gør kunst til en fin kunst?

Den mest fremtrædende idé inden for Pop Art-bevægelsen var at udviske grænserne mellem det, der tidligere var blevet betragtet som fin kunst, og de mere kitschede, banale dele af populærkulturen. Popkunstnere fejrede genstande af forbrugerværdi og insisterede på, at der ikke er noget kulturelt hierarki, når det gælder værdige emner for kunstnerisk skabelse. Popkunstnere hentede inspiration fra enhver kilde, uansetkulturel værdi.

Chokeret tilbagetrækning eller kølig accept?

Værker af Abstrakte ekspressionistiske kunstnere er typisk meget følelsesladede. I modsætning hertil er Pop Art-malerier og collager har en tendens til at være mere fjern og distanceret. Selv om popkunstværker ofte undersøger forskellige kulturelle holdninger og integrerede dele af det sociale liv, gør de det på en kølig og relativt følelsesløs måde. Kunsthistorikere har diskuteret heftigt, om denne distance er en chokerende tilbagetrækning fra de kulturelle temaer, som popkunsten udforsker, eller om det er det modsatte. Måske afspejler køligheden en accept af depopulærkultur.

Hvordan udforsker popkunst kulturelle traumer?

En integreret del af den abstrakte ekspressionisme, der gik forud for popkunsten, var søgningen efter traumer i sjælen. Popkunstnerne søgte efter de samme sjælstraumer, men på et kulturelt plan. I popkunsten var det populære billedsprog, tegneserier, reklamer og kulturelle fænomener som f.eks. boomingen af fastfoodrestauranter, der formidlede dette sociale traume.

I Pop Art er alle disse manifestationer af et kulturelt traume betydningsfulde, og de giver kunstneren uformidlet adgang til menneskehedens dybere bekymringer.

Den moderne verden er kendetegnet ved uformidlet adgang til næsten alt. Fra det byggede miljø til berømthedernes personlige liv er alt tilgængeligt til forbrug og kritik. Pop Art afspejler denne adgang og samler forskellige kulturelle elementer for at vise, at alt hænger sammen.

Kapitalistisk kritik eller entusiastisk støtte?

Især i England omfavnede popkunstnerne det medie- og produktionsboom, der opstod under Anden Verdenskrig. Mange betragter den udbredte brug af kommercielle reklamer i popkunstværker som en støtte til den kapitalistiske markedsplads. Nogle kritikere mener, at popkunst hylder den moderne tids voksende forbrugerisme.

Andre finder et kulturkritisk element begravet i disse mangeartede værker. Popkunstnerne ophøjede almindelige kommercielle genstande til fin kunst. Ved at sidestille kommercielle varer med fin kunst henleder popkunstnerne vores opmærksomhed på det grundlæggende faktum, at kunst i sig selv er en handelsvare.

Mange Pop Art-kunstnere begyndte som kommercielle kunstnere. Ed Ruscha var grafisk designer, og Andy Warhol var også en utrolig succesfuld bladillustrator. Takket være disse tidlige begyndelser har disse kunstnere vist, at de behersker populærkulturens visuelle ordforråd flydende. Disse færdigheder gjorde det lettere for disse kunstnere at blande fin kunst og kommerciel kultur problemfrit.

En New York Times-annonce (17. april 1955) for I. Miller Shoes, illustreret af Andy Warhol; JSalleres, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Oprindelsen af popkunstbevægelsen

Pop Art-bevægelsen er interessant, fordi den udviklede sig samtidig i USA og England. De første gnister af Pop Art-bevægelsen var meget forskellige i hvert af disse lande. Derfor er det vigtigt at begynde at se på dem hver for sig.

I USA var Pop Art en tilbagevenden til en mere repræsentativ kunst der brugte ironien i den almindelige virkelighed til at neutralisere den personlige symbolik i den abstrakte ekspressionisme. I modsætning hertil var den tidlige britiske popkunst mere akademisk. De britiske popkunstnere brugte ironi til at udforske og kritisere den eksplosive forbrugerisme i efterkrigstidens amerikanske populærkultur.

Proto-Pop Art

I 1950'erne begyndte den amerikanske og britiske Pop Art, mens nogle europæiske kunstnere som f.eks. Marcel Duchamp , Many Ray og Francis Picabia var tidligere end bevægelsen i deres udforskning af kapitalistiske og modernistiske temaer og stilarter.

Nogle amerikanske kunstnere antydede udviklingen af moderne Pop Art allerede i 1920'erne. Kunstnere som Stuart Davis, Gerald Murphy, Patrick Henry Bruce og Charles Demuth skabte værker, der udforskede billeder fra populærkulturen, herunder banale kommercielle genstande og reklame design.

Lucky Strike (1921) af Davis Stuart; Davis Stuart, Public domain, via Wikimedia Commons

Den uafhængige gruppe: Pop Art i Storbritannien

I London blev Independent Group of Artists dannet i 1952, og mange anser denne gruppe for at være forløberen for den nye Pop Art-bevægelse. Denne samling af unge malere, billedhuggere, forfattere, arkitekter og kritikere blev hyldet i den nye Pop Art-bevægelse. Denne gruppe af kunstnere begyndte at mødes regelmæssigt i 1950'erne, og deres diskussioner drejede sig om udviklingen inden for teknologi og videnskab, defundne genstande og massekulturens plads i billedkunsten.

Blandt de kendte medlemmer var arkitekterne Peter og Alison Smithson, Richard Hamilton, Eduardo Paolozzi og kritikerne Reyner Banham og Lawrence Alloway. Da disse kreative mennesker begyndte at mødes i 1950'erne, var England stadig ved at komme sig efter efterkrigsårene, og en stor del af befolkningen var ambivalent over for populærkulturen i USA.

Den uafhængige gruppe delte denne tøven over for den amerikanske populærkulturs kommercielle karakter, men de var begejstrede for popkulturens rige verden og diskuterede udførligt science fiction, bildesign, westernfilm, rock and roll-musik, plakater og tegneserier.

I 1960 var der for første gang amerikansk pop i Royal Society of British Artists' årlige udstilling af unge talenter, og i januar 1961 var R. B. Kitaj, David Hockney , Joe Tilson, Billy Apple, Dereck Boshier, Peter Blake, Patrick Caulfield, Allen Jones og Peter Phillips blev plantet solidt på Pop Art-kortet.

Billy Apple var ansvarlig for at designe invitationer og plakater til de følgende to årlige Young Contemporaries-udstillinger. Samme år vandt Blake, Kitaj og Hockney priser i Liverpool på John-Moores-udstillingen. I sommerferien 1961 på Royal College besøgte Hockney og Apple sammen New York i løbet af sommerferien 1961.

Et fotografi af Billy Apple ved 2018 Arts Foundation of New Zealand Icon Awards; New Zealands regering, Generalguvernørens kontor, CC BY 4.0, via Wikimedia Commons

At finde en definition af pop art

Når det drejer sig om at afgøre, hvem der var den første til at bruge udtrykket "Pop Art", er der stor uenighed. I Storbritannien er der flere mulige gnister, der førte til selve udtrykket "Pop Art". Peter og Alison Smithson brugte udtrykket i en artikel fra 1956, der blev offentliggjort i Ark Magazine. Artiklen hed "But Today We Collect Ads."

Richard Hamilton definerede Pop i et brev, som han skrev, og Paolozzi brugte også ordet Pop i sin I Var en rig mands legetøj (John McHales søn mener også, at hans far først brugte udtrykket i en samtale med Frank Cordell i 1954.

Lawrence Alloway er også ofte krediteret for at have brugt udtrykket første gang i sit essay fra 1958, Kunst og massemedier. I dette essay bruger han dog kun udtrykket "populær massekultur", og han henviste til populærkultur som produkter fra massemedierne snarere end kunstværker. I 1966 præciserede Alloway disse udtryk, men på dette tidspunkt havde Pop Art allerede fundet vej ind på skoler og gallerier.

Amerika Pop Art baggrund

New York City var fødestedet for den amerikanske Pop Art. I midten af 1950'erne nærmede New York-kunstnerne sig en vigtig korsvej i udviklingen af moderne kunst. I Amerika kunne Pop Art-kunstnerne enten følge i fodsporene på de abstrakte ekspressionister, eller de kunne gøre oprør mod formalismen i de modernistiske skoler. Naturligvis valgte mange kunstnere oprør, og de begyndte ateksperimentere med ikke-traditionelle former og materialer.

På dette tidspunkt, Jasper Johns vakte allerede opsigt med sine abstrakte malerier, der refererede til objekter, som "sindet allerede kender", bl.a. tal, håndaftryk, flag, bogstaver og mål. Andre Pop Art-kunstnere som Robert Rauschenberg brugte fundne billeder og genstande ved siden af den traditionelle oliemaling. På samme måde brugte de Fluxus-bevægelser og Allan Kaprow valgte at inddrage elementer fra verden omkring dem i deres kunstværker. Sammen med andre kunstnere skulle disse kunstnere senere danne Neo-Dada-bevægelsen.

Selv om Pop Art begyndte at dukke op i USA i begyndelsen af 1950'erne, var det i 1960'erne, at bevægelsen vandt frem. På Museum of Modern Art i 1962 blev Pop Art introduceret på et symposium om Pop Art. Da kunstnere begyndte at bruge reklameelementer i moderne kunst, begyndte kommerciel reklame at inkorporere elementer fra moderne kunst. Amerikansk reklame blev meget sofistikeret, ogAmerikanske kunstnere var nødt til at finde mere dramatiske stilarter for at distancere sig fra masseproducerede materialer.

Mens britisk pop art havde en lidt humoristisk, romantisk og sentimental tilgang til amerikansk populærkultur, producerede amerikanske kunstnere pop art, der typisk var mere aggressiv og dristig. Briterne var distanceret fra virkeligheden i de amerikanske forbrugerbilleder, mens amerikanske kunstnere blev bombarderet med dem dagligt.

Etablering af amerikansk moderne popkunst

Robert Rauschenberg var i høj grad påvirket af dadaistiske kunstnere, herunder Kurt Schwitters. Rauschenberg mente, at maleriet både relaterer til kunstens verdener, men også til hverdagslivet. Denne opfattelse udfordrede tidens dominerende modernistiske perspektiv. Rauschenberg kombinerede popkulturelle billeder og kasserede genstande i sine værker. På denne måde kunne Rauschenberg skabe en forbindelsemellem hans værk og aktuelle begivenheder i det amerikanske samfund.

De serigrafi-malerier, som Rauschenberg færdiggjorde mellem 1962 og 1964, kombinerede tidsskriftudklip fra National Geographic , Newsweek , og Livet Rauschenbergs tidlige værker klassificeres ofte som Neo-Dada, fordi de adskiller sig fra den amerikanske Pop Art-stil, der blomstrede i 1960'erne.

Robert Rauschenberg står i en af sine udstillinger på Stedelijk Museum, 1968; Jack de Nijs / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Når det drejer sig om fremtrædende amerikanske popkunstnere, må vi ikke glemme Roy Lichtenstein Lichtensteins brug af parodier i sine værker er måske den bedste definition af Pop Art's grundlæggende præmis. Lichtenstein fremstiller præcise og hårde kompositioner, der er baseret på gammeldags tegneserier.

Ved hjælp af Magna og oliemaling Det er let at genkende Lichtensteins værker ved hans brug af Ben-Day-punkter, kraftige farver og tykke konturer. Kunstneren blander ubesværet populærkultur og fin kunst og integrerer ironi, populære billeder og humor i sine værker.

Amerikansk popkunst versus britisk popkunst

Pop Art opstod i både USA og Storbritannien på omtrent samme tid i 1950'erne og 60'erne. Den overordnede Pop Art-stil er en sammensmeltning af forskellene mellem de to nationer. Selv om begge lande fandt inspiration i de samme emner, er der adskillige forskelle mellem deres stilarter.

Den tidlige britiske popkunst fandt sin inspiration i at betragte amerikansk populærkultur på afstand, og med denne afstand fulgte en vis grad af romantik og sentimentalisme samt en betydelig mængde foragt.

Britiske popkunstnere indtog en akademisk tilgang til amerikansk populærkultur og analyserede de amerikanske populærbilleders magt til at manipulere borgernes liv. Den traditionelt tørre britiske sans for ironi og parodi sivede ind i den britiske popkunst.

Amerikanske popkunstnere levede og åndede derimod amerikansk populærkultur, og denne manglende distance er tydelig. Amerikansk popkunst var også til dels et oprør mod andre former for moderne kunst. Den abstrakte ekspressionisme var den største drivkraft for amerikanske popkunstnere, som ønskede at bevæge sig væk fra stilens meget følelsesladede og personlige symbolik. Som følge heraf bruger amerikanske popkunstnereverdslige, upersonlige billeder i deres værker.

Opstilling af en Roy Lichtenstein-udstilling på Stedelijk Museum, 1967; Ron Kroon / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Tendenser, koncepter og stilarter i popkunst

Efter overgangen fra Neo-Dada til Pop Art blev kunstnere over hele verden mere og mere interesserede i at bruge populærkulturen i deres værker. Medlemmer af Independent Group var de første til at bruge udtrykket "Pop Art", men amerikanske kunstnere blev hurtigt tiltrukket af denne nye stil.

Selv om popkunstneres individuelle stilarter varierer meget, er der fælles underliggende temaer og begreber i popkunstbevægelsen. Brugen af billeder fra populærkulturen er det mest fremtrædende træk i alle popkunstværker.

MM en kritik af masseikonologien (2013) af James Gill; James Francis Gill, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Efter at Pop Art-bevægelsen tog fart i Amerika, begyndte flere europæiske varianter at opstå, herunder den tyske kapitalistiske realistiske bevægelse og den franske Nouveau Réalisme.

Det tabulære billede: Eduardo Paolozzi og Richard Hamilton

De europæiske popkunstnere havde blandede følelser over for den amerikanske populærkultur, og disse følelser kan måske bedst formidles gennem Hamiltons og Paolozzis Pop Art-collager. Kunstnerne kritiserede på samme tid overskuddet og ophøjede de masseproducerede genstande og billeder.

Medlemmerne af Independent Group, herunder Hamilton, var blandt de første til at bruge billeder fra massemedierne i deres værker. Hvad er det, der gør nutidens hjem så anderledes, så tiltrækkende? , en collage af Hamilton fra 1956, kombinerer omhyggeligt udvalgte elementer fra massemediernes billeder for at formidle sin overbevisning om, at den amerikanske kultur var en overdreven kultur. Paolozzi dissekerer spærreild af massemedier gennem sine fotomontagecollager, ligesom hans værk fra 1947, Jeg var en rig mands legetøj.

Pulp Culture: Roy Lichtenstein

En del af betydningen af Lichtensteins værk er hans evne til at skabe fantastiske kompositioner på trods af, at han brugte tegneserier som motiv. Lichtenstein tog ikke kun billeder fra masseproducerede billedbøger til sig, men han anvendte også tegneserieteknikker, nemlig Ben-Day-pointene.

Whaam! (2018) diptychon af Roy Lichtenstein; GualdimG, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Selv om han bruger populære billeder i sine malerier, er Lichtensteins værker ikke blot kopier. Lichtenstein fokuserede på et enkelt panel fra en tegneserie og beskærer det ofte for at ændre historien. Lichtenstein tilføjede eller fjernede også forskellige elementer og legede med sprog og tekst. Lichtenstein udviskede yderligere grænsen mellem fin kunst og massekopiering ved at male tegneserien i hånden.traditionelt maskinprintede prikker.

Det monumentale billede: James Rosenquist

Rosenquist var en anden kunstner, der tilegnede sig populærkulturelle billeder direkte i sine malerier, men ligesom Lichtenstein fremstillede Rosenquist ikke blot kopier, men satte i stedet forskellige berømtheder, produkter og billeder op mod hinanden på en surrealistisk måde.

Mange af Rosenquists værker indeholder også markante politiske budskaber. Rosenquist begyndte sine værker med at lave collager af reklamer og udklip af fotopresser. Derefter omdannede han den simple collage til et sammenhængende maleri.

Rosenquist begyndte sin kunstneriske karriere med at male plakater, og han kunne perfekt omstille sig til at gengive sine collager i monumentale skalaer. Mange af Rosenquists værker var 6 meter brede eller større. Ved at puste banale billeder fra populærkulturen op i så stor skala var Rosenquist i stand til at ophøje det almindelige til fin kunst.

Gentagelse: Andy Warhol og gentagelse

Når man tænker på popkunst, vil Andy Warhols navn sandsynligvis dukke op i ens hoved. Warhol er en af de mest berømte popkunstnere, og hans stil er ikonisk og øjeblikkeligt genkendelig i hele verden. Warhol er måske mest kendt for sine farvestrålende portrætter af berømtheder. Warhol eksperimenterede med mange forskellige emner i løbet af sin berømte karriere.

Den røde tråd i alle hans værker er inspirationen fra masseforbruget og populærkulturen. Gentagelse er et andet centralt element i Warhols værker, der kommenterer den moderne tidsalders masseproduktion.

Coca-Cola-flasker og Campbell's suppedåser er fremtrædende i mange af Warhols tidligste værker. Warhol ville reproducere billederne af disse varer i det uendelige og forvandle galleriets vægge til supermarkedshylder. For yderligere at efterligne og parodiere masseproduktionen begyndte Warhol at syredrukke sine værker, som tidligere var blevet malet i hånden.

Ved at insistere på at skabe sine værker mekanisk afviste Warhol forestillingen om kunstnerisk genialitet og autenticitet. I stedet fremhævede Warhol den moderne tidsalders kommercialisering af kunsten og satte lighedstegn mellem malerier og dåser med suppe. Både suppe og malerier kan købes og sælges som forbrugsvarer, og begge har en iboende materiel værdi. Warhol gik endnu videre og satte lighedstegn mellem masseproducerede forbrugsvarer ogvarer med berømtheder som Marilyn Monroe.

En udstilling i New York af Andy Warhols Campbell's suppedåser (serie på 42) i 2007; andrew warhola, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Popskulptur: Claes Oldenburg

Selv om skulptur synes at være et perfekt medie for Pop Art, var Oldenburg en af de meget få popkunstnere, der udforskede det. I dag er Oldenburg berømt for sine bløde skulpturer og enorme offentlige kopier af banale forbrugsgenstande, men mange af hans tidligere værker var i en meget mindre skala. I 1961 lavede Oldenburg en udstilling kaldet Butikken hvor han lejede en butiksfacade i New York, hvor han solgte sine små skulpturelle replikaer af dagligdags genstande.

Kort tid efter Butikken, Oldenburg begyndte at eksperimentere med bløde skulpturer. Oldenburg brugte stof og fyld til at konstruere store isvafler, kageskiver, røremaskiner og andre forbrugsgenstande. Disse bløde skulpturer faldt sammen i sig selv, måske som en kommentar til tomheden i forbrugsgenstande.

I hele sin karriere fokuserede Oldenburg udelukkende på almindelige genstande. Efter sine bløde skulpturer begyndte Oldenburg at skabe store værker af offentlig kunst. Hans 1974 Klammernål skulpturen i Philadelphia var 45 fod høj. En følelse af legesyge med hensyn til at præsentere det banale på utraditionelle måder gennemsyrer alle Oldenburgs værker, uanset skalaen.

Pop Art i Los Angeles

New York City var fødestedet for amerikansk popkunst, men Los Angeles havde sit eget brand. New York-scenen var langt mere stiv end Los Angeles, som ikke havde de etablerede kritikere og gallerier fra den amerikanske østkyst. Denne mangel på stivhed afspejlede sig i de popkunstnere, der arbejdede og boede i Los Angeles.

I 1962 afholdt Pasadena Art Museum den første Pop Art-udstilling, The New Painting of Common Objects, som viste værker af Lichtenstein, Warhol og Los Angeles-kunstnerne Joe Goode, Ed Ruscha, Robert Dowd og Phillip Hefferton.

Der var en anden æstetik i Pop Art, der blev praktiseret af Los Angeles Pop Art-kunstnere som Billy Al Bengston. Værkerne i denne æstetik refererede til motorcykler og surfing og brugte nye materialer som bilmaling. At gøre det velkendte mærkeligt var et centralt tema i en stor del af Los Angeles Pop Art.

Ved at bruge uventede og nye kombinationer af medier og billeder og ved at flytte fokus væk fra forbrugsgoder flyttede Los Angeles Pop Art kunstnerne Pop Art ud over ren replikation. Disse kunstnere begyndte at fremkalde bestemte holdninger, følelser og idéer i deres værker, idet de baserede deres kompositioner på oplevelser og skubbede grænserne mellem populærkultur og kunst.

Skiltning: Ed Ruscha

Ruscha var en af de førende popkunstnere fra Los Angeles, og han brugte en række forskellige medier i sine værker. De fleste af hans værker var enten malede eller trykte, og han brugte ofte sætninger eller ord som emner i sine tidlige værker, hvilket fremhævede den allestedsnærværende skiltning i Los Angeles. Ruschas værker udviskede grænserne mellem abstraktion, maleri og reklameskilte, hvilket underminerede opdelingen mellemhandel og æstetik.

Det meste af Ruschas arbejde er meget konceptuelt, og han havde en tendens til at fokusere på ideen bag værket snarere end på selve billedet. Som mange andre popkunstnere gik Ruschas arbejde ud over blot at reproducere forbrugeristiske billeder og genstande. I stedet undersøgte han, hvordan erfaring, tekst, billede og sted er indbyrdes udskiftelige.

Fransk Nouveau Réalisme

I 1960 grundlagde kunstkritikeren Pierre Restany Nouveau Réalisme-bevægelsen ved at udarbejde "Den nye realismes konstituerende erklæring", som hævdede, at Nouveau Réalisme var en ny måde at opfatte virkeligheden på. Ni kunstnere, der var forenet i deres tilegnelse af massekulturen, underskrev erklæringen i Yves Kleins værksted. Princippet om poetisk genbrug af industriens, byernes og byernes virkelighedliv, og reklamen er tydelig i den decollage Nye billeder blev skabt ved at skære gennem lag af plakater.

Den amerikanske Pop Art's bekymring over den kommercielle kultur blev gentaget i Nouveau Réalisme-bevægelsen, men disse kunstnere var mere optaget af objekter end af malerier.

Tysk kapitalistisk realisme

Det tyske modstykke til den amerikanske og britiske popkunst var den kapitalistiske realisme-bevægelse, som i 1963 blev grundlagt af Sigmar Polke, der brugte en massemedieæstetik til at undersøge genstande fra varekulturen.

Andre kunstnere som Konrad Leug og Gerhard Richter forsøgte at afsløre det moderne kapitalistiske samfunds overfladiskhed og forbrugerisme ved at bruge æstetik og billedsprog i deres eget arbejde. Richter undersøgte kulturen gennem fotografi, Polke udforskede den mekaniske produktions kreative kapacitet, og Leug udforskede popkulturens billedsprog.

Propellerfrau (1969) af Sigmar Polke; Sigmar Polke, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Berømte popkunstværker

Som det er tilfældet med enhver bevægelse, er der stor mangfoldighed inden for Pop Art. Bevægelsen har mange forskellige kunstnere, som hver især har ydet værdifulde bidrag til udviklingen af modernismen. I dette afsnit af artiklen udforsker vi nogle af de mest berømte Pop Art-værker og undersøger deres bidrag til en af de mest kendte kunstbevægelser i det 21. århundrede.

Eduardo Paolozzi: Jeg var en rig mands legetøj (1947)

Eduardo Paolozzi var en skotskfødt kunstner og billedhugger, der var et vigtigt medlem af efterkrigstidens avantgarde i England. I 1947 færdiggjorde han denne collage af populære billeder, et værk, der antyder den Pop Art-bevægelse, der skulle følge få år senere. Paolozzi bruger en Coca-Cola-reklame, forsiden af en pulp fiction-roman og en reklame for militæret i denne collage.

Som mange andre værker af britisk popkunst afspejler dette værk en mørkere og mere kritisk tone. Værket er et perfekt eksempel på, hvordan britisk popkunst reflekterede over kløften mellem den barske politiske og økonomiske virkelighed i efterkrigstidens Storbritannien og den velhavende glamour, der blev idealiseret i den amerikanske populærkultur. Paolozzi blev medlem af Independent Group, og mange af hans værker undersøger massekulturens indvirkning.og teknologi på fin eller høj kunst.

Paolozzis valg af collagemediet er et nik til de dadaistiske og surrealistiske bevægelsers fotomontage-indflydelser. Ved fysisk at samle en bred vifte af populærkulturelle billeder og Pop Art-idéer på en enkelt side genskaber Paolozzi den moderne verdens hverdagsbølge af billeder fra massemedierne.

Richard Hamilton: Hvad er det, der gør nutidens huse så anderledes og tiltrækkende? (1956)

Collage var en populær form for tidlig Pop Art, og denne collage af Richard Hamilton er endnu et rigt eksempel. Hamilton lavede dette værk til 1956-udstillingen Dette er i morgen Denne collage var reklamen for udstillingen, og den var med i kataloget. Mange kritikere betegner denne collage som det allerførste værk fra den britiske Pop Art-bevægelse.

I collagen kan vi se en moderne Adam og Eva. I stedet for bibelske figurer er de to en burlesk danser og en bodybuilder. Disse to grundlæggende figurer befinder sig i et miljø af moderne bekvemmeligheder, herunder skinke på dåse, støvsuger og fjernsyn.

Hamilton har klippet hvert enkelt element ud fra reklamer i magasiner. Den scene, som Hamilton skaber, både opretholder og udnytter forbrugerismen. Hamilton giver også en skarp kritik af de amerikanske efterkrigstiders dekadence.

James Rosenquist: Den valgte formand (1960-61)

Dette maleri er det første værk på vores liste, der ikke er en collage, men det startede sit liv som en. Rosenquist begyndte at skabe dette værk ved at lave en collage med tre forskellige elementer. Hvert element er skåret ud af forskellige massemediegenstande. John F. Kennedys ansigt, en gul Chevrolet og et stykke kage pryder maleriet. Rosenquist transformerede derefter sammensmeltningen af forbrugerobjektertil et monumentalt, fotorealistisk maleri.

Rosenquist udtalte, at han havde valgt at bruge John F. Kennedys ansigt fra en af hans valgplakater sammen med andre elementer fra reklamer, fordi han var interesseret i den pludselige tendens, at folk reklamerer for sig selv som forbrugsvarer.

Rosenquist blander dygtigt collageelementerne i maleriet og beviser dermed sit kunstneriske talent og sin evne til at give slående kulturelle og politiske kommentarer gennem populære billeder.

Claes Oldenburg: Konditori Case, I (1961-62)

Selv om skulpturen ikke var det mest almindelige medie i Pop Art-bevægelsen, var Oldenburg den mest berygtede Pop-skulptør. Hvis du nogensinde har set store, legende absurde skulpturer af livløse genstande eller mad, er de sandsynligvis skabt af Oldenburg.

Apple Core (1992) af Claes Oldenburg; צילום:ד "ר אבישי טיייכר, CC BY 2.5, via Wikimedia Commons

Konditori Case, I er en samling af værker, som Oldenburg udstillede i 1961 på sin Butikken installation. Butikken var en butik på Lower East Side i New York, hvor Oldenburg skabte og udstillede skulpturelle objekter. Oldenburgs kandiserede æbler i gips, jordbærkager og andre forbrugsgenstande blev udstillet i hans butikslignende installation.

Oldenburgs værker var ikke kun kommercielle produkter, men han solgte dem også fra Butikken til meget lave priser. Installationen og den Konditori Case I kollektionen kommenterer forholdet mellem kommercielle varer og kunst som varer. Selv om Oldenburg solgte disse værker som om de var masseproducerede forbrugsvarer, var de alle delikat håndlavede.

Oldenburg inddrager endnu en kulturkritik i disse værker gennem de overdådigt ekspressive penselstrøg, han bruger til at male hvert objekt. Mange mener, at disse penselstrøg gør grin med abstrakte ekspressionisters arbejde. Kritikken af abstrakt ekspressionisme er en rød tråd i meget Pop Art. Oldenburg skaber et meget ironisk miljø, da han kombinerer meget kommercielle genstande medEkspressionistiske penselstrøg.

Et fotografi af Claes Oldenburg under forestillingen Knivens forløb i Venedig, 1985; Gorupdebesanez, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Roy Lichtenstein: Druknende pige (1963)

I begyndelsen af 1960'erne blev Lichtenstein mere og mere berømt. Lichtenstein specialiserede sig i malerier, der tog udgangspunkt i populære tegneserier, og dette er et af hans mest kendte værker. Før Lichtenstein havde ingen Pop-kunstner nogensinde fokuseret udelukkende på tegneserie-billeder. Andre kunstnere som Jasper Johns og Robert Rauschenberg havde begge tidligere brugt populære billeder i deres værker, men Lichtensteinvar den første, der fokuserede på tegnefilm.

Det var Lichtensteins og Andy Warhols arbejde, der blev starten på Pop Art-bevægelsen. Selv om Lichtenstein udelukkende arbejdede med tegneserier, kopierede han dem ikke direkte fra deres kilder. I stedet brugte han indviklede teknikker og beskærede tegneseriebillederne for at skabe nye og spændende kompositioner. Lichtenstein ændrede også skriften i hvert af sine malerier, idet han komprimerede den og pegede påtil den visuelle betydning af skrift i tegneseriegenren.

Druknende pige er et godt eksempel på denne teknik, fordi det oprindelige kildebillede indeholdt pigens kæreste, der stod over hende på en båd. I sine malerier genbruger Lichtenstein disse aspekter af den kommercielle kunst. På den måde udfordrer han de eksisterende synspunkter om kunstformernes hierarki.

Som med mange Pop art-malerier er det uklart, om Lichtenstein bifalder eller kritiserer den komiske form i sine malerier. Godkender han den komiske stil og efterligner den for at øge dens værdi, eller er det en skarp kritik? Svaret på dette spørgsmål er op til beskuerens fortolkning.

Sigmar Polke: Kaniner (1966)

Sigmar Polke var en vigtig figur i den tyske kapitalistiske realisme, idet han var med til at grundlægge bevægelsen i 1963. Sammen med andre kunstnere som Konrad Leug og Gerhard Richter begyndte Polke at male billeder af populærkulturen. Disse malerier fremkalder en kølig kynisme over den tyske økonomis tilstand efter Anden Verdenskrig. Disse Pop Art-malerier fremkalder også en følelse af ægte nostalgi over for billederne selv.

Mens Lichtenstein begyndte at replikere Ben-Day-punkter, begyndte Polke at efterligne kommercielle firefarvetrykspunktmønstre. I sit maleri Kaniner, Polke genskaber et billede fra Playboy Club af fire af deres udklædte kaniner. Den forstyrrende prikketeknik på lærredet afbryder den seksuelle appels massemarkedsføringseffekt. Jo tættere beskueren kommer på de letpåklædte kvinder, jo mindre kan han se.

I de fleste af sine malerier inviterer Polke ikke til personlig identifikation af beskueren. I stedet bliver Polkes malerier til allegorier for at miste selvet i strømmen af kommercielle billeder. Dissonansen mellem Playboy-kaninernes skærpede seksualitet og prikmønstrene er et ekko af konflikten mellem en længsel efter det moderne massekommercielle liv og samtidig at blive frastødt af denmeget idé.

I sammenligning med New York Pop-kunstnerne er Polkes værker langt mere åbent kritiske over for forbrugerismen i populærkulturen. Disse synspunkter har deres rod i den kapitalistiske realisme-bevægelse. I stedet for at give en afskærmet og lidt skjult kritik af populærkulturen, går Polke direkte til den.

Et fotografi af Dieter Frowein Lyasso (til venstre) og Sigmar Polke (til højre) engang efter 2000; Cornel Wachter, Public domain, via Wikimedia Commons

Ed Ruscha: Standard station (1966)

På den amerikanske vestkyst var Ed Ruscha en af de mest fremtrædende popfotografer, grafikere og malere. Mange af Ruschas værker er en unik og farverig blanding af Hollywood-billeder, landskabet i det sydvestlige USA og kommerciel kultur. Tankstationen, som den i Standardstation, er et gennemgående motiv i hele hans værk. Faktisk er det i hans bog, der hedder 26 benzinstationer (1963) dokumenterer Ruscha en biltur, som han tog gennem landskabet i det sydvestlige USA.

I dette maleri er Ruscha i stand til at forme det almindelige og prosaiske billede af en tankstation til et emblem for den amerikanske forbrugerkultur. Ruscha serigraferer dette billede, hvilket udjævner perspektivet og afspejler den kommercielle reklameæstetik. Det er også muligt at se Ruschas tidlige eksperimenter med at spille sammen med tekst og sprog. I sine senere værker ville Ruscha bygge videre på disse tidligeeksperimenter og sprog ville blive en integreret del af hans konceptuelle værker.

Dækning af 26 benzinstationer (1962) af Edward Ruscha; Edward Ruscha, Public domain, via Wikimedia Commons

David Hockney: Et større stænk (1967)

Hockney skabte dette betydelige lærred på 94 kvadratcentimeter ud fra et referencefoto i et poolmagasin. For Hockney var tanken om, at det var muligt at indfange en flygtig begivenhed fra et fotografi i et maleri, fascinerende. Mens det øjeblik, hvor plasket var kort, var processen med at male meget længere. Hockney formår at skabe en kontrast mellem den statiske stivhed af det geometriske hus, palmerne, poolen og denDet giver en bevidst usammenhængende fornemmelse af en kant, et lysegult springbræt med dynamikken fra vandstænket.

Den kunstige stilisering af dette maleri er typisk for Pop Art-stilen.

Andy Warhol: Campbell's Soup I (1968)

Dette maleri er et af en hel serie på Campbell's suppedåser I modsætning til de abstrakte ekspressionisters værker havde Warhol aldrig til hensigt, at folk skulle hylde disse malerier på grund af deres kompositionsstil eller form.

Warhol er en af de mest berømte popkunstnere, og han er bedst kendt for at bruge universelt genkendelige populære billeder i en kunstnerisk sammenhæng. Ud over sin serie af Campbell's Soup Cans, Warhol brugte også Marilyn Monroes ansigt , Mickey Mouse og andre berømte figurer.

En Andy Warhol-særudgave af Campbell's supper; Foto: Jonn Leffmann, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Ved at præsentere disse forskellige populære billeder i en gentagende stil skabte Warhol en følelse af masseproduktion i forbindelse med fin eller høj kunst. For Warhol handlede det ikke om at fremhæve eller hylde populære billeder, men snarere om at give en social kommentar om forbrugerisme. I moderne tider kan varer som berømtheder, suppe og tegneserier identificeres med et enkelt blik.

Selv om Warhol malede denne tidlige serie, gik han hurtigt over til serigrafi. Ikke alene var serigrafi langt mere økonomisk, men han kunne også give sine masseproducerede varer en endnu større følelse af masseproduktion. På Warhols første soloudstilling i Los Angeles præsenterede han 100 lærreder af Campbell's suppedåser. Denne udstilling i Ferus Gallery satte Warhol straks på verdenskortet og kastede ham op til nye højder.

Pop Art er helt sikkert en af de mest kendte kunstbevægelser i det 21. århundrede. I kølvandet på global krig og modgang var bevægelsen en helt igennem moderne undersøgelse af den moderne verdens voksende forbrugerisme og overskud. Bag de klare farver, de legende kompositioner og den absurde æstetik ligger en skarp kulturkritik.