Hvad er naiv kunst, og hvad er definitionen på naiv kunst? Naiv kunst kan beskrives som en usofistikeret kunststil, der blev udviklet af kunstnere som Henri Rousseau. Naiv kunst er typisk karakteriseret som visuel kunst udført af en person, der ikke har den formelle træning og uddannelse, som en kvalificeret kunstner modtager. Når en professionel kunstner efterligner denne stil, er produktet oftebetegnes som primitivisme.

En udforskning af naiv kunst

I modsætning til folkekunst opstår naiv kunst ikke altid fra en særskilt udbredt kulturel baggrund eller tradition; faktisk har kendskab til den lokale kunstarv været uundgåeligt siden den trykkende revolution, hvor den blev spredt gennem massetryk og andre medier, i det mindste i industrialiserede økonomier.

Naive kunstnere er opmærksomme på kunstneriske normer såsom specifikke synsvinkler og kompositionsregler, men er ude af stand til eller uvillige til at anvende dem fuldt ud.

Henri Rousseau's Løvens måltid (ca. 1907), er et eksempel på naiv kunst; Metropolitan Museum of Art, Public domain, via Wikimedia Commons

Outsider art henviser på den anden side til værker fra et lignende miljø, men med ringe kontakt til det konventionelle kunstmiljø. Definitionen af naiv kunst samt dens grænser til andre kategorier som outsider art har været en kilde til debat. Naiv kunst henviser til værker af fin kunst, såsom skulpturer og malerier, skabt af en autodidakt kunstner, mens folkekunst henviser til produkter medDenne skelnen er imidlertid blevet draget i tvivl.

Et andet udtryk, der kan anvendes, især i forbindelse med malerier og byggeri, er "provinsiel", som henviser til værker af kunstnere, der har gennemgået en vis formel undervisning, men hvis produktion ikke lever op til byens eller hoffets normer.

Karakteristika ved naive malerier

Outsiderkunst, der er skabt af en person uden professionel uddannelse eller eksamen, kaldes undertiden naiv kunst. Selv om dette var tilfældet før det 20. århundrede, findes der i dag akademier for naiv kunst. Naiv kunst er nu en veletableret kunstform med gallerier over hele verden. Maleriets formelle elementer har en ubehagelig forbindelse med den naive kunsts træk, især den manglende evne til atfølge de tre principper for perspektiv.

• Tingenes størrelse mindskes proportionalt med deres afstand.
• Farverne falmer, når du bevæger dig væk fra dem.
• Med afstanden falder detaljernes skarphed.

Resultaterne omfatter bl.a., at perspektivets virkninger er geometrisk ukorrekte. I alle kompositionsplanerne er der ingen svækkelse af baggrunden, og der er mange mønstre. Detaljer, især dem i baggrunden, der burde være mørkere, fik samme opmærksomhed.

Enkelhed frem for nuancer siges at være et kendetegn for naiv kunst.

Noahs Ark (før 1942) af Alfred Wallis; Alfred Wallis, Public domain, via Wikimedia Commons

Men fordi det er blevet en så kendt og anerkendt stil, kan mange eksemplarer klassificeres som pseudo-naivisme eller primitivisme. I betragtning af autodidaktikken som en skoleform i den nuværende tid er det sjældent, at man ser streng naivitet blandt moderne kunstnere .

Levende kunstnere accepterer måske ikke altid naive kategoriseringer, men det vil sandsynligvis ændre sig, efterhånden som mere værdige signaler bliver tilgængelige.

Bevægelser

Ingen ved, hvornår de første naivistiske malere kom på banen, men fra de tidligste manifestationer af kunst og frem til det "moderne mesterværk" har de naivistiske kunstnere efterladt os ubestridelige tegn på deres kreative aktivitet. Under alle omstændigheder kan man sige, at den naivistiske kunst siden udgivelsen af almanakken Der Blaue Reiter i 1912 har haft "officiel" status i det 20. århundredes kunstkrønike.Redaktørerne af almanakken, Franz Marc og Wassily Kandinsky viste seks kopier af Henri Rousseaus værker og satte dem i forbindelse med andre kunstneriske eksempler.

De fleste eksperter mener dog, at det naive maleri blev "opdaget" i 1885, da maleren Paul Signac erkendte Henri Rousseaus potentiale og begyndte at arrangere udstillinger af hans værker i en række berømte gallerier.

Tiger i en tropisk storm (Overrasket!) (1891) af Henri Rousseau, som befinder sig i National Gallery i London, England; Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Sacred Heart-malerne

Wilhelm Uhde, en tysk kunstkritiker og samler, er kendt for at have organiseret den første naive kunstudstilling, som blev afholdt i Paris i 1928, og hvor André Bauchant, Camille Bombois, Henri Rouseau, Séraphine Louis og Louis Vivin var blandt de deltagende kunstnere.

Sacred Heart-kunstnerne var deres fælles navn.

Kosovski Boj (slaget om Kosovo) af Janko Brašić; Slobodan Štetić, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Earth Group

Fra 1929 til 1935 var Earth Group en gruppe af kroatiske malere, arkitekter og tænkere, der arbejdede i Zagreb. Gruppen var marxistisk orienteret og var delvist inspireret af "Neue Sachlichkeit", hvilket resulterede i mere stiliserede former og skabelse af naive malerier. Edo Kovaevi, Krsto Hegedui, Omer Mujadi og Oton Postrunik var blandt gruppens malere, ligesom billedhuggerenFrano Krini og arkitekt Drago Ibler.

Earth-gruppen søgte efter løsninger på samfundsmæssige problemer.

Malakanernes fest af Niko Pirosmani, som befinder sig på Sighnaghi-museet i Georgien; Orfeus , Public domain, via Wikimedia Commons

Deres læseplan understregede værdien af selvstændige kreative udtryk og var samtidig imod ureflekteret efterligning af udenlandske tendenser. De mente, at kunst ikke skulle skabe kunst for kunstens skyld, men at den skulle repræsentere livets realiteter og det moderne samfunds nødvendigheder.

Hiebine-skolen

Fra ca. 1930, en sætning, der tilskrives kroatiske naivistiske malere, som arbejdede i eller omkring Hlebine-området nær den ungarske grænse. Bygden havde kun nogle få mudrede, snoede gyder og bygninger i én etage på det tidspunkt, men den skabte så mange vidunderlige malere, at den blev næsten synonym med jugoslaviske naivistiske malerier.

Hlebine er en lille attraktiv kommune i det nordlige Kroatien, som dannede baggrund for en gruppe selvopdrættere, der i 1920'erne etablerede en særpræget og ret nyskabende malerstil.

Domino-spillerne (Juego de Domino) af José Rodríguez Fuster; Soydcuba, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Tidens førende intellektuelle, såsom digteren Antun Gustav Mato og den mest berømte person i den kroatiske litteratur, Miroslav Krlea, gik ind for en særskilt national æstetisk stil uden vestlige påvirkninger. Disse idéer blev taget op af Krsto Hegedui, en kendt kunstner fra Hlebine, som grundlagde kunstskolen i Hlebine i 1930 i jagten på et nationalt "kreativt udtryk på landet". Ivan Generali var denden første lærer på Hlebine-skolen og den første, der skabte en særlig personlig stil og opnåede et højt niveau af kunstnerisk ekspertise.

Efter Anden Verdenskrig foretrak den følgende generation af Hlebine-kunstnere at koncentrere sig om stiliserede skildringer af livet på landet baseret på fantasien. Generali var fortsat den dominerende figur og opmuntrede nye malere, som f.eks. hans søn Josip Generali.

Bemærkelsesværdige naivistiske malerier

Den naive kunst er kendetegnet ved en barnlig enkelhed i teknik og visioner, og derfor har modernister, der ønsker at bevæge sig væk fra det, de betragter som falsk sofistikering af værker, der er produceret inden for det konventionelle system, rost den.

Henri Rousseau er den mest kendte nutidige naive kunstner, og derfor vil vi starte med et af hans værker.

Drømmen (1910) af Henri Rousseau

Den unge pige er blevet bragt til en jungle, hvor hun får en serenade af en lokal musiker, der blæser på et messinginstrument. Yadwigha, der er halvt tilsløret i junglens skygger, rækker ud efter musikeren og kigger ud over en udsigt med smuk junglegrønt, der omfatter lotusblade, papegøjer, primater, en elefant, to løver og en slange. Et koncept om Edens Have antydes af slangen, der nærmer sig den unge pige.En lyserød slange snor sig gennem buskene, og dens slangeform efterligner kvindens ben- og hoftekonturer.

I dette kunstværk sidder den nøgne model på en sofa, der kombinerer det hjemlige og det eksotiske. "Drømmen" viser, hvorfor surrealisterne værdsatte Rousseaus maleri på grund af den fantastiske opmærksomhed på detaljer, de strålende farver og den absurde blanding af billeder.

Drømmen (1910) af Henri Rousseau, som befinder sig på Museum of Modern Art i New York City, USA; Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Junglevegetationen var malet i mindst 22 forskellige grønne nuancer. Guillaume Apollinaire, digter og kritiker, var begejstret for kunstværket. "Maleriet emmer af skønhed, det er helt sikkert," udbrød han. "I år tror jeg ikke, at nogen vil grine."

På grund af motivets monotoni - en dame, der ligger nøgen på en sofa i troperne - er dette billede helt klart en drøm.

Det er dog uklart, om kunstværket forestiller Yadwighas eller Rousseaus drøm. En del af glæden ved billedet er dog, hvor frit det kan fortolkes. Rousseau blev inspireret af sine udflugter til Paris' naturhistoriske museum og Jardin des Plantes, hvilket resulterede i den frodige jungle, de vilde dyr og den mystiske hornspiller, der ses på dette værk. "Når jeg er i disse drivhuse og ser de usædvanligeflora fra andre steder, det virker som om, at jeg træder ind i en drøm," siger kunstneren om sine besøg.

Dødsskib (1942) af Alfred Wallis

Hovedpointen i Alfred Wallis' Dødsskib er et gigantisk sort skib med bølgende mørkegrå damp. Mens skibet bevæger sig over iskoldt hvidt vand, ses fem søfolk i sorte dragter og huer. Dette billede, der har den passende titel, er et glimrende eksempel på den type værker, som Wallis skabte i slutningen af sit liv. De udtrykker kunstnerens intense melankoli på det tidspunkt.

Wallis lavede disse malerier midt i ensomhed, da hun led af et forringet syn og alvorlig mental degeneration.

St Ives (ca. 1928) af Alfred Wallis; Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Den præcise dato, hvor Wallis færdiggjorde disse sidste forbedringer, er ukendt, men de blev enten lavet, da Wallis boede på Madrons fattighus, eller lige før han blev indlagt der, en skæbne, han længe havde frygtet. Dødsskib afkræfter den opfattelse, at Wallis ikke var i stand til at skabe en dyb og indviklet symbolik gennem sit arbejde som "naiv" kunstner. Skibet er et forvarsel om død og ødelæggelse, en metaforisk snarere end bogstavelig skildring af emnerne i Wallis' kunst.

Det er en sammensmeltning af de ting, som Wallis havde oplevet i sin tid på havet og omkring kysterne ved St. Ives.

Den ødelagte søjle (1944) af Frida Kahlo

Frida Kahlos selvportrætter fokuserer generelt på fysisk og psykisk smerte, efter at hun blev alvorligt kvæstet i en trafikulykke, da hun var 18 år gammel. Efterhånden som hendes helbred blev forringet, dukkede dette tema op igen og blev meget mere intenst i slutningen af hendes liv. Hendes grafiske billeder af sig selv i smerte giver et overraskende indblik i hendes kampe med fysiske vanskeligheder og angst.

Kahlos kunstværk "The Broken Column" blev skabt kort tid efter, at hun var blevet opereret i rygsøjlen, hvilket kun var en af flere medicinske behandlinger, som hun måtte gennemgå i løbet af sit liv for at rette op på problemer forårsaget af hendes tidligere skade.

I modsætning til de gipsafstøbninger, hun tidligere havde båret, var Kahlo tvunget til at bære et stålkorset, mens hun malede. Kahlo ses på billedet i et øde og fragmenteret miljø, der ser ud til at have været igennem lige så meget uro og tragedie som kunstneren. Hendes rygsøjle er afbildet som en knust og splintret jonisk stensøjle på grund af en dyb og takkede revne på tværs af hendes næsten-nøgen krop.

Hendes rygsøjle ser ud til at være på nippet til at kollapse, især i bunden. Negle af forskellige størrelser trænger ind i hele kroppen og ansigtet og forværrer hendes smerter. Tårerne løber ned ad hendes kinder i stride strømme.

Ud over det elastiske, medicinske støttebælte, som hun bærer, malede Kahlo sig først nøgen, men tilføjede derefter et hvidt, kirurgisk udseende dække til at dække hendes nederste halvdel. Hendes bryster er blottede, og hendes sensualitet skinner igennem på trods af kroppens lemlæstelse. Afbildningen af negle og lagner har også stærke overtoner af kristent symbolsk martyrium. Kahlos ansigt har en følelse af magt ogSelv om hendes krop er blevet lemlæstet og tortureret, er det tydeligt, at hendes ånd ikke er blevet skadet.

Dermed er vi færdige med at se på den barnlige og usofistikerede stil, der er kendt som naiv kunst. Udtrykket bruges til at beskrive malerier, der er skabt i mere eller mindre avancerede kulturer, og som mangler traditionelle repræsentationsevner. Farverne er strålende og unaturalistiske, perspektivet er uvidenskabeligt, og opfattelsen er barnlig eller bogstavelig.

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er naiv kunst?

Udtrykket naiv kunst blev opfundet i det nittende århundrede (før det kunne billeder med et naivt aspekt mere præcist kategoriseres som folkekunst eller simpelthen som uprofessionelle værker), og den første store fortaler var sandsynligvis amerikaneren Edward Hicks. Ikke desto mindre var det ikke før begyndelsen af det 20. århundrede, at naivt maleri blev moderne. Henri Rousseau var den første naivistiske maler, der modtogstor kritisk anerkendelse, og han er stadig den eneste, der anses for at være en stor mester, men mange andre har opnået respekt i moderne kunst .

Hvad er primitivisme?

Udtrykket bruges ofte i flæng med naiv, men det kan være misvisende, fordi primitivisme kan henvise til malerier fra før renæssancen og til kunst fra uciviliserede stammer. Folkekunst og søndagsmaler er to andre ord, der lejlighedsvis bruges i flæng. Mange nybegyndere maler ikke på en naiv måde, og derfor har de deres egne problemer.