Den koreanske kunsts oprindelse kan spores tilbage til stenalderens fjerne fortid med artefakter, der kan dateres helt tilbage til 3000 f.Kr. En stor del af den traditionelle koreanske kunst var stærkt påvirket af de omkringliggende østlige kulturers æstetik, såsom kunst fra Japan og Kina. I løbet af århundreder fik den koreanske kunst imidlertid sin unikke identitet og sine særlige kendetegn.

Karakteristika for koreansk kunst

Den koreanske kunst har udviklet mange traditionelle medier som keramik, kalligrafi og maleri, hvor der er lagt vægt på at dekorere overflader med naturlige former. Japanske og Kinesisk kunst havde en stor indflydelse på den koreanske æstetik, og koreanske kunstnere lånte visse genkendelige teknikker og motiver fra deres design.

Den koreanske forkærlighed for enkelhed i århundreder førte til, at man ikke længere gik så meget op i ekstreme linjer, og de normalt stive lige linjer eller tydeligt buede linjer i de andre østlige kunsttraditioner var beskedent repræsenteret i de koreanske modstykker.

De første tre paneler af et foldeskærm med ti paneler med scener af fromhed; Walters Art Museum, offentligt område, via Wikimedia Commons

Koreansk kunst er forbundet med begrebet naturalisme og er kendetegnet ved sin ukomplekse og harmoniske komposition, der viser en dyb forbindelse med kunstnerens naturlige omgivelser. Naturalismens idé var at forsøge at skildre naturen så naturtro som muligt uden indblanding af forvrængninger skabt af det subjektive menneskelige sind.

Dette førte til en præference for at bruge uudsmykkede overflader i de koreanske billedhuggeres og koreanske pottemageres trægraveringsteknikker, som bestræbte sig på at forstærke mediets naturlige teksturer og konturer i stedet for at modarbejde dem. Denne stil er kendetegnet ved at undgå teknikker, der anvender ekstreme vinkler, skarpe linjer og kraftige konturer.

Den koreanske kunst er kendetegnet ved sit blide og naturlige indhold, flydende linjer og en følelse af harmoni, balance og fred.

Historien om koreansk kunst

Som kunsthistorikere har bemærket, var den kinesiske indflydelse fremtrædende i den tidlige udvikling af den koreanske kunsthistorie, men de anerkender, at koreanerne i løbet af mange år begyndte at forfine deres teknik til noget unikt for deres egen kultur, idet de skabte stilarter, der assimilerede teknikker og motiver fra deres østlige naboer, men nedtonede brugen af ekstreme engle eller overdrevent fede linjer.

Et kort over Korea fra slutningen af 1700-tallet; Offentligt område, Link

Ifølge arkæologiske fund er Korea oprindeligt blevet befolket af mennesker, der rejste fra Sibirien via Manchuriet i løbet af stenalderens sidste del. Mange af de artefakter, der er fundet under arkæologiske udgravninger, er blevet dateret så langt tilbage som til palæolitisk tid, ca. 10 000 f.Kr.

Lad os se nærmere på den koreanske kunsts historie.

Den neolitiske æra

Den koreanske halvø har været beboet siden ca. 50.000 f.Kr., da menneskene indvandrede dertil fra Serbien. De tidligste eksempler på keramik, der er fundet, er af arkæologer blevet dateret til omkring 7000 f.Kr. Disse kar med flad bund blev fremstillet af ler, der var blevet brændt over åbne gruber, og som bar mønstre af vandrette linjer og reliefindtryk.

Keramik med applikationsdekoration, fra bondestenalderen; Koreas nationalmuseum, KOGL Type 1, via Wikimedia Commons

Den tidlige påvirkning fra Sibirien kan ses i Jeulmun-keramikken, der dukkede op omkring 6000 f.Kr. Disse var dekoreret med et kammønster, der er typisk for stilen og perioden. På et tidspunkt i løbet af 2000 f.Kr. blev de store kar, der blev brugt til opbevaring og madlavning, fremstillet, kendt som Mumun-keramik. I modsætning til andre eksempler på keramik fra den koreanske kunsthistorie var disse dog stort set ikke dekoreret.

Jernalder

Denne tidsalder er præget af overtagelsen af kinesernes jernstøbningsteknikker, som sandsynligvis blev indført i det 5. og 4. århundrede f.Kr. gennem kontakt med Yan, en stat i det nordøstlige Kina. Det var almindeligt for koreanerne at simulere teknikker og teknologi fra deres østlige kolleger og gøre dem til noget unikt koreansk, ikke blot ved at matche, men undertiden endda overgå processerne.lært fra andre kulturer.

Indførelsen af denne støbeteknologi fra Kina markerer begyndelsen af den koreanske jernalder.

De tre kongerigers periode (ca. 57 fvt. - 668 e.Kr.)

I denne periode blev halvøen Korea regeret af tre forskellige monarkier, og derfor kaldes den for Tre Kongeriger-perioden. De forskellige kongeriger var kendt som Goguryeo, Baekje og Silla.

Goguryeo

I 372 e.Kr. blev buddhismen indført i Goguryeo, et kongerige, der omfattede det sydlige og centrale Manchuriet samt dele af det nuværende Korea. Det var i denne tid med buddhistisk indflydelse, at medlemmer af den kongelige herskende klasse begyndte at bestille kunst dedikeret til buddhismen. Goguryeo-kunsten er eksemplificeret af livligt dekorerede vægmalerier på de gamle koreanske grave, som viste hverdagsscener fra livet i det gamle kongerige.

Et vægmaleri med en jagtscene i Muyongchong-tomben fra Goguryeo-kongedømmet; Ukendt forfatterUkendt forfatter, KOGL Type 1, via Wikimedia Commons

Baekje

Det siges, at den største koreanske traditionelle kunst i tiden stammer fra Baekje-kongedømmet. Baekje-kulturen fik stor indflydelse fra de sydkinesiske dynastier og påvirkede også til gengæld andre nabodynastier som f.eks. japanerne. Baekje-skulpturerne var religiøse i deres kontekst og forestillede ofte Buddha, men i typisk koreansk stil, der er kendetegnet ved sin varme og harmoniske proportioner.

Stående statue af Buddha i forgyldt bronze fra Baekje-kongedømmet; Ukendt forfatter Ukendt forfatter, Public domain, via Wikimedia Commons

Silla

Mange koreanske håndværksprodukter, der er blevet udgravet, stammer fra dette kongerige, da det geografisk set var ret isoleret, og derfor er gravene stadig relativt uforstyrrede. Det ligger i den sydøstligste del af Korea og var det sidste kongerige, der fik indflydelse fra andre kulturer, og det var også det sidste, der vedtog buddhismen som regionens valgte religion.

Håndværkerne i denne region er mest kendt for deres færdigheder inden for guldfremstilling, f.eks. kroner og guldsmykker, som minder meget om de teknikker, der findes i Europa, hvilket har fået nogle historikere til at tro, at denne region var en del af Silkevejen.

Guldkrone fra Silla-kongedømmet; Gary Todd, CC0, via Wikimedia Commons

Nord-Syd-stater

Denne periode refererer til en periode i Koreas kunsthistorie, hvor kongerigerne Silla og Balhae eksisterede samtidig i Syd- og Nordkorea i årene mellem 698 og 926 e.Kr. Det forenede Silla var en bemærkelsesværdig periode for produktion af koreansk traditionel kunst, især med hensyn til buddhistisk kunst. To værker, der illustrerer denne periode, er Bulguska-templet og Seokguram-grotten.

Balhae-kunsten viste mere dagligdags scener med billeder af mænd i kamp, musikere, der spiller på instrumenter, og aristokrater.

Goryeo-dynastiet

Denne periode varede fra 918 e.Kr. til 1392 og er mest kendt for sin celadon keramik. Denne stil stammer fra Kina, men koreanske kunstnere løftede håndværket til et højere niveau, hvilket igen fik kineserne selv til at kalde koreansk håndværk og keramik for "den første under himlen". Ved at reducere iltmængden i ovnen skabes en grøn-blå nuance, en glasur, der er kendt som"isfuglefarve". Denne keramik forestillede fisk, frugt og mytiske væsner i en fritflydende stil.

Kedel lavet af celadon, fremstillet i det 12. århundrede under Goryeo-dynastiet; Koreas nationalmuseum, KOGL Type 1, via Wikimedia Commons

Joseon-dynastiet

I løbet af dette dynasti var mange buddhistiske elementer stadig synlige i det populære koreanske maleri, men med konfucianismens indgående indflydelse begyndte de traditionelle kunstcentre at afvise værker, der afbildede Buddha, og bevægede sig i retning af øget realisme. Den tidligere kunst i regionen havde været stiliseret, men den nye kunst, der blev kaldt "sandt syn", viste en markant vending fra den mindre detaljeredelandskaber og genstande i det traditionelle koreanske maleri i retning af en ny stil, hvor landskaberne blev afbildet præcis som de var.

Geumgangsa Militær Cheop (1788) af Kim Hong-do, det sene Joseon-dynasti; Kim Hong-do, Public domain, via Wikimedia Commons

Moderne koreansk kunst

Under den japanske invasion i 1880'erne led den koreanske kunst et hårdt slag, da institutterne for kunstuddannelse blev lukket, berømte værker blev ødelagt eller stjålet, og japanske emner og stilarter erstattede den traditionelle koreanske kunst.

Efter at landet blev befriet fra Japan i 1945, begyndte moderne koreansk kunst at opstå ud af de tidligere japanske stilarter og hjalp koreanske kunstnere med at genvinde deres identitet og unikke kulturelle udtryksformer.

Der er sket en begrænset genopblomstring i brugen af koreansk kunsthåndværk, der gør brug af materialer som bambus, jade, metal og tekstiler. Moderne koreanske kunstmalerier kræver en vis forståelse for de stilarter, der anvendes i koreansk kunsthåndværk som f.eks. keramisk keramik, for fuldt ud at forstå den æstetik, som de koreanske kunstnere forsøger at gengive.

Former for koreansk kunst

Koreansk kunst kan inddeles i flere kategorier, der er defineret af brugen af forskellige medier og teknikker, fra koreansk maleri til andre koreanske håndværk, såsom keramik og skulptur til kalligrafi og arkitektur. Her er nogle af de bemærkelsesværdige former for kunst, der er kommet fra Korea.

Kalligrafi og tryk

Kalligrafi betragtes som høj kunst i Korea, idet hvert penselstrøg afslører noget af kunstnerens karakter og personlighed og dermed forstærker det emne, der males. Håndlavet papir anvendes i Korea til en række praktiske og kunstneriske formål. Arkitektonisk anvendes det til gulvbelægning og vinduesafskærmning.

Som kunstmedie bruges det i forskellige former som f.eks. trykning, papirfigurer og endda papirbeklædning.

Kim Jeong-hui, 1786-1856. Blæk på papir, Gansong Art Museum. Han var en fremtrædende koreansk civilminister, Silhak-lærd og kalligraf. Han opfandt sin egen kalligrafistil kaldet chusache , baseret på gamle koreanske monumentalindskrifter; 추사 김정희 (金正喜: 1786~1856), Public domain, via Wikimedia Commons

I størstedelen af det 20. århundrede i Korea var maleri det mest fremtrædende kunstneriske medie, og abstraktion var af særlig interesse for koreanske kunstnere i 1930'erne. I midten af 1960'erne begyndte nogle få kunstnere at udfordre status quo for, hvad der forventedes af blækmalere, da de begyndte at misbruge materialerne og manipulere dem på mærkelige måder ved at gennemvæde lærreder og skubbe malingen rundt,rive papiret i stykker og trække blyanter gennem kunsten, som f.eks. kunstneren Kwon Young-Woo.

Keramik og skulptur

Den mest berømte og ældste kunst i koreansk kunsthistorie er koreansk keramik. Den er forbundet med koreansk keramik såsom massive vægmalerier, flisearbejde og elementer af arkitektur. Mange af de tidlige keramiske teknikker og stilarter blev overtaget fra den kinesiske kultur.

Koreansk keramik blev højt værdsat i Japan og betragtes af japanerne som den mest berømte koreanske kunstart. De kammerovne, som koreanerne brugte, var meget effektive til at smede de lokale materialer af høj kvalitet til færdige produkter, som til sidst blev eksporteret til Japan.

Keramisk krukke i hvidt og blåt porcelæn med blomme- og bambusmønster fra Koreas nationalmuseum; Octopus9576, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Berømte koreanske kunstnere

Ud over de ældre kunstnere, der er involveret i traditionel koreansk kunst, har nogle samtidskunstnere sat deres præg på moderne koreansk kunst og sydkoreansk kunst. Berømte koreanske kunstnere fra det 20. århundredes Korea omfatter Nam June Paik, Park Su-Guen og Chang Ucchin. Bemærkelsesværdige koreanske kunstnere fra det 21. århundrede omfatter David Choe, Amy Sol og Tschoon Su Kim.

Lad os tage et kig på nogle berømte koreanske kunstnere og de værker, der har gjort dem berømte.

Jeong Seon (1676 - 1759)

Jeong Seon, også kendt som Kyomjae, var en traditionel koreansk kunstner, der var berømt for sine landskabsmalerier. Jeongs værker omfattede blæk og vandmalerier i orientalsk stil. Hans stil var ikke abstrakt, men havde en vis lighed med virkeligheden, idet hans landskabsmalerier blev skabt i den "true-view"-stil, der var populær på den tid.

Hans malerier af koreanske landskaber og liv har gjort ham til en af de mest berømte inden for traditionel koreansk kunst.

Hviler sig efter at have læst bøger (ca. 1786-1856), som menes at være et selvportræt af maleren Jeong Seon; Jeong Seon, Public domain, via Wikimedia Commons

Jeong Seon blev født den 16. februar 1676 i Seoul. Han blev født i en fattig familie, og selv om de allerede i en meget tidlig alder anerkendte hans kunstneriske talent, kunne de ikke gøre meget for at støtte hans ønske om at blive maler.

Han malede mest i sin fritid i denne periode og lavede lejlighedsvis landskabsmalerier for sjældne kunder, indtil han blev introduceret til en nabo, som anbefalede ham til Joseon Bureau of Paintings, hvor han derefter fik en stilling som maler.

I 1711 rejste han til Geumgang-bjerget og skabte Pungak Mountian, Sin-Myo År , et album bestående af 13 malerier. Året efter vendte han tilbage og malede Realistiske gengivelser af hav og bjerge, et album bestående af 30 malerier. Jeong betragtes som en af de mest fremtrædende malere i sin tid, og mange andre koreanske kunstnere blev inspireret til at efterligne hans teknikker og stil.

Park Su-Geun (1914 - 1965)

Park Su-Geun blev født i Yanggu County i Sydkorea den 21. februar 1914. Som teenager lærte Su-Geun sig selv at male i stil med koreansk traditionel kunst efter at have studeret på Yanggu Elementary School. Han indledte sin offentlige karriere i koreansk maleri i 1932, da hans værk Foråret er forbi blev udvalgt til at blive udstillet ved den 11. årlige malekonkurrence, der blev afholdt i Seonjeon. Han blev udvalgt otte gange mere til at udstille i konkurrencen indtil 1944.

I 1953 vandt han førstepladsen i den årlige nationale kunstudstilling, og kort efter begyndte han at male på fuld tid og vandt yderligere ti konkurrencer. Han blev valgt til at sidde i screeningudvalget i det følgende årti.

Park Su-Geun er bedst kendt for sin brug af koreanske folklore-temaer og arbejdede overvejende i gråtoner. På grund af grå stær i 1963 mistede Su-Geun en del af synet, og i 1965 døde han som 52-årig på grund af en leversygdom. Han tilbragte det meste af sit liv i dyb fattigdom, men blev efter sin død tildelt Silver Crown of Order of Culture Merit. Hans værker kan posthumt ses på museer somsom USC Pacific Asia Museum og University of Michigan Museum of Art.

Chang Ucchin (1917 - 1990)

Chang Ucchin blev født den 26. november 1917 i Korea på et tidspunkt, hvor landet stadig blev styret af japanerne. Han studerede på Tokyos kejserlige kunstskole, hvor han fokuserede på vestlige kunststile. Efter sin tid som professor i billedkunst fra 1954 til 1960 forlod Ucchin Seoul National University for at koncentrere sig om maleriet på fuld tid. Ucchin repræsenterer den moderne kunstbevægelse i Korea.

Emnerne i hans malerier omfatter billeder af månen og solen, fugle, børn og andre ting, der er velkendte for den koreanske livsstil, men malet med hans unikke teknikker.

Disse teknikker blev udviklet gennem eksperimenter, inspireret af de vestlige kulturers modernistiske tendenser. Mange af hans værker var oliemalerier, men han eksperimenterede også med andre medier såsom kinesisk blækmaleri, tegning med tuschpenne, keramikmaleri, serigrafi, træblokke og kobbertryk.

Hans værker udstråler en barnlig uskyld, idet han ser på emnet og den omgivende verden med klare og ufortrødne øjne. Buddhistiske temaer var almindelige i hans værker, ligesom billeder af hans naboer og de scener, han så omkring sig i dagligdagen. Eksempler på hans værker, der indeholder denne enkle, barnlige stil, omfatter T wo Familier (1979), Hustru (1979), Familie (1979), og Tre (1973).

Kim Tschang-Yeul (1929 - 2021)

Kim Tschang-Yuel blev født i Maengsan, Korea, den 24. december 1929. Efter at have været i Korea-krigen studerede han på Seoul University's College of Fine Arts i midten af 1950'erne. I 1966 flyttede han til New York for at gå på Art Students League i et par år og flyttede derefter til Paris. Denne konstante eksponering for nye kunstneriske bevægelser og tankegange under rejserne førte til, at Kim Tschang-Yuel blev en af de første kunstneriske kunstner, dereksperimentere med flydende former.

Denne fascination af flydende former førte i sidste ende til, at Kim blev anerkendt som en fremtrædende moderne koreansk kunstner for sin berømte stil med at male vanddråber.

Vandmotivets oprindelse kan spores tilbage til traditioner i østlig filosofi. For Kim fungerede motivet som en slags terapi for hans tidligere traumatiske oplevelser i forbindelse med krigstjeneste og som en overvejelse af uendeligheden. For Kim repræsenterer hver dråbe, der er så naturligt ulastelig, en kontinuerlig gentagelse af ingenting, der ender i samme tilstand som den startede.

Som en hyldest til Kims livslange bidrag til kunsten i Korea blev Kim Tschang-Yeul Museum of Art åbnet i Jeju i Sydkorea i 2016. Han bor og arbejder nu mellem to forskellige byer, Paris i Frankrig og Seoul i Sydkorea. Eksempler på hans værker kan ses på institutioner som Hirshhorn Museum and Sculpture Garden i Washington og National Museum ofModern Art i Tokyo, blandt mange andre. Blandt kunstnerens berømte værker kan nævnes Genoptagelse (2007), Vanddråber og kalligrafi (1995), og Uden titel (1970).

Nam June Paik (1932 - 2006)

Nam June Paik er kendt verden over som "videokunstens fader" og er ansvarlig for at have skabt et omfattende kunstværk, der spænder fra arbejde med tv og videobånd til performance-installationer og video- og videoskulpturer. Paiks kunstværker har inspireret nye generationer af moderne koreansk kunst med sin visionære kunst og innovative idéer og har haft en indflydelse, der er nået ud over hele verden.

Hans værker er meget forskellige fra traditionel koreansk kunst og er et godt eksempel på den nye generation af sydkoreansk kunst.

Paik gik på universitetet i Tokyo, hvor han blev færdiguddannet i 1956. Selv om han blev født i Seoul i 1932, flygtede hans familie fra Korea under Korea-krigen i 1950. Efter at have forladt universitetet rejste han til Tyskland for at forfølge sin passion for avantgarde-musik, performance og komposition. Han sluttede sig til neo-dada Fluxus-bevægelsen Nam havde sin soloudstilling i 1963 i Galerie Parnass i Wuppertal med ændret indhold, der blev transmitteret via en række fjernsynsapparater.

Paik emigrerede til New York i 1964 og udvidede sine eksperimenter med tv og video.

I 1969 samarbejdede han med en ingeniør fra Japan, Shuya Abe, om at konstruere en prototype af en video-synthesizer, der gjorde det muligt for Nam June at lægge lag på lag og manipulere forskellige billeder fra forskellige inputkilder. Denne hybride synthesizer blev kaldt "Paik-Abe Video Synthesizer" og ændrede den elektroniske billedmanipulation. Med disse værktøjer havde Paik skabt et nyt medie for kunstnerisk udtryk ogfortsatte med at skabe velkendte kunstværker som f.eks. det banebrydende værk Global Groove (1973), til hans skulpturer som f.eks. TV Buddha (1974)

Lee Ufan (1936 - i dag)

Lee Ufan blev født i Haman County i Korea i 1936. Han er en minimalistisk billedhugger og maler, og hans bidrag til udviklingen af moderne kunst er blevet anerkendt og hædret af den japanske regering. Lee var også filosof og en fremtrædende teoretiker af Mono-ha-filosofien. En værdsættelse af genstandenes iboende natur er en østlig kunstfilosofi, der kan identificeres som en af desom en inspirationskilde til hans arbejde.

Lee var en del af den første koreanske kunstbevægelse fra slutningen af 1900-tallet, der blev fremmet i Japan, en stil, der er kendt som "Korean Monotone Ar".

Ufan mente, at efterkrigssamfundet i Japan i 1960'erne var for afhængig af påvirkninger fra Vesten, især Europa, og han gik ind for en af-vestliggørelse af det koreanske samfund som modgift gennem både filosofi og kunst. Som tilhænger af Mono-Ha-bevægelsen fokuserede hans arbejde på forbindelsen mellem materialer og opfattelsen af disse i stedet for at fokusere på den vestligebehov for repræsentation eller udtryk.

Lee Ufans serie af skulpturer Relatum bestod af flere sten og store rektangulære plader af jern, der hver især var arrangeret i forskellige formationer. Hans skulpturer anvendte ofte materialer som plader af gummi, stålplader og glasskiver. Hvert af disse materialer danner et unikt forhold til de andre, idet der opnås en balance mellem objekterne i et begrænset rum og den person, der betragter dem.

Han er blevet anerkendt for sit kunstværk internationalt af mange institutioner og modtog UNESCO-prisen på Shangai Biennalen i 2000, og i 2001 vandt han det 13. Praemium Imperiale for maleri samt Ho-Am Prize fra Samsung Foundation.

Il Lee (1952 - i dag)

Il Lee blev født i Seoul i Sydkorea i 1952, men har boet i USA siden midten af 1970'erne. I modsætning til traditionel sydkoreansk kunst er Il Lee kendt for sine unikke kunstværker lavet med kuglepenne og store værker med abstrakte billeder på lærred og papir. Il Lee har udstillet sine værker i mange byer, ikke kun i Nordamerika, men også i Tokyo, Mexico City, Paris og Hong Kong,Seoul, New Delhi og Mexico City.

Han begyndte at eksperimentere med kuglepenne, mens han studerede ætsning på Pratt.

Selv om hans tidlige værker alle var på papir, gik han senere over til større overflader, der var mere velegnede til udstilling, f.eks. grundede, store lærreder. Hvert kunstværk blev skabt ved at påføre lag på lag langsomt, over uger eller måneder. Denne teknik var smerteligt langsom og krævede mere arbejde, end mange indser ved første inspektion, hvilket har fået mange til at konkludere, at hans værker kunne betegnes som minimalistiske.

Lee giver ikke sine værker titler på en typisk måde, men foretrækker at bruge sit eget system af tal og bogstaver til at navngive og katalogisere sine værker, f.eks. SBK-0811 eller WR-1201 Han beskriver sin proces, mens han skaber et værk, som "intuitiv", idet han foretrækker at have et sind uden distraktioner og uden forudfattede ideer om, hvad der skal komme ud i processen.

Mens han fokuserer på lærredet, lader han værket forme sig ud fra den kontrollerede bevægelse af naturlige håndbevægelser.

Berømte koreanske kunstværker

Traditionel koreansk kunst var kendetegnet ved at bevæge sig væk fra indflydelsen fra de omkringliggende kulturer og skabe kunstværker, der var mere naturlige og flydende. Moderne koreansk kunst derimod forgrenede sig til fascinerende stilarter, der udforskede dybere filosofiske relationer mellem motivet og beskueren og brugte ukonventionelle medier og materialer til at formidle et subtilt budskab. Lad os få ense på nogle få eksempler på traditionel og moderne berømt koreansk kunst.

Selvportræt af Yun Du-Seo af Yun Du-Seo (1715)

Yun Du-Seo var en berømt traditionel koreansk kunstner fra Joseon-perioden. Han helligede hele sit liv til studiet af konfucianisme og maleri. Dette værk er hans selvportræt. Det meste af lærredet er optaget af hans hoved og skæg uden nogen synlig afbildning af en krop i maleriet. Kraniehætten, der kan ses delvist øverst i maleriet, er lavet af hestehår og var typisk hovedbeklædning foræraen.

Ud af de mange selvportrætter fra hans tid anses dette for at være særligt bemærkelsesværdigt på grund af den unikke udtryksform og betragtes som et mesterværk.

Selvportræt af Yun Du-Seo (1715) af Yun Du-Seo; Yun Du-seo (1668-1715), Public domain, via Wikimedia Commons

Inwang Jesaekdo af Jeong Seon (1751)

Inwang Jesaekdo blev malet i 1751 af den berømte koreanske kunstner, Jeong Seon. Inwang Jesaekdo kan oversættes til Efter regn på Mt. Inwang Det blev skabt under Joseon-dynastiet i Chengun-Dong i Jongno-distriktet, hans fødeby. I 1984 blev værket udpeget som Koreas 217. nationalskat af den sydkoreanske regering. Det forestiller et japansk landskab på landet, hvor tågen smyger sig gennem træerne under bjergene, mens scenen klarer op efter regnen. Maleriet opbevares og forvaltes i øjeblikket afaf Ho-am Art Museum i Yongin.

Inwang Jesaekdo (1751) af Jeong Seon; Jeong Seon, Public domain, via Wikimedia Commons

Vanddråber og kalligrafi af Kim Tschang-Yeul (1995)

Kim Tschang-Yeul er en fremtrædende figur blandt de koreanske kunstnere, der stod i spidsen for den koreanske modernisme i efterkrigstiden. Han blev født i 1929 og brugte mere end fem årtier på at forfine og eksperimentere med sin teknik med at male vanddråber. Vanddråber og kalligrafi Meget af hans værker er symbolsk baseret på hans filosofiske livssyn, idet dråberne repræsenterer meningen med at være meningsløse, vandets gennemsigtige natur kan både opfattes som en metafor for tomheden i en dråbe, men den indeholder stadig form og substans.

Interspace/Meditation af Lee Dong-Youb (2003)

Lee Dong-Youb blev født i 1946. Han havde sin første soloudstilling i 1977 på Seoul Gallery, hvis grundlægger også var Lees svigerfar. Han betragtes af kunsthistorikere som en af hovedpersonerne i den koreanske bevægelse for abstrakt maleri. Lees arbejde er drevet af hans personlige opfattelse af, hvordan det postmodernistiske kunstlandskab bør se ud. De mest fremtrædende temaer i hans arbejde er de cykliskeresonansens natur, symbiose af elementer og dynamisk samspil mellem omgivelserne og det oprindelige væsens tilstand.

Afslutningsvis har vi lært, at koreansk kunst kan spores tilbage til den forhistoriske menneskehed, og vi har set, hvordan østlige nabokulturer havde stor indflydelse på traditionel koreansk kunst, indtil den fandt sin karakter og stil. Efter den japanske koloniale besættelse blomstrede den moderne koreanske kunst op i mange understilarter, der gik ud over status quo for, hvad kunst repræsenterede for koreanerne.

Tag et kig på vores webhistorie om koreansk kunst her!

Ofte stillede spørgsmål

Har Nordkorea kunst, eller er der kun sydkoreansk kunst?

De fleste, hvis ikke alle de ovennævnte kunstnere er fra Sydkorea. Nordkorea synes ikke at have meget kunstkultur, idet de fleste malerier er militær propaganda og kun viser symboler på nationalistisk stolthed.

Er traditionel koreansk kunst det samme som japansk og kinesisk kunst?

Selv om de østlige nabolande oprindeligt havde en stor indflydelse på den koreanske kultur, voksede den koreanske kunst efterhånden ud fra sin egen nationale identitet, som i høj grad var fokuseret på livets fredelige og naturalistiske elementer, og den koreanske kunst afspejlede dette med sine subtile, flydende linjer og naturlige motiver.