Jean Michel Basquiat - Afsløring af manden bag Basquiats malerier

John Williams 30-09-2023
John Williams

J ean Michel Basquiat har altid vidst, at han ville blive en berømt kunstner. Selv før han blev verdensberømt, havde han allerede skabt sig et navn på kunstscenen i New York City. I begyndelsen af 80'erne var Basquiat på linje med Fab Five Freddy, Blondie, Keith Haring, Madonna og Andy Warhol. På den tidens overvejende hvide kunstscene blev han hurtigt en symbolsk brobygger.Selv posthumt er han stadig en nøglefigur i den amerikanske popkultur.

Jean Michel Basquiat's blinkende ånd

Fødselsdato 22. december 1960
Dødsdato August 12, 1988
Fødselsland Brooklyn, New York, USA
Tilknyttet Kunstbevægelser Ny ekspressionisme, Post Pop
Genre / stil Maleri, Graffiti
Anvendte medier Oilstift, oliemaling, spraymaling
Dominerende temaer Social kommentar, race, afrikansk åndelighed, popkultur, kapitalisme

Den autodidakte kunstner Jean Michel Basquiat var ikke den første vestlige kunstner, der indarbejdede afrikanske billeder i sin praksis, men han var helt sikkert den første til at udforske det komplekse sæt af symboler, som udgør det afrikanske billedsprog.

Mange af hans kritikere var forvirrede over hans billedsprog, og hans arbejde blev ofte kaldt "barnligt" eller "primitivt". På grund af denne uheldige fordom bliver hans sofistikerede arbejde ofte sløret, mens de relevante referencer til en lang række forskellige kilder overses.

De tidlige år

Basquiat blev født i Brooklyn, New York den 22. december 1960. Hans far Gérard var revisor og født i kystbyen Port Au Prince i Haiti. Hans mor Matilde Andradas var af puertoricansk afstamning og født i New York. Basquiat kunne tale engelsk, spansk og fransk, da han var 11 år gammel. Jean Michel Basquiat's biografi er kulturelt rig og ville sætte tonen for hans kunstneriskeliv.

I en ung alder blev hans forældre skilt, og hans far giftede sig igen. Af denne grund og fordi hans mor blev indlagt på en psykiatrisk institution, da han var teenager, var Basquiats forhold til sin mor kompliceret. Men Basquiat havde altid haft en interesse for kunstmuseer og udstillinger. Det var hans mor, der opmuntrede ham. Han blev medlem af Brooklyn Museum som kun seksårig.gammel, efter at hans mor havde taget ham med derhen på besøg.

I 1968, da Basquiat var otte år gammel og legede i Brooklyns gader, blev han ramt af en bil. Han blev hårdt kvæstet og indlagt på hospitalet. Under indlæggelsen gav hans mor ham et eksemplar af Gray's Anatomy, som er fyldt med detaljerede anatomiske tegninger. Bogen havde så stor betydning for den unge Basquiat, at han senere ville give sit industrielle kunststøjsband navnetGray. Det ville også påvirke hans kunst.

Et beskåret fotografi af Jean-Michel Basquiat, der poserer sammen med andre kunstnere i New York, taget i 1984; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Hans mors indflydelse var noget, han havde en stor ære for, og han refererede ofte til hende i sine malerier. I 1972 arbejdede hans far i Puerto Rico, så da Basquiat var 12 år gammel, flyttede han og hans søster med ham derhen og efterlod deres mor, selv om det var hendes hjemland. De boede der med udgangspunkt i hans arbejde i ca. halvandet år. Men Basquiats forhold til sin moraldrig ville komme sig.

USA har et komplekst forhold til race. Som barn af indvandrere, der voksede op i et multikulturelt hjem, forstod Basquiat identitetens flydende karakter.

Efter at være flyttet til USA for at få et bedre liv foretrak hans far at tage afstand fra udviklingslandet. Han ønskede snarere, at hans familie skulle betragtes som franskmænd og viste ingen interesse for at dele sin haitianske arv med sine børn. Basquiat nød en opvækst i middelklassen. Han var meget belæst og blev udsat for New Yorks rige kunstsamlinger fra en tidlig alder. Han søgteinspiration fra den vestlige kunsts mestre, som hjalp ham med at få en idé om den maler, han ønskede at blive.

I 1977 droppede Jean Michel Basquiat ud af gymnasiet et år før han skulle have afsluttet sin uddannelse. Hans far var så oprørt, at han smed ham ud af huset. Som 17-årig blev han, hvad man kunne kalde en gadekunstner Han gik rundt i New Yorks gader og markerede offentlige steder og solgte postkort og sweatshirts med hans kunst. Han levede af billig rødvin og Cheetos. Som følge heraf opstod den kunstneriske personlighed af en kunstner, der kæmpede for sin sag.

SAMO

I 1977, samme år som Jean Michel Basquiat forlod skolen, begyndte han og hans skolekammerat Al Diaz at tagge metrotog og bygninger i Brooklyn og nedre Manhattan med sætninger underskrevet SAMO. SAMO er en forkortelse for "same old shit", og det var altid underskrevet med et copyright-symbol. Det, der gjorde det til noget særligt, var den kryptiske graffiti med copyright-symbol og det hele. Det blev beskrevet sommere litterær graffiti, fordi den var meget mere sprogfokuseret.

Da graffiti-tags var en subkultur på gadeplan, var de som et nummer eller et symbol, der havde mere at gøre med, hvor du boede, end med dine kunstneriske overvejelser. Al Diez og Jean Michel Basquiat gjorde SAMO til et brand, der lavede frække, dystre samfundskommentarer, der dukkede op et uventet sted. Tags som "Popeye Died of Syphilis" var et produkt af to unge mænd, der havde mod til at gøre grin med kulturen.

SAMO-plakat, der reklamerer for en musikforestilling og udstilling (oktober 1979); Ganskörperfutter, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Efter tre udstillinger stod det klart, at SAMO var ved at vinde indpas, men Basquiat og Diaz var uenige om, hvad de ville med mærket. De blev uvenner, og i 1980 signalerede kunstnerne deres opløsning, da der i 1980 dukkede skilte op på bygninger rundt omkring i byen, der erklærede "SAMO er død". Men Basquiat tog SAMO til sig som sin egen kunstneriske persona, og Diaz følte sig forrådt,Selv når han blev anerkendt, omtalte folk ofte SAMO som "Basquiat og den anden fyr".

Der er ingen tvivl om, at Basquiats kunstneriske udvikling var påvirket af hans interesse for graffiti, men graffitikunstner-imaget var noget af en illusion. Han var ikke nødvendigvis en del af gadescenen. En graffitikunstner beskyldte ham dengang for at "posere" som en af dem. Ikke desto mindre fik han hurtigt offentlig opmærksomhed for sin graffiti-stil.

Scenen i New York

TV-fest var Glenn O'Briens public access tv-show, hvor Basquiat blev en regelmæssig gæst fra 1979. Basquiat blev dengang præsenteret som "Den mest sprogorienterede af alle graffitikunstnere". To år senere spillede han hovedrollen i filmen Downtown '81, hvor han spillede en kunstner, der kæmpede, ligesom han selv.

I 1983 producerede Basquiat rappladen "Beat Bop", som var et samarbejde med Fab Five Freddy, Ramellzee og K-rod med Al Diaz på percussion.

Mange antyder, at Basquiats kunst var på sidelinjen i et stykke tid. Han har måske bidraget til det med sin outsiderpersonlighed, men han var bestemt ikke en outsider. Jean Michel Basquiat voksede op i New York. Han havde altid været tiltrukket af den eksperimenterende kunst- og musikscene, så han besøgte alle de mest trendy steder. Med tiden lærte han indflydelsesrige mennesker at kende og befandt sig på indflydelsesrige steder.som hiphop-legenden Fab Five Freddy, der, som Basquiat huskede det, tog ham med til Black Panther-møder, og han havde endda et romantisk forhold til Madonna.

Warhol

Jean Michel Basquiat og Andy Warhol er nok kunsthistoriens mærkeligste par. Selvom den unge, ambitiøse Basquiat i årevis havde besøgt Andy Warhols Factory i håb om at gøre indtryk, var Warhol ikke særlig opmærksom. I 1981 blev de endelig præsenteret på Mr. Chow's, et populært sted i byen.

To timer efter deres møde præsenterede Basquiat Warhol for Doz Cabezas (1981), et vådt portræt af dem begge. Warhol var forbløffet over, hvor hurtigt og godt det var udført. Deres møde fandt sted på et interessant tidspunkt, hvor Basquiats stjerne var på vej op, mens Warhols karriere var ved at blive forældet.

Fotografi af Jean-Michel Basquiat sammen med kunstnerkollegerne Andy Warhol, Bruno Bischofberger og Francesco Clemente i New York City, 1984; Galerie Bruno Bischofberger, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Den gensidigt fordelagtige dynamik ville resultere i et kunstnerisk samarbejde, der strakte sig fra 1983 til 1985. Deres samarbejde var som samtaler på tværs af generationer og kulturelle miljøer manifesteret i maling. Nogle hævder, at Warhol var forelsket i Basquiat, andre siger, at han var en faderfigur. Uanset hvad det var, er deres seksårige forhold stadig et af de mest frugtbare bestræbelser i samtidskunsten.

Kommerciel succes

Hans første udstilling på DIY Times Square var det, der bragte Basquiat-kunsten frem på scenen. Udstillingen, der blev afholdt i en forladt massagesalon ved 7th Avenue, havde nogle af tidens hotteste kunstneriske talenter, herunder Jenny Holzer, Kenny Scharf, Kiki Smitha og Keith Haring I 1980, som 20-årig, blev Basquiat inviteret til at præsentere sin første soloudstilling i Italien.

I 1981 lavede han sin første amerikanske one-man show hos Annina Nosei Gallery, som var blevet hans repræsentant. Samme år udstillede han i Los Angeles, Rom, Rotterdam og Zürich. Det var også det år, hvor han blev den yngste kunstner nogensinde til at deltage i den prestigefyldte internationale midlertidige kunstudstilling Documenta, hvor hans malerier blev særdeles godt modtaget. Hans popularitet faldt sammen medmed fremkomsten af neo-ekspressionismen.

1980'erne var notorisk gennemsyret af grådighed og forbrugerkultur. Basquiats kunstneriske personlighed var en konfliktfyldt legemliggørelse af dette. Mange af de værker, han lavede på det tidspunkt, handlede om kapitalisme.

Hans henvisninger til olieselskaber og virksomheder og hans hyppige brug af copyright- og varemærkesymboler viser et kritisk engagement i ideer om ejerskab og udnyttelse. Efterhånden som han tjente flere og flere penge, begyndte Basquiat at udviske grænserne for magt.

Fra 1983 til 1988 boede Basquiat på 57 Great Jones Street i NoHo, hvor han døde. En mindeplade til minde om hans liv blev opsat uden for bygningen i 2016; Flintmichigan, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Han brugte sine penge ekstravagant, købte dyre jakkesæt og smed bogstaveligt talt pengene ud af vinduet og drak kun de fineste vine på de mest luksuriøse hoteller. Kunstnerkollegaen og vennen Keith Haring sagde engang, at Basquiat "pludselig var ved at blive den ting, han kritiserede".

Basquiat så de stereotyper, der blev pålagt ham, og gik i gang med at skabe en persona, der både tilfredsstillede og kritiserede offentlighedens afhængighed af disse begrænsninger. Hans leg med fortællingen om den utrænede, rå og primitive sorte gav næring til sin karriere. Hans virkelighed var, at han var middelklasse, kunstuddannet og notorisk ambitiøs, men han følte ikke behov for at blæse sinHan sagde engang: "Jeg er ikke en rigtig person, jeg er en legende."

Han syntes bestemt at have fejret sin kommercielle succes, men han forstod også, at kun visse typer af sorte kunstnere kunne blive optaget i kunsteliten. Så han dyrkede en persona, hvor han foregav at være fattig eller optrådte primitivt. Selv efter at han havde tjent overvældende mange penge, fortsatte han med at deltage i sine åbninger i klude.

I 1982 boede og arbejdede Jean Michel Basquiat i et år i kælderen i Larry Gagauzians nye hjem på Market Street i Venedig. Mens pressen fokuserede på, at det var en kælder, glemte de at nævne, at der var 1.500 meter, fire rene hvide vægge og tre meter højt til loftet. De glemte også at nævne, at Madonna, hans daværende kæreste, også boede der i et par år.Basquiat læste engang noget, der omtalte ham som "slaven i kælderen", og han svarede: "Hvis jeg var hvid, ville de kalde mig en kunstner på opholdssted."

Basquiat begyndte ofte at arbejde tidligt om eftermiddagen og arbejdede til langt ud på natten. Hans atelier var fyldt med en bred vifte af materialer og referencer, som han brugte til at fremstille sine malerier. Selv når han ikke malede i atelieret, var det hele en del af processen. Der lå en madras på hans ateliergulv, ved siden af stod en boombox. Uanset om det var materialer eller emner, så brugte han ogkastede alt op, hvad der var omkring ham.

Basquiat anvendte maling på en flydende og intuitiv måde. Nogle gange startede han med abstrakte malingpassager, andre gange begyndte han med en tegning, et billede, en tekst eller en collage. Han lagde noget ned og ødelagde derefter det meste af det og efterlod kun en brøkdel af det oprindelige billede.

Malerierne på væggene i hans atelier var på forskellige stadier. Nogle havde kun få mærker, mens andre var blevet bearbejdet med flere lag. På trods af denne proces arbejdede Basquiat i et højt tempo. Han bevægede sig altid mellem sine lærreder, arbejdede og bearbejdede.

Kunst og betydning

En stor del af Jean Michel Basquiats frustration over sin kunstneriske personlighed havde rod i en følelse af fremmedgørelse i 1980'ernes kunstverden. Selv om han havde en meget succesfuld kommerciel karriere, blev han ofte betragtet som et vidunderbarn på grund af sin eksotisk "barnlige" teknik.

De sande konsekvenser af denne ubegrundede primitivisering vil aldrig blive udforsket, men der kan gøres mere for at undersøge hans konceptuelle grundlag for at give denne lærde kunstner den kredit, som han tilsyneladende var ude efter.

Sprog, tekst og kontekst

Da han var flersproget, var han interesseret i begrebet sprog, især i brugen af det som en måde at glide mellem samfund på. Han fokuserede på sprogets evne til at give en række forskellige betydninger og forholde sig til forskellige målgrupper. Han brugte ofte bestemte ord på spansk, fransk eller kreolsk som en måde at give hint til meget specifikke målgrupper på.

I sit arbejde Historien om sorte mennesker (1983) ser vi et stort sort skib i midten af lærredet og to blokke langs siden. Der er en vignet til højre, hvor Basquiat har skrevet ordet Memphis i en kasse. Over det står ordet "Thebes" og under det står "Tennessee", hvilket henviser til Memphis i det gamle Egypten. Basquiat viste sin sproglige evne til at betegne Egypten og Amerika og måske overgangen mellem de to verdener.to.

Selv om det var tydeligt, at han var en ordkunstner, der gik op i sprog og betydning, brugte han også ord som billeder. Han brugte ofte en visuel teknik til sproglige formål, f.eks. tegnede han et ansigt, og i stedet for at tegne tænderne skrev han ordet tænder, eller han tegnede en figur og skrev fødder, hvor vi ville forvente, at fødderne skulle være.

Den 1988 Kontrakt om fiktion mellem Jean-Michel Basquiat og Helmut C. Diez; Diez, Public domain, via Wikimedia Commons

Mississippi-deltaets uopdagede geni (1983) er et andet eksempel på, at han brugte ord som billedsprog. Basquiat skrev, overstreget og gentog ord for at skabe rytme. Han talte om overstreget af ord som et middel til at give folk lyst til at læse dem mere. Men han brugte også gentagelse som en måde at afmægtiggøre visse ord på.

I maleriet gentages Mark Twains navn. En forfatter, hvis bog Huckleberry Finns eventyr følger en hovedperson på tværs af Mississippi-floden. Den foregår tyve år efter slaveriets afskaffelse og er en skarp satire over holdningen til racisme i Amerika. Gentagelsen af ordene "Mississippi" og "negre" er Basquiats måde at slå på den traumatiske nationale historie om slaveri og racisme i USA. Ordene er tømt for autoritet og betydning.

Mange af værkerne er uden titel, så de navne, de har fået, skyldes de ord, Basquiat har skrevet på dem. Man kan spørge sig selv, om det var en del af hans plan. Basquiats værker beder os om at være medskyldige i fortolkningen og betydningsdannelsen. Kunstneren skaber en dialog med os og efterlader nok mystik til, at beskueren kan fortolke hans billeder på mange forskellige måder.

Er lig med Pi (1982) kan som de fleste af Basquiats værker virke kaotisk for det utrænede øje. I det, der ligner en tavle, hvor Basquiat skriver sine ligninger, er dette maleri baseret på dimensionerne af en kegle. "Knowledge of the Cone" er ordene skrevet øverst på maleriet for at gøre os opmærksom på, hvad ligningen betyder. Keglen har mange implikationer, men vigtigst af alt giver kegler os evnen til at seFarve. Farve er grundlæggende brækket lys. Han får os til at tænke på kegler i deres forskellige dimensioner, og perception er nøglen. Lys er information. Information er bevidsthed.

Den sorte erfaring

Der er ikke meget, der tyder på, at Basquiat havde noget forhold til andre afroamerikanske billedkunstnere. Selv om de ikke havde været i nærheden af det succesniveau, han havde oplevet, levede og arbejdede kunstnere som Romare Barden og David Hammons i hans levetid. Han synes heller ikke at have lavet mange referencer til den Harlem renæssance , en New York-baseret kunstbevægelse, der opstod i 1920'erne.

Jean Michel Basquiat var imidlertid plaget af de fordomme, han så over for sorte mænd. Selv da han blev berømt, blev han stadig dagligt udsat for racisme, også i kunstmiljøet. Han fortalte engang, at han på åbningsaftenen af en succesfuld udstilling gik ud og indså, at ingen taxa ville stoppe for ham.

Da han udtalte sig om sine oplevelser med racisme i kunstverdenen, kaldte hans egen ven Julien Schnabel ham for skrøbelig. Ved at sige dette antydede Schnabel, at det var Basquiat og ikke den racistiske kunstverden, der var problemet. På trods af dette fik Julien Schnabel lov til at instruere Basquiat-biografien fra 1996, hvor Jeffrey Wright spillede Basquiat og David Bowie spillede Warhol.

Kunstverdenen stemplede Basquiat som en barnlig figur i den vestlige kunst, det er hvide kunstnere, han citerede mest. Hans omfattende viden om kunst, sprogvidenskab og musik viser, at han fortjente mere anerkendelse. Fordi han så op til kunstnere som Leonardo Da Vinci, Manet, Pablo Picasso , Willem De Kooning og Jackson Pollock, men selv de, der anerkendte hans talent, tilskrev ofte hans genialitet til hans hvide forgængere. I hans levetid gik pressen så langt som til at kalde ham "den sorte Picasso". Han fortalte, at han følte sig fornærmet over denne betegnelse.

Se også: Amedeo Modigliani - Et kig på kunstneren Amedeo Modiglianis liv

//www.youtube.com/watch?v=YE3wxioYluc

Han udforskede den måde, han så sig selv og den måde, andre så ham på, i sit arbejde. Men hans definitioner af sig selv forbliver uklare. Han følte, at samfundet ikke ville tillade ham at have en kompleks identitet på den ene eller den anden måde, så han valgte tvetydighed. Han blev måske identificeret som indvandrer. Men han så sig også som et produkt af den afrikanske diaspora. Han havde en særlig interesse for, hvordan kulturer i dennye verden bevarede deres afrikanske karakter.

Basquiats malerier brugte afrikansk og afroamerikansk symbologi og ikoner til at repræsentere et koncept om heltemod. Hans heltefigurer var udelukkende sorte mandlige musikere eller atleter. Dette var enten en skildring af, hvordan han så på heltemod eller en kritik af heltemod. I et interview sagde han engang, at grunden til, at han satte sorte mandlige figurer ind i sine malerier, var, at han følte, at de oplevede et niveau afsletning.

Pr. indbygger (1981) har som mange af hans værker en række boksereferencer. Det var baseret på den politiske og sportslige figur Mohammed Ali, der blev refereret i Basquiats værker under sit statsnavn Cassius Clay. I dette maleri kan vi se Basquiat udforske begrebet om den stærke sorte mand. Basquiat refererede til en række andre sorte boksere i sine værker som Jack Johnson og Sugar Ray Robinson.

Men hans portrætter var ikke altid positive. I Ironi i Negro Plcemn (1981) beskæftiger Basquiat sig med det undertrykte subjekt, der bærer undertrykkerens uniform. La Hara (1981) er et gammeldags puertoricansk udtryk for "politi". Det stammer fra efternavnet O'Hara, som var almindeligt i det overvejende irske politi i 1940'ernes og 1950'ernes New York. Ved denne sjældne lejlighed vovede Basquiat sig til at afbilde hvide mænd.

Defacement (1983) reagerede Basquiat på Michael Stewarts død. Stewart var en anden håbefuld kunstner og var blevet taget i at tagge i New Yorks undergrundsbane den 15. september 1983. Detaljerne om, hvad der skete dengang, er uklare, men vi ved, at Stewart som følge af sin anholdelse tilbragte tretten dage i koma og døde af sine kvæstelser den 28. september 1983. Basquiat var ikke en nær ven af Stewart, menDette tilfælde af politibrutalitet kom tydeligvis for tæt på til, at han kunne trøste sig. Han blev hørt sige "det kunne have været mig".

Sorte mennesker ville forblive emnerne i hans malerier, fordi han ønskede at tilbyde en mere realistisk og regelmæssig skildring af sorte mennesker i moderne kunst.

Han banede vejen for sorte kunstnere, der ønsker at udspørge race eller racehistorie i deres værker, og selv dem, der foretrak ikke at beskæftige sig med race overhovedet. Han ønskede, at hans værker skulle belyse den rige mangfoldighed af deres kulturelle erfaringer. Gennem sine malerier udtrykte han sin kærlighed til sig selv og menneskeheden, som den blev fortalt gennem oplevelsen af at være en sort mand.

Hoved

Det menneskelige hoved er et fælles træk i Basquiats værker. Grays anatomi ville forblive en konstant indflydelse, og han fortsatte med at citere Leonardo Da Vinci hvis kommenterede manuskripter Basquiat ejede. Basquiats afbildning af menneskehovedet er hverken realistisk eller groft forvrænget. Han brugte den konceptuelle idé om menneskehovedet til at skildre en erkendelse af sig selv. Denne symbolske bevægelse forbandt ham med ekspressionismen, der var opstået nogle årtier tidligere.

Basquiats hovedfigurer var også påvirket af afrikanske masker, hvor kraniefigurerne repræsenterede døden, mens de omvendt indgik i levende afrikanske forfædretro, understøttet af levende farver. Disse to påvirkninger skildrer måske flere facetter af Basquiat selv.

Mellem 1981 og 1983 lavede Basquiat mange af sine mest overbevisende malerier, som fokuserede på det menneskelige hoved. Nogle malerier viser et enkelt hoved, andre en gruppe. To hoveder på guld (1982) og Mitchell besætning (1983) er eksempler på, at han viser en række hovedstudier på ét lærred.

Et af de vigtigste af hovedmalerierne er Filisterne (1982). Den centrale figur havde blottede knogler. En af hovedfigurerne er blot gengivet som hoved og hals. Dens øjne buler ud af øjenhulerne. De åbne munde med tænder virker unormalt store. I begyndelsen af 1981 lavede Basquiat et maleri af et andet enormt hoved. Uden titel (1981) er et af de mest overbevisende af de konceptuelt drevne hovedmalerier, og det markerede Basquiat som et nyt ikon i det 20. århundredes kunstkanon.

Tilbage af nakken (1983) viser hans billedstrategi, som Basquiat var begyndt at udforske i begyndelsen af 1981, og et af de mest intense udflugter i Pablo Picassos værker og afrikansk skulptur syd for Sahara, hvilket adskiller det fra de andre hovedbilleder, der blev produceret i hans tid. Han er interesseret i den samtidige oplevelse af både ydre og indre verdener. Mens hovederne har de forventede træk med øjne, næse ogmund, men den giver os også skildringer af en indre dimension.

"Untitled, Head" (1982), der blev solgt for et ufatteligt beløb, er blevet overskygget af sin historieskabende pris. Hovedmotivet i dette værk er et stort bravourhoved, der, udført med fed pensel og farve, betragtes som en form for selvportræt. Dette banebrydende værk viser øjnene og munden som en passage ind til det indre livs skjulte rige.

I disse malerier faldt Basquiats fascination af den menneskelige anatomi sammen med hans dybe nysgerrighed for aspekter af en psykologisk dimension, hvilket skabte en ny måde at se subjektivitet på. I november 1990 præsenterede Basquiat ikke mindre end 27 hovedstudier på sin skelsættende tegneudstilling på Howard Miller Gallery i New York.

Se også: Sådan tegner du en T-Rex - Lav en episk T-Rex-tegning

Kronen

Basquiats symbolik omfatter stiger, kors og pile, men det symbol, der er langt det mest genkendelige, er kronen. Kronen er allestedsnærværende og meget betydningsfuld i Basquiats arbejde. Han brugte den i sine malerier, notesbøger og skulpturer.

Til tider underskriver Basquiat sine værker med en krone. Han finder inspiration til kronen i afrikanske legender og forsøger at referere til afrikanske kongelige i en moderne stil. Kronen var en del af graffitiens gadehistorie og repræsenterede magt og adel.

Symboler, der er forbeholdt graffitiens største mestre og legender. Blandt de mange forskellige symboler i afrikansk kunst og graffitikunst var det kronen, som Jean Michel Basquiat reagerede på. De tre punkter på toppen af kronen blev en del af Basquiats ikonografi.

Basquiat henviste ofte til begrebet dobbeltvirkelighed, som i black studies kaldes dobbeltbevidsthed. Basquiat bruger kronen til at tilbyde sine sorte personer et alternativt rige, hvor de også kan være konger.

Denne idé om sorte folk som selvudråbte konger var en vigtig del af den sorte positivistiske kultur efter borgerrettighedsbevægelsen i 1950'erne og 60'erne. Mohammed Ali, der dukkede op på scenen omkring den tid, kaldte sig selv "The King of The World".

Kød og ånd

Da Basquiat var en ivrig læser og havde interesse for både billedkunst og musik, skaffede han sig et eksemplar af Robert Farris Thompsons bog Åndens glimt så snart den blev frigivet. Et glimt af ånden er en ca. 300 sider lang bog om afrikansk og afroamerikansk kunst og filosofi, der oprindeligt blev udgivet i 1983.

Det var Robert Farris Thompsons mest populære bog og havde stor betydning for den unge Basquiat, der engang sagde, at Robert Farris Thompson var den eneste person, der virkelig kunne forstå hans kunst.

Den bredt dækkende bog studerer fem forskellige kulturer og deres kunstneriske og spirituelle praksis. Den første var Yoruba fra Nigeria. Thompson undersøgte, hvordan de forskellige designs i deres artefakter er forankret i Ifa-religionen. Den anden introducerede Congo-folket Zaïre. Deres kunst er observeret gennem tegninger kaldet kosmogrammer, som skildrer religiøse begreber. Forfatteren overvejede, hvordanmedicinske amuletter havde ofte et kunstnerisk element i deres konstruktion.

Det følgende kapitel omhandler Vodou i Haiti. Ud over analysen af malerier og skulpturer ser forfatteren også på sprogvidenskab og viser forbindelserne mellem Voodoo/Vodun-praksis i Haiti og Yoruba- og Dahomean-kulturerne i Afrika. Han undersøger, hvordan visse skikke har overlevet i diasporaen. Det fjerde kapitel omhandler kunst fra Mali, og det sidste kapitel omhandler kunst fra Cameroun.

Efter at have haft direkte kontakt med kilder, herunder voodoo udøvere, Ifa spåmænd og også besøgt forskellige steder, hvor kunsten var placeret i Afrika og Caribien, tilbyder bogen ikke kun kunsthistorie, men også bredere information om de forskellige samfund. Farris Thompson demonstrerede en dyb respekt for afrikansk kultur i sin vurdering af de kunstneriske traditioner på deres egne betingelser og inden forderes kulturelle kontekst.

Jean Michel Basquiats maleri "Flesh and Spirit" (1982 - 1983) er en hyldest til "Flash of the Spirit". Det kolossale maleri med fire paneler er et af de største, som Basquiat nogensinde har lavet, og det blev færdiggjort i 1983.

Basquiat gentog kosmogrammet ved at bruge to vandrette paneler, der er forbundet til fire kvadranter. Kosmogrammet er et symbol på menneskets forbindelse med forfædrenes rige, og pilene peger på samspillet mellem dem. Kød og ånd Basquiat hylder de kulturelle og æstetiske påvirkninger, der ligger til grund for hans praksis. Han pryder sine moderne billeder med traditionelle afrikanske religiøse ikoner, som beskrevet i Thompsons bog. Dette værk er udtryk for Basquiats modenhed som kunstner og hans evne til at sende skarpsindige budskaber til dem, der kender dem og er interesseret i at modtage dem.

Bebop og hiphop

Musik har altid spillet en vigtig rolle i Jean Michel Basquiats proces. Når han arbejdede i studiet, var han nødt til at have fjernsynet tændt eller en eller anden form for støj i baggrunden. Hans tidligste soniske eksperimenter var fokuseret på rock- og støjmusik, og han var kortvarigt med i et eksperimentelt støjband ved navn Gray.

I 1980'erne, da han blev mere fremtrædende på den kreative scene i New York, udviklede hans smag sig. Han oplevede caribisk musik, afrikansk musik og det relativt nye kulturelle fænomen hiphop-musikken.

Hiphop har fire formelle elementer, som er emceeing, DJing, breakdance og graffiti. Basquiat beskæftigede sig med mindst to af disse. Graffiti og taggere er naturligvis et grundlæggende element i hiphopkulturen, og de ville påvirke Basquiat til at blive SAMO. Han skabte coveret til Beat Bop-pladen, som havde lydmæssige referencer til bandet Grandmaster Flash and the Furious Five, og som er direkteHan spillede en klub-DJ i Blondies Rapture-musikvideo og var påvirket af hiphop-freestylingkulturer.

Hornspillere (1983) forestiller de ikoniske musikere saxofonisten Charlie Parker og hornisten Dizzy Gillespie. Basquiat har gengivet begge musikere i visuelle og sproglige portrætter. Charlie Parkers saxofon udsender lyserøde musikalske toner til venstre på lærredet. Ved at trække en lige linje mellem bebop og hiphop har Basquiat fremstillet sig selv som belyseren af forbindelsen mellem disse to verdener. Han fremmanedeforløbet mellem bebopens opståen i efterkrigsårene i 1930'erne og hiphoppens fremkomst i begyndelsen af de sene 1970'ere.

Som i Robert Farris Thompsons Åndens glimt I den forbindelse opfattes musikken ikke kun som en del af den sorte kultur, men som et redskab til at forstå den. De sorte lydtraditioners forløb på tværs af verden og tid gav genlyd hos Basquiat. Hans malerier ville i stigende grad vise hans forbindelse til bebop og hiphop. Overlapning af de forskellige traditioner for hybriditet og blanding af usandsynlige elementer fra fortiden og nutiden for at tale omtil, hvad det betød at være amerikaner på det tidspunkt.

Kronen dukker op i jazzsymbolikken med legender som Duke Ellington og Count Bassey, der valgte navne, der indikerede adel. Symbolet er lige så allestedsnærværende i hiphop med legender som Notorious BIG, der har kaldt sig selv for King Of New York.

På hans maleri "Charles the First" (1982), som endnu en gang refererer til Charlie Parker, ser vi en tekst "Most Young Kings Get Their Heads Cut Off". Dette er naturligvis en henvisning til det klassiske Shakespeare-citat: "Urolig er det hoved, der bærer kronen". At hovederne skæres af kan være en henvisning til politibrutalitet og de utallige andre problemer, som sorte mennesker står over for i et problematisk samfund.

Bebop-musikere var seriøse med deres kunstneriske kunnen og ønskede at blive betragtet på samme niveau som klassiske musikere. De afviste forestillingen om musik som ren underholdning. I et maleri som Ubehagelige liberale (1982) fortæller Basquiat os, at han også havde et ønske om at blive taget alvorligt som kunstner. Indskriften "Not For Sale" er måske et svar på rapporter om, at rige mæcener af Basquiat's tidlige malerier bad om at få kunst på bestilling, så den passede bedre til deres møbler.

Basquiats praksis med at overstrege ord kan sammenlignes med jazz- og bebop-musikkens dekonstruktive karakter. Jazzmusikere dekonstruerede den amerikanske sangbog, så de kunne fremhæve musikerens kreative rolle. Hiphop-dj's og -producenter skraber og remixer eksisterende plader for at finde en ny lyd. Da Basquiat brugte skrabe- og overstregepraksis, var det en visuelmanifestation af disse sorte soniske traditioner.

Det, som mange mennesker kalder kaotisk arbejde, ville Basquiat nok kalde improvisation, og improvisation er jazzmusikkens højdepunkt af transcendens.

Seriøse musikere forventedes at trække på en række forskellige kilder for at skabe deres kunst. I hiphop kunne de futuristiske lydlandskaber, som DJ's og producere skabte, også klassificeres som kaotiske, da de udgjorde ødelæggelsen af noget andet. Målet er at lave et unikt originalt udsagn, hvilket Basquiat forsøgte. Han vidste instinktivt, at et maleri uden formel ville udløsenye afsløringer.

Malerier som Ironi af en negerpolitibetjent (1981) virker både historisk og nutidig på samme tid. Politibrutalitet er et langvarigt problem for sorte mennesker over hele verden. Der bliver hele tiden lavet sange og billeder om folk som Eric Garner, Tamir Rice, Trevon Martin eller George Floyd - sorte mennesker, der er døde på grund af et møde med politiet. En af de mest ikoniske soniske iterationer af denne globale frustration er NWAsberygtet sang F*** politiet .

Jean Michel Basquiat's død

Ridning med døden (1988) var det sidste maleri, som Basquiat nogensinde lavede. Døden har altid været en del af Basquiats værk. Det, der er hjemsøgende ved dette maleri, er økonomien i midlerne og den profetiske spøgelsesagtighed. Der er normalt så mange oplysninger på en Basquiat-overflade, at man næsten ikke kan tage det hele til sig.

Her skiller han den helt af til det rene ben. Forskere er generelt enige om, at den ridende skeletfigur er Basquiat selv. Farvepaletten har en mærkelig, ængstelig sygelighed. Mod slutningen af sit liv følte Basquiat sig isoleret af sin succes. Dette var katalysatoren for hans udvikling af heroinafhængighed.

Han var blevet en berømthed og havde masser af penge, men det eneste, han ønskede, var at blive taget alvorligt af det kunstneriske etablissement. Selv om den kommercielle verden havde taget ham til sig, var museerne bagud. Fra begyndelsen af sin karriere vidste han, at han ville være en stjerne og tjene penge. For en sort mand at hævde, at han var blevet en af de største malere i 1979, var det en revolutionerende erklæring.

Jean-Michel Basquiats grav på Green-Wood Cemetery i Brooklyn, New York City; Lthomas2, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Mod slutningen af sit liv havde han så mange penge, at han ikke vidste, hvad han skulle gøre med dem. Han tjente mange penge, men han havde ikke fået kritisk anerkendelse fra kunsteliten. Han havde haft utrolig succes, men fik kun lidt kritisk opmærksomhed og blev kun omtalt i udstillingskataloger.

Fordi museerne ikke tog ham så alvorligt, som kunstmarkedet gjorde, og fordi han stadig sætter rekorder på grund af den hurtige optagelse på kunstmarkedet, som stadig sker. Alle hans værker blev optaget i private samlinger og er ikke tilgængelige for forskere.

Hans værker blev afvist af MoMa og Whitney, hvilket frustrerede ham. Han følte sig stadig som en outsider, og han blev stadig åbenlyst ignoreret som en primitiv savant. I 1988 forlod han New York og tog til Hawaii i et forsøg på at blive ædru. Han vendte tilbage til sit kunstatelier i Great Jones Street i New York og døde på tragisk vis af en overdosis den 12. august 1988.

Jean Michel Basquiats karriere varede kun otte år, og han døde som 27-årig.

Et varigt arvegods

Han døde måske nok ung, men de berømte Basquiat-malerier fortsætter hans arv. Jean Michel Basquiats biografi vil fascinere de kommende generationer. Han var en alsidig kunstner, der praktiserede mange kunstformer i løbet af sin karriere. Den lyriske abstraktion er påvirket af jazz, hiphop, afrikansk, amerikansk og vestlig kunstkultur.

Den diagrammatiske måde, som Basquiat arbejdede på, indikerede, at han forsøgte at organisere og bearbejde information.

En mindeplade til minde om Basquiats liv blev placeret uden for hans atelier i 2016 i NoHo Manhattan i New York City; Kidfly182, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Selv i den hvide kunstverden, hvor han stadig blev betragtet med mistænksomhed og mistillid, turde han lave malerier, der engagerede sig i social kritik. Basquiats fremkomst gik forud for det gennembrud, som Whitney Biennalen i 1993 gav, hvor mange afroamerikanske og latinamerikanske kunstnere fik anerkendelse gennem denne store udstilling. Selve udstillingen blev kritiseret af pressen for at være "overdrevent politisk" og"overdrevent etnisk".

Mens disse kunstnere kunne slutte sig sammen og demonstrere deres kollektive behov for repræsentation og respekt, stod Basquiat virkelig alene i den vestlige kunstverdens fjendtlige miljø på det historiske tidspunkt. Hans kampe giver genlyd hos unge mennesker, der i dag møder en lignende fjendtlighed i de samme eller lignende institutioner. Men takket være hans uerstattelige bidrag er der sket en betydeligHan kan måske ikke se det, men i dag befinder hans kunst sig på Museum of Modern Art i New York, som engang havde afvist ham, Museum of Contemporary Art i Los Angeles og andre prestigefyldte kunstinstitutioner. Takket være hans selvtillid og hans produktive produktion af malerier ville hans arbejde få hans drøm til at gå i opfyldelse.

Ofte stillede spørgsmål

Hvem ejer Basquiat-ejendommen?

Jean Michel Basquiat's ejendom til en værdi af 10 millioner dollars forvaltes af hans søstre Lisane Basquiat og Jeanine Heriveaux.

Hvor meget koster Jean Michel Basquiat's værk?

Basquiat-malerier slår alle rekorder, når det gælder salgspriser. Mississippi-deltaets uopdagede genialitet (1983) blev solgt for 23,7 millioner dollars i maj 2014. Det var ingenting sammenlignet med et af de mest berømte Basquiat-malerier Uden titel, hoved (1982), som blev solgt for 110,5 millioner dollars til den japanske megakunstsamler Yusaku Maezawa den 18. maj 2017. Hoved uden titel (1983) blev solgt for 15,2 millioner dollars i juni 2020. Alle disse værker blev solgt hos Sotheby's.

Ejer Beyonce og Jay-Z et af Basquiat-malerierne?

Vi ved, at Jay-Z købte Mekka (1982) i 2013 hos Sotheby's for 4,2 millioner dollars. Men på grund af Basquiats kommercielle succes er mange af hans værker gemt i de riges private samlinger. Indtil for nylig, Er lig med Pi (1982) var engang et værk, der aldrig før var blevet set, indtil det for nylig blev købt af Tiffany's Co. og blev vist i en reklamekampagne sammen med Jay-Z og Beyonce.

Hvordan døde Jean Michel Basquiat?

Jean Michel Basquiat døde af en overdosis heroin, men mange hævder, at det var et uheld. Basquiat havde haft problemer med stofmisbrug i et stykke tid, før han blev fundet død i sin lejlighed.

Hvorfor gik Madonna og Jean Michel Basquiat fra hinanden?

Under en optræden i Howard Stern Show åbnede Madonna op om sit forhold til Basquiat og sagde, at hun forlod ham, fordi han ikke ville holde op med at tage heroin. Bruddet var ret grimt, og Basquiat tog de malerier, han havde lavet til hende, tilbage og malede dem over.

Forsøgte Basquiats venner at sælge hans kunst efter hans død?

Da hans ekskæreste Alexis Adler forsøgte at sælge sin samling på 50 stykker af, hvad hun hævdede var Basquiat-værker til auktionshuset Christie's, kaldte Basquiats familie dem for forfalskninger og gav hende straks et sagsanlæg på 1 million dollars.

John Williams

John Williams er en erfaren kunstner, forfatter og kunstunderviser. Han tog sin Bachelor of Fine Arts-grad fra Pratt Institute i New York City og forfulgte senere sin Master of Fine Arts-grad ved Yale University. I over et årti har han undervist i kunst til elever i alle aldre i forskellige uddannelsesmiljøer. Williams har udstillet sine kunstværker i gallerier over hele USA og har modtaget adskillige priser og legater for sit kreative arbejde. Ud over sine kunstneriske sysler skriver Williams også om kunstrelaterede emner og underviser i workshops om kunsthistorie og teori. Han brænder for at opmuntre andre til at udtrykke sig gennem kunst og mener, at alle har evnen til kreativitet.