Jan van Eyck Malerier - De bedste Jan van Eyck Kunstværker

John Williams 12-10-2023
John Williams

J an van Eycks malerier repræsenterede tidlige nyskabelser i den spirende nordlige renæssance og den nederlandske bevægelse. På trods af at han er en højt respekteret person, er visse aspekter af hans liv stadig omgærdet af mystik, såsom hans fødselsdato. Jan van Eycks oliemalerier blev betragtet som nogle af de bedste eksempler på det nye maleri, og nogle historikere går så langt som til at sige, atHan var ikke den første, men han hævede barren og satte nye standarder, som var med til at gøre det kendt i den brede befolkning.

Vores liste over vigtige Jan van Eyck-malerier

Effekten af Jan van Eycks kunstværker har været så enorm, at det næsten er meningsløst at tale om oliemaleri uden at nævne ham. Kunstneren fra det 15. århundrede døde i 1441, sandsynligvis i begyndelsen af 50'erne, og efterlod sig lidt over 20 olieværker. Hans kunst fascinerer stadig folk den dag i dag, hvilket fremgår af det faktum, at et antropomorft lam, der er afbildet i hans berømte Altertavle fra Gent blev et uforudset globalt online-fænomen.

Jan van Eyck er det mest kendte medlem af et maleri familie, der siges at være opstået i byen Maaseik.

Hubert, van Eycks bror, siges at have taget ansvaret for van Eycks kunstneriske undervisning og gjorde ham til sin yngre lærling i hjemmet. Van Eyck arbejdede ved to hoffer, idet han fik en fremtrædende stilling hos Filip den Gode og tjente for Johannes af Bayern. Beskæftigelsen ved hoffet gav ham en fremtrædende social position, som var sjælden for en kunstner, samt kreativ autonomi i forhold til kunstnerne i Brügge.gilde.

Portrætter af Hubert (til venstre) og Jan (til højre) van Eyck efter maleriet af Altertavle fra Gent , 1572; billeder: Anonym; digte af Domenicus Lampsonius, Public domain, via Wikimedia Commons

Mange elementer i hans arbejde var utvivlsomt beregnet på at fremhæve hans eget navn og talent, især hans vane med at signere og datere sine fotografier, hvilket dengang blev anset for at være mærkeligt. Hans kreative ry er delvis baseret på hans uovertrufne evne til visuel illusionisme. Hans evne til at kontrollere oliemediets egenskaber var afgørende for at opnå sådanne resultater.

Kritikere har siden det 14. århundrede udtalt sig med forbløffelse og overraskelse over hans evne til at gengive virkeligheden, især lysets indvirkning på forskellige substrater, lige fra kedelige refleksioner på uigennemsigtige overflader til strålende, skiftende højdepunkter på metaller eller glas.

Den hellige Frans af Assisi modtager stigmata (1430)

Dato for afslutning 1430
Medium Olie på panel
Mål 12 cm x 14 cm
I øjeblikket indkvarteret Philadelphia Museum of Art

Jan van Eyck betragtes som en pioner inden for realisme, ikke kun for sine præcise portrætter, men også for sine betagende landskaber, der synes at forsvinde langt ud i horisonten. Kunstværker som f.eks. Sankt Frans af Assisi er mere end 50 år ældre end Leonardo da Vincis realistiske indstillinger.

Dette oliemaleri af Jan van Eyck er et eksempel på Eycks atmosfæriske synsvinkel og er en forsmag på den senere stil i den nederlandske landskabsgenre fra barokken. Jan van Eyck har sat dette scenarie midt i mytens klippebjerge, men han har også indsat en lille travl nederlandsk by i baggrunden ved hjælp af sin minuskulære malestil, som var et typisk træk ved de tidlige nederlandske kunstværker om skrifterne.

Dette lille kunstværk repræsenterer en vigtig begivenhed under Frans af Assisis 40-dages faste i ensomheden på Penna-bjerget, da munken fik en åbenbaring og fik stigmata.

Den hellige Frans af Assisi modtager stigmata (1430-1432) af Jan van Eyck; Philadelphia Museum of Art , Public domain, via Wikimedia Commons

Stigmata, noget der aldrig falmer, blev en synlig påmindelse om hans hellighed. Den korsfæstede Kristus ser ned på præsterne, Leo og Frans, der er klædt i de lysebrune og grå gevandter, der betegner dem som franciskanere. De trætte personer er derimod blevet betragtet som fysisk ubehjælpsomme, og de to præster er ikke ordentligt integreret i miljøet (de kan haveer blevet udført af hjælpere i kunstnerens atelier).

Miniaturemalerier som dette blev skabt for at fejre en frugtbar rejse eller som en mobil religiøs genstand, der kunne ledsage en troende på en rejse.

Selv om van Eycks skildring af denne fortælling overholder den traditionelle franciskanske fortælling til punkt og prikke, er scenariet, som en historiker udtrykker det, "skildret som et vidunder, der observeres inden for rammerne af hele menneskets og naturens eksistens". Nordlig renæssancekunst Kunstværket blev for første gang tilskrevet van Eyck i 1857, et par år før det blev afsløret, at det blev refereret i Anselm Adornes testamente fra 1470.

Portræt af en mand med en blå chaperon (1430)

Dato for afslutning 1430
Medium Olie på panel
Mål 22 cm x 16 cm
I øjeblikket indkvarteret Muzeul Național de Certă, Bukarest

Dette beskedne oliemaleri er et eksempel på de komponenter, der er fælles for van Eycks ikke-religiøse portrætmalerier: den kreative trekvartspose mod en sort, almindelig baggrund, en dyb følelse af belysning, der understreger modellens identifikations træk, og kunstnerens forbløffende evne til at indfange de mange forskellige tekstiler og deres teksturer.

Den portrætterede person har et stabilt, men kontemplativt fokus, mens han stirrer direkte fremad, næsten ubevidst om publikums tilstedeværelse.

Måske er det mest bemærkelsesværdige van Eycks omhyggelige overvejelse af de subtile kødfarver i mandens hænder og ansigt, især de letvoksende skægstubbe fra en eller to dages genvækst, som er et tilbagevendende element i van Eycks tidlige værker. portrætmalerier .

Portræt af en mand med en blå chaperon (ca. 1430) af Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Personens venstre hånd ser ud til at ligge på en væg, der tidligere var en dekoreret kant. I højre hånd holder han et bånd, der strækker sig ud af rammen og ind i publikums omgivelser. Den tomme ramme er der, hvor maleren normalt ville datere og signere sit værk, hvilket gør dette eksempel til et meget sandsynligt, men ikke ubestrideligt eksempel på hans tidlige maleteknik. Den portrætteredes noget storehovedet bærer den ekstremt populære, om end kun i en kort periode, turkisblå chaperon, hvilket gør det muligt at placere billedet til omkring 1430.

Portrætmalerier som dette blev fremstillet af en række forskellige årsager, herunder til minde om en begivenhed, en besættelse eller til minde om en begivenhed.

Dette værk, som først blev anset for at forestille en guldsmed, anses nu almindeligvis for at repræsentere et maleri, der blev udbredt som et frieri. Værkets lille størrelse understøtter denne opfattelse, da det kunne være pakket og leveret til brudens familie. Jans værk var svært at kopiere på grund af detaljernes nøjagtighed og den ekstremt delikate adskillelse mellem karakteristika.Hvert eneste element i tilværelsen er nøje planlagt for at vise den majestætiske Guds skabelse frem.

Altertavlen i Gent (1432)

Dato for afslutning 1432
Medium Olie på panel
Mål 350 cm x 460 cm
I øjeblikket indkvarteret Sankt Bavo-katedralen, Gent, Belgien

Altertavlen i Gent er et massivt polyptychonkunstværk med fokus på triumf- og forløsningstemaer. Det er også et værk med en problematisk fortid, da det er det mest plyndrede maleri, der findes. Efter at det i næsten 400 år er blevet betragtet som Jan van Eycks mesterværk, blev der i 1823 sat spørgsmålstegn ved denne påstand ved en afsløring. Paradoksalt nok var det van Eycks egen håndskrift, der satte spørgsmålstegn ved dette, med etmed en dedikation, der lyder: "Kunstneren Hubert van Eyck, som ingen er bedre end ham, begyndte værket; Jan, den anden søskende, afsluttede det med dygtighed."

Denne sidste linje kan alternativt gengives som "Jan, hans næste kunstner, gjorde det færdigt."

Altertavlen i Gent (1432) af Hubert og Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Dedikationen blev bekræftet som værende Jan van Eycks i 2016, og senere fundne dokumenter knytter Hubert til to forberedende tegninger, der blev præsenteret for rådet i Gent, hvilket bekræfter, at han påbegyndte kontrakten i begyndelsen af 1420'erne. Efter Hubert's død i 1426 blev udviklingen af altertavlen genoptaget under ledelse af Jan van Eyck, indtil, ifølge dedikationen, "Joos Vijd dækkede omkostningerne tilDen 6. maj opfordres du til at overveje dette kunstværk med denne erklæring."

De fleste historikere mener, at anerkendelsen for denne betydningsfulde præstation bør deles mellem de to mænd, men hvor grænsen mellem deres individuelle bidrag går, er stadig et stridsspørgsmål.

Den fulde version af Hubert og Jan van Eycks Altertavlen i Gent (1432); Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Jan van Eycks' blanding af uendelig kompleksitet og majestætisk storhed i Altertavlen i Gent Altertavlen består af 24 forskellige paneler, hvor 12 forskellige paneler er synlige, alt efter om alteret er lukket eller åbent.

Bebudelsen er det store emne på det lukkede alter, som er afbildet over mange skærme i det midterste lag, i et noget asketisk rum, der undertiden omtales som et kloster. Englen Gabriel har netop sagt den sætning, der er malet med guld på panelet, og som oversat betyder: "Hil dig, som er en sand velsignelse, kongen er med os", og Jomfru Marias svar, der er skrevet på hovedet som set fraovenfor, siger: "Se den guddommelige tjenestepige."

Mand med rød turban (1433)

Dato for afslutning 1433
Medium Olie på panel
Mål 26 cm x 19 cm
I øjeblikket indkvarteret National Gallery, London

Van Eyck var en af de første malere i Nordeuropa, der skabte et større antal ikke-religiøse portrætter af adelige og borgerlige klienter, en stil, der traditionelt var forbeholdt samfundets herskende elite. Van Eycks portrætter var ikke kun ekstremt grundige, men han var også pioner inden for en nu gængs positur, nemlig trekvartsperspektivet.

Det var almindeligt, at personen i religiøse malerier og repræsentationer af monarkiet stod ansigt til ansigt med tilskueren. I Italien var det humanistiske miljø i den voksende renæssancetid vidne til en stigning i verdslige portrætter; velgørere blev oftest portrætteret i profil, formentlig som en reference til antikken.

Dette billede er det mest værdifulde af hans eksisterende portrætter, og det er almindeligt accepteret, at det markerer en anden ny genre på det tidspunkt - selvportrættet - og at dette er et van Eyck-selvportræt.

Portræt af en mand med rød turban (1433) af Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Denne påstand understøttes ikke kun af placeringen, men også af rammen, som er indskrevet med hans motto "Som jeg kan", som er hentet fra et ordsprog. Budskabet blander derfor præstationens stolthed med ydmyghed. Inddragelsen af et livsmantra er et træk, der generelt forbindes med den adelige og regerende elite, og det antyder også malerens ophøjede position. Kun en håndfuld af Jan vanEycks kunstværker, hvoraf det ene var et portræt af hans brud, indeholdt han sit motto.

Det kunne tyde på, at motivet på billedet er et nært familiemedlem eller måske maleren selv.

I forbindelse med de subtile detaljer viser kunstnerens lige stirren på publikum hans seriøse opmærksomhed, mens han laver et værk i sit eget billede, med armene ude af syne, optaget af selve værket. Siden renæssancen har undergenren selvportræt fungeret som et visitkort for malere, der har givet dem mulighed for at vise deres færdigheder og kreative flair. Den indviklede placering afden røde chaperon, som måske er et kendetegn, der gør det muligt at genkende maleren i andre van Eyck-selvportrætter, giver kunstneren mulighed for at demonstrere sin fejlfrie dygtighed.

Portræt af Arnolfini (1434)

Dato for afslutning 1434
Medium Olie på panel
Mål 82 cm x 60 cm
I øjeblikket indkvarteret National Gallery, London

Jan van Eyck's Portræt af Arnolfini er et af de mest anerkendte kunstværker i Europas kunsthistorie. Altertavlen i Gent var globalt anerkendt på det tidspunkt, hvor det blev skabt, blev dette værk først anerkendt mere end hundrede år efter, at det blev fuldført. Det dobbelte portræt i fuld længde, der i sig selv er en mærkværdighed, viser en rig mand og en ung kvinde, der holder hinanden i hånden i et skyggefuldt miljø. Mens han ser lidt til venstre, løfter manden sin højre hånd, som om han hilser velkommen eller afgiver et løfte. Den kvindelige,med let sænket hoved, ser ham i øjnene.

Det fine samspil mellem lys og skygge skaber en fredelig nærhed.

Den regulerede mængde af belysning, som f.eks. den, der kommer ind gennem glasset til publikums venstre, og skygger tjente til at forene arrangementet, hvilket er et kendetegn for tidlige flamske maleriets karakteristiske realisme Den enorme kunstneriske dygtighed, der vises, især i det gyldne lysarmatur og det buede spejl mod bagvæggen, bekræfter Jan van Eycks betegnelse som "Kongen af oliemaleriet".

Portræt af Arnolfini (1434) af Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Portrætbilleder i fuld længde var meget sjældne i den tidlig renæssance , men den viste sig i sidste ende at have en betydelig indflydelse på mange malere i mange perioder. Ikke desto mindre er Jan van Eycks Portræt af Arnolfini er stadig en kilde til debat blandt forskere og akademikere om detaljerne om, hvordan dette kunstværk blev bestilt.

I en nedskrevet vurdering af Margaret af Ungarns samlinger i 1516 nævnes: "Et stort billede, som hedder Hernoult le Fin med sin brud i et soveværelse, fremstillet af kunstneren Johannes." Men hvis slægtning til Arnolfini-klanen og kvindens navn forblev længe et mysterium. Hvert element i billedet var gennemsyret af allegorisk betydning. Udtrykket "forklædning" var ikke beregnet til atantyder, at budskabet blev skjult for det nuværende publikum.

Se også: Farvelægningssider til fugle - 26 smukke fugle til farvelægning

Tværtimod troede man, at de ville forstå billedsprogets dobbelte betydning, men at kunstneren i stedet for konventionel eller klassisk ikonografi brugte almindelige ting til at udtrykke betydninger baseret på en almindelig forståelse af specifikke analogier.

Se også: Berømte Picasso-malerier - Se det bedste af Picassos kunst

Madonnaen fra kansler Rolin (1435)

Dato for afslutning 1435
Medium Olie på panel
Mål 66 cm x 62 cm
I øjeblikket indkvarteret Louvre-museet , Paris

Jan van Eyck skabte et stort antal kunstværker i hele sit professionelle liv. Nicolas Rolin, en fremtrædende person og velgører af kunstformerne i Nederlandene, bestilte denne fremstilling af en modtager, der ser ud til at byde Madonnaen og Kristusbarnet velkommen. Rolin var kansler for Filip den Gode og ejede flere vingårde i Autun.

Dette kunstværk er et eksempel på traditionen med "hellig diskussion", hvor emnet blev mere og mere moderne, og det kan også fortolkes som portræt af Nicolas Rolins velgører.

Van Eycks overbevisende naturalisme i trekvartsportrætter i fuld længde afløste den gamle traditions stive frontalitet. Den blev skabt til kanslerens kirkebygning i Autun, Notre-Dame-du-Chastel, hvor den hang, indtil bygningen brændte ned til grunden i 1793. Efter et kort ophold i Autun-katedralen blev den flyttet til Louvre i 1805. Symbolikken i Rolin Madonnaen er som følgerkompliceret som den af Portræt af Arnolfini , og begrebet "skjult allegori" gælder også her.

Der er åbenlyse og intime forbindelser til både Det Gamle og Det Nye Testamente, hvilket giver karaktererne en større betydning.

Madonna af kansler Rolin (ca. 1435) af Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Den dystre kansler er afbildet, mens han bukker sig for at tilbede Jesusbarnet og Jomfru Maria, iklædt en guldsilkekjole med minkpels. Den vigtige rolle, som Maria, Kristi mor, spiller, understreges af hendes overdådigt udsmykkede fløjlskjole med broderier, der afspejler tilværelsens vidundere, og den prægtige kongelige hovedbeklædning med nitter, som bæres af en kerub med regnbuefarvede fjer, der symboliserer forbindelsenmellem himmel og jord.

Jesus giver Rolin en velsignelse, mens han holder en sølvkugle, der symboliserer jorden, og et gyldent krucifiks som en påmindelse om hans verdslige og metafysiske suverænitet over alle ting. Tre romanske buer forbinder statuerne på æstetisk vis og henviser samtidig til den hellige treenighed De ætsede skulpturer på søjlens hovedstykke viser episoder fra 1. Mosebog til menneskehedens syndefald og eksilet fra Eden.

Som følge heraf udvikler historien sig fra verdslig last, som Nicolas Rolin er et eksempel på, til himmelsk barmhjertighed og frelse, som de hellige figurer skildrer, fra side til side.

Bebudelsen (1436)

Dato for afslutning 1436
Medium Olie på panel
Mål 90 cm x 34 cm
I øjeblikket indkvarteret National Gallery of Art, Washington

Dette oliemaleri af Jan van Eyck har en lang historie, der går over 580 år tilbage i tiden. Værket blev oprindeligt fremstillet på et træpanel, før det blev flyttet over på lærred. Derefter er der gennem tiden blevet gjort nogle få konserveringsbestræbelser. Kunstværket er i øjeblikket udstillet i National Gallery of Art i Washington, DC, hvor det har gennemgået yderligere konserveringsarbejde. Restauratorer må foretage svære vurderingerom, hvad der skal repareres, og hvad der skal bevares for at afspejle maleriets historie og samtidig bevare kunstværker.

Når et værk er så betydningsfuldt, bliver dets bevaringsproces en del af dets historie.

Når vi analyserer dette billede, er der meget at nyde med hensyn til dets æstetiske træk, arrangementet, farverne, belysningen, vi kan blive distraheret, men for fuldt ud at forstå, hvad Van Eyck har gjort, har vi brug for historisk og teologisk baggrund. Vi kan tage vores beundring til et helt nyt niveau med disse ressourcer.

Mange af tegnene i dette værk kan genkendes fra tidligere kunstværker om Bebudelsen, mens andre er specifikke for dette værk. Van Eycks skoleuddannelse er tydelig i den doktrin, han har proppet ind i. Maria er klædt i det guddommeliges nuance, blå. Dette er i bund og grund en forstærkning af Maria, at hun bærer den almægtige (Kristus) i sig.

Bebudelsen (ca. 1434) af Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Bebudelsen er i religiøs teologi anledningen til undfangelsen, og Maria er typisk klædt i en blå kjole for at informere observatøren om, at Herren er kommet til den jordiske slette og har antaget menneskeskikkelse. Englen Gabriel er klædt overdådigt og bærer en glorie for at understrege, at han er himmelsk og ikke af denne verden. Gabriels hovedbeklædning og klæder er besat med diamanter.

Tøjets storhed står i modsætning til Marias enkle blå kjole og understreger adskillelsen mellem himmel og jord. Den hieratiske skala er også blevet anvendt, hvilket betyder, at Maria og Gabriel er betydeligt større, end de burde være i betragtning af bygningens størrelse. En hieratisk skala er en mekanisme, der bruges til at vise betydningen af bestemte figurer.

Det metaforiske budskab, som englen og Maria overbringer, har forrang for naturalismen i dette maleri.

Saint Barbara (1437)

Dato for afslutning 1437
Medium Tegning på panel
Mål 34 cm x 18 cm
I øjeblikket indkvarteret Det Kongelige Museum for Skønne Kunster, Antwerpen, Belgien

Jan van Eycks maleri Saint Barbara er et senere værk, der er usædvanligt anderledes end hans kendte værker. Det er en skitse i sølvpennen med lysere farver i olie og mørkt pigment på en bund af kridt og hesteklister, ikke et færdigt billede. Sølvpennen er et klassisk medie, der er blevet brugt siden middelalderen og var særligt fremtrædende i renæssancen. Det er også svært at perfektionere, da ingen linjer kan fjernes og ingenDet blev derfor ikke brugt som tegnemateriale, men snarere til finere konturer og som første lag til kunstværker.

På trods af at visse områder er farvelagt og andre blot skitseret, havde van Eyck allerede markeret værket, hvilket giver ham endnu en gåde i hans værk: Er det en færdig eller ufærdig skitse... eller et maleri?

Den hellige Barbara af Nicodemia (1437) af Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Under alle omstændigheder er det en premiere for maleren som den ældste overlevende skitse, der ikke er på pergament eller papir, eller det ældste ufærdige maleri på en tavle, der stadig er intakt. Dataene viser, at flamlænderne anså kunst for at være en værdifuld ting i sig selv. Det er måske det værk, som Karel van Mander, en flamsk kunstner, kunstkritiker, som nogle betragter som den nordiske pendant til GiorgioVasari, der i begyndelsen af 1600-tallet blev rost som "mere nøjagtigt og perfekt skabt end andre kunstneres endelige kunstværker nogensinde kunne være".

Friedrich Winkler, en tysk kunstekspert, hævder, at det er et færdigt værk, da ingen forberedende skitse ville indeholde så indviklede detaljer, og han henviser til to malerier af Maria fra det 15. århundrede, som utvivlsomt var ufuldstændige på tidspunktet for kunstnerens død.

Maleriet viser en ungdommelig Sankt Barbara, en dame af syrisk afstamning, der levede på kejser Maximianus' tid, kort før kristendommen blev taget til sig af romerne under Konstantin. Hendes tiltrækningskraft var ifølge traditionen så fantastisk, at hendes forældre spærrede hende inde for at beskytte hende og kun tillod ham og dem under hans dom at få adgang til hende. Hendes far endte med attillod hende at forlade bygningen efter mange års ensomhed og hendes afvisning af alle beundrere.

Madonnaen i kirken (1440)

Dato for afslutning 1440
Medium Olie på panel
Mål 63 cm x 48 cm
I øjeblikket indkvarteret Gemaldegalerie, Berlin

Det indre af en smuk Gotisk katedral er oplyst af et fantastisk syn af Jomfru Madonna med barn. De fleste kunstforskere er enige om, at dette maleri var den venstre fløj af et adskilt og tidligere plyndret diptychium; den modsatte side var sandsynligvis et andagtsbillede.

Madonnaen er i det sidste billede fremstillet som himlens dronning, med en majestætisk hovedbeklædning med juveler og i kejserlige regalier, en purpurrød kjole, der indikerer Kristi forestående lidelse, draperet af en kongeblå kappe med guldstikninger. Hun kærtegner Jesusbarnet, der blot opfører sig som et barn i sin mors kærlige favn, på en måde, der minder om Eleusasymbolet.fra det 13. århundredes byzantinske traditioner.

På overfladen ser det ud til, at van Eyck har forvandlet et helligt tema, Madonna med barn, til en næsten liberal, men majestætisk figur, men et dybere kig fortæller en masse om van Eycks metode.

Madonnaen i kirken (ca. 1438) af Jan van Eyck; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Diskussioner om Jan van Eycks kunstneriske teknik fokuserer generelt på den bemærkelsesværdigt høje naturalisme, som han opnåede, hvilket tidligere var uhørt i malerier. Ikke desto mindre er ikke alt i disse værker, som det ser ud. På trods af deres tilsyneladende formindtryk er størstedelen af kirkeinteriøret i hans religiøse kunstværker helt fiktivt.

Van Eyck manipulerer den tilsyneladende virkelighed for at nå sine mål. Realistiske genstande er ikke afbildet bortset fra symbolikken. Hans nøjagtige fremstilling er omhyggeligt raffineret, men den er ikke desto mindre slet ikke autentisk informativ.

Rigdommen af metaforiske træk i van Eycks strukturelle udsmykning, såsom skulpturelle billeder fra Jomfruens levetid på korskærmene, træfiguren af Madonnaen med barnet og bevingede engle, der synger salmer fra en sangbog i en gang til højre for observatøren. Når man undersøger de unikke træk ved Madonnaen i kirken Madonnaen med barnet er f.eks. ude af skala i forhold til omgivelserne; hun rager selv op over de storslåede arkadebuer.

Korsfæstelsen; Den sidste dom (1441)

Dato for afslutning 1441
Medium Olie på panel
Mål 56 cm x 19 cm
I øjeblikket indkvarteret Metropolitan Museum of Art

Korsfæstelsen og Den sidste dom Diptychiet, det sidste værk på vores liste over Jan van Eycks kunstværker, består af to små malede paneler, hvis dele blev udført af kolleger fra hans atelier. Dette diptychium er kendt for sin omfattende og ekstremt detaljerede symbolik samt for den tekniske kunnen, der var nødvendig for at færdiggøre det. Det blev skabt i lille skala og blev tildelt til personlig dedikation. De originale forgyldte rammer er udstyret medLatinske tekster fra Bibelen.

Korsfæstelsen er afbildet i panelet længst til venstre med et fjernt perspektiv af Jerusalem.

Korsfæstelsen (1440-1441), den venstre side af Jan van Eycks diptychon; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Det viser Kristi disciple grædende foran, soldater og tilskuere, der omringer korset i midten, og tre henrettede lig i den øverste tredjedel af billedet. Korsfæstelse var en grusom form for dødsdom, hvor fangen blev bundet eller hamret fast til et stort trækors og efterladt til at lide i flere dage, før han døde. Historien om Jesu korsfæstelse er afgørende forKristendommen, og korsfæstelsen er det vigtigste religiøse symbol for mange kristne trosretninger.

Billedet til højre viser billeder fra den sidste dom.

Den sidste dom (1440-1441), højre side af Jan van Eycks diptychium; Jan van Eyck, Public domain, via Wikimedia Commons

Det viser et helvedeslandskab nederst, den opstandne ventende dom i midten og Kristus omgivet af apostle, disciple, præster og aristokrati i den øverste tredjedel. Vers på latin, græsk og hebraisk kan også ses i den øverste tredjedel af kunstværket. Dommedag er et centralt begreb i de tre store abrahamitiske religioner: islamisk, jødisk og kristen. Det afspejler en skæbne-baseret synspunkt, hvor vores univers afsluttes med de afdødes genoplivning og den sidste dom over hver enkelt af os.

Og dermed slutter vores liste over vigtige Jan van Eyck-malerier. Det er nu let at forstå, hvorfor han var en så indflydelsesrig og vigtig person - ikke kun i sin levetid, men i hundreder af år derefter. Van Eycks evne til at visualisere vanskelige religiøse temaer gjorde ham berømt blandt sin tids veluddannede kunder.

Ofte stillede spørgsmål

Har van Eyck virkelig opfundet oliemaleriet?

Det har længe været en "kendsgerning", at Jan van Eyck var opfinderen af mediet. Men den gamle tro, at Jan van Eyck opfandt oliemaleriet, er for længst blevet afkræftet. Tørrende olier havde været brugt som pigmentbindemiddel i malerier i årtusinder, før Eyck tog sin pensel i hånden.

Hvorfor var Jan Van Eycks oliemalerier så berømte?

Jan van Eycks malerier var en perfekt repræsentation af det nye medium for maleri - oliemaleri. Hans perfektionering af dette medium var en stor faktor i udbredelsen af oliemaleriets popularitet. Hans indførelse af dette medium ændrede i høj grad malekunstens retning.

John Williams

John Williams er en erfaren kunstner, forfatter og kunstunderviser. Han tog sin Bachelor of Fine Arts-grad fra Pratt Institute i New York City og forfulgte senere sin Master of Fine Arts-grad ved Yale University. I over et årti har han undervist i kunst til elever i alle aldre i forskellige uddannelsesmiljøer. Williams har udstillet sine kunstværker i gallerier over hele USA og har modtaget adskillige priser og legater for sit kreative arbejde. Ud over sine kunstneriske sysler skriver Williams også om kunstrelaterede emner og underviser i workshops om kunsthistorie og teori. Han brænder for at opmuntre andre til at udtrykke sig gennem kunst og mener, at alle har evnen til kreativitet.