Jeg forestiller mig et maleri bestående af firkanter, linjer og bare geometriske motiver, der synes at komme fra en anden verden, langt fra vores egen forståelse af naturligt forekommende former og objekter. Det er simpelthen ikke objektiv kunst fra denne verden, og det er det, vi vil udforske i denne artikel sammen med nogle eksempler på ikke objektiv kunst.

Hvad er ikkeobjektiv kunst?

Ikke-objektiv kunst vs. abstrakt kunst går ofte hånd i hånd, men det kan også være forvirrende at forstå. Er ikkeobjektiv kunst abstrakt kunst? Nogle kilder siger, at det er en form eller stil inden for kategorien af Abstrakt kunst , andre siger, at det ikke er synonymt med abstrakt kunst, og andre siger, at det er abstrakt kunst - der er en tynd grænse mellem alle de ovennævnte.

Nedenfor diskuterer vi definitionen af nonobjektiv kunst yderligere, herunder dens oprindelse.

En ikke objektiv kunstdefinition

Ikke-objektiv kunst kaldes også geometrisk abstraktion. Ifølge Tates definition defineres den som "en type abstrakt kunst, der normalt, men ikke altid, er geometrisk og har til formål at formidle en følelse af enkelhed og renhed".

Hvis vi også ser på den definition, som Tate giver af abstrakt kunst, får vi en bedre forståelse af det ikke-objektive. Abstrakt kunst defineres som kunst, "der ikke forsøger at repræsentere en nøjagtig gengivelse af en visuel virkelighed, men i stedet bruger former, farver, former og gestiske tegn for at opnå sin virkning".

Svane (1915) af Hilma af Klint; Hilma af Klint, Public domain, via Wikimedia Commons

Det giver faktisk mere mening, at ikkeobjektiv kunst er en form for abstrakt kunst, hvor der ikke er nogen repræsentative kvaliteter eller ligheder med virkeligheden; den er helt ikke-repræsentativ. Derfor kaldes den også geometrisk abstraktion, fordi den består af geometriske kompositionsmotiver.

Abstrakt kunst vil stadig have en vis lighed med virkeligheden, selv om det ikke vil være en "nøjagtig afbildning", som vi ser det fra Græsk kunst , hvor kunstnerne fulgte de filosofiske idealer fra mimesis Det var i forbindelse med efterligning af naturen eller virkeligheden.

Hvor stammer begrebet "ikke objektiv" fra?

Den russiske konstruktivist, Alexander Rodtjenko, introducerede først begrebet ikkeobjektiv, da han præsenterede flere af sine malerier fra sin Sort på sort serien, for eksempel, Ikke-objektivt maleri nr. 80 (1918). Rodtjenko var medstifter af kunstbevægelse Konstruktivismen som en type abstrakt kunstbevægelse fokuserede på kunstens "konstruktion" i stedet for på de formelle kompositoriske kvaliteter, der skaber kunst.

Kunsten skulle være konstruktioner af moderne industri og tjene utilitaristiske (funktionelle) formål, og ikke så meget dybere refleksioner og udtryk for indre følelsesmæssige tilstande.

Rodtjenko's Sort på sort serien menes at være en reaktion på kunstværket af Kazimir Malevich , nemlig hans Sort firkant (1915). Det kunne også have været et spil på Malevichs Hvid på hvid (1918). Malevich var grundlæggeren af den foregående og samtidig med Konstruktivisme Han grundlagde den i 1913, mens han stadig var involveret i produktion af kunstværker i kubo-futuristisk stil, hvoraf udstillingen Den sidste futuristiske udstilling af malerier 0,10 indvarslede den nye stil i den nye kunst. Suprematisme , som omfattede Malevichs Sort firkant .

Sort firkant (Black Suprematic Square) (1915) af Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Public domain, via Wikimedia Commons

Udstillingen blev afholdt i 1915 af Dobychina Art Bureau i Petrograd, Rusland. Malevich skrev også den ledsagende tekst eller manifestet, som den også blev kaldt, From Kubisme and Futurism to Suprematism in Art (1915). I 1927 brugte han også udtrykket "non-objektiv" i sin publikation med titlen, Den ikkeobjektive verden (1927).

Et berømt citat fra ovennævnte tekst forklarer nogle af suprematismens kerneprincipper, og at den er relateret til "ren følelse" og at "visuelle fænomener" bliver noget "meningsløse". De forklarer endvidere, at følelsen er det vigtigste "bortset fra det miljø, hvori den fremkaldes".

Det var en bevægelse, der handlede om at vende tilbage til formens grundprincipper, en "ny realisme", som Malevich erklærede det. Det handlede om "den rene følelses eller opfattelses overhøjhed i billedkunsten". Det var det stik modsatte af konstruktivismen og søgte at skildre en form, som den var, med andre ord, den støttede sig på maleriets formelle elementer, for eksempel farve, linje, form osv.

Der var dog en anden del af Malevichs "nye realisme", og den var knyttet til en dybere mening, der lå ud over den virkelighed, vi ser. Nogle kilder antyder også, at den var knyttet til kunstens åndelige aspekter. Faktisk var Malevich påvirket af de russiske mystikere P.D. Ouspensky og Georges Gurdjieffs esoteriske filosofier.

Suprematisme (1915) af Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Public domain, via Wikimedia Commons

Suprematismen var en vigtig kunstbevægelse inden for det ikke-objektive maleris verden, den indvarslede nye måder at se kunst på og påvirkede mange kunstnere undervejs i den moderne æra. Det var ikke kun Malevich, der blev betragtet som en pioner inden for den ikke-objektive eller på anden måde ikke-repræsentative kunst.

Kunstnere som Wassily Kandinsky og Piet Mondrian var blandt pionererne i opdagelsen af en verden, der gik ud over kunstens fysiske funktion og repræsentation ved hjælp af rene formelle kunstelementer.

Den russiske maler Wassily Kandinsky var en højt anset kunstner. Abstrakt kunstner Han var blandt flere andre kunstnere, der startede kunstgruppen Der Blaue Reiter ("Den blå rytter"), som var en del af den tyske ekspressionistiske kunstbevægelse. Det, der gjorde Kandinskys værker revolutionerende for sin tid, var hans abstrakte kompositioner.

Sammensætning VII (1913) af Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Han udforskede de dybere betydninger af farver i kunsten og hvordan den kommunikerede mere åndeligt, udforskede han disse begreber mere detaljeret i sin skelsættende publikation Concerning the Spiritual in Art (1912), hvor han bl.a. sammenlignede brugen af farver med musik, men mere generelt sammenhængen mellem kunst og musik.

I sin tekst forklarer han, hvor let musikken udtrykker den indre verden, og hvordan malere må "misunde" denne lethed i udtrykket.

Kandinsky begyndte en række abstrakte billeder, der formidlede denne dybere åndelighed, som blev kaldt hans Improvisationer, Kompositioner og Indtryk. Et eksempel på dette er hans Sammensætning VII (1913), som viser en sammensmeltning af former og farver, så vi som beskuere ikke kan genkende noget figurativt eller repræsentativt.

En anden bemærkelsesværdig figur, der skal nævnes i forbindelse med den ikkeobjektive kunst, er hollænderen Piet Mondrian. Han var en anden førende pioner inden for den abstrakte kunst i 1920'erne. Han støttede sig på formelle elementer af linjer og former og skabte ikkeobjektive malerier uden genkendelig repræsentation. Denne enkelhed i formen formidlede også et dybere budskab om underliggende universelle værdier.

New York, New York (1942) af Piet Mondrian; Piet Mondrian, Public domain, via Wikimedia Commons

Mondrian var også medstifter af De Stijl ("Stilen") sammen med den hollandske kunstner Theo van Doesburg. Inden for denne bevægelse grundlagde Mondrian i 1917 neoplasticismen, som så at sige søgte at gå tilbage til det grundlæggende i kunsten, hvilket bl.a. indebar at skildre kunsten i rene grundlæggende formelle elementer af farver og linjer, som nævnt ovenfor.

Det var dog udelukkende horisontale og vertikale linjer med rette vinkler, og de eneste farver, der blev brugt, var primærfarver, nemlig rød, blå og gul, og neutrale farver som hvid, grå og sort.

Michel Seuphor, i sin publikation, Piet Mondrian: liv og værk (1956), har et citat af Mondrian, der forklarer kunstens forhold til virkeligheden: "Kunsten er højere end virkeligheden og har ingen direkte relation til virkeligheden." Han siger endvidere, at kunstnere skal bruge virkeligheden i det minimale omfang, fordi virkeligheden er i modsætning til det åndelige".

Neoplasticismen var en radikal kunststil, der havde til formål at skildre en underliggende harmoni gennem kunsten, og denne harmoni blev formidlet i de mest fundamentale former. Mondrian skrev også essayet med titlen, Neoplasticisme i billedkunsten (1917-1918), der blev offentliggjort i De Stijl-tidsskriftet (i nogle kilder også kaldet De Stijl-tidsskriftet).

Forsiden af De Stijl-tidsskriftet, vol. 5, nr. 1, 1922; Theo van Doesburg, Public domain, via Wikimedia Commons

I sit skelsættende essay forklarede han, hvad nyplasticismen havde til formål at opnå, idet han sagde: "Som en ren repræsentation af det menneskelige sind vil kunsten udtrykke sig i en æstetisk renset, dvs. abstrakt form. Den nye plastiske idé kan derfor ikke tage form af en naturlig eller konkret repræsentation". Desuden vil kunsten blive en "abstraktion af form og farve".

Van Doesburg brød til sidst med neoplasticismen og startede den stil, der kaldes elementarisme. Denne stil gik imod Mondrians teorier om strengt vertikale og horisontale linjer og omfattede diagonale linjer og skrå lærreder. Den var mere dynamisk end de mere puristiske idealer, der lå til grund for neoplasticismen. Nogle af de andre ikkeobjektive kunstbevægelser omfattede den berømte kubisme og futurisme,i begyndelsen af 1900-tallet, som faktisk havde stor indflydelse på mange af det 20. århundredes kunstnere.

Orfisme, også kaldet orfisk kubisme, startede i 1912 og var en vigtig kunststil, der introducerede det ikke-objektive i kunstverdenen.

Relief, rytmer (1932) af Robert Delaunay; Pedro Ribeiro Simões fra Lisboa, Portugal, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Den blev startet som et svar på den analytiske kubisme af Sonia og Robert Delaunay og František Kupka. Bevægelsen fokuserede på at inddrage lysere farver og former i abstrakte kompositioner, der appellerede til sanserne; kunstnerne hentede inspiration til brugen af lyse farver fra den fauvistiske kunstbevægelse. Navnet "Orphisme" blev givet af franskmanden Guillaume Apollinaire, der var kunstkritiker ogforfatter.

Hvis vi ser på værker fra den tidligere analytiske kubisme, som var omkring 1910-1912, og som blev ledet af Pablo Picasso og Georges Braque, blev emner som portrætter og stilleben meget opsplittet i semi-abstrakte kompositioner.

Billedfladerne blev multifacetterede, og emnet blev set fra flere forskellige perspektiver på ét lærred. Det var en kunststil, der fokuserede på at dekonstruere billedfladen og overlappe de resulterende fragmenter. Dette blev så abstrakt, at det blev næsten helt ikke-objektiv kunst.

Der var ikke stor vægt på lyse farver i den analytiske kubisme, kunstnerne brugte afdæmpede eller monokromatiske farver. paletter som brune farver , grå, okker, sort og hvidt. Den strukturelle sammensætning var den maleriernes omdrejningspunkt Orfisme havde derfor en anden tilgang til kunsten og var baseret på farver og overlappende billedflader, som vi ser det i kubismen.

Glas og flasker (1912) af Juan Gris; Juan Gris, Public domain, via Wikimedia Commons

Andre ikke objektive kunstbevægelser i slutningen af 1900-tallet omfatter Hard-Edge Painting, som startede i 1959, da kunstkritikeren Jules Langsner organiserede en kunstudstilling, den Fire abstrakte klassicister (1959), der viser geometrisk abstrakt arbejde af fire kunstnere fra Californien på Los Angeles County Museum of Art.

Kunstværkerne lignede Piet Mondrians gitter og firkanter med de dybere farver, som vi ser fra den Farvefelt Maleri stil , som var en understil til den abstrakte ekspressionisme. Kendte kunstnere fra Color Field Painting-stilen var Mark Rothko og Barnett Newman. Det, der kendetegnede de ovennævnte californiske kunstnere, var deres upersonlige tilgang til at skildre form og farve.

Frank Stella var en anden bemærkelsesværdig Hard-Edge-maler og skabte kompositioner, der fokuserede på kunstens formelle elementer som farve, linje og form.

Han blev kendt for sine upersonlige malerier, især for sine Sorte malerier (1958 til 1960). Hvad gjorde Stella anderledes end kunstnere som Piet Mondrian Et af Stellas berømte citater er: "Det, du ser, er det, du ser".

Der var heller ikke nogen iboende dybere mening, som vi kan se af den gestiske Action-maleristil, i værker af kunstnere som Jackson Pollock Desuden skabte kunstnerne i Hard-Edge Painting rene og pænt strukturerede kompositioner næsten uden antydning af penselstrøg, og deres former fremstod hårde med "skarpe" kanter. De var også påvirket af konceptet med enhedskompositioner.

Post-Painterly Abstraction startede i 1950'erne og blev brugt af kunstkritikeren og historikeren Clement Greenberg til at navngive og kuratere en udstilling for forskellige kunstnere som Helen Frankenthaler og Morris Louis, alle fra forskellige abstrakte malestilarter, herunder Hard-Edge Painting, Color Field Painting, Color Stain Painting, Lyrical Abstraction, Washington Color Painters og Minimal Painting,og andre.

Det var en reaktion på og en afvisning af den tidligere abstrakte ekspressionisme (også kaldet malerisk abstraktion), som Greenberg mente var for følelsesladet og gestisk. Det, der kendetegnede den post-malerisk abstrakte stil, var, at den gik over til formelle elementer i kunstnerisk fremstilling, f.eks. lineære mønstre, farver og former.

Eksempler på ikkeobjektiv kunst

Det er vigtigt at bemærke, at et af de primære underliggende karakteristika ved ikke objektivt maleri er brugen af kunstens formelle elementer. Formelle elementer i billedkunst omfatter linjer, former, former, farver, teksturer, rum, værdi (kontrast eller luminositet). Alle disse elementer kombineres for at skabe emnet.

Nedenfor ser vi på forskellige eksempler på ikke objektivt maleri fra forskellige kunstnere på tværs af flere kunstneriske bevægelser og stilarter.

Den vil tydeligt vise den variation, hvormed hver enkelt kunstner har malet, specifikt drevet af deres egne indre intentioner og ønsker om at skabe kunst. Lad os starte med den tidligste, pioneren inden for abstrakt kunst, Wassily Kandinsky.

Ekspressionisme: Wassily Kandinsky (1866 - 1944)

Wassily Kandinsky's Sammensætning VII (1913) er et fint eksempel på et ikke-objektivt maleri. På det ser vi en farverig blanding af former og linjer, som alle er placeret på ét rumligt område, der udgør lærredet. Med Kandinskys store interesse for musik ser vi, hvordan hans lærred næsten bliver som et komponeret stykke, og titlen minder os også om denne forbindelse til musik.

Kandinsky har klart orkestreret sine farver og former i dette maleri, og vores visuelle sans opfatter det på samme måde, som vores høresans ville opfatte en komponeret sang.

Et fotografi af Wassily Kandinsky; 未知上傳者, Public domain, via Wikimedia Commons

Dette er et eksempel på, hvordan Kandinsky brugte den ikke-objektive kunsts stil og tilknyttede den også en dybere symbolsk betydning. For eksempel inddrager han temaer som apokalypse og frelse ved hjælp af motiver som bjerge, både og figurer, men disse er næppe genkendelige. Kunstnerne afbildede dem med henvisning til bibelske fortællinger som Edens Have og den sidste dom.

Sammensætning III (1923) af Wassily Kandinsky; Wassily Kandinsky, Public domain, via Wikimedia Commons

Andre malerier af Kandinsky omfatter Sammensætning VIII (1923), som viser, hvordan han inkorporerede aspekter af suprematismen, konstruktivismen og Bauhaus-skolen, hvor han underviste. Dette maleri viser Kandinskys udforskning af linjer og former, hvilket er noget helt andet end hans tidligere maleri nævnt ovenfor. Her er der fokus på form og ikke så meget på farver. Senere malerier af Kandinsky omfatter Flere cirkler (1926) og Sammensætning X (1939).

Suprematisme: Kazimir Malevich (1879 - 1935)

Kazimir Malevich's Sort firkant (ca. 1915) viser simpelthen en sort firkant på en hvid baggrund. I dag er maleriet revnet på grund af ældning, men der er andre mærker tydelige på maleriet, f.eks. penselstrøg og fingeraftryk. Dette maleri er blevet sammenlignet med en slags ikon for ikke-repræsentationel kunst, hvilket understreger dets åndelige kvaliteter.

Kazimir Malevich, før 1935; Ukendt forfatter Ukendt forfatter, Public domain, via Wikimedia Commons

Der er forskellige andre måder at se på dette maleri på, ud over at det er et "ikonisk" symbol. Det er alsidigt i forhold til beskuerens perspektiv. Formens enkelhed og ingen andre ledsagende former eller farver skaber også et fokuspunkt for os, den sorte firkant, uden andre distraktioner.

En sjov kendsgerning om dette maleri er, at det oprindeligt var en del af Malevichs skitse fra 1913 til et scenetæppe til operaen "Victory Over the Sun" (1926).

Hvid på hvid (1918) af Kazimir Malevich; Kazimir Malevich, Public domain, via Wikimedia Commons

Andre kunstværker af Malevich omfatter Flyvning med flyvemaskine (1915), Hvid på hvid (1917 til 1918), Malerisk realisme af en dreng med en rygsæk. Farvemasser i den fjerde dimension (1915), og Malerisk realisme af en bondekone i to dimensioner (Den røde plads) (1915).

Neoplasticisme: Piet Mondrian (1872 - 1944)

Piet Mondrians kompositioner fra den neoplastiske stil er eksempler på, at de visuelt emulerer ikkeobjektiv kunst. Hvis vi ser på hans maleri kaldet Komposition med stort rødt fly, gul, sort, grå og blå (1921) ser vi de grundlæggende kvadratiske og rektangulære former med tykke sorte konturer. Farverne er begrænset til rød, gul, blå og hvid med grå områder. Det er en enkel gengivelse af formelle elementer af lodrette og vandrette linjer, som i sidste ende danner firkanter og rektangler.

Desuden er blokkene asymmetriske, vi ser den store røde firkant i midten og de omkringliggende mindre blokke.

VENSTRE: Et foto af Piet Mondrian fra De Stijl , vol. 5, nr. 12 (december 1922): s. 179.; Anonym (fotograf), Public domain, via Wikimedia Commons Komposition med stort rødt fly, gul, sort, grå og blå (1921) af Piet Mondrian; Piet Mondrian, Public domain, via Wikimedia Commons

Vi vil se denne stil varieret i mange andre malerier af Mondrian, nogle vil have kvadrater af forskellig størrelse og andre vil lægge vægt på mere tykke sorte konturer. Komposition med farveplaner (1917), Tableau I: Rude med fire linjer og grå (1926), Sammensætning II i rød, blå og gul (1930), Sammensætning nr. 10 (1939 til 1942), og Broadway Boogie-Woogie (1942 til 1943).

Orfisme: Sonia Delaunay (1885 - 1979)

Sonia Delaunay var også involveret i mode, tekstil- og scenografi, og hun inkorporerede efterhånden en stor del af sit arbejde i funktionelle former som møbler, vægbeklædning og tøj. Sammen med sin mand, Robert Delaunay Orfisme var kendetegnet ved dybe farver og former, og det kan vi se i Delaunays forskellige malerier.

Et portrætfotografi af Sonia Delaunay, ca. 1912; Anonym ukendt forfatter, Public domain, via Wikimedia Commons

Nogle eksempler omfatter Prismes électriques (elektriske prismer) (1914), som viser forskellige cirkulære og buede former. Det centrale område af lærredet har to større cirkler, og omkring disse er der buer, kurver og mere geometriske former som f.eks. rektangler. Hele billedfladen er flerfarvet.

Inspirationen bag Delaunays elektriske prismer var de elektriske gadelamper i Paris' gader.

Mens Sonia forsøgte at gengive gadelysets glød, forsøgte hendes mand, Robert Delaunay, på samme måde at gengive solens og månelysets virkninger i sit værk Samtidige kontraster: Sol og måne (1912).

Maleri med hårde kanter: Frank Stella (1936 til i dag)

Frank Stella er en kunstner med mange talenter, han er skulptør, grafiker og maler. Hans kunstværker har bevæget sig ind og ud af mange kunststile, især minimalismen. Vi vil se mange af hans kunstværker som ikke-objektive, der ikke repræsenterer andet end det, der er der, et eksempel på dette er fra hans Sorte malerier serie (1958 til 1960), Ægteskab mellem fornuft og elendighed, II (1959). Her ser vi et sort lærred med intet andet end linjer, der er geometrisk tilpasset hinanden; disse er blevet beskrevet som "omvendte parallelle U-former".

Desuden er der ingen omfattende angivelse af penselstrøg, og værket fremstår uden figuration eller henvisning til andre betydninger eller symboler.

Det, vi ser, er virkelig det, vi ser her. Maleriet er også blevet forklaret med, at det ikke forsøger at skabe et "illusionistisk" tredimensionelt rum, som vi alle er kommet til at forstå fra malerier, især hvis vi bruger renæssancen som et eksempel, det modsatte af, hvad ikke-objektiv kunst er.

Frank Stella i anledning af udstillingen "Frank Stella - The Retrospective. Works 1958 - 2012" på Kunstmuseum Wolfsburg. American Academy i Berlin var vært for en samtale mellem Stella og Hanno Rauterberg fra Die Zeit om den berømte amerikanske kunstners karakteristiske og banebrydende arbejde; Det Amerikanske Akademi i Berlin, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Stella's Harran II (1967) fra hans vinkelmåler (slutningen af 1960'erne) er et andet eksempel, men i dette tilfælde er det ikke monokromt, men flerfarvet. Tre cirkulære former fanger vores opmærksomhed, men hele kompositionen er skråt skråt, og de cirkulære former er næsten indlejret i overlejrede rektangulære former.

Dette værk måler 10 x 20 fod, og dets store skala understreger effekten af de geometriske og farverige former, når man står foran det, og desuden bliver lærredets flade todimensionalitet uundgåelig. Det er lavet af polymer og fluorescerende polymermaling.

Et spørgsmål om formaliteter

Emnet for det ikke objektive maleri er blevet brugt af mange kunstnere til mange forskellige formål i det 20. og 21. århundrede. For nogle kunstnere har det været for at formidle en dybere, åndelig mening. For nogle har det været for at skabe dynamik og rytme. For andre har det været for at gengive musikkens flow og betydningen af kombinerede farver for at fremkalde en følelsesmæssig reaktion. For nogle har det været for atandre har det blot været at formidle en form og farve, et design og en struktur, intet andet.

Emnet for de fleste ikkeobjektive malerier har været et spørgsmål om ren formalitet, en sammensætning af linjer, former og farver, men uanset hvilket formål disse sammensætninger har tjent, har det ikke været forgæves, for den ikkeobjektive kunst fortsætter med at skabe nye dimensioner, ikke kun i vores sind, men også i vores omgivelser, og nogle gange behøver noget ikke at betyde noget.

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er ikkeobjektiv kunst?

Ikke-objektiv kunst kan ses fra flere forskellige synsvinkler. Nogle kilder antyder, at det er en form eller stil inden for kategorien abstrakt kunst, andre antyder, at det ikke er synonymt med abstrakt kunst, og andre antyder, at det er abstrakt kunst. Ikke-objektiv kunst kaldes også geometrisk abstraktion. Ifølge Tates definition er det defineret som "en type abstrakt kunst, der normalt, men ikke altid erikke altid, geometrisk og har til formål at formidle en følelse af enkelhed og renhed".

Hvad er forskellen mellem ikke objektiv kunst og abstrakt kunst?

Ikke-objektiv kunst vs. abstrakt kunst forstås bedre, når vi ser på, hvordan abstrakt kunst defineres, nemlig som kunst "der ikke forsøger at repræsentere en nøjagtig skildring af en visuel virkelighed, men i stedet bruger former, farver, former og gestiske tegn for at opnå sin effekt". Ikke-objektiv kunst er en form for abstrakt kunst, hvor der ikke er nogen repræsentative kvaliteter eller ligheder med virkeligheden, det erDet er helt ikke-repræsentationelt, og derfor kaldes det også geometrisk abstraktion.

Hvad er ikkeobjektive kunstbevægelser?

Ikke-objektiv kunst passer ind under forskellige abstrakte kunstbevægelser, derfor er det ikke en kunstbevægelse i sig selv, men mere som en type eller stilart af abstrakt kunst. Ikke-objektiv kunst kan findes i kunstbevægelser som ekspressionisme, suprematisme, konstruktivisme, kubisme, orfisme, rayonisme, hard edge painting, post-painterly abstraction og andre.