Hvilke malerier er der på Louvre - Udforskning af de bedste kunstværker på Louvre

John Williams 30-09-2023
John Williams

Har du nogensinde undret dig over, hvilke malerier der er i Louvre? Vidste du, at der i øjeblikket er over 7.500 Louvre-malerier? Men er malerierne i Louvre ægte eller kopier? I dag vil vi se på nogle få bemærkelsesværdige kunstværker fra Louvre og på selve museet.

En introduktion til Louvre-museet

Louvre-museet åbnede i 1793 og viste den franske monarks kunstsamling samt resultaterne af Napoleons imperiums plyndringer. Siden starten har museet været åbent for offentligheden på udvalgte dage om ugen, hvilket dengang blev anset for banebrydende. Louvre-paladset er hjemsted for verdens største museum. I løbet af årtierne er slottet fra det 12. århundrede blevet udvidet og renoveret.flere gange.

Før det blev et museum, boede kong Charles V og Philippe II i dette palads, som de udsmykkede med deres stadigt voksende kunstsamling.

Apollo-galleriet i Louvre, Paris, foto taget mellem 1870 og 1910; Rijksmuseum, CC0, via Wikimedia Commons

Da kongefamilien flyttede til Versailles, blev den majestætiske bygning på 160.000 kvadratmeter omdannet til et af verdens mest betydningsfulde museer. I 1989 blev der i paladsets hovedgård skabt en glaspyramide, der nu fungerer som museets hovedindgang, og som bryder Louvres ensartede facade.

Louvres officielle samling indeholder næsten 300.000 kunstværker fra før 1948, men kun 35.000 af dem er tilgængelige for offentligheden.

Den store samling er opdelt i mange kategorier, herunder orientalske antikviteter, græske antikviteter, egyptiske antikviteter og romerske og etruskiske antikviteter. Museet har også en afdeling om det virkelige palads' historie, såsom Louvre i middelalderen, islamiske kunstværker, malerier, statuer og grafisk kunst. Gæsterne skal bruge en hel formiddag til at få en grov fornemmelse af Louvre.og se de mest bemærkelsesværdige malerier, skulpturer og andre former for kunst. Louvre er så stort, at en rundvisning kan tage mange dage.

Panorama af Louvre set indefra museet, 2018; Pedro Szekely fra Los Angeles, USA, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

De mest berømte malerier i Louvre

Der findes bogstaveligt talt tusindvis af kunstværker på Louvre, men der er nogle få af dem, der kan betragtes som de mest berømte malerier på Louvre. Hvilke malerier på Louvre kan du nævne? Lad os nu se nærmere på nogle af de mest elskede malerier på Louvre.

Den hellige Frans af Assisi modtager stigmata (c. 1300) e. Giotto di Bondone

Dato for færdiggørelse c. 1300
Medium Tempera på træ
Mål 313 cm x 163 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Hvis du er bekendt med byzantinsk kunst, er du måske enig i, at den kan være en smule ensformig. Kunststilen er kendetegnet ved "stive" figurer uden følelse. Byzantinsk kunst er let at identificere, da den hovedsageligt afhænger af guldblade, som det ses ovenfor. Hvis du har set ét byzantinsk kunstværk, har du set dem alle, og derfor beundrer alle det sidste, der nogensinde er skabt. Giottos billede er ikke det sidsteByzantinske maleri nogensinde, men det markerer begyndelsen til afslutningen af denne kunstform.

Giotto præsenterer mere følelsesmæssige karakterer, der forbinder sig med hinanden og giver en vis fortælling. Dette koncept skulle blive renæssancens kerne.

Den hellige Frans af Assisi modtager stigmata (f. 1300) e. Giotto di Bondone; Giotto, Public domain, via Wikimedia Commons

Når man står foran Giottos berømte mesterværk, kan man let sammenligne med de andre byzantinske malerier i samme Louvre-sal. Giottos figurer forbinder sig mere med hinanden, viser flere følelser og skaber en lidt mere lidenskabelig fortælling. Giotto ville freskomale Scrovengi-kapellet, som var rigt på farver og præsenterede en stor fortælling.

Kapellet bragte kunsten tættere og tættere på renæssancetiden , som skabte mange af verdens mest berømte kunstværker, hvoraf flere af dem nu befinder sig på Louvre.

Jomfruen på klipperne (1483 - 1486) af Leonardo da Vinci

Dato for færdiggørelse 1483-1486
Medium Olie på træ
Mål 199 cm x 122 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Dette maleris pragt er koncentreret på et par vigtige steder. For det første findes der et næsten tilsvarende kunstværk med et par afgørende ændringer i London, hvilket er typisk for kunstneren. Uriels finger er ikke udstrakt i London-kunstværket, og farverne er ændret. Det kan virke som en mindre detalje, men tænk på, hvor meget Judas' udstrakte finger i Da Vincis Den sidste nadver (1495-1498) årsager.

Det fører til kunstværkets andet kritikpunkt, som er maleriets flow. Figurerne danner en trekantform, hvilket får øjnene til at bevæge sig fra det ene punkt til det andet.

Jomfruen på klipperne (1483-1486) af Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci og værksted, Public domain, via Wikimedia Commons

Dit blik kan blive trukket til forskellige dele af billedet, men der er en kontinuerlig bevægelse fra Uriels hånd til Johannes, Maria og tilbage igen. De bløde karakteristika ved hver enkelt persons ansigt kommer i tredje række. Da dette blev afsløret, var det som at forsøge at sammenligne klarheden i en film fra 1980'erne med en fra i år. Da Vinci var ekspert i at skitsere figurer. Endelig er der baggrunden, somer fuld af skrå klipper og et landskab i stil med "Ringenes Herre"-landskabet.

Hvorfor blev de placeret i denne vidunderlige verden? Da Vincis formål var, ligesom nutidens sociale medier, at fange og tiltrække din opmærksomhed.

Minerva fordriver lasterne fra dydens have (1502) af Andrea Mantegna

Dato for færdiggørelse 1502
Medium Olie på lærred
Mål 160 cm x 192 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Minerva fordriver lasterne fra dydens have er et af kunstnerens mest spektakulære værker. Det forestiller et tårnhøjt hegn, der omslutter et vådområde. Luskenes sejr viser, at lasterne har en fordel ved at styre indhegningen. Der er beviser på forfærdelige væsener, der styrer hegnet som laster. Disse afskyelige karakterer kan, som de er vist, kun være middelalderlige. Dette skyldes, at skriftruller var udbredt i middelalderen. Diana er vist ved at væreDiana, som gudinde for jomfruelighed, må ikke krænkes, ligesom en kentaur, der er et tegn på syndig natur, er afbildet i et forsøg på at krænke den.

Lige ved siden af Minerva er der et træ med menneskelige kvaliteter og teologiske dyder, Retfærdighed, Mådehold og Frimodighed, som er de moralske idealer, der betragtes som grundlæggende og afgørende i ethvert menneskes liv.

Minerva fordriver lasterne fra dydens have (1502) af Andrea Mantegna; Andrea Mantegna, Public domain, via Wikimedia Commons

Denne indsats gøres taktisk for at sikre, at de ønskede følelser fremkaldes. Der er et bevidst forsøg på at skildre de laster, der forsøgte at infiltrere dydernes paradis. Da dyderne vinder, vises disse laster blive jaget ud af haven. Dette er en vanskelig opgave, da lasterne dominerer haven og hersker over den. Minerva må gøre en stor indsats for at vinde denneduel.

Når man ser nærmere på dydernes sejr, er det klart, at laster aldrig kan vinde over dyder, hvis der er et ønske om at udstøde dem.

Laster bliver portrætteret som værende jaget ud af haven. Traditionel kunst har ofte givet moralsk vejledning, enten gennem skildringer af religiøse emner eller ved direkte at afspejle kunstnerens personlige følelser. Religionen ville kontrollere kunsten i mange generationer, bl.a. fordi disse organisationer ville være blandt de rigeste i Europa, hvilket gjorde det muligt for dem at hyre de bedste malere tilgængelig.

Kampen mellem kærlighed og kyskhed (1503) af Pietro Perugino

Dato for færdiggørelse 1503
Medium Olie på lærred
Mål 160 cm x 191 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Dette værk er allegorisk og illustrerer den indre konflikt, som vores europæiske forfædre udholdt. Sparer du op til et kærlighedsløst ægteskab eller sætter du pris på dine seksuelle friheder nu? Fordi vores kultur ikke kræver jomfruelighed før ægteskab, som den gjorde i det 15. og 16. århundrede, forstår vi måske ikke kunstværket. Arrangerede ægteskaber, der starter uden kærlighed, er heller ikke længere en del af vores kultur.af den vestlige kultur, og derfor er dette billede endnu mere fjernt fra virkeligheden.

Temaet blev foreslået af Isabellas hofpoet Paride da Ceresara og er dokumenteret gennem Isabellas kommunikation med Perugino, som var aktiv i Firenze på det tidspunkt.

Kampen mellem kærlighed og kyskhed (1503) af Pietro Perugino; Pietro Perugino, Public domain, via Wikimedia Commons

Den notarielle aftale indeholdt både det litterære koncept og en skitse, som værket skulle baseres på. Marchesaen var f.eks. forarget over, at Perugino afbildede en nøgen Venus i stedet for en klædt Venus. Da kunstværket blev leveret i 1505, var marchesaen utilfreds. Hun erklærede, at hun gerne ville have set, at det var blevet skabt i olie i stedet for tempera, som blev brugt under hendes ledelse til atPerugino, som uden tvivl var utilpas ved værkets beskedne format, fik 100 dukater for det.

Billedet skildrer en konflikt mellem de allegoriske figurer Kærlighed og Kyskhed i et landskab med let skrånende bakker.

Sankt Michael overvælder dæmonen (1518) af Raphael

Dato for færdiggørelse 1518
Medium Olie på lærred
Mål 268 cm x 160 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Raphaels oliemaleri af Sankt Mikael er kendt af millioner af mennesker. Selv om de fleste mennesker genkender billedet, er de ikke klar over dets betydning. Billedet forestiller ærkeenglen Mikael omgivet af djævle. Han har vinger og en glorie på sig og er omgivet af helvedes dystre og triste dybder. Der er dæmoniske fanger på jorden under Mikaels fødder, og han kæmper mod dedæmoner omkring ham med et skjold og et langt sværd. Engle kan ses i maleriets baggrund. Alle de dømte bag ham er i smerte.

Den egentlige årsag til værkets tilblivelse er ukendt, men der er dog en bredt accepteret teori.

Sankt Michael overvælder dæmonen (1518) af Raphael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Ifølge legenden blev maleriet bestilt for at overbringe hertugens påskønnelse til Ludvig XII af Frankrig. Raphaello Sanzio da Urbino var en genial mester i sin tid og en Italiensk maler som havde et stort værksted.

I løbet af sit korte liv skabte han en række værker af høj kunst, og de fleste af hans værker kan stadig ses i hele verden, især i Vatikanet.

Bryllupsfesten i Kana (1563) af Paolo Veronese

Dato for færdiggørelse 1563
Medium Olie på lærred
Mål 677 cm x 994 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Bryllupsfesten i Kana , en bibelsk fortælling, minder om Kristi første mirakel. Da han bliver kaldt til et bryllupsmåltid i Kana, løber vinen ud ved måltidets afslutning. Slaverne får af Jesus besked på at fylde store stenkander med vand og derefter servere for husets herre. Han bliver overrasket over at se, at vandet er blevet til vin! Denne religiøse episode bliver genfortolket som et overdådigt venetiansk bryllup.Overraskende nok er Kristus placeret i midten af denne bryllupsscene, flankeret af Jomfruen og apostlene, med brudgommen og bruden til venstre.

Desuden understreges Kristi kommanderende figur af hans urokkelige blik på beskueren.

Se også: Futurisme - Et tilbageblik på den futuristiske kunstbevægelse

Bryllupsfesten i Kana (1563) af Paolo Veronese; Paolo Veronese, Public domain, via Wikimedia Commons

Bruden kigger ligeledes på os, men ser hun glad ud? Nej, for der er ikke mere vin til hendes fest. Og hvorfor ser gommen ud til at tænke? Hans attitude kan hænge sammen med butlerens positur i sin grønne tunika: han løfter sit bælte, med venstre hånd på sin pose, han er rasende: hans opgave er blevet fornærmet, og han returnerer sit tøj i midten af festmiddagen; gommenved ikke, hvad han ellers skal sige, og smager på vinen, selv om han ikke ved, hvor den kommer fra.

En mand i blåt med en stor næse og røde kinder står ved siden af bruden.

Nej, han holder et fyldt bæger i venstre hånd, han snakker med tjeneren med klokkehue, og han taler om vin: det ser ud til, at han klager - måske har han stadig den gamle vin i glasset og ønsker at smage den nye vin?

Jomfruens død (1606) af Caravaggio

Dato for færdiggørelse 1606
Medium Olie på lærred
Mål 369 cm × 245 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Billedet blev oprindeligt bestilt til Santa Maria della Scala i Rom, men det blev afvist. Billedet blev sandsynligvis afvist, fordi det var uhøfligt. Jesus og apostlene havde ingen penge, som dette kunstværk illustrerer. Caravaggio hyrede ofte tiggere, prostituerede og andre fattige mennesker til at posere for ham. Han oplevede en forfærdelig og giftig tilværelse, hvilket afspejles i hansHans skildring af mødet med kristendommens dronning er sandsynligvis mere autentisk end nogen anden fortælling.

Den intense lidenskab, de bare fødder, det højtidelige udseende og den farveløse Maria-krop svarede ikke til forestillingen om Jomfruens sidste timer på jorden, og den blev derfor kasseret.

Jomfruens død (1606) af Caravaggio; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Apostlenes ansigter er fulde af usikkerhed, mens de stirrer på hende. Det sidste led til frelseren Jesus Kristus er blevet afbrudt, og de er nu alene. Maria Magdalene lænede sig til den ene side med hovedet i hænderne. Et tegn på usikkerhed og tvivl, som deles af to andre apostle. Bag de to usikre og ulykkelige apostle står Peter sandsynligvis på hendes side. Det er svært at sige, fordi det traditionelle billede af nøglerne til himlen ikke er i hans hænder.

Ikke desto mindre udstråler figuren en presserende og tillidsfuldhed. Peter var Jesu efterfølger og den første pave, så det bliver hans ansvar at samle gruppen.

David med Goliats hoved (c. 1605) af Guido Reni

Dato for færdiggørelse c. 1605
Medium Olie på lærred
Mål 220 cm x 160 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Guido Reni, en Bolognese maler, bliver ofte tilskrevet at have kodificeret en slags ideel, "klassisk" skønhed i det 17. århundrede, med fokus på harmoni i proportioner og tegning. Denne medfødte tendens til klassicisme var et produkt af hans uddannelse, som var inspireret af Raphaels modeller og filtreret via den Bolognese kunstner Carraccis teknikker. Guido, som allerede var en dygtig kunstner, var en af de mest erfarne,indskrev sig på den berømte Accademia degli Incamminati, en malerskole, der havde til formål at følge i fodsporene på de store mestre fra det 16. århundrede ved at fokusere på anatomi og livstegning.

Guido Reni bevarede den lyse sindsro og figurative præcision, som ofte har ført til, at hans værker er blevet sat i modsætning til Caravaggisti'ernes realisme og mørke dramatik i hele hans berømte karriere.

David med Goliats hoved (f. 1605) af Guido Reni; Guido Reni, Public domain, via Wikimedia Commons

Reni udviklede dog en åbenhed over for Caravaggios farver og metoder efter at være flyttet til Rom i begyndelsen af det 17. århundrede og overtog nogle af de mere overfladiske træk, såsom de stærke kontraster i lyset eller forkærligheden for historiske billeder, der er knyttet til blodige begivenheder.

En vis iskold kulde gennemsyrede hans figurer, som selv i deres mest rudimentære positioner bevarede aspekter af melankolsk ynde.

David indtager en dandyposition med en rød fjerhat og en krop, der er oplyst af et månelignende lys og knap nok skjult af en smuk kappe med pels; lyset tegner fint hans figur, mens skyggen stråler fra baggrunden. Drengen studerer Goliats afhuggede hoved; begivenheden har allerede fundet sted, og dramaet har opløst sig i meditation.

Voldtægt af Sabinerkvinderne (1638) af Nicolas Poussin

Dato for færdiggørelse 1638
Medium Olie på lærred
Mål 206 cm x 159 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Denne romerske mytologiske historie stammer fra Romulus' tid. Kvinder var en mangelvare i den nyoprettede koloni Rom. For at løse situationen henvendte romerne sig til den nærliggende sabinerstamme, men de forbød deres kvinder at gifte sig med romere. Romerne forberedte derfor en stor fest, hvor de kidnappede sabinerkvinderne og fordrev de forsvarsløse sabinermænd på et på forhånd aftalt signal.Som reaktion herpå indledte sabinerne og deres allierede en krig mod Rom.

Efter at deres venner var blevet slået i kamp, angreb sabinerne Rom, hvilket udløste en rasende kamp, som fik sabinerkvinderne til at gå i forbøn og bede om fred.

Efter krigen besluttede sabinerne at danne et fælles land med romerne. I løbet af hele den Italiensk renæssance og senere blev fortællingen repræsenteret i utallige kunstværker. Nicolas Poussin skabte to versioner af denne fabel, hvoraf den ene i dag befinder sig på Metropolitan Museum og den anden på Louvre i Paris. Begge værker illustrerer kunstnerens kraftfulde og aggressive teknik, som han brugte i mange af sine motiver fra oldtidens historie.

Voldtægt af Sabinerkvinderne (1638) af Nicolas Poussin; Nicolas Poussin, Public domain, via Wikimedia Commons

Selv om begge gengivelser af kunstværket grundlæggende er identiske - Romulus leverer det forudbestemte budskab i begge værker, og anarki dækker lærredet - er der ændringer i komposition og farver. Kunstværket på Met er mere struktureret, statisk og farverigt, mens det på Louvre er mere flydende og har flere dimensioner.

Poussin understreger terror og konflikt mellem kvinderne og mændene i Louvre-versionen på en arkitektonisk baggrund, der leder vores blik ud i horisonten med diagonaler, der er skabt af bygningerne til højre.

Kroning af Napoleon (1807) af Jacques-Louis David

Dato for færdiggørelse 1807
Medium Olie på lærred
Mål 621 cm x 979 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Napoleon står i midten med kronen i hånden og forbereder sig på at krone sin kone, Joséphine. Joséphine ligger på en pude, mens Napoleon er klædt i sin kroningsdragt, som efterligner de romerske kejseres klæder. Pave Pius VII sidder til højre for Napoleon.

Han godkender kroningen, men kun modvilligt på grund af Napoleons tvang.

Napoleons mor sidder i midten af kunstværket, klædt i en hvid kjole. Napoleons brødre, to ligeledes klædte herrer i venstre forgrund, er iført sorte huer. Til højre for Napoleons to brødre står hans tre søstre, som også er klædt på samme måde.

Kroning af Napoleon (1807) af Jacques-Louis David; Jacques-Louis David, Public domain, via Wikimedia Commons

Julie Clary, Joseph Bonapartes hustru, og Hortense, Joséphines datter, står til højre for Napoleons tre søstre. De er ligeledes identisk klædt ud. David har portrætteret sig selv, mens han observerede kroningen i baggrunden. Endelig fremstår alle 204 ansigter på billedet højtidelige, hvilket understreger begivenhedens betydning.

Det faktum, at det fandt sted i Notre Dame-katedralen, gjorde det endnu mere betydningsfuldt.

Desuden var paven personligt til stede ved ceremonien, og det var ikke frivilligt. Efter nederlaget til de pavelige soldater i 1796 tog Napoleon magten over Rom og slæbte paven til Frankrig, hvor han døde i 1799. Den kommende pave, Pius VII, kunne ikke lide Napoleon, hvilket ses af hans højtidelige udtryk i kunstværket (den eneste siddende person).

Medusas flåde (1819) af Théodore Géricault

Dato for færdiggørelse 1819
Medium Olie på lærred
Mål 491 cm x 716 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Den franske revolution udløste en stigende interesse for at skildre aktuelle begivenheder, men efter Napoleons nederlag i 1815 var der kun få malere, der var villige til at beskæftige sig med sådanne emner. Géricault var en undtagelse, selv om han adskilte sig fra sine forgængere både ved sit temperament og sin ærlighed i sin tilgang. Medusas flåde skildrer på en stærk måde individuelle lidelser snarere end gruppedramaer.

Det er et billede af følgerne af den franske flådes skib Medusa, der i 1816 sank ud for Senegals kyst. 150 overlevende gik om bord på en tømmerflåde i mangel af redningsbåde og blev ødelagt af underernæring i løbet af 13 dage, der udviklede sig til vold og kannibalisme.

Se også: Hvordan man tegner en motorcykel - Motorcykel tegning Tutorial

Da de blev reddet på havet, var der kun nogle få tilbage. Skibsforliset havde chokerende politiske konsekvenser i Frankrig - den uduelige kaptajn, der var kommet til tops på grund af sine forbindelser til Bourbon-restaurationens myndigheder, kæmpede for at redde sig selv og de højtstående officerer, mens han overlod de lavere ranger til at gå under - og derfor blev Géricaults maleri af flåden og dens beboere mødt med modstand fra deregering.

Medusas flåde (1819) af Théodore Géricault; Théodore Géricault, Public domain, via Wikimedia Commons

Maleriets grusomme realisme, præsentationen af flådekatastrofen som en episk-heroisk tragedie, og den mesterlige tegning og tonalitet er alt sammen med til at hæve det langt ud over konventionelle samtidige reportager.

Skildringen af de døde og døende, der er bygget ind i en dramatisk, omhyggeligt udformet komposition, behandlede et aktuelt emne med en utrolig og enestående iver.

Géricault udstillede maleriet på Salon 1819, Louvres årlige udstilling af moderne fransk kunst. Det modtog en guldpris, men mange kritikere kritiserede det grusomme motiv og den frastødende realisme. Géricault, der var utilfreds med modtagelsen af Medusas flåde , bragte maleriet til England i 1820, hvor det blev en fænomenal succes. Efter Géricaults død i 1824 købte Louvre-direktør Comte de Forbin maleriet af Géricaults arvinger til museet.

Dante og Vergil i helvede (1822) af Eugène Delacroix

Dato for færdiggørelse 1822
Medium Olie på lærred
Mål 189 cm x 241 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Dante Alighieri anses ofte for at være den vigtigste tidlig renæssance forfatter eller digter. Den guddommelige komedie , et episk digt skrevet på det spirende italienske sprog, satte han igen skriften på landkortet og skabte den første store bog siden Romerrigets undergang 700 år tidligere. Den guddommelige komedie er et episk digt i tre dele, der beskriver himlen, skærsilden og helvede. Eugène Delacroix' maleri af helvede er et af de mest spændende, da næsten alle på jorden er rædselsslagne for det. Det er værd at bemærke, at din frygt for helvede stammer fra Den guddommelige komedie og kunstværker som Delacroix' afbildninger af den.

Dante var blandt de første til at beskrive helvede på en levende måde, og kunsten omdannede disse beskrivelser til billeder, hvilket er grunden til, at vi i første omgang er så bange for helvede.

Dante og Vergil i helvede eller Dantes bark (1822) af Eugène Delacroix; Eugène Delacroix, Public domain, via Wikimedia Commons

Også kaldet Dantes bark Det er en dramatisk allegori med Dante i sin røde hue og Vergil, en romersk hedensk forfatter, der tilbød ham en tur i helvede!

Du kan måske genkende Michelangelos indflydelse på Delacroix, hvis du besøger det Sixtinske Kapel. Med over 300 år mellem dem var Michelangelo lige så gammel for ham, som vi er for ham, men hans virkning var enorm.

De "fordømte" er afbildet som enorme muskuløse individer, der flyder i havet, næsten levende, men ikke døde. Dæmonerne er afbildet som mere aggressive gule væsner, der gnasker på skibets sider og generelt skaber rædsel hos alle omkring dem.

Frihed i spidsen for folket (1830) af Eugène Delacroix

Dato for færdiggørelse 1830
Medium Olie på lærred
Mål 260 cm x 325 cm
Nuværende placering Louvre-museet

Den franske revolution var en æra af politiske og samfundsmæssige omvæltninger i slutningen af det 18. århundrede, der oversvømmede landet. Stormningen af Bastillen markerede den officielle start på revolutionen. På denne dag stormede en flok oprørere, hovedsageligt håndværkere og butiksejere, Bastillen, en historisk fæstning, der blev omdannet til statsfængsel. Oprørerne planlagde at få adgang til det krudt, der var opbevaret på ejendommen iud over at befri politiske fanger.

Hvad protesterede disse oprørere mod? Endelig var de utilfredse med Frankrigs kongefamilie, hvis overvældende luksus fremhævede - og forværrede - deres egen elendighed. Frankrigs borgere havde svært ved at brødføde sig selv og deres familier, fordi de var overbeskattet og underbetalt, hvilket resulterede i en række slagsmål.

Delacroix skabte Friheden fører folket i 1830, samme år som julirevolutionen ændrede den franske historie.

Frihed i spidsen for folket (1830) af Eugène Delacroix; Eugène Delacroix, Public domain, via Wikimedia Commons

Denne kamp, som alle de kampe, der blev udkæmpet under hele den franske revolution, opstod som følge af modsatrettede meninger om, hvem der skulle lede Frankrig. Ved denne lejlighed støttede begge fraktioner huset Bourbon eller huset Orléans. Karl X af huset Bourbon havde været ved magten siden 1824 på dette tidspunkt. Efter tre dages kamp blev han imidlertid afsat og erstattet af Louis-Philippe, der var medlem af huset Orléans.Orléans.

Det store billede, der foregår i Paris' gader og er fyldt med symbolik, viser parisere, der forfølger en kvindefigur.

Denne allegoriske figur, der skal afspejle frihedsbegrebet, menes at være en første prototype på Marianne, der repræsenterer den franske republik. Alle figurerne er placeret i en pyramideform med Marianne øverst, hvilket understreger hendes fremtrædende plads i kompositionen og leder beskuerens blik hen over maleriets lærred.

Hvad syntes du om vores liste over de mest berømte malerier på Louvre-museet? Der er mange kunstværker på Louvre at vælge imellem, men vi mener, at denne liste over Louvre-malerier indeholder nogle af de mest værdsatte kunstværker, som stadig den dag i dag bliver nydt af tusindvis af besøgende hver måned.

Tag et kig på vores webhistorie om Louvre-malerier her!

Ofte stillede spørgsmål

Hvilke malerier er der på Louvre?

Louvre er fyldt med tusindvis af kendte malerier og kunstværker. Der ville være for mange til at nævne dem her. Vi foreslår, at du selv besøger museet for at se deres udvalg, eller du kan kigge på vores liste over nogle af de bedste værker, du kan opdage.

Er malerierne på Louvre ægte?

Man skulle tro, at alle malerier på museet er ægte, men nye beviser tyder på noget andet. Ifølge en ny undersøgelse ser mere end halvdelen af værkerne i Louvre-museets samling ud til at være forfalskninger.

John Williams

John Williams er en erfaren kunstner, forfatter og kunstunderviser. Han tog sin Bachelor of Fine Arts-grad fra Pratt Institute i New York City og forfulgte senere sin Master of Fine Arts-grad ved Yale University. I over et årti har han undervist i kunst til elever i alle aldre i forskellige uddannelsesmiljøer. Williams har udstillet sine kunstværker i gallerier over hele USA og har modtaget adskillige priser og legater for sit kreative arbejde. Ud over sine kunstneriske sysler skriver Williams også om kunstrelaterede emner og underviser i workshops om kunsthistorie og teori. Han brænder for at opmuntre andre til at udtrykke sig gennem kunst og mener, at alle har evnen til kreativitet.