Har du nogensinde set et maleri eller en tegning, der virkede ret enkel, og tænkt: "Det kunne et barn gøre"? Eller har du nogensinde gået ind i et galleri og set et kunstværk så råt og groft, at du fandt kunstnerens uhæmmede fantasi foruroligende? Art Brut kan have noget med det at gøre. I den følgende artikel vil vi diskutere, hvad Art Brut er, og hvordan det har udviklet sig og påvirketkunst i dag, samt nogle berømte kunstnere, der bidrog til bevægelsen.

Hvad er art brut?

Definitionen af Art Brut er "rå kunst" på fransk og henviser til kunst, der er naiv, primitiv eller endog rå i stilen, skabt af kunstnere uden for den akademiske tradition inden for billedkunst og er også kendt som Outsider Art (et begreb, der blev opfundet senere i 1972 af Roger Cardinal).

Jean Dubuffet, som opfandt begrebet Art Brut i 1940'erne, og som vi vil diskutere nedenfor, definerede Art Brut som værende kunst lavet af psykisk syge patienter, graffitikunstnere, børn, spiritister, straffefanger og primitive kunstnere.

Dubuffet bemærkede, at disse kunstnere ikke var bundet af den akademiske traditions begrænsninger, men lod deres kunst flyde frit og udtrykte deres følelser og visioner uden at blive hæmmet af regler og kunstindustriens og publikums forventninger.

Ydervæggen på Can Segal-huset i Llers, Spanien, med den Hunter og Solur af José Giralt. Mange outsiderkunstnere arbejder i årevis med at skabe komplekse miljøer, der er befolket af en lang række figurer og/eller genstande af hverdagsmaterialer; JosepBC, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Outsider art eller kunst lavet af kunstnere uden for den almindelige kunstindustri er blevet en stor succes, og der er blevet udgivet tidsskrifter om emnet, og der er blevet afholdt arrangementer som f.eks. Outsider Art Fair som har fundet sted i New York hvert år siden 1993.

Art Brut-kunstværker kan også findes på en permanent udstilling på museet for moderne kunst i Lille, som indeholder mere end 5.500 kunstværker. Art Brut påvirker stadig mange kunstnere i dag, og bevægelsen lever ikke længere på kanten af samfundet, men er blevet en del af den konventionelle kultur, samtidig med at den bevarer sin spontane, rå stil.

Udsigt til museet i Halle Saint Pierre med en plakat, der reklamerer for en udstilling af Art Brut med Hoved af den hornede mand af Markus Meurer; Jacqueline 70, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Kunst af psykisk syge, børn og bønder

Kunst lavet af psykisk syge og børn samt bonde- og folkekunst har længe før Jean Dubuffet været af interesse for kunstnere, f.eks. gruppen Der Blaue Reiter i 1910'erne med kunstnere Wassily Kandinsky , Franz Marc, August Macke og andre blev inspireret af den udtryksmæssige kvalitet i disse gruppers kunst på grund af deres "primitivitet" eller mangel på uddannelse.

Scener, der er portrætteret af outsiderkunstnere, viser ofte skæve og usædvanlige idéer, ekstreme sindstilstande og indviklede fantasiverdener og kan indeholde grove og voldelige billeder.

Kunstværker lavet af mennesker med uhæmmede eller skrøbelige mentale tilstande er det, der oprindeligt inspirerede Jean Dubuffet til at skabe Art Brut-bevægelsen og dermed bidrog til at opløse stigmatiseringen af psykiske sygdomme.

Jean Dubuffet og hans bidrag til Art Brut

Jean Dubuffet fandt, at den akademiske uddannelse overskyggede den smukke kunst og hindrede den i at flyde frit. Ved at opgive traditioner og samfundets værdier sigtede Art Brut mod at skabe værker, der ikke var i overensstemmelse med de tidligere bevægelser.

Dubuffet beundrede værker af kunstnere, der stod uden for den akademiske kunsttradition, hvilket afspejles i hans eget arbejde, hvor han ønskede at efterligne det frie udtryk for samfundets begrænsninger, men han var ikke en outsiderkunstner i egentlig forstand på grund af sin status og position i kunstindustrien.

Men hans grundlæggelse af kunstbevægelsen bidrog til at skabe opmærksomhed om en gruppe kunstnere og deres arbejde, som ikke søgte selvforherligelse.

Fotografi af Jean Dubuffet i hans atelier i 1960; Paolo Monti, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Dubuffet skabte mange værker af art brut, som findes i samlinger som f.eks. på La Collection de l'Art Brut Museum i Lausanne, Schweiz, og Musgrave Kinley Outsider Art Collection, der nu befinder sig i Dublin som et lån til Irish Museum of Modern Art.

Skedaddle (L'Escampette) (1964) af Jean Dubuffet

Skedaddle (1966) er fra denne serie, l'Hourloupe som blev hans mest berømte serie. Dubuffet havde allerede en succesfuld karriere som pioner inden for Art Brut, da han begyndte denne serie, og han havde eksperimenteret med mange forskellige stilarter, men l'Hourloupe Grundlaget for denne serie var tegning med fokus på rene, tilfældige linjer, der bøjer sig i tilfældige retninger med blokke af fed rød eller blå farve på en sort eller hvid baggrund.

Det hele begyndte som en doodle med blå, rød og sort kuglepen, mens jeg talte i telefon med en ven. Det billede, der blev resultatet af den spontane bevægelse med begrænsede farver, gav anledning til den stil, som serien blev kendt for.

Flisemosaik af Jean Dubuffet med visuelle elementer fra Skedaddle ved hovedindgangen til Museum Jorn i Silkeborg, Danmark; Museum Jorn, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Nogle af Dubuffets andre berømte værker omfatter:

• Lejligheder, Paris (1946)
• Grand Maitre af Outsider (1947)
• Koen med den fine næse (1954)
• Kommentarer (1978)

Berømte Art Brut kunstnere og kunstværker

Ud over Jean Dubuffet er der andre kunstnere, der har ydet vigtige bidrag til outsiderkunst og art brut. Nedenfor vil vi diskutere nogle af disse kunstnere og nævne nogle af deres berømte værker.

Henri Rousseau (1844 - 1910)

Henri Rousseau var en autodidakt fransk kunstner, der kom til at spille en vigtig rolle i den naive kunst. 49 år gammel blev han fuldtidskunstner, og hans arbejde var kendetegnet ved sine mærkelige kompositioner og amatøragtige metoder, som vakte beundring hos kunstnere som Wassily Kandinsky og Pablo Picasso, men som vakte foragt og hån fra samtidens kritikere.

Moderne kunstnere så i hans arbejde skønheden i enkelhed, og hans stil var ikke baseret på korrekte proportioner, men snarere på et fladt, todimensionelt perspektiv og brug af usædvanlige farver.

Mig selv: Portræt - landskab af Henri Rousseau (1890); Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Drømmen (1910) af Henri Rousseau

Drømmen (1910) forestiller en kvinde i en skov omgivet af grønne blade og dyr, som f.eks. de to løver, der kigger på kvinden og på beskueren. Det er interessant at bemærke, at Rousseau tilsyneladende aldrig forlod Frankrig og derfor aldrig satte sin fod i en jungle. Værket skulle efter sigende indeholde mindst 22 grønne nuancer.

Denne scene, som ser ret malplaceret ud med en nøgen kvinde, der ligger på en sofa eller sofa midt i en jungle, minder om billeder, der findes i nogle neoklassiske malerier af odalisker, og kan have forbindelse til det 19. århundredes franske koloniale ekspansion på det tidspunkt.

Maleriet er detaljeret og levende, og dets bizarre kombination af billeder er et tegn på, hvorfor Rousseaus arbejde blev beundret af Surrealistiske kunstnere .

Drømmen af Henri Rousseau (1910); Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Nogle af Rousseaus andre berømte værker omfatter:

• Mig selv, Portræt-landskab (1890)
• Overrasket! Tiger i en tropisk storm (1891)
• Den sovende sigøjner (1897)
• Den sultne løve kaster sig over antilopen (1905)
• Slangecharmetrold (1907)

Krig af Henri Rousseau (1894); Henri Rousseau, Public domain, via Wikimedia Commons

Alfred Wallis (1855 - 1942)

Alfred Wallis var en selvlært britisk kunstner, der malede havlandskaber og skibsscenerier på en ekspressiv måde med flere perspektiver. Wallis var fisker og sømand og begyndte først at male, da han var 70 år gammel.

Selv om han havde indflydelse på moderne kunst og progressive kunstnere som Christopher Wood og Ben Nicholson, fik Wallis' værker ikke megen kommerciel succes.

Han begyndte at male med almindelig husholdningsmaling på papstykker, og hans stil blev kendt for sin interessante placering af objekter som både og bygninger ved havet i billedfladen, hvilket skabte et ekspressivt, næsten skævt perspektiv.

Alfred Wallis' gravsten på Barnoon-kirkegården i St Ives, Cornwall; Fæ, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Huse i St Ives, Cornwall (ca.1928 - 1933) af Alfred Wallis

Huse i St Ives, Cornwall (c.1928 - 1933) er et godt eksempel på den multifokale stil, der kendetegnede Wallis' arbejde. Kunstneren boede i fiskerbyen St Ives i Cornwall og malede ofte scener fra sit lokale miljø.

I dette værk ser vi forskellige bygninger, der er malet på en enkel og flad måde, og som synes at svæve i rummet, som om jorden under dem er vand.

De regler for perspektiv, som man ville have lært på en traditionel kunstskole, anvendes ikke her, idet nogle bygninger bøjer og indsnævrer sig på en surrealistisk, udtryksfuld måde. Billedet har en blå nuance, som yderligere giver det en kold, nautisk fornemmelse.

Ives af Alfred Wallis (ca. 1928); Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Nogle af Wallis' andre berømte værker omfatter:

• Ives (1928)
• Korsfæstelse eller Allegori med tre figurer og to hunde (1932 - 1934)
• Land, fisk og motorfartøjer (1932 - 1937)
• Rejse til Labrador (1935 - 1936)

Bedstemor Moses (1860 - 1961)

Anna Mary Robertson Moses, kendt som den amerikanske kunstner Grandma Moses, begyndte hver dag i midten af 70'erne og skabte værker, indtil hun blev 100 år gammel. Lige siden barndommen har hun modstået den patriarkalske stereotype af en pige eller kvinde, der hører hjemme i huset, og det kan vi se afspejlet i hendes værker, der fokuserer på de vidunderlige udendørsaktiviteter.

Romantisk og legende, travle scener med mennesker, der går deres daglige gang, dominerer hendes landskaber. Bedstemor Moses var autodidakt og arbejdede alene.

Som Outsider-kunstner havde hendes malerier et naturligt præg, men i stedet for de ængstelige og mørke følelser, der ofte forbindes med Art Brut, var hendes værker fyldt med glæde og nostalgi og lænede sig op ad en folkelig stil, der appellerede til mange uden for kunstverdenen.

Fotografi af Anna Mary Robertson Moses i 1950; National Portrait Gallery, CC0, via Wikimedia Commons

Sugaring Off (1943) af bedstemor Moses

Sugaring Off (1943), der betyder at koge ahorntræets saft, indtil det bliver til tyk sirup eller bliver til sukker ved krystallisering, var et populært tema for bedstemor Moses. På dette maleri er der en travl scene med mange figurer, der er involveret i sukkerfremstillingsprocessen. Bygninger som huse og en kirke skimter gennem det hvide snedækkede landskab. Selv om scenen er festlig, er vi ogsåmindede om det barske liv på landet om vinteren.

Denne serie af værker, hvor bedstemor Moses både antyder det travle liv på landet og dets romantiske charme, førte til stor ros. Kritikerne brød sig ikke om de dele af hendes kunst, der viste hendes manglende uddannelse, men værker som Sugaring Off gjorde hende tiltrækkende for offentligheden.

1969 Frimærke til ære for bedstemor Moses med hendes maleri Den fjerde juli ; Bureau of Engraving and Printing, Public domain, via Wikimedia Commons

Nogle af Moses' andre berømte værker omfatter:

• Shenandoah Valley (1938)
• At fange Thanksgiving-kalkunen (1943)
• Det gamle ternede hus, 1853 (1944)
• Hoosick-floden, sommer (1952)

Niko Pirosmani (1862 - 1918)

Niko Pirosmani var en autodidakt kunstner fra Georgien og dokumenterede gennem sin kunst livsstil, kultur, traditioner, miljøer og skikke i dette udviklingsland. Han er kendt for at have brugt en neutral farvepalet for det meste og billige materialer.

Pirosmani var en fattig, kæmpende kunstner og tjente ikke mange penge på de værker, han skabte, men de var mange, og han blev en berømt kunstner efter sin død.

Da han ikke havde nogen formel kunstuddannelse, var Pirosmanis stil helt unik med et dynamisk, folkekunstpræget præg, der var enkelt og alligevel virkningsfuldt.

Sovjetisk frimærke til fejring af 125-årsdagen for Niko Pirosmanis fødselsdag; Post fra Sovjetunionen, designer Русскийй: Почта ССССР, художник А. Шмидштейн Oprindeligt fra ru.wikipedia., Public domain, via Wikimedia Commons

Portræt af Ilya Zdanevich (1913) af Niko Pirosmani

Portræt af Ilya Zdanevich (1913) skildrer Ilya Zdanevich, en promotor for avantgarden og digter, der havde en betydelig indflydelse på Pirosmanis kunstneriske karriere, da han og hans bror tog nogle værker med til Moskva for at blive vist i Mål Det gav Pirosmani en større platform for at få sin kunst at se på andre steder end i barer og restauranter i Tbilisi i Georgien.

I dette portræt er figuren helt flad mod en landlig baggrund med træer og planter. Han er iført russisk tøj, men er malet i traditionel georgisk stil. Farverne er mørke og malet på overkommeligt karton, hvilket er karakteristisk for Pirosmanis arbejde.

Portræt af Ilya Zdanevich af Niko Pirosmani (1913); Niko Pirosmani, Public domain, via Wikimedia Commons

Nogle af Pirosmanis andre berømte værker omfatter:

• Fest i druepergolaen eller de tre adelsmænds fest (1905)
• Skiltet "Cold, Cold Beer" (koldt, koldt øl) (1910)
• Rådyr drikker fra en vandløb ([s.a])
• Bryllup i det gamle Georgia (1916)

Familie picnic af Niko Pirosmani (før 1918); Niko Pirosmani, Public domain, via Wikimedia Commons

Sammenfattende kan det konkluderes, at Art Brut har haft en stor indflydelse på kunstverdenen og har bragt opmærksomhed til værker, som tidligere ville være blevet overskygget, ignoreret eller kritiseret af akademikere og kritikere inden for billedkunst. Vi håber, at denne artikel har bidraget til at udvide din forståelse af denne unikke bevægelse i kunsthistorien, og at du, hvis du er blevet inspireret, kan fortsætte din udforskning af Art Brut.

Tag et kig på vores art brut-historie her!

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er art brut?

Definitionen af art brut er rå kunst på fransk og henviser til kunst, der er primitiv, uformel eller naiv i stilen. Den er skabt af kunstnere uden for den akademiske tradition inden for billedkunst eller kunstnere, der ikke har haft nogen formel uddannelse, og er derfor også kendt som Outsider Art. Ved at opgive traditioner og samfundets værdier sigtede Art Brut-kunstnerne mod at skabe værker, der ikke var i overensstemmelse med de tidligere bevægelser.

Hvem introducerede Art Brut-bevægelsen?

Jean Dubuffet (1901-1985) var en fransk maler, der gik ind for kunst, der viser mangel på formel kunstuddannelse, og som ofte er rudimentær eller primitiv i sin stil. Han er berømt for at have grundlagt Art Brut-bevægelsen i 1940'erne og var med til at skabe opmærksomhed om en gruppe kunstnere og deres arbejde, der ikke søgte selvforherligelse.