F unktionel kunst er en kunstform, der ofte overses, men som er enormt interessant, spændende og i modsætning til kunst for kunstens skyld er den også nyttig! Funktionel kunst, også kaldet "Utilitaristisk kunst", har eksisteret i århundreder og er udbredt i mange forskellige kulturer. Funktionel kunst refererer ganske enkelt til kunstgenstande, der er skabt med både æstetik og nytteværdi for øje.skulptur til møbler, bordservice og belysning - denne artikel udpensler, hvad der er funktionalitet, og hvornår det bliver til kunst.

Hvad er funktionel kunst?

For at give en definition af funktionel kunst er det nyttigt først at spørge "hvad er funktionalitet?" Funktionalitet er den kvalitet af et produkt eller en genstand, der beskriver dets egnethed til at tjene det tilsigtede formål. Funktionalitet beskriver således, hvor praktiske funktionelle genstande er.

Når man tænker på funktionel eller utilitaristisk kunst, henviser det således til en genstand, der både har en praktisk og æstetisk funktion.

Musikundervisningen keramisk skulptur, skabt af porcelænsfabrikken i Chelsea (ca. 1765), som befinder sig på Metropolitan Museum of Art i New York, USA; Chelsea porcelænsfabrik , CC0, via Wikimedia Commons

Kunst samles, udstilles eller opbevares typisk med omhu. Funktionel kunst, som ikke kun tjener et dekorativt formål, men også har praktiske anvendelser, er lige så samlerværdig og kan være lige så værdifuld som enhver anden kunstform. Flere og flere gallerier viser funktionelle genstande i deres udstillinger, og de er også ivrigt erhvervet af samlere.

Definitionen af funktionel kunst er bemærkelsesværdigt omfattende, og i det følgende afsnit vil vi dykke dybere ned i de mange forskellige eksempler og former for funktionel kunst.

Hvordan udviklede den funktionelle kunst sig?

En af de vigtigste institutioner, der spillede en afgørende rolle i udviklingen af funktionel kunst, var Bauhaus-skolen. Bauhaus-skolen blev grundlagt i 1919 af den tyske arkitekt Walter Gropius. Institutionens vision var at uddanne sine studerende på en måde, der ville udviske grænsen mellem design og høj kunst. Skolen havde et usædvanligt pensum og havde praktiserende kunstnere som f.eks. Wassily Kandinsky og Paul Klee som lærere.

Presset fra den nazistiske regering og økonomiske vanskeligheder tvang skolen til at lukke i 1933, men dens undervisning var så indflydelsesrig, at den stadig sætter sit præg på kunsten den dag i dag.

I dag kan man stadig se indflydelsen fra Bauhaus' fokus på foreningen af funktion og design i arkitektur, design og kunst. Mange universiteter og kunstinstitutter rundt om i verden har i dag fælles afdelinger med arkitektur og design, men det gælder ikke kun for uddannelsesinstitutioner, men også for museer og gallerier.

Bauhaus-bygning i Dessau, som blev tegnet af Walter Gropius, og som var det sted, der havde den længste levetid af de tre Bauhaus-bygninger (1925-1932); Spyrosdrakopoulos, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

I 1932 åbnede Museum of Modern Art sin afdeling for arkitektur og design, hvilket gjorde det til en af de første museumsinstitutioner, der anerkendte relevansen og betydningen af funktionel kunst. Funktionel kunst eksisterede dog længe før det 20. århundrede og Bauhaus-skolen.

Museum of Modern Art's designsamlinger hylder denne historie gennem sin samling af funktionelle kunstgenstande, der strækker sig over mere end otte årtier.

Samlingen omfatter også en bred vifte af genstande, der strækker sig fra biler og helikoptere til service og apparater. Museet fokuserer i overensstemmelse med sin vision sin samling på moderne tid. Funktionel kunst går dog århundreder tilbage, og indsamling og værdsættelse af brugskunst er heller ikke et nyt fænomen, da det rækker tilbage til gamle kulturer.

Eksempler på funktionel kunst

Når man skal besvare spørgsmålet "Hvad er funktionel kunst?", er det nyttigt at se på nogle eksempler på funktionel kunst. Fra gamle kinesiske vaser til funktionelle skulpturer, belysning og møbler - den funktionelle kunstgenre er meget omfattende.

Keramik og møbler er de mest almindelige eksempler på funktionel kunst, da de kan være både smukke og konceptuelle i design og kunstnerisk udførelse.

Andre interessante eksempler er f.eks. dørhåndtag eller dørklokker, som samles på grund af deres kunstneriske kvaliteter og kulturelle betydning. Der findes imidlertid mange andre former for funktionel kunst, og nogle af de mest betydningsfulde eksempler er omtalt i afsnittet nedenfor.

Mae West Lips sofa (1972) af Salvador Dalí

Et glimrende eksempel på funktionel kunst er den spanske surrealistiske kunstner Salvador Dalís røde sofa med læbeformede læber. Sofaen betragtes som en funktionel skulptur, der er lavet af polyurethanskum, der er overtrukket med blank rød maling. Læberne er inspireret af skuespillerinden Mae West, som Dalí angiveligt var fascineret af. Dalí malede skuespillerinden i 1935. I dette maleri, der har fået titlen Mae Wests ansigt, der kan bruges som en surrealistisk lejlighed Dalí malede Mae Wests ansigt i form af en møbleret lejlighed, hvor læberne var sofaer, øjnene var indrammede malerier og næsen var en pejs.

En rig britisk kunstmæcen, Edward James, der var samler af surrealistisk kunst, blev fortryllet af dette maleri.

Mae West Lips sofa udstillet på Museum Boijmans Van Beuningen i Rotterdam, Holland (2017); Sailko, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

James bestilte Dalí til at skabe den røde læbesofa som et funktionelt kunstværk til sin stue, baseret på Mae West-maleriet. Sofaen befinder sig i øjeblikket i Rotterdam på Museum Boijmans Van Beuningen, mens en anden version af sofaen befinder sig på Dalí Theatre and Museum i Spanien.

Endnu to andre versioner findes i England på Victoria and Albert Museum og Brighton Museum. Ud over disse forskellige versioner af den originale sofa har mange andre kopier og forfalskninger møbleret mange menneskers hjem.

Nogle af de mest berømte personligheder, der har ejet en udgave af sofaen, er Christian Dior og Elsa Schiaparelli.

Tutankhamun-lampe (1983) af Alberto & Diego Giacometti

Mange vil måske genkende det berømte navn Alberto Giacometti. Selv om Alberto Giacometti var en berømt billedkunstner, beskæftigede han sig også med funktionel kunst, især når han arbejdede sammen med sin bror, Diego Giacometti. Diego Giacometti støttede sin brors karriere som kunstner og blev ofte set som hans brors assistent i atelieret.

Alberto Giacomettis kærlighed til sin bror er tydelig i hans arbejde, og Diego Giacomettis ansigt optræder i mange af hans tegninger og skulpturer.

Den stærke forbindelse mellem de to brødre kan også ses i de mange arkiver af fotografier og breve, der karakteriserer deres kærlighed og respekt for hinanden. Diego Giacometti var dog mere end blot en assistent og var selv en talentfuld billedhugger. For at adskille sig fra sin allerede berømte billedhuggerbror besluttede Diego Giacometti at specialisere sig mere i møbeldesign. AlbertoGiacometti arbejdede dog også sammen med sin bror i perioder, og den broderlige duo skabte mange værker af følsomt designet funktionel kunst sammen.

Et af disse værker er "Tutankhamun Lamp", en lampe i støbeharpiks inspireret af det gamle Egypten, og mere specifikt refererer værket direkte til en alabastlampe, der blev fundet i kong Tutankhamons grav i 1922.

Giacometti-versionen af lampen blev første gang designet i 1936 af Alberto Giacometti for Jean Michel Frank. Alberto Giacometti designede den oprindelige version i gips, og han er citeret for at have elsket gipsmaterialet for dets skrøbelighed og taktilitet. Diego Giacometti støbte senere, i 1983, den samme lampe i harpiks.

Lockheed Lounge (1990) af Marc Newson

Denne slanke og kurvede loungestol i metal med sit futuristiske design er mere end blot et møbel. Designet af den australske designer Marc Newson i 1990, er den Lockheed Lounge blev solgt på et auktionshus i London i 2015 for svimlende 2.434.500 pund.

Med en pris på næsten to og en halv million pund blev stolen anset for at være det dyreste designobjekt i verden på det tidspunkt.

Lockheed Lounge (1990) af Marc Newson, som det kan ses i National Gallery of Victoria i Melbourne, Australien; I, Sailko, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Lockheed Lounge skylder sin høje pris ikke kun på grund af designerens talent og navn eller på grund af kvaliteten af de anvendte materialer, glasfiber og aluminium, men også takket være dens tilstedeværelse i en berømt musikvideo.

I 1993 brugte kulturikonet og musiklegenden Madonna denne chaiselong i sin musikvideo "Rain".

Boomerang (2006) af Ai Weiwei

Den kontroversielle Den kinesiske kunstner Ai Weiwei har en historie med at bringe hverdagsobjekter ind i det hvide kunstrum. Ai Weiwei har mange gange indrømmet, at han har ladet sig inspirere af Dada-kunstneren, Marcel Duchamp Duchamp, der er mest berømt for sit urinal og sit omvendte cykelhjul, er kendt for at bringe banale genstande ind i den hvide kube for kunstnerisk kunst.

Duchamps værk er imidlertid næsten det modsatte af funktionel kunst, da han tager noget, der havde en funktion, og gør det til kunst ved at fjerne dets funktionalitet og udstille det som et objekt, der kun skal beundres. Ikke desto mindre udfordrede Duchamps "ready-mades" forestillingerne om, hvad der betragtes som kunst, ligesom mange funktionelle kunstværker gør.

Ligesom Duchamps værk udfordrer konventioner og beder om at åbne nye muligheder for kunst, er Weiweis værk i høj grad også rettet mod at ændre betydningen af, hvad der betragtes som kunst.

Et af hans funktionelle kunstværker har form af en massiv lysekrone og har titlen Boomerang En lysekrone er et objekt, der forbindes med overdådighed, og Weiweis lysekrone synes at være den ultimative overdådighed på grund af sin glans og størrelse. Boomerang er lavet af hele 270 000 krystalstykker, der er belyst med LED-lamper.

Denne lysekrone, der er fantastisk oplyst i vandfaldsstil, fylder hele gallerirummet og har en størrelse på ca. syv gange ni gange tre meter!

Værket er ikke kun udsøgt at se på og har en belysningsfunktion, men det har også en konceptuel værdi. Lysekronen er udstillet i Queensland Art Gallery i Australien, hvilket tilføjer en kulturel læsning til værket. Lysekronen er nemlig formet som Aboriginalernes ikoniske kasteredskab, boomerangen, og med sin reference til både rigdom og kultur stiller kunstneren spørgsmålet om, hvordan man kan bruge den til at kaste med en lyskæde.spørgsmålet om, hvordan landet har opnået sin rigdom, og hvad de kulturelle konsekvenser af denne overflod er.

Realtidsserier (2009 og fremover) af Maarten Baas

Ure er måske nogle af de mest funktionelle genstande i vores hverdag, men den hollandske designer Maarten Baas ser ure som konceptuel og moderne kunst. Baas anses for at være en af de mest indflydelsesrige møbel- og objektdesignere i dag. Hans design i begrænset oplag er ofte unikke, fordi de har en ufuldkommenhed, som kunstneren/designeren hylder.

Desuden har hans designs en konceptuel betydning, da de ofte kritiserer forbrugskulturen i samfundet siden det tyvende århundrede.

Et af hans værker, der viser dette på en stærk måde, er hans I realtid urserie, som han lancerede i 2009 på Salone Del Mobile i Milano, Italien. I den I realtid serien leger Baas med spændingen mellem menneskelig kreativitet og masseproducerede produkter. I sin udforskning af tidsbegrebet udfolder Baas' I realtid serien består af flere ure, hvor 12-timers film anvendes til at vise tiden. I disse 12-timers film optræder Baas i realtid som et ur selv ved manuelt at tegne og slette urets visere, mens tiden går, minut for minut.

Schiphol-ur af Maarten Baas; Jim.henderson, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Dette skaber en illusion af, at kunstneren/designeren befinder sig fysisk inde i uret og kontinuerligt og permanent kommunikerer tiden på analog vis. Siden lanceringen af hans I realtid serien har Baas fået til opgave at udvide fra film og bedstefarsure til at omfatte en iPhone-app og endda uret i den internationale terminal i Amsterdam Schiphol-lufthavnen.

På Schiphol-uret ses en mand i arbejdstøj stå i fuld længde i det massive ur og omhyggeligt male, rense og ommale urets arme, mens tiden går. Serien blev udvidet yderligere, da Baas slog sig sammen med Carpenters Workshop Gallery, hvor de samarbejdede om ure som Rijksmuseum-, bedstemor-, klokke- og selvportræt-uret.

I nogle af hans forestillinger kan man se Baas i urene, hvor han ryger, spiser og drikker champagne.

Det britiske bibliotek (2014) af Yinka Shonibare

Yinka Shonibare er en britisk-nigeriansk kunstner, hvis værker kan betragtes som moderne og postkoloniale. Nogle af hans værker kan dog også betragtes som funktionel kunst. Det mest indlysende eksempel på dette er hans smukke stol i aluminium og rustfrit stål beklædt med hollandsk voksdug. Et mindre indlysende eksempel på funktionel kunst i hans værker er hans installation med titlen Det britiske bibliotek.

I sit arbejde beskæftiger Shonibare sig med kolonialisme og postkolonialisme, samtidig med at han udforsker spørgsmål om kulturel identitet og globalisering.

I både hans stol med titlen Windy Chair I (orange og blå), og i hans installation, Det britiske bibliotek, Shonibare bruger farverige stoffer, der er ladet med koloniale historier. Shonibare er født i Storbritannien, men tilbragte det meste af sin barndom i Lagos i Nigeria. Han vendte tilbage til London for at tage en master i Fine Arts, hvor han begyndte at undersøge postkoloniale emner inden for kunsten mere intensivt.

Kunstneren Yinka Shonibare i 2012; Daren Clarke, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Ved at bruge slående farverige hollandske voksduge i sit værk henviser Shonibare til Europas indflydelse på de vestafrikanske markeder, hvor disse stoffer blev solgt. Disse stoffer, der blev produceret i Europa og solgt i Afrika, blev tilpasset de lokale folks stil og blev hurtigt en del af den afrikanske kulturarv. Afrikanske familier bestilte endda unikke designs til festligheder og mindehøjtideligheder.Ved at bruge disse stoffer i sin kunstneriske praksis refererer Shonibare til mange komplekse forhold i forbindelse med kolonihistorie, kulturel hybriditet og tilegnelse samt spørgsmål om identitet og nationalisme.

I sit værk "The British Library" har Shonibare skabt en installation af 6.328 hardback-bøger, der hver især er dækket af farverigt hollandsk voksdug, og som er opstillet på reoler og omfatter et bord og stole.

Hver af bøgerne har navne trykt med bladguld på ryggen. Det er navne på britiske immigranter af første eller anden generation, som har ydet bemærkelsesværdige bidrag til den britiske historie. Navnene omfatter både berømte navne og mindre kendte navne. På bordet foran bøgerne kunne de besøgende få adgang til et websted (som også er en del af kunstværket) via tablets.

På dette websted kan de besøgende lære mere om navnene på de personer, der er trykt på bøgerne. Webstedet indeholder også andre former for forskning, så de besøgende kan læse og lære mere om den britiske indvandringshistorie. Webstedet hylder også indvandrernes fortsatte bidrag til den britiske kultur og historie, da de besøgende, hvis det gælder dem, kan dele deres egen indvandringshistorie.

"The British Library" er således en konceptuel og smuk kunstinstallation, der samtidig er en ressource for læring, udveksling og forskning.

Shonibare omfavnede det offentlige engagement med værket og forklarede, at værket er beregnet til at fremkalde refleksion og debat. Det siddeområde, der er skabt som en del af installationen, skaber et fysisk rum, der indbyder til denne form for interaktion, hvor diskussioner omkring identitet, tilhørsforhold, historie, kultur og tilflugt opfordres. Installationen er således mere end kunst og kan ses som et kunstværk.der tjener en kulturel funktion med henblik på læring og udveksling, både på et fysisk sted og uden for det.

Spotley Cru (2017) af brødrene Haas

Brødrene Haas er et designteam bestående af tvillingebrødrene Nikolai og Simon Haas. Brødrene Haas blev født i Los Angeles i et kreativt hjem med en far, der var maler og stenhugger, og en mor, der var forfatter og operasangerinde. Da de endnu var små, flyttede familien til Austin, Texas, hvor de to brødre lærte deres far at hugge sten og byggearbejde.

Da de var 19 år, gik brødrene hver til sit, og Nikolai Haas flyttede til New York for at dyrke sin musik, mens Simon Nikolai flyttede til Providence for at studere arkitektur og maleri på Rhode Island School of Design. I 2007 flyttede tvillingerne tilbage til Los Angeles, mens de stadig dyrkede deres musik og maleri hver for sig.

Sammen begyndte de at arbejde på små bygge- og designprojekter for venner, som gav dem bestillinger. I 2010 blev de kontaktet med henblik på en meget speciel bestilling, som ville ændre deres liv.

Sony Studios i Los Angeles kontaktede brødrene i september 2010 for at arbejde for dem på et lille Johnston Marklee-projekt, og som følge heraf blev brandet "The Haas Brothers" født. Siden dette projekt er deres brand vokset enormt og er blevet synonymt med skæve og eksperimenterende værker, herunder legende funktionelle skulpturer, kunst, mode og scenografi til film og print.medier.

De er også kendt for deres omfattende og unikke brug af materialer, der spænder fra porcelæn og messing til harpiks, perler og pels. Deres funktionelle kunstværker viser både deres dygtighed som håndværkere og deres nysgerrighed som kreative kunstnere.

Et eksempel herpå er deres sortiment af stole og sofaer, der både har stil og personlighed som mærkelige og nysgerrige dyrelignende psykedeliske monstre. Et eksempel herpå er deres berømte Spotley Cru Brødrene Haas gav stolen ekstra personlighed på et fotografi, som de har lagt ud på deres Instagram-konto, hvor stolen kigger med sine monsterøjne ind i et skævt monsterlignende spejl med teksten "Spotley Cru Vanity Moment".

Ud over møbeldesign har brødrene Haas også arbejdet med stofdesign for Versace og skabt kulisser til Lady Gagas musikvideoer. Brødrene Haas' arbejde udvisker grænsen mellem kunst og design, da de også udstilles af førende kunstgallerier og er blevet ansat af galleristen Marianne Boesky.

Brødrene Haas blev fortsat repræsenteret af designgalleriet R & Company, som udstillede deres arbejde i en soloudstilling på Bass Museum i Miami i december 2018.

Anbefalinger til læsning

Nedenstående boganbefalinger er fokuseret på kunstnere, designere og institutioner, der har udvisket grænserne mellem funktionelle genstande, design og høj kunst. Nogle bøger er mere fokuseret på kataloger, mens andre udforsker mere den konceptuelle side af funktionel kunst. Alle disse bøger vil dog helt sikkert inspirere og udvide vores forståelse af, hvad der anses for at falde ind under funktionel kunst.definition.

Ai Weiwei: Spatial Matters - kunst, arkitektur og aktivisme (2014) af Ai Weiwei

Ai Weiweis værk er allerede blevet præsenteret i denne artikel. Selv om ikke al hans kunst betragtes som funktionel kunst, er mange af hans værker både funktionelle og konceptuelle. Det, der gør Ai Weiweis funktionelle kunstværker så unikke, er hans omhyggelige overvejelser om rummet. Denne bog giver et bredere indblik i Ai Weiweis værk, især med fokus på hans tværfaglige praksis, der omfatter konceptuel kunst I samarbejde med kunstneren zoomer redaktørerne ind på de måder, hvorpå Ai Weiwei nøje overvejer de rumlige forhold i sit aktivistiske installationsorienterede arbejde.

• Rigt illustreret udforskning af Ai Weiweis installationer
• Indeholder uddrag fra Ai Weiweis berømte blog
• Fokuserer på kunstnerens brug af rummet

Kunstneres hjem (2018) af Tom Harford-Thompson

Dette er en rigt illustreret bog, hvor forfatter og fotograf Tom Harford-Thompson giver os et kig ind i kunstneres og håndværkers fantastiske bolig- og arbejdsrum. Fra musikstudier til industrielle pakhuse til et miljøbevidst træhus - denne bog vil helt sikkert forbløffe og inspirere. Bogen indeholder rum for berømte navne som Billy Childish, Penny Rimbaud og Gee Vaucher, og LiamWatson.

• Et kig på kunstneres og kreative kunstneres interiør, livsstil og huse
• Præsenterer individuelle, excentriske hjem og arbejdsrum
• Indeholder 350 illustrationer, heraf 300 i farver

Kunstnere og designere, der skaber funktionel kunst, har løbende flyttet og udfordret grænserne mellem kunst og design. Denne artikel har undersøgt de nuancer, der findes inden for funktionel kunst. Mens funktionel kunst kan forklares som noget, der både er æstetisk og har en nytteværdi, har denne artikel undersøgt, hvordan funktionel kunst kan være meget mere end blotDe kunstnere, der omtales i denne artikel, præsenterer os for forskellige måder, hvorpå funktionel kunst også kan være følelsesmæssigt bevægende, konceptuelt udfordrende og kulturelt betydningsfuld.

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er ikke-funktionel kunst?

Ikke-funktionel kunst kan typisk beskrives som kunstformer, hvis eneste funktion er at blive værdsat som et kunstværk. Denne værdsættelse kan være på et visuelt, intellektuelt eller sensorisk plan, men kunsten tjener ikke et utilitaristisk formål. Ikke-funktionel kunst kan beskrives som alle former for finere kunst, herunder maleri, skulptur, installation og fotografi for blot at nævne nogle få. Denne form for kunst erMens ikke-funktionel kunst typisk værdsættes for sin sanselighed eller æstetik, værdsættes funktionel kunst for både sin funktion og sin æstetik.

Kan musik være funktionel kunst?

I nogle tilfælde kan musikken anses for at have en social funktion, hvilket gør den til funktionel kunst. Tænk f.eks. på musik, der bruges i undervisningsøjemed. Musik bruges ofte i folkeskolen og førskolen som et nyttigt redskab til at stimulere indlæring. Ud over en pædagogisk funktion tjener musikken også andre sociale og kulturelle funktioner. Musikken er i sådanne tilfælde ikke kunsmuk, men tjener også et formål, f.eks. at give en følelse af forenet nationalitet gennem en nationalsang. Musik kan også være motiverende og opmuntrende, f.eks. når folkemængder hepper på atleter med hymner og sange. Men er musik en funktionel kunst? Dette spørgsmål har ikke et entydigt svar. Mens noget musik udelukkende er skabt til abstrakt lytning og derfor måske ikke kan ses som en kunstart, der ersom en form for funktionel kunst, kan andre former tjene en pædagogisk, social eller kulturel funktion og kan derfor betragtes som funktionel kunst.

Er mode funktionel kunst?

Ligesom med musikken kan mode også i nogle tilfælde betragtes som funktionel kunst, og i andre tilfælde ikke. Store Haute Couture modehuse som Versace, Gucci og Louis Vuitton har i de seneste årtier jævnligt samarbejdet med kunstnere for at skabe unikke stykker tøj, der både er et udtryk for kunstneren og noget, der kan bæres. Se f.eks. Takashi Murakami's Louis Vuitton håndtasker. Etablerede og velrenommerede kunstinstitutioner udvisker også grænserne mellem kunst og mode, som Metropolitan Museum of Art, der er vært for store udstillinger af forskellige modedesignere.