F rida Kahlo betragtes som en folkehelt på grund af sin særprægede karakter og forskelligartede baggrund. Hun er blevet et symbol på kvindelig viljestyrke, passion for Mexico og dets historie og vedholdenhed i modgang. Hun var frem for alt en autentisk kvinde, der stod fast på sin overbevisning. Frida Kahlos originale malerier havde typisk dybe personlige temaer og blandede virkelighed ogHvis du nogensinde har spurgt dig selv "hvad er Frida Kahlo kendt for?", så skal du ikke lede længere, for vi vil se kort på hendes liv og Frida Kahlos mest berømte malerier.

Hvem er Frida Kahlo?

Frida Kahlo var en mexicansk kunstner, der udforskede forskellige emner som race, køn og seksualitet i sine malerier. Hun er kendt for sine provokerende og ofte selvbiografiske kunstværker, og i dag er Kahlo et respekteret feministisk ikon og en berømt kunstner.

Et fotografi af Frida Kahlo, 1932; Guillermo Kahlo, Public domain, via Wikimedia Commons

Hun blev født i 1907 i det blå hus i Coyoacan, en landsby i udkanten af Mexico City. Hendes far, Wilhelm, var fra Tyskland og var emigreret til Mexico i sin ungdom, hvor han boede resten af sit liv og til sidst overtog familiens fotografiske virksomhed. Matilde, Frida Kahlos mor, var af blandet mexicansk og spansk oprindelse og opdragede Frida og hendes yngresøskende i et disciplineret og fromt hjem.

Kahlo har altid hævdet at være født i 1910, samme år som revolutionen i Mexico, for at andre kunne forbinde hende med det moderne Mexico.

Denne indsigt afslører en unik personlighed, der siden sin tidlige alder var præget af en dyb følelse af autonomi og trods mod sædvanlig moralsk og social praksis, bevæget af hengivenhed og lidenskab, som støttede sin "Mexicanidad" og traditionelle overbevisninger i modsætning til den herskende amerikanisering, samtidig med at hun bevarede en karakteristisk humoristisk sans. Hun var også kendt for sine berømte kunstcitater - du kan læsegennem dem i vores " Frida Kahlo citater " artikel.

Matilde, Adriana, Frida og Cristina Kahlo (1916); Guillermo Kahlo, Public domain, via Wikimedia Commons

Hendes liv var præget af alvorlige smerter, begyndende med polio som femårig og senere efterfulgt af en busulykke, der resulterede i omfattende skader på hendes krop. Mange af hendes mesterværker blev skabt, mens hun hvilede i sengen. Kahlos malerier er typisk præget af skildringer af smerte på grund af hendes personlige traumer, tab og mange procedurer. 55 af de 143 kunstværker er Frida Kahloselvportrætter, som ofte indeholder allegoriske skildringer af fysiske og psykiske ar.

Som ung maler kontaktede Kahlo den legendariske mexicanske kunstner Diego Rivera, som anerkendte, at Frida Kahlos kunststil var virkelig original og karakteristisk mexicansk.

De giftede sig i 1929 mod Kahlos families uvilje, blev separeret og gift igen i 1940. Hun havde flere partnere, både mænd og kvinder, herunder Leon Trotskij og André Bretons kone. Hun bemærkede i sin dagbog få dage før sin død den 13. juli 1954: "Jeg håber, at afrejsen er behagelig - og jeg ønsker aldrig at komme tilbage - Frida." Den officielle retsmedicinske rapportoplyste, at lungeblødning var dødsårsagen, selv om flere spekulerede i, at hun døde af en utilsigtet overdosis.

Selvportræt (1941) af Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Et kig på de vigtigste Frida Kahlo-malerier

Nu hvor vi har fået en bedre forståelse af personen, er det nu tid til at dykke ned i Frida Kahlos berømte malerier. De vil give os et indblik i betydningen af Frida Kahlos kunststil og motivationer. Disse malerier af Frida Kahlo vil også give os et endnu dybere indblik i hendes psyke og tanker end hendes biografi.

Frieda og Diego Rivera (1931)

Det er, som om Kahlo i dette værk prøver rollen som husmor for at se, hvordan den passer hende. Hun er ligeglad med sin status som kunstner og foretrækker at spille en underdanig og støttende rolle og gribe fat i sin kreative og berømte ægtefælles hånd. Det er sandt, at Kahlo i størstedelen af sin kunstneriske aktivitet var indhyllet i Riveras skygge, og det skulle først senere i hendes liv væreDette tidlige dobbeltportræt blev i høj grad skabt til minde om Kahlos bryllup med Rivera.

Mens Rivera holder palet og pensel, som er symboler på hans kreative evner, begrænser Kahlo sin position til ægtefællens ved at portrættere sig selv i en lille ramme og uden sit kreative tilbehør.

Kahlo optræder også i den sædvanlige mexicanske kvindelige påklædning, med en typisk purpurrød kappe kaldet rebozo og jadesmykker. Figurernes kropsholdning ligner den sædvanlige kropsholdning i ægteskabsportrætter, hvor kvinden er placeret til venstre for sin ægtefælle for at symbolisere hendes lavere sociale position som kvinde. Maleren tager fat i sin personlige palet i en skitse, der blev lavet det følgende årkaldet Frida og abortet som om traumet ved at miste et barn og ikke at kunne stifte en familie omlægger hendes fokus helt og holdent til kunstproduktionen.

Henry Ford Hospital (1932)

Et stort antal af Frida Kahlos malerier fra 1930'erne, især hvad angår skala, format, strukturel placering og rumlig konfiguration, er relateret til teologiske ex-voto-kunstværker, som hun og Rivera ejede et betydeligt bibliotek af gennem mange hundrede år. Ex-votos deponeres i templer eller monumenter som tak for forløsning, en bøn, der er blevet hørt, eller som tegn på en undgået ulykke.

Ex-votos er ofte lavet på små metaloverflader, der afbilder hændelsen samt den jomfru eller helgen, som de præsenteres for.

Kahlo anvender ex-voto-metoden, men undergraver den ved at sætte sig selv i centrum i stedet for at dokumentere martyrernes vidunderlige handlinger på Henry Ford Hospital. Hun skildrer snarere sin egen historie, som om hun er en martyr, og kunstværket er ikke skabt i taknemmelighed over for den Almægtige, men i oprør, idet hun undrer sig over, hvorfor han forårsager hendes kvaler.

På dette kunstværk ligger Kahlo blødende på en madras efter en abort. Fra den nøgne, nøgne torso løber seks åreformede strømme ud, som hver er forbundet med et symbol. En af de seks genstande er et foster, hvilket antyder, at strømmene er en analogi til navlestrenge. Resten af de genstande, der omkranser Kahlo, er genstande, som hun husker eller har set, mens hun var på klinikken. Sneglen refererer for eksempel til den tid, hvordet tog, før aborten var slut, men blomsten var en ægte ting, som Diego præsenterede hende for.

Malerinden viser sin trang til at være forbundet med alt omkring sig, både det hverdagslige og symbolske og det håndgribelige og virkelige. Måske er det gennem dette forsøg på at skabe forbindelse, at Kahlo forsøger at være moderlig på trods af sin manglende mulighed for at få sit eget barn.

Min fødsel (1932)

Dette er et foruroligende kunstværk, hvor både den fødende og det fødte barn synes at være døde. Den fødende mor har hovedet indhyllet i hvidt linned, og barnet, der kommer ud af maven, virker dødt. Da Kahlos mor netop var død på det tidspunkt, hvor hun skabte dette værk, forekommer det plausibelt at slutte, at den tilslørede begravelsesfigur er hendes mor og barnet er Kahlo. Hun havdehar for nylig mistet sit eget barn og har udtalt, at hun er den ubemærkede moderfigur. Smerternes Jomfru , som hænger over sengen, antyder, at der er tale om en skildring af forældrenes smerte og sorg.

Ved siden af de mange små skitser af sig selv skrev Kahlo i sin dagbog, at "den, der fødte sig selv, er også den, der komponerede sit livs mest udsøgte poesi".

I lighed med flere andre af Frida Kahlos originale malerier viser dette kunstværk Kahlo, der sørger over et barns død og samtidig har mod til at skabe et stort værk som følge af denne sorg. Kunstværket er udført i en hengiven stil, et lille indfødt mexicansk billede inspireret af den katolske kirkes ikonografi) med taknemmelighed til Jomfru Maria under billedet.

Kahlo har snarere ladet denne del stå tom, som om hun ikke ønsker at udtrykke taknemmelighed for hverken sin egen undfangelse eller for den omstændighed, at hun nu ikke kan få børn.

Billedet synes at formidle den opfattelse, at det er vigtigt at erkende, at undfangelse og dødelighed hænger uløseligt sammen. Mange mennesker tror, at Min fødsel blev i høj grad påvirket af en aztekisk skulptur, som Kahlo havde hjemme, og som forestiller Tlazolteotl, frugtbarheds- og jordemodergudinden.

Mine bedsteforældre, mine forældre og jeg (1936)

Dette drømmende stamtræ blev fremstillet på zink i stedet for lærred, hvilket understreger kunstnerens interesse for det 18. århundredes mexicanske retablos. Kahlo fremstillede dette værk for at fremhæve både sin europæisk-jødiske afstamning og sin mexicanske etnicitet. Hendes fars side, tysk-jødisk, er afbildet i højre side af maleriet ved havet (hvilket afspejler hendes fars rejse til Mexico),mens hendes mors halvdel, den mexicanske, præsenteres til venstre af et kort, der på en blød måde beskriver Mexicos geografi.

Selv om Frida Kahlos berømte malerier er umiskendeligt personlige, brugte hun dem ofte til at formidle undergravende eller geopolitiske idéer.

Dette billede blev taget lige efter Hitler vedtog Nürnberg-lovene, der forbød blandede ægteskaber. Her anerkender Kahlo samtidig sin blandede baggrund og konfronterer den nazistiske ideologi ved at anvende en struktur, som det nazistiske regime brugte til at vurdere etnisk overlegenhed - slægtstræet. Ud over geopolitikken minder den purpurrøde tråd, der bruges til at binde slægtningene sammen, om den navlestreng, der binder spædbørn og børn sammen.Kahlo til sin mor, et tema, der optræder i mange af Frida Kahlos malerier.

Fulang-Chang og jeg (1937)

Dette kunstværk var blandt de værker, der fascinerede André Breton, skaberen af den Den surrealistiske bevægelse da det havde premiere under Kahlos udstilling i 1938 i Julien Levys galleri i New York. Maleriet på udstillingen i New York er et selvportræt af maleren og hendes kæledyrsabe Fulang-Chang, der fungerer som stedfortræder for de børn, som hun og Rivera ikke kunne få. Portrættets karakteristik afspejler hendes fascination af Kunstværker fra renæssancen Efter udstillingen i New York blev der opsat en sekundær ramme med et spejl.

Den efterfølgende indsættelse af spejlet er en erklæring, der byder beskueren velkommen i kunstværket: Det var i de måneder, hun var tilbageholdt i hjemmet efter sin ulykke, at hun begyndte at lave portrætter, hvor hun gravede dybere ind i sit sind ved at stirre sig selv nøje på sit spejlbillede.

Set fra denne vinkel giver tilføjelsen af spejlet et overraskende personligt indblik i både malerens kunstneriske processer og hendes indre spejlbillede. Flere af Frida Kahlos selvportrætter viser primater, hunde og fugle, som hun alle havde som ledsagere.

Små edderkoppeaber, som dem, Kahlo ejede, har siden middelalderen været anset for at repræsentere Satan, blasfemi og afgudsdyrkelse og er i sidste ende blevet et symbol på menneskehedens undergang, fordærv og indbegæret af begær. Tidligere blev disse primater fremstillet som en advarsel om farerne ved besat hengivenhed og menneskehedens grundlæggende tilbøjeligheder.

På værker fra både 1939 og 1940 ses Kahlo sammen med sin abe. I en anden version, der blev færdiggjort i 1945, viser Kahlo både sin abe og sin hund. Denne lille hund, der ofte ledsager maleren, er opkaldt efter en legendarisk aztekisk gud, der menes at symbolisere torden og ødelæggelse, samt tvilling til Quetzalcoatl, som begge havde udforsket underverdenen. Alle disse billeder,især Fulang-Chang og jeg har "navlestrenge" viklet om Kahlos og væsenernes hals.

Kahlo er Madonnaen, og hendes hunde spiller rollen som det hellige (men dybt allegoriske) barn, som hun længes efter.

Dorothy Hales selvmord (1938)

Dorothy Hale var en showgirl fra USA. Hun havde et par mislykkede romancer, og hendes forretning var ved at gå i stå, da hendes ægtefælle blev dræbt i en bilulykke. Hun begik selvmord den 21. oktober 1938, fordi hun var i alvorlige pengeproblemer og var nødt til at stole på sine velhavende bekendtes gavmildhed. Hun sprang ud fra den øverste balkon i sin luksuriøse lejlighed i New York,iført sin sorte yndlingskjole og en buket små gule blomster.

Clare Boothe Luce, Dorothys nære, personlige veninde og elskerinde af Frida Kahlo samt grundlæggeren af magasinet "Vanity Fair", bad Kahlo om at male et mindebillede af deres afdøde fælles veninde for 400 dollars næsten øjeblikkeligt.

Clare ønskede at præsentere dette maleri som en hyldest til Dorothys sørgende mor. Hun gik ud fra, at Frida Kahlo ville lave et standardbillede af Dorothy, som hun ville placere over kaminkappen.

Dorothy Hales selvmord (1938) af Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Clare var forfærdet, da billedet kom i august 1939 og blev åbnet. Hun overvejede at brænde det, men hendes kammerater overtalte hende til at lade være. Dette billede er et af Frida Kahlos mest skræmmende malerier og et af hendes mest omstridte værker, da det skildrer alle stadier af Hales død.

Det forestiller Hale, der står på kanten, styrter ned mod sin død og ligger derefter på det blodige fortov nedenunder. Clare donerede billedet til Frank Crowninshield, hvis barn gav det tilbage til Clares familie, da Frank døde. Derefter blev maleriet opbevaret i årevis. Det blev privat skænket til Phoenix Art Museum og er nu udstillet der.

Kahlo var dybt bedrøvet og overvejede selvmord på det tidspunkt, hvor hun lavede dette værk, da hun for nylig var blevet separeret fra Diego. Kahlos sympati for kvinder, der er blevet bragt til desperation af mænds forladthed, kan ses i dette kunstværk.

Hvad vandet gav mig (1938)

Størstedelen af Kahlos figur er skjult i dette kunstværk. Vi præsenteres for karrets stikside samt skaberens tæer, hvilket er ualmindeligt. Derudover har Kahlo et fugleperspektiv og kigger ovenfra på vandet. Inde i vandet skaber Kahlo endnu et selvportræt, hvor det mere typiske ansigtsbillede er erstattet af en masse symbolik og tilbagevendende temaer.Billeder af hendes familie, indfødte Tehuana-tøj, en gennemboret konkylie, en livløs fugl, to kvindelige partnere, et lig, et tårn, der styrter sammen, et skib, der sejler og en dame, der synker, kan ses på dette kunstværk.

Dette værk blev offentliggjort i Bretons publikation om surrealisme og maleri, og Hayden Herrera skriver i sin bog om Kahlo, at maleren selv syntes, at dette værk var enestående.

Figurerne og tingene, der flyder i Frida Kahlos maleri, danner en på én gang vidunderlig og virkelig erindringsverden, der minder om renæssancekunstnerens kunstværker i gobelinstil. Pieter Bruegel den Ældre Kahlo udtalte, at det var et sørgeligt maleri, der beklagede fraværet af hendes ungdom. Måske repræsenterer den kvalt person i midten Kahlos indre følelsesmæssige lidelser. Malerinden var klar over de psykologiske konsekvenser af sine værker.

I en samtale med Herrera udtrykte Kahlo "det synspunkt på sig selv, som er portrætteret i dette billede" i "en langvarig metafysisk dialog." Hendes koncept handlede om det billede af sig selv, som man har, da man ikke ser sit sind.

Hjernen er noget, der ser ud, men som kan iagttages. Det er det, man tager med sig for at betragte livet. I dette maleri er skaberens hoved så passende erstattet af de indre ideer, der dominerer hendes hjerne. En labia-lignende blomst og en klump kropshår er afbildet mellem Kahlos lår, foruden en afbildning af død ved kvælning i midten af vandet.

Kunsten er ekstremt sensuel, men den viser også en besættelse af død og elendighed. Tøndeemnet i kunsten har været fremtrædende siden Jacques-Louis David's Marats død og er blevet brugt af en lang række kunstnere, herunder Tracey Emin og Francesca Woodman.

De to Fridas (1939)

Dette dobbelte selvportræt er et af Frida Kahlos mest berømte malerier, og det repræsenterer malerens indre angst efter hendes adskillelse fra Rivera. Malerinden ses på siden i moderne europæisk tøj, som hun bar ved sit bryllup med Rivera. På grund af Riveras intense patriotisme under deres ægteskab, blev Kahlo gradvist fascineret af sin indfødte arv ogbesluttede sig for at studere indfødte mexicanske klæder, som hun viser på billedet til højre. Det er den mexicanske udgave af Kahlo, der holder et vedhæng med et billede af Rivera.

Den turbulente himmel i det fjerne samt illustratorens sårede hjerte - et centralt ikon i kristendommen og et aztekisk ceremonielt offer - understreger Kahlos indre angst og kropslige lidelse.

Betydningsfulde motiver i Kahlos malerier har typisk flere betydningsniveauer; det tilbagevendende tema om blødning betyder både åndelig og kropslig angst, samt malerens modstridende tilgang til konventionelle ideer om køn og reproduktion.

På trods af at begge figurers hjerter er synlige, ser det ud til, at kvinden i den hvide europæiske dragt har fået skilt hjertet ad, og den blodåre, der løber fra hendes hjerte, er afskåret og sprøjter. Den blodåre, der løber fra hendes bryst i Tehuana-kostume, er stadig intakt, da den er forbundet med et lille billede af Diego som ung. Mens Kahlos hjerte forbliver uændret i den mexicanske dragt, er denKontinental Kahlo, der er blevet skilt fra sin elskede Diego, er frit på sit klæde.

De to Fridas er ikke blot et af Kahlos mest berømte malerier, men også hendes største værk.

Selvportræt med afklippet hår (1940)

Kunstneren er vist som en tvetydig form i dette selvportræt. Historikere tolker denne handling som en stridbar reaktion på Riveras anmodning om adskillelse, hvilket afspejler hendes såret følelse af feminin ære og identitet på grund af forholdets fejlslagne resultater. Hendes mandlige tøj minder også om tidlige familiefotos, hvor Kahlo besluttede sig for at bære en blazer. Kahlos individualitet ses også gennem hendes klippede hår.

Hun har en afskåret fletning i venstre hånd og flere hårlokker på jorden. At afskære en fletning repræsenterer en afstandtagen fra barndommen og renheden, men det kan også tolkes som en afbrydelse af et forbindelsesbånd (måske navlestrengen), der forener to individer eller to livsstile. Under alle omstændigheder var fletninger en vigtig del af Kahlos persona som den sædvanlige La Mexicana, og ved at afskære demaf, afviste hun en del af sit gamle jeg.

De lokker, der ligger spredt ud over jorden, minder om et tidligere selvportræt af den mexicanske legendariske figur La Llorona, som i dag er frataget sine feminine træk.

Mens de forladte tråde af lokker vokser aktivt ved hendes tæer, holder Kahlo en saks; lokkerne synes at have deres egen vilje, mens de spiralerer hen over gulvtæppet og hen over fødderne på hendes sæde. Over sit dystre billede har Kahlo skrevet ordene og melodien til en ballade, der brutalt siger: "Se, hvis jeg elskede dig, var det for dine lokker, men nu hvor du er skaldet, vil jeg ikke have dig længere."bekræfter Kahlos egen fordømmelse og afstandtagen fra sine feminine pligter.

I 1997 tog fotograf Elina Brotherus bryllupsbilleder, sandsynligvis som en hyldest til Kahlos kunstværk. Brotherus klippede sit hår kort til brylluppet, og hendes kommende mand holder resterne af dette hår i sine håndflader.

Gestus med at klippe sine lokker af som tegn på et vendepunkt forekommer også i andre kvindelige maleres værker, herunder Rebecca Horn og Francesca Woodman.

Selvportræt med tornhalskæde og kolibri (1940)

Kahlos fremadrettede holdning og ydre blik i dette selvportræt engagerer og konfronterer beskueren. Maleren viser Kristi optrækkende krans som et vedhæng, der knuser sig i hendes hals, hvilket repræsenterer hendes identitet som kristen helgen og den vedvarende angst, hun følte efter sit brudte bryllup. En død fugl svinger i midten af hendes vedhæng, et tegn i mexicansk folklore på lykkebringer.for romantisk kærlighed.

En sort kat, der repræsenterer uheld og tragedie, knæler under hendes skulder, og en abe, en gave fra Rivera, er placeret ved hendes side.

Selvportræt med tornhalskæde og kolibri (1940) af Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Kahlo brugte regelmæssigt planter og dyreliv i baggrunden af sine portrætter i busteformat for at skabe et lille, trangt miljø, idet hun brugte dyrelivet som motiv til at vurdere og sammenligne forholdet mellem kvindelig frugtbarhed og forsidens øde og makabre ikonografi. Symbolikken af en "død" kolibri, som ofte er et signal om stor velstand, skal omvendes. Kahlo,som længes efter frihed, er generet og bekymret over, at insekterne i hendes lokker er for skrøbelige til at komme langt, og at det døde dyr om hendes hals er blevet en hindring, som nabokatten har gjort sig til en hindring.

Det ser ud til, at kunstværket skildrer kunstnerens skuffelse over at være ude af stand til at kommunikere komplicerede indre følelser direkte.

Den ødelagte søjle (1944)

Dette maleri er en særlig gribende skildring af Kahlos mentale og kropslige kvaler. Hayden Herrera, kunstnerens biograf, siger om dette værk: "En revne som et jordskælv knækker hende i to dele." Den blottede krop hentyder til operationer og Fridas frygt for, at hun kunne falde i stykker, hvis hun ikke bar sit stålbælte.

Kunstnerens opløste rygsøjle er blevet erstattet af en knust ionisk søjle, og takkede metalsøm gennemhuller hendes torso. Denne implanterede søjles barske kulde er et ekko af den metalstang, der trængte ind i hendes mave og livmoder under ulykken. Mere generelt fremkalder det nu nedrevne arkitektoniske element billeder af den feminine krops styrke og skrøbelighed. Ud over de fysiske proportioner er denstoffet, der er draperet over Kahlos hofter, minder om Kristi lændeklæde.

Desuden viser Kahlo sine ar, som om hun var en kristen helgen; ved at identificere sig med Sankt Sebastian kombinerer hun kropslig smerte, åbenhed og erotik for at formidle ideen om psykologisk angst.

Den ødelagte søjle (1944) af Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Tårerne løber ned ad kunstnerens kinder, som de gør i mange mexicanske portrætter af Madonnaen; hendes øjne ser ud over billedet, som om hun overgiver kroppen og kalder sjælen. Som følge af portrætter som dette betragtes Kahlo i dag som en magisk realist. Hendes øjne forbliver konstante og ægte, mens resten af billedet er fantasifuldt.

Kunstværket er ikke særlig optaget af det ubevidstes funktion eller ulogiske dissonanser, som er mere almindelige i surrealistiske kunstværker. Den magiske realisme blev i stigende grad moderne i Latinamerika (især blandt forfattere som Gabriel Garcia Marquez), og forskere har posthumt inkluderet Kahlo i den.

Begrebet at blive såret på den måde, der er vist på dette maleri, er kendt på spansk som "chingada".

Dette udtryk har en række indbyrdes forbundne konnotationer og forestillinger, såsom at blive såret, beskadiget, revet op eller vildledt. Udtrykket er afledt af verbet for at trænge ind og betegner maskulin dominans over det feminine. Det vedrører offerets position. Rebecca Horns koncert- og skulpturværk fra 1970 Enhjørning blev højst sandsynligt foranlediget af kunstværket.

Horn vandrer nøgen rundt på en landbrugsslette i værket, hendes overkrop er svøbt i en stofskjorte, der ligner meget den, som Kahlo i The Broken Column Den oprejste, himmelstræbende søjle i performancekunstnerens værk er derimod fastgjort til hendes kranie i stedet for at være implanteret i hendes barm.

Præsentationen har et mytologisk og religiøst præg, som ligner Kahlos billede, men søjlen er alligevel komplet og kraftfuld igen, muligvis som en respekt for Kahlos vedholdenhed og kreative præstation.

Uden håb (1945)

Kahlo var immobil i det meste af sit liv på grund af kronisk smerte og mange operationer som følge af alvorlige skader, som hun fik i en frygtelig busulykke i 1925, samt mange sygdomme. Maleriet blev færdiggjort i 1945, efter hendes seneste sygdomsepisode, som efterlod hende udmagret og afmagret. Kahlo fik en "tvangsfodring" af fedtet, pureret mad, som blev givettil hende hver anden time.

Billedet viser en syg Kahlo med tårer i øjnene, der ligger i sin seng midt i den døde golde ørken, oplyst af både solen og månen. I aztekisk tradition repræsenterer solen menneskeofre, og Kahlo føler sig som om hun er blevet slagtet. Månen symboliserer kvinder, måske den kvindelighed, der er blevet fjernet ved hendes abort, en anden effekt af den tragiske tragedie, hun oplevede i sin ungdom.ligger under hvide medicinske tæpper, der er præget med små organismer, som repræsenterer de vedvarende sygdomme, der har inficeret hendes system.

På mange af Frida Kahlos malerier er hendes blik roligt, som om hun er forsonet med lidelsen og bærer den, men i dette maleri synes al optimisme og tålmodighed at være tabt.

Hendes arme er bundet under tæpperne, og hun har kun lidt kontrol over sin situation. En gigantisk tragt, der strømmer ind i hendes læber, hæver sig over hendes torso, en forfærdelig blanding af fisketarme, lækkende lig og andre groteske ting, der hober sig op og vælter ud ovenfra. Det store træpanel, som hendes far byggede for at give Kahlo mulighed for at skabe, mens hun var ubevægelig, har udviklet sig til den ramme, der holder tragten.Et typisk mexicansk sukkerhoved med Fridas navn på panden sidder på toppen af den rådne madbunke, i overensstemmelse med den mexicanske skik på De Dødes Dag, hvor man ærer de døde. Dette er blot endnu et slående eksempel på Kahlos dystre tilstand.

"Der er ikke det mindste håb for mig... alting flyder i takt med det, maven bærer," står der på bagsiden af kunstværket.

Den sårede hjort (1946)

Den sårede hjort, et kunstværk fra 1946, udbygger både begrebet om chingada Sebastian-emnet, som tidligere er blevet undersøgt i Den ødelagte søjle På en skoveng er den naive Kahlo, en krydsning af en kronhjort og en hun, såret og blødende, angrebet og forfulgt. Maleren sikrer hendes overlevelse ved at kigge direkte på tilskueren, på trods af at skuddene efterhånden ville dræbe hende.

Malerinden bar en perleørering som for at understrege den konflikt, hun oplever mellem sit samfundsliv og sin længsel efter at bo mere frit ved siden af vildmarken.

Den sårede hjort (1946) af Frida Kahlo; Ambra75, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Kahlo portrætterer sig selv som en fuldfed buk med enorme bryster og kønsorganer, snarere end som et sødt og sødt rådyr. Det ville ikke kun antyde, ligesom hendes matchede udseende på tidlige familiebilleder, at Kahlo er fascineret af at blande kønnene for at danne en androgen karakter, men det viser også, at hun forsøgte at identificere sig med de andre store malere i historien, hvoraf de fleste varhanner.

Læben under hjortens ben er symbolsk for de palmeblade, der blev lagt under Jesu fødder, da han landede i Jerusalem. Fra dette øjeblik og indtil sin død identificerede Kahlo sig med den katolske karakter af Sankt Sebastian. Hun færdiggjorde i 1953 et maleri af sig selv med elleve pile, der gennemborede hendes kød. På samme måde identificerede kunstneren Louise Bourgeois , der ligeledes var optaget af at fremstille smerte, brugte Sankt Sebastian som en tilbagevendende figur i sit værk.

Hun fremstillede oprindeligt motivet i 1947 som en idealiseret sekvens af former, der næppe kan identificeres som et portræt, skabt med akvarelfarver og blyanter på lyserødt papir, men senere lavede hun en tilsyneladende lyserød stofskulptur af figuren, såret med pile, der lider under overfald og er rædselsslagen, ligesom Kahlo.

Grædende kokosnødder (1951)

Frida Kahlos helbred forværredes i slutningen af hendes liv i en sådan grad, at hun ikke længere ønskede at skildre sig selv gennem selvportrætter og var også praktisk talt tvunget til at arbejde i mindre skala. Hun flyttede sit fokus til stillbilleder, da det var mere egnet til den mindre størrelse og krævede mindre nøjagtighed. På trods af skiftet i emne fra hendes velkendte figurative værker, er hendes stillbillederliv formåede at formidle en bred vifte af følelser.

Grædende kokosnødder er et stilleben bestående af citrusfrugter, et stykke papaya og to kokosnødder på en almindelig grøn baggrund. Der er også sat et lille flag i kalk, hvorpå der står "Malet med stor hengivenhed". Frida Kahlo fremstillede dette som en gave til Elena Border, men hun gav det tilbage til kunstneren, da hun ikke kunne lide de livløse, dystre farver og ønskede at bytte det med et andet værk. Kahlo dækkede dogDe to kokosnødder, der ser ud til at græde, er kompositionens omdrejningspunkt, som titlen antyder.

Kokosnødderne bliver til repræsentationer af melankoli, idet mærkerne på deres hud ligner grædende øjne.

Frida Kahlos skønhed og evner til at male begyndte at forringes i takt med, at hendes helbred blev dårligere, og hun ønskede ikke længere at afbilde sig selv, så hun valgte disse kokosnødder som et alternativt medium til at formidle sin smerte over sin skæbne. Farverne er fladere og tungere end i Fridas tidligere malerier, og arrangementet understreger ensomhed og sorg.

Penselarbejdet, der mangler den præcision og finesse, som er karakteristisk for Kahlos malerier, giver flere indikationer på hendes svigtende helbred. Denne sidestilling er særlig slående, når man sammenligner med andre malerier fra samme år. I sidste ende indfanger dette maleri Kahlos enorme vrede og sorg over at være indespærret i sin sygdomsramte ramme, som hun til sidst afviste som kreativinspiration til fordel for helt almindelige ting som de frugter og kokosnødder, hun skildrer i Grædende kokosnødder .

Og det bringer os til slutningen af vores liste over vigtige Frida Kahlo-malerier. Vi har lært, at mange af Frida Kahlos selvportrætter indeholdt symboler på hendes kampe med fysiske lidelser og usikre roller som kvinde og mexicanerinde. Frida Kahlos originale malerier har gjort meget for at kaste lys over den mexicanske kultur og kvinders situation generelt.

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er Frida Kahlo kendt for?

Frida Kahlo er anerkendt som en helt på grund af sin unikke personlighed og forskelligartede opvækst. Hun er blevet en figur for kvindelig styrke, kendt for at elske Mexico og dets historie og for at være vedholdende over for modgang. Frem for alt var hun et oprigtigt menneske, der holdt fast i sine holdninger. Frida Kahlos originale malerier var ofte dybt personlige i deres natur og blandede sandhed og fantasi.

Hvad var Frida Kahlos kunststil?

Frida Kahlos malerier var præget af meget blandede påvirkninger. Frida Kahlos berømte malerier blandede elementer fra naiv kunst med surrealisme og moderne kunst. Hun blev også betragtet som en af kunstnerne inden for den magiske surrealisme.