I Europa op gennem det 17. århundrede blomstrede en dyster type stillebenmaleri, kendt som Vanitas-maleri. Disse værker var fyldt med Vanitas-symboler, der skulle understrege livets flygtige natur, det absurde i verdslig nydelse og den forgæves stræben efter status og berømmelse. Vanitas-kunstnere fremstillede disse stillebenmalerier for at give beskueren en fornemmelse af, hvor midlertidig vores eksistens er.er.

Betydningen af Vanitas

Hvad er Vanitas-kunst? Vanitas er tæt forbundet med den ældre stil af memento mori - som kan oversættes til "glem ikke, at du skal dø" - malerier, der skulle inspirere tilskuerne til at reflektere over deres forgængelighed. I det 15. århundredes Europa begyndte memento mori at dukke op på bagsiden af portrætter, ofte med kranier afbildet i et hul og kombineret med et formanende ordsprog.

Denne sætning vil rådgive klienten om, at selv om de måske ønsker at få deres skønhed bevaret, er den bedste måde at sikre deres ånds overlevelse i det hinsides på at leve et godt liv.

I det 17. århundrede blev Vanitas-kunstværker på mode blandt Hollandske mestermalere De berømte Vanitas-malerier blev fremstillet i en periode med teologiske stridigheder som et bastion for det protestantiske mål om at betragte sig selv. Den hollandske republik, der havde kastet sig af med de katolske spanske herrer, var opstået som en triumferende protestantisk stat, og Vanitas-kunstnerne forsøgte at afspejle denne holdning gennem disse Vanitas-kunstværker.

Et Vanitas-maleri af en ukendt kunstner med teksten Wer war der Thor, wer Weiser, wer Bettler oder Kaiser? Ob arm, ob reich, im Tode gleich , som kan oversættes til "Hvem var narren, hvem var den vise mand, hvem var tiggeren eller kongen? Uanset om de er fattige eller rige, er de alle ens i døden", 18. århundrede; Anonym ukendt forfatter, Public domain, via Wikimedia Commons

Berømte Vanitas-malerier

Berømte Vanitas-malerier er subtile og rige på detaljer. De er fyldt med Vanitas-symboler Vi ser hele tiden noget nyt, når vi genbesøger Vanitas-kunstværket. Ikke desto mindre er det, Vanitas-kunstnerne i bund og grund har forsøgt at udtrykke, en barsk virkelighed. Det er sikkert, at vi skal dø, og derfor bør vi tænke over vores mål og hverdagsrutiner. Betydningen af Vanitas er at fungere som en påmindelse til os om håbløsheden i vores jordiske bestræbelser på atmidt i vores dødelighed.

Ambassadørerne (1533) af Hans Holbein den yngre

Dette enorme Vanitas-kunstværk af Hans Holbein, den mest talentfulde portrætmaler fra det 16. århundrede, gør mere end blot at fremhæve personernes rigdom og rang. Det blev fremstillet i en periode med teologisk ustabilitet i Europa, hvor kongen af England var ved at løsrive sig fra den romersk-katolske kirke, da paven nægtede at annullere hans ægteskab med sin første kone.

De ting, der ligger på bordet, synes at antyde de politiske komplikationer.

Det er også et fremragende eksempel på Vanitas-kunstnerens evne til at komponere billeder og bruge oliemaling til at frembringe en række forskellige teksturer. Under sin anden rejse til England i begyndelsen af 1530'erne skabte Hans Holbein dette billede. Han arbejdede på det i 1533, hvilket fremgår af datoen under hans autograf på jorden bag billedet til venstre.

Ambassadørerne (1533) af Hans Holbein den Yngre; Hans Holbein den Yngre, Public domain, via Wikimedia Commons

Vanitas-kunstneren signerede ikke ofte sine lærreder, og autografen her er mere kompleks end tidligere kendte eksempler, hvilket antyder, at han var meget tilfreds med dette værk. Henrik giftede sig med sin anden hustru samme år som portrættet blev skabt. Dermed undgik han pavens jurisdiktion, etablerede den engelske kirke som uafhængig af Rom og udnævnte sig selv til dens leder.

Bordet giver også plads til at udstille en række ting. Genstande som musikinstrumenter, penge, litteratur eller blomster blev ofte inkorporeret i renæssanceportrætter og supplerede den portrætterede persons repræsentation ved at antyde hans interesser, intelligens, uddannelse, forholdsstatus eller teologiske iver.

Disse artefakter er blevet forstået som et grafisk essay om de teologiske og sociale omvæltninger i midten af det 16. århundredes Europa.

Vanitas selvportræt (1610) af Clara Peeters

I tidens evige gang er et øjeblik registreret og fastfrosset i dette Vanitas-selvportræt af kunstneren. Vi er trådt ind i det, der ser ud til at være en velhavende kvindes soveværelse, som må formodes at tilhøre Clara Peeters. Vi kan se på de luksuriøse genstande, der pryder bordet, at hun ikke har nogen ønsker. Hendes ansigt er rødt af utilfredshed, hendes hoved er vippet, som om hun protesterer: "Hvad er så vigtigt?at du var nødt til at forstyrre mig?"

Hendes udtryk siger også, at hun er træt, næsten melankolsk, med alle verdens glæder og alligevel er hun stadig utilfreds.

Rigdom og smykker er spredt tilfældigt og skødesløst; hun har langt mere, end hun har brug for. Lyskilden ser ud til at komme fra venstre, måske fra et vindue. Måske har hun slet ikke bemærket os og stirrer bare ud af vinduet, keder sig med sine smykker og ting.

Vanitas-selvportræt af Clara Peeters, siddende ved et bord med kostbare genstande; Clara Peeters, Public domain, via Wikimedia Commons

Lyset fanger sølvmønterne på bordpladen og kaster et blødt glimt på lysestagen, som hælder på siden. En buket blomster giver maleriet noget liv og fremhæver det betydeligt. Læg dog mærke til blomsten yderst til højre i arrangementet. Den er slap og ser ud til at være ved at dø.

Denne mindre end subtile Vanitas-symbolik henviser til tidens gang og den endelige opløsning af alle levende organismer, herunder kvinden på billedet.

Dette Vanitas-kunstværk antyder, at alle verdslige ting og fornøjelser er forgængelige, at disse flygtige genstande i sidste ende er værdiløse, ubrugelige og i det store hele en hindring for sjælens hellighed.

Stilleben med kranium og fjerpen (1628) af Pieter Claesz

Dette er et af de første dokumenterede stilleben af Piter Claesz, en hollandsk kunstner, der gav hverdagsgenstande stor individualitet. Et kranie, et spildt glas med flygtige refleksioner, et slukket lys og en skribents værktøj antyder alle, at verdslige bestræbelser i sidste ende er forgæves. Claesz forfinede gradvist den klarhed og skarphed, der er opnået i dette værk, over en periode på mange år, i løbet afsom kan anses for at have opnået en tidlig modenhed.

Temaet kan læses som en af mange versioner af temaet om jordiske præstationer, studier, kunstnerisk udfoldelse, som i sidste ende ikke er noget værd: alt er en illusion.

Stilleben med kranium og fjerpen (1628) af Pieter Claesz; Pieter Claesz, CC0, via Wikimedia Commons

Røgpustene i lanternen og spejlbilledet i glasset er typisk for nederlandske kunstværker om det flygtige liv. Kraniet er ikke kun et indbrud i det menneskelige aktivitetsområde her; det er et kendt kendetegn for en lærer eller tænker. For den tidligere køber af et værk som dette afspejlede billedet sandsynligvis ikke blot informationens forfængelighed, men også visdommens forfængelighed.

Dette ville have været meget lig et samtidig portræt af en figur, der holder et kranie i hånden, og som udtrykte den portrætteredes overbevisning om en metafysisk eksistens i livet efter døden.

Vanitas stilleben (1630) af Pieter Claesz

De livagtige portrætteringer af tingene i vanitas-kunstværker har en metaforisk betydning, idet de informerer beskueren om tilværelsens flygtige virkelighed. I hele den hollandske guldalder tjente disse malerier som moralsk belæring i overensstemmelse med den protestantiske calvinismes tro i de nordlige dele af Nederlandene. Ikonografien af Vanitas stilleben af Pieter Claesz er fyldt med symbolik: det forgyldte ur, det tømte omvendte glas, kraniet og den slukkede olielampe henviser alle til dødelighed.

Alle disse ting advarer observatøren om forfængelighed og meningsløshed i verdslige varer og ejendele.

Vanitas stilleben (1630) af Pieter Claesz; Pieter Claesz, Public domain, via Wikimedia Commons

En tilskuer fra det 17. århundrede ville have opfattet dette som en advarsel om tidens velstand og stigende forbrugerisme. Røgpustet i baggrunden, der antyder, at olielampens lys netop er blevet slukket, giver en følelse af, at tiden uundgåeligt vil gå. Placeringen af lyskilden til venstre for Vanitas stilleben af Pieter Claesz fremhæver genstandene og fremhæver deres symbolske indhold.

Den monokromatiske baggrund samt den kontrollerede og afdæmpede farvepalet af brune og cremefarvede toner forstyrrer ikke Vanitas-kunstnerens dybere budskab.

Allegori om forfængelighed (1633) af Jan Miense Molenaer

Maleriet Allegori om forfængelighed af Jan Miense Molenaer anses for at være en usædvanlig repræsentation af Vanitas-kunstværker. Maleriet forestiller tre personer: en mor, hendes barn og hendes tjenestepige. Billedet har en række motiver, der relaterer til begreber som rigdom, overskud og lykke. Musikinstrumenterne, hendes ring, kortet på væggene i baggrunden og det tøj, som moderen og sønnen har på, er allerepræsenterer disse idealer.

Midt i al denne storhed giver kvindens bånd til sit barn en følelse af meningsløshed og meningsløshed.

Allegori om forfængelighed (1633) af Jan Miense Molenaer; Jan Miense Molenaer, Public domain, via Wikimedia Commons

Mens hendes lille barn forsøger at tiltrække hendes interesse, hviler moderen sig og kigger ud i horisonten. I denne tid synes hun at holde et spejl og en ring i hånden, som begge er tilføjet som forfængelighedssymboler. Det ser ud til, at uanset hvor desperat den unge dreng forsøger at tiltrække sin mors interesse, vil han ikke være i stand til at frigøre hende fra hendes trældom i sit meningsløse liv.

Kraniet, som hun sætter sine fødder på, understreger endnu mere eksistensens meningsløshed, da det blev tilføjet som et symbol på den forestående død og nedbrydning.

Stilleben med østers (1635) af Willem Claesz

Willem Claesz, en hollandsk maler, var kendt for sine innovative stilleben, som han fremstillede udelukkende gennem sit erhverv. Stilleben med østers er en interessant fortolkning af Vanitas-kunstværker, fordi der ikke er nogen klare Vanitas-symboler eller artefakter.

Claesz derimod viste blot ting af rigdom, såsom skaldyr, alkohol og en tazza af metal.

I betragtning af deres rigdom ser disse varer ud til at være i fuld uorden, da tallerkenerne er blevet vendt, og måltidet er blevet forladt i al hast. Et delikat Vanitas-mønster er symboliseret af en skrællet citron, der viser bitterheden indeni, og hævdes at fremstå som et metaforisk billede af den menneskelige grådighed.

Stilleben med østers, en tazza af sølv og glasvarer (1635) af Willem Claesz. Heda ; Willem Claesz. Heda, Public domain, via Wikimedia Commons

Desuden ser østersene ud til at være blottet for både næring og vitalitet, og det sammenrullede stykke papir er taget fra et skema. Begge dele menes at repræsentere tidens gang. Claesz' farvepalet i dette kunstværk er på samme tid dyster og indskrænkende, hvilket var et populært valg i hovedparten af periodens berømte Vanitas-malerier. Disse nuancer blev primært valgt for deres dystrekvaliteter og evne til at skabe en mørk atmosfære.

Den eneste lyskilde blev brugt til at advare observatørerne om deres egen forestående død.

Allegori om forfængelighed (1636) af Antonio de Pereda

Englen, der er omgivet af storslåede genstande i dette berømte Vanitas-kunstværk, antyder på subtil vis den meningsløse søgen efter magt. Kontanter og dyre juveler ligger ved siden af hende, men englen synes ikke at være bekymret over sin velstand. Det er, som om hun indser det hemmelige budskab, som billedet forsøger at udtrykke, før tilskuerne gør det.

På trods af uret, stearinlyset og kraniet, der viser, at det er muligt at dø, udtrykker dette kunstværk ikke klart temaer som melankoli og fortvivlelse for tilskueren.

Allegori om forfængelighed (1632-1636) af Antonio de Pereda; Antonio de Pereda, Public domain, via Wikimedia Commons

Det kan skyldes, at englen er bevidst om sin forgængelighed i den normale verden og ved, at hendes eksistens vil være udødelig i det hinsides. Englen, der holder et portræt af kongen af Spanien, mens den gestikulerer mod verden, illustrerer endnu en gang autoritetens meningsløshed.

Man mente, at dette begreb var forbundet med det absurde i menneskers forsøg på at dele og herske-taktikken, som blev indarbejdet i et forsøg på at gøre folk opmærksomme på det tåbelige i alle deres handlinger, så de kunne ophøre med dem.

Den sidste dråbe (1639) af Judith Leyster

Judith Leyster var en meget veletableret maler i hele det 17. århundrede, men hendes berømmelse forsvandt hurtigt efter hendes død. Der er ingen angivelser af hendes navn i købsdokumenter, og der blev ikke lavet nogen reproduktioner af hendes værker. Ikke desto mindre blev hun tidligt i sit erhverv anerkendt som den allerførste kvindelige maler i Haarlem-gildet af Sankt Lukas.

Hun blev ikke bemærket og anerkendt som en betydningsfuld kvinde i den hollandske guldalderkunst før 1893.

En skjult fortolkning af dette kunstværk drejer sig om identitetens erosion og drikkens fortabte tilstand i forbindelse med liget og det sociale scenarie i Den sidste dråbe Da skelettet nærmer sig, ser begge mænd nonchalante ud med de handlinger, de udfører. Skelettets opførsel og position tyder på, at det har det lige så sjovt som de berusede mænd.

VENSTRE: Den sidste dråbe (Den homoseksuelle kavalerist) (ca. 1639) af Judith Leyster ; Philadelphia Museum of Art, offentligt område, via Wikimedia Commons Glædelig trio (mellem 1629 og 1631) af Judith Leyster; Judith Leyster, Public domain, via Wikimedia Commons

Skeletter var almindelige figurer i 1600-tallets maleri, som symboliserede det ubarmhjertige aspekt af døden. Mændenes træk ser ud til at kunne sammenlignes med dem i Judith Leysters maleri af den Glædelig trio . Glædelig trio og Den sidste dråbe viser henholdsvis nat og eftermiddag. Glædelig trio viser den indledende fase af alkohol, som normalt finder sted om aftenen ved solnedgang. Den sidste dråbe er festens fase, efter at drikken har udviklet sig; det er nu nat, og mændene er overvældet af alkoholens virkning. Brugen af lyset mellem menneskerne og skelettet repræsenterer natmiljøet.

På dette tidspunkt af aftenen er begge mænd berusede og uvidende om, at der er et skelet mellem dem.

Den skriftige Magdalene (1640) af Georges De La Tour

Maria Magdalene var i henhold til den katolske religions lære i det 17. århundrede et eksempel på et angrende menneske og dermed en repræsentation af bodsofferets sakramente. Maria førte ifølge traditionen en udsvævende livsstil, før hendes søskende Martha opfordrede hende til at lytte til Jesus Kristus. Hun blev en af Jesu mest loyale disciple, og han rensede hende for hendes tidligereMaria er afbildet i sidebilledet, siddende ved et bord, i Georges de La Tours højtidelige maleri.

Belysningen i arrangementet kommer fra et stearinlys, men belysningen har også en metafysisk konnotation, da den giver en gylden farve på helgenens pande og tingene på bordpladen.

Den skriftige Magdalene (ca. 1640) af Georges de La Tour; Georges de La Tour, CC0, via Wikimedia Commons

Lyset kaster en skygge på Marias venstre hånd, der hviler på et kranie, der hviler på en bog. I et glas spejles kraniet. Kraniet og spejlbilledet er vanitas-symboler, der repræsenterer tilværelsens forgængelighed. De forenklede former, den begrænsede palet og hengivenheden til detaljerne skaber en melankolsk ro, der er karakteristisk for La Tours værker.

La Tours dybe naturalisme gjorde religiøse metaforer tilgængelige for alle seere.

Selv om stemningen i hans kunstværk er dybt religiøs, viser formernes fasthed og massefylde den samme vægt på præcision og proportioner, som gennemsyrer det nuværende historiske maleri, og som var et varemærke for fransk barokkunst .

Vanitas stilleben (1648) af Jan Jansz Treck

En ulmende glød fra en for længst uddød lerpibe hviler på en stenkant. Piben strækker sig fra en omvendt hjelms åbne visir og krydser et spildt timeglas. Disse artefakter er beregnet til at blive set oprejst; at se dem væltet på denne måde er beregnet til at være foruroligende. Den hårde, hvide linje fra piben, der træder frem fra visirets mørke tomhed, øger ubehaget. Selv om det kan være enstillebenmaleri, men det er ikke den typiske rolige opstilling af værdifulde relikvier, der er beregnet til fredelig refleksion.

De dyre varer nær hjelmen tiltrækker vores opmærksomhed, men den tydeligvis ustabile placering antyder samhørighed: der er intet roligt her.

Vanitas stilleben (1648) af Jan Jansz Treck; Jan Treck, Public domain, via Wikimedia Commons

Jan Jansz Treck viser en funklende rhinsk stentøjskande og en blank sortlakeret beholder. Musikinstrumenter - en fløjte, en bratsch - og et silketørklæde, der er udformet med smukke farver og guld- og sølvbroderi, er blandt de genstande, han har valgt. En linje, der går ned fra kraniets mund og ned gennem fløjten, resulterer til gengæld i et maleri af en mand, der er oppe på hovedetTørklædet er sammenkrøllet og på nippet til at falde ned på jorden. Det skulle være et billede for filosoffer, som skulle undersøges, overvejes og forstås af dem, der så det.

Filosoffer ville have elsket og forstået, hvordan kunstneren brugte lys og skygger til at skildre materialet af hver enkelt uvurderlig genstand, samt nøjagtigheden og præcisionen af hvert enkelt stykke i billedet.

Vanitas stilleben: En allegorisk fremstilling af det menneskelige livs forfængelighed (f. 1640) af Harmen Steenwijck

Der er ingen tvivl om, hvor vores opmærksomhed er fokuseret her. En markant solstråle skærer sig gennem skyggerne og viser kraniets tomme øjenhuler, som ligger til side på bordkanten. Vi kigger ned på dødelighedens billede. Men hvad med den mærkelige række af andre genstande, som udgør resten af dette spændende Vanitas-kunstværk? Det er aldrig klart, hvorfor Vanitas-symbolerneVi forstår, at berømte Vanitas-malerier blev værdsat som bevis på en kunstners evne til at skildre forskellige træk.

Struktureringen og skraveringen af rynket stof samt glansen og den skæve refleksion i metaller, glas, træværk og muslingeskaller gav en enestående mulighed for virtuose malerier, som dengang var meget ansete.

Vanitas stilleben: En allegorisk fremstilling af det menneskelige livs forfængelighed (1658) af Harmen Steenwijck; Harmen Steenwijck, Public domain, via Wikimedia Commons

Harmen Steenwijck ser ud til at have tilføjet yderligere elementer for at øge vanskeligheden, f.eks. har han sløjfet et flosset reb over grebene på keramikbægeret, foldet siderne i en af romanerne og placeret adskillige genstande, så de rager frem over bordkanten. Røntgenfotografier af billedet viser, at Steenwijck har ændret arrangementet betydeligt. Fustagen på densiden blev overmalet med en figur af en mand med en krans på hovedet, sandsynligvis en romersk kejser, et tegn på jordisk suverænitet.

Vi vil aldrig finde ud af, hvorfor Steenwijck eller hans klient valgte busten frem for kraniet; muligvis tiltrak bustens hvide eller stenfarve fokus væk fra kraniet. I stedet forstærker kolbens kurvede kontur instrumentets og kraniets kuppel.

Allegori om menneskeliv (ca. 1660) af Joris van Son

Udsøgte guirlander af sensuelle, delikate kronblade på toppen af deres pragt og frugter, der er modne på grænsen til at briste, og som kalder på vores berøring, før de bryder sammen, repræsenterede ofte religiøst betydningsfulde scener i flamsk kunst fra det 17. århundrede. Et kranie, et flimrende lys og en urramme supplerer et stilleben af genstande, der understreger den menneskelige eksistens' korthed.menneskekraniet har længe været i fokus for flamske kunstnere; faktisk beholdt mange fromme kristne i 1600-tallet et menneskehoved til deres personlige tilbedelseshandlinger.

Blandingen af et kranium, stearinlys og et ur inviterer til at tænke på Kristi opstandelse og dens løfte om evig eksistens for de fromme.

Allegori om menneskeliv (ca. 1658-1660) af Joris van Son ; Joris van Son, Public domain, via Wikimedia Commons

Kraniet var tydeligvis for meget for en tidligere ejer, da det var blevet overmalet på et tidspunkt i fortiden, og først blev afdækket i 1988 efter en ekspertundersøgelse og rensning. Van Son har tilføjet et majskolbe, et bidrag fra den Nye Verden til den kontinentale kost, sammen med blomster og frugter som rose, drue, kirsebær og torne samt sommerfugle og et insekt. I 1643 blev Joris Van SonHan blev udnævnt til mester af malergildet i Antwerpen i Sankt Lukas. Han specialiserede sig i frugtportioner, hvad enten de var spredt ud i en fristende præsentation på et bord eller i guirlander eller kranse, der omslutter en krog som denne.

Maleren foretrak denne kartouchestil i 1650'erne.

Allegori over verdens forfængelighed (1663) af Pieter Boel

Pieter Boel, en fremtrædende flamsk Vanitas-kunstner, udmærkede sig gennem hele sin levetid ved at lave overdådige stilleben. På grund af sin omhyggelighed og usædvanligt store skala betragtes dette maleri som et mesterværk blandt Vanitas-kunstværker.

Når man ser værket, bliver publikums opmærksomhed tiltrukket af den barokke majestæt, som afspejles af de enorme symbolske billeder, der er til stede.

Den viser kunst (melodier, skulpturer og kunstværker), ære (tunge rustninger, klinger, våben), tidsmæssig autoritet (verdslige eller religiøse kroner), guddommelig energi (hovedbeklædning og krucifiks), rigdom (kobber, guld, ædelstene, gevandter og værdifulde stoffer) og visdom (globus og tidsskrifter), der er stablet op som et tårn i et ødelagt palæ eller kapel.

Stor Vanitas: Allegori over verdens forfængelighed (1663) af Pieter Boel; Pieter Boel, Public domain, via Wikimedia Commons

På toppen af bunken hviler en kran med laurbærblade, mens en jernamulet uden start og slutning ved siden af repræsenterer uendelighed. Flere ting, såsom en rustningsplade og bueskydningspile, henviser til karakteren af krigens fiaskoer.

Ved siden af disse genstande er der mange akademiske Vanitas-symboler, såsom lærebøger og manuskripter, repræsenteret.

Biskoppens hat, krone, den toppede hovedbeklædning og fløjlsbløde silkekjole er alle udtryk for luksus. Selv om disse økonomiske emblemer antyder religiøs og politisk autoritet, er der en konflikt. Jo længere man kommer gennem disse artefakter, jo mere forbliver disse ting som en klar påmindelse om, at skæbnen trods alt overvinder alt.

Vanitas stilleben med et kronet kranium (1689) af Evert Collier

Tænk på Colliers skildring af en perlekæde og andre skatte, der strømmer ud af en åben kiste. Ved siden af kisten står en Nautilus-beholder, der har fået sit navn, fordi det var en skål, der var konstrueret af en mejslet og forfinet nautilusskal og derefter sat af guldsmede på en slank sølv- eller guldstængel for at øge overdådigheden. Et kranie med en krans står foran Nautilus-bægeret. Kranietsidder på en omvendt krone, hvorunder der er lukkede pumper og et besat sværdblad. Sværdets håndtag fanger et budskab på bordkanten.

Budskabets latinske tekst er en advarsel: "Ingen må kaldes glad, før man dør", og det er en advarsel om ikke at kalde nogen heldig eller glad, før han har smagt på alt, hvad livet har at byde på.

Vanitas stilleben med et kronet kranium (1689) af Evert Collier; Evert Collier, Public domain, via Wikimedia Commons

På bordpladen bag kisten hviler et ulmende lys indpakket i vedbend, som dog er svært at se på billedet. Til højre for kraniet kan man se et åbent rum. Hvad betyder det hele? Kort sagt, vores forgængelighed. Inddragelsen af kraniet tjener som en påmindelse om døden og identificerer straks værket som et vanitas-kunstværk. Denne skulptur indeholder dog mere endbetydning end blot kraniet, der betyder død.

Hvis du håber på at gennemføre håndværksprojekter, hvor du har brug for maling, der kan bruges til mange forskellige overflader, er håndværksmaling den bedste løsning! Konsistensen er glat, cremet og nem at bruge.

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er Vanitas?

Vanitas er en kunstart der fokuserer på døden. Det er en underkategori af memento mori-kunstværker. Gennem dette kunstværk kunne Vanitas-kunstnerne kommunikere, at livet er kort, og at det var et hult og tomt ønske at forsøge at leve livet udelukkende for at opnå berømmelse og anerkendelse. De første af disse malerier optrådte på bagsiden af portrætter for at minde den person, der bestilte malerierne, om, at det at indfange deres udseende ikkeikke stoppe den uundgåelige dødsmarch.

Hvad er betydningen af Vanitas?

En vanitas er et metaforisk kunstværk, der skildrer tilværelsens flygtighed, spild af nydelse og dødens uundgåelighed, og som ofte sætter billeder af velstand over for symboler på livets skrøbelighed og dødelighed. Vanitas-stilleben, en populær genre i Nederlandene i det 17. århundrede, er den mest kendte; de er dog også blevet lavet i andre epoker og i andreOrdet vanitas betyder "tomhed", "meningsløshed" eller "uværdighed", og den konservative religiøse opfattelse er, at verdslige ejendele og bestræbelser er flygtige og meningsløse. Det henviser til bibelske skrifter, hvor vanitas repræsenterer det hebraiske udtryk hevel , som også omfatter begrebet "forgængelighed".