Renæssancen, der varede i over tre århundreder, viste sig at være en af de mest populære kunstbevægelser, der kom fra Europa. Mange kunstnere, der blev set som en genoplivning af klassisk lærdom og visdom, skabte malerier og skulpturer i den typiske renæssancestil. Dette har ført til, at utallige kunstværker fra denne æra er blevet studeret gennem kunsthistorien, da renæssancens værker har vist sig at være utroligtNogle af de mest berømte malerier, der nogensinde er blevet lavet, stammer fra renæssancetiden, hvilket viser bevægelsens uendelige betydning.

Hvad stod renæssancens kunstbevægelse for?

Mellem det 14. og det 17. århundrede dominerede renæssancen den europæiske kunstscene, og denne stil kom til at påvirke mange områder af samfundet. En række aspekter ud over kunsten, såsom religion, litteratur og politik, viste en mærkbar ændring i løbet af renæssancen, hvilket beviste bevægelsens betydning. Der var opstået en øget bevidsthed om naturen på grund af dengenopblomstring af græske og Romersk kunst teknikker, som førte til, at mange kunstnere fortsatte med at skabe virkelig pragtfulde skulpturer og malerier.

Renæssancen startede som en kulturel bevægelse i Italien og bredte sig hurtigt til store dele af Europa.

Renæssancebevægelsen strakte sig over ca. 300 år, og den type malerier, der blev skabt, var udtryk for en revolutionerende periode i kunsten, som endnu ikke er blevet overgået. Mange af disse kunstværker beundres stadig i dag, og flere berømte renæssancemalerier anses for at repræsentere toppen af det, som traditionel kunst står for. Renæssancekunst har bevist sin evne til at modstå tidens hårde prøvelser, hvilket yderligere har vist, at den er langtidsholdbar.

Da mange værker blev bestilt af den katolske kirke, blev mange af de mest ikoniske renæssancemalerier fundet i form af fresker Det skyldtes, at landet dengang blev betragtet som den katolske kirkes centrum, og at freskomalerierne på lofterne skulle trække publikums blik op i himlen. De fleste af disse berømte renæssancekunstværker er stadig i god stand og pryder det indre af Italiens fineste kirker og katedraler i dag.

Renæssancen spillede en afgørende rolle for at føre Europa ud af den mørke middelalder og ind i en moderne æra af oplysning.

I denne gyldne tidsalder tog maleriet et stort spring fremad med hensyn til materialer og teknikker, hvor nøjagtige anatomiske afbildninger af den menneskelige form og lineært perspektiv blev de vigtigste fokuspunkter. Humanismens filosofi opstod, hvilket tvang kunstnerne til at se på antikkens teknikker. Dette gav dem mulighed for at repræsentere det universelle menneske og dets plads i verden.verden i deres kunstværker.

Kristi flagellation (1460) af Piero della Francesca, der viser mange karakteristika ved renæssancekunsten, såsom lineært perspektiv og brugen af lys og skygge; Piero della Francesca, Public domain, via Wikimedia Commons

Afvigelsen fra den idealiserede religiøse ikonografi, der blev berømt i middelalderen og varede indtil begyndelsen af renæssancen, gav mulighed for nye repræsentationer af himmelske emner kombineret med en rigere og mere menneskelig følelsesmæssig karakter.

Renæssancekunstnere udviklede og perfektionerede en række teknikker, der gjorde det muligt for dem at skabe ekstrem dybde, nøjagtighed og korrekt proportionerede figurer i deres malerier og skulpturer. Dette løftede de fremstillede kunstværker, da de gav beskuerne mere autentiske og ægte scener.

De 15 mest berømte renæssancemalerier, der nogensinde har eksisteret

Som den mest ikoniske kunstbevægelse nogensinde har renæssancen givet anledning til mange bemærkelsesværdige malerier, som har fundet vej ind i den nuværende popkultur i dag. Selv om mange kunstnere har været med til at forme udviklingen af renæssancen, er det kun nogle få udvalgte kunstnere, der er særligt roste og husket for deres bidrag.

Selv om den følgende liste ikke er særlig udtømmende, vil vi se på de mest respekterede og berømte malerier fra renæssancen.

Judas' kys (1306) af Giotto

Malet af den italienske maler og arkitekt Giotto di Bondone i 1306, Judas' kys har givet inspiration til utallige kunstnere, der er kommet efter dens oprindelige skabelse. Dette kunstværk, der skildrer det øjeblik, hvor Judas forrådte Jesus, er også almindeligvis blevet omtalt som "Kristi forræderi". Ifølge Bibelen skulle Judas' bedrag have fundet sted kort efter den sidste nadver, da han identificerede Kristus ved hjælp af et kys, inden han meddelte det tilde omgivende romerske soldater.

Da Jesus var blevet identificeret, blev han arresteret og senere henrettet. Judas' kys repræsenterede et vigtigt øjeblik inden for kristendommen, og denne begivenhed har siden præget udtrykket "Judaskysset". Giotto malede en aftenscene, der fandt sted i Getsemane Have, og som yderligere understregede maleriets dramatik.

Ved at placere utallige figurer i baggrunden af kompositionen skabte han en overvældende følelse af sikkerhed omkring Kristi forestående død.

Nr. 31 af Scener fra Kristi liv : 15. Kristi arrestation (Judas' kys) (1304-1306) af Giotto di Bondone. Scrovegni-kapellet, Padova, Italien; Giotto di Bondone, Public domain, via Wikimedia Commons

Giotto malede det i Scrovegni-kapellet i Italien som en del af en fresko-cyklus og var i stand til at skildre en virkelig konfronterende og meget følelsesladet scene. Judas' kys viste sig at være den mest populære og mest eftertragtede fresko fra den gruppe af malerier, som Giotto lavede, hvilket fik mange kritikere til at sige, at ingen anden kunstner kunne overgå kvaliteten af hans værker. Giottos evner som maler blev endnu mere tydelige i dette kunstværk, da han var i stand til at fange både Judas' og Jesu udtryk uden brug af ord på en dygtig måde.

En anden grund til, at Judas' kys er et så ikonisk kunstværk, fordi man mente, at det markerede afslutningen på den velkendte og sædvanlige middelalderlige malerstil. Dets fremkomst på kunstscenen blev anset for at annoncere den nye bølge af den kunstneriske revolution, der blev kendt som den tidlige renæssance. På det tidspunkt, hvor det blev skabt, Judas' kys og de andre freskomalerier i gruppen blev anset for at være de mest moderne kunstværker af nogen kunstner.

Dette maleri satte virkelig standarden for den nye renæssancebevægelse og dens kunstnere.

Bebudelse (ca. 1472 - 1475) af Leonardo da Vinci

Den måske største kunstner fra renæssancen var Leonardo da Vinci, som efter alt at dømme blev betragtet som indbegrebet af "renæssancemennesket". Et af hans bemærkelsesværdige værker, malet omkring 1472 og 1475, var Bebudelse Dette kunstværk blev malet, da han kun var 20 år gammel, og det viste visse karakteristika og træk, som endnu ikke blev betragtet som "Leonardeske" sammenlignet med hans senere værker.

På dette maleri har da Vinci afbildet en engel til venstre og Jomfru Maria til højre med en prædikestol placeret mellem dem.

I en afgrænset have foran et renæssancepalads knæler ærkeenglen Gabriel foran Jomfru Maria og giver hende en lilje. Trods denne handling forbliver Jomfru Maria siddende i en værdig position bag læsepulten, hvor hun ser ud til at læse. Englen, der er vist som en fantastisk ungdommelig engel med sin høje pande, elegante vinger og overdådige klæder, mødes af MariasHendes positur er også blevet beskrevet som stærk, hvilket understregede hendes monumentale karakter.

Bebudelse (ca. 1472-1475), af Leonardo da Vinci, Uffiziermuseet; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Sammensætningen af Bebudelse fulgte en ældgammel model, hvor en engel er placeret til venstre og Jomfruen til højre med et læsebord som adskillelse. Denne komposition åbner sig så sædvanligvis ud til et vidtstrakt landskab, som det ses i baggrunden af dette værk. Da Vinci arbejdede med dette traditionelle og religiøse tema på en meget jordnær og naturlig måde, som det fremgår af englen. Han viser sig at have ægtesubstantialitet gennem hans skygge, der kan ses på græsset, samt gennem de realistiske folder på hans tøj.

Da Vinci anses for at være et relativt ungt værk af da Vinci, og man ved meget lidt om dets oprindelige placering eller om hvem der bestilte det.

Et aspekt, der uundgåeligt forbinder dette værk med da Vinci, er den konventionelle brug af mørke farver, der er blandet, hvilket var et varemærke i de fleste af da Vincis andre værker. Der kan findes nogle anomalier i Bebudelse Dette er dog blevet tilskrevet da Vincis unge alder, da han skabte dette værk, da han stadig skulle komme til at beherske mange teknikker.

Klagesang over Kristus (ca. 1475 - 1501) af Andrea Mantegna

Malet af den italienske kunstner Andrea Mantegna engang mellem 1475 og 1501, Klagesang over Kristus eksisterer som et kendt maleri fra renæssancebevægelsen. Også kendt som Klagesang over den døde Kristus eller Den døde Kristus , forestillede dette kunstværk Kristi lig, der ligger med ansigtet opad på et marmorbord, og til venstre ses han af Jomfru Maria, Sankt Johannes og Sankt Maria Magdalene, der alle sørger over hans død.

Temaet med klagesang viste sig at være populært i renæssancen, men Mantegnas behandling af Kristus var ret usædvanlig for perioden.

De fleste andre klagemalerier viste typisk mere kontakt mellem Kristi legeme og de sørgende selv, hvorimod afstanden mellem disse to subjekter understreges i Mantegna's Klagesang over Kristus På trods af dette viste Mantegnas maleri et smertefuldt studie af en forkortet krop i en yderst følelsesladet fremstilling af en bibelsk tragedie.

Klagesang over den døde Kristus (1490) af Andrea Mantegna; Andrea Mantegna, Public domain, via Wikimedia Commons

Både realismen og ødelæggelsen af denne scene blev forstærket af Mantegnas stærke perspektiv, som han brugte til at overdrive og forstørre den liggende Kristus, og han fortsatte med at fremhæve nogle af Kristi anatomiske detaljer, som hans brystkasse, samt at skildre hullerne i hans hænder og fødder og de sørgende menneskers sammenkrøllede ansigter i et utroligt hårdt lys.

Dette blev gjort for at minimere enhver form for idealisme, da Mantegna ønskede at skabe et kunstværk, der fuldt ud kunne indfange den gribende betydning, der ledsagede Kristi død.

Kristi klagesang menes at være lavet til Mantegnas eget gravkapel, da det først blev fundet af hans sønner efter hans død. Maleriet blev dog hurtigt solgt for at betale hans restgæld, inden det fandt vej til Pinacoteca di Brera i Milano. Dette kunstværk findes som et af de mange eksempler på Mantegnas ekspertise i perspektiv, hvilket bevises af størrelsen på Kristi fødder. Mens Kristi krop varMantegna var tvunget til at reducere sine fødder på en dygtig måde, så de ikke dominerede kompositionen.

La Primavera (1477 - 1482) af Sandro Botticelli

Bemærkelsesværdig italiensk maler Sandro Botticelli skabte en håndfuld ikoniske renæssancemalerier i løbet af sin karriere. La Primavera , malet mellem 1477 og 1482, skildrer en helt mytologisk scene og anses for at være et af de mest berømte malerier i vestlig kunst. Kunstværket, hvis titel kan oversættes til "forår" på italiensk, er gennem årene også blevet omtalt som "Allegori over foråret". I dette maleri har Botticelli portrætteret en række figurer fra den klassiske mytologi og placeret dem i hvadsyntes at være et skovområde.

Det, der gjorde dette maleri så fascinerende, var imidlertid, at Botticelli valgte at præsentere forskellige mytologiske figurer i en bestemt opstilling udelukkende af æstetiske årsager.

På grund af dette, La Primavera fulgte ikke en egentlig fortælling, da der ikke var nogen særlig historie, der blev tydelig, når man så værket. Både Botticellis inspiration bag dette værk, og hans formål med at male det, er stadig ukendt i dag. La Primavera's mystikken har bidraget til den store tiltrækningskraft, der er forbundet med dette kunstværk, da der findes mange forskellige fortolkninger af det.

La Primavera (forår) (ca. 1480) af Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Public domain, via Wikimedia Commons

Ses som et godt eksempel på den berømte renæssancekunst, La Primavera er generelt blevet anset for at være en allegori om forårssæsonen, selv om der ikke er nogen beviser for dette. Den centrale figur af Venus, kærlighedens og begærets gudinde, kan ses med de tre gratier, der danser ved siden af hende til venstre. Andre gudinder er også afbildet, såsom Chloris til højre, der bliver fulgt af figuren af vestenvinden, før hun forvandler sig til gudinden Flora.Budbringerguden Merkur er også afbildet yderst til venstre, mens Amor svæver over Venus.

På trods af at der er nogle genkendelige figurer på maleriet, har der været megen debat blandt kunstkritikere og forskere om dets sande betydning.

Dette har ført til, at Botticellis værk er blevet betragtet som et af de mest omtalte og kontroversielle malerier, der findes, på grund af de mange forskellige forklaringer, der kan knyttes til scenen, La Primavera er blevet nævnt som et af de tidligste eksempler i det vestlige postklassiske maleri, der viser en ikke-religiøs scene, hvilket ud over de slående farver var ret usædvanligt på den tid.

Tilbedelse af de tre konger (1481) af Leonardo da Vinci

Et andet berømt kunstværk fra renæssancen, som Leonardo da Vinci skabte, var Tilbedelse af de tre konger , som han malede i 1481. Da Vinci fik bestillingen til dette værk af augustinermunkene i San Donato i Scopeto i Firenze, men endte med at efterlade maleriet ufærdigt, da han flyttede til Milano et år senere. Selv om det er ufærdigt, Tilbedelse af de tre konger betragtes som et stort værk af konceptuel og formel kompleksitet.

Siden 1670 har kunstværket været opbevaret i Uffizierne i Firenze, hvor det stadig kan ses i dag.

Da Vinci afbildede Jomfru Maria og barnet i forgrunden af sin komposition. Ved at placere de hellige konger, som knælede i tilbedelse, til højre for dem, kunne han danne en slags trekantet form, som blev fuldendt af de ledsagende figurer, der omgav de to. Nogle kritikere har sagt, at da Vinci i sit publikum har inkluderet et selvportræt af sit yngre jeg, som det fremgår af figurenAndre genstande, der kan ses, var bl.a. en ruin af en hedensk bygning, som var ved at blive repareret.

Leonardo da Vincis ufuldendte Tilbedelse af de tre konger (1480-1482); Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Bygningen blev anset for at være en sandsynlig henvisning til Maxentius' basilika. Ifølge en gammel middelalderlig legende erklærede romerne, at bygningen ville holde, indtil en jomfru fødte. Således kollapsede bygningen angiveligt den nat, hvor Kristus blev født. Selv om den faktiske bygning først eksisterede langt senere, inkluderede da Vinci en forberedende tegning af ruinerne i Tilbedelse af de tre konger Den store palme i midten af værket skulle være en anden henvisning til Jomfru Maria, som sad under den.

"De tre kongers tilbedelse" er muligvis et af da Vincis mest ejendommelige og samtidig mest nyskabende malerier.

Ved at kombinere publikumsmedlemmerne med de bevæbnede ryttere, der ses i baggrunden, var da Vinci i stand til at forvandle et almindeligt og almindeligt bibelsk emne til en scene, der kunne tages fra menneskets historie. Selv om dette maleri anses for at være bemærkelsesværdigt for sin ekstreme kraft, blev det sendt til restaurering i 2011. Seks år senere, Tilbedelse af de tre konger fremstår som et meget renere og lysere kunstværk i forhold til det, det oprindeligt var.

Venus' fødsel (1485 - 1486) af Sandro Botticelli

Et af de måske mest berømte renæssancemalerier, der udsprang af denne bevægelse, var Venus' fødsel , som også blev det mest betydningsfulde maleri, der blev skabt af Sandro Botticelli . malet mellem 1485 og 1486, Venus' fødsel blev antaget at være blevet bestilt af den Medici-familien til en af deres soveværelsesvægge.

Ligesom hans andet maleri, "La Primavera", blev dette Botticelli-kunstværk anset for at være revolutionerende, fordi det portrætterede en ikke-religiøs scene fra den klassiske mytologi i så stor skala.

I sin komposition har Botticelli afbildet den romerske gudinde Venus, der stiger op af havet og ankommer til Cyperns kyst i en muslingeskal. Venus, der er fuldt udvokset og helt nøgen, ses som en ren og moden kvinde, der fint har placeret sit erotisk ladede hår over sin krop for at understrege sin beskedenhed og ydmyghed. Venus' fødsel blev skabt i en tid, hvor nøgne motiver blev almindelige i malerier, og Botticelli lagde stor vægt på sin fremstilling af Venus, idet han sørgede for at gengive alle detaljer korrekt.

Venus' fødsel (ca. 1485) af Sandro Botticelli; Sandro Botticelli, Public domain, via Wikimedia Commons

Venus i næsten livsstørrelse viste sig at være ret kontroversiel, da nøgne motiver af denne størrelse var næsten uhørt i vestlige malerier på det tidspunkt. Da Venus' positur skulle hylde den klassiske græsk-romerske kunst, var hendes holdning således en reference til tidens klassiske skulpturer. Botticelli syntes dog at have overdrevet hendes figur til et punkt, hvor den blev anatomiskumulig, hvilket gjorde dette arbejde endnu mere skeptisk.

Der er blevet foreslået mange fortolkninger af dette maleri, og den mest populære analyse mener, at Botticelli repræsenterede den neoplatoniske idé om guddommelig kærlighed gennem Venus. Efter sin død begyndte Botticellis omdømme at vakle, sammen med Venus' fødsel Ikke desto mindre blev hans betydning genoplivet i slutningen af det 19. århundrede, hvor dette maleri blev internationalt berømt.

Som et af Botticellis fineste renæssancekunstværker har dette maleri siden da været et af de mest værdsatte malerier gennem historien.

De jordiske glæderes have (ca. 1490 - 1510) af Hieronymus Bosch

Triptykker fra renæssancen var fortsat en populær form for maleri gennem hele bevægelsen, og der var især én kunstner, som formåede at skille sig ud med sine bemærkelsesværdige værker. Den hollandske maler Hieronymus Bosch er blevet husket for sine stærke fortællende panelmalerier med Have af jordiske lækkerier der eksisterer som hans mest berømte værk.

Det er malet et sted mellem 1490 og 1510, men der findes ingen nøjagtig dato for dette store kunstværk.

De jordiske glæderes have (mellem 1490 og 1500) af Hieronymus Bosch; Hieronymus Bosch, Public domain, via Wikimedia Commons

Der vides ikke meget om Boschs banebrydende mesterværk, bortset fra at det blev sponsoreret af Engelbert II af Nassau af Bruxelles, og at det er det mest vellykkede og fremragende af hans kunstværker, De jordiske glædernes have blev anset for at være en altertavle og bestod af tre indre dele, som skulle læses fra venstre mod højre.

Hvert panel var utroligt vigtigt for den overordnede betydning af Boschs værk, da de viste Edens Have, der flyder ind i Helvede, som det tredje panel repræsenterer.

I det første panel er den sande oprindelse af De jordiske glæderes have kan ses gennem afbildningen af Gud, Adam og Eva nederst til højre, men det midterste panel viste sig at være det mest betydningsfulde, når man ser på maleriet . Her illustrerede Bosch væksten i både Edens Have og menneskeheden, idet man kan se de forskellige figurer interagere på en ekstatisk måde med hinanden. Omgivet af ekstraordinære skabninger, dyr og frugter skulle dette panel repræsentere øjeblikket før mennesket blev forvist fra paradiset.

En detalje af det centrale panel i De jordiske glæderes have (mellem 1490 og 1500) af Hieronymus Bosch; Hieronymus Bosch, Public domain, via Wikimedia Commons

De selvoptagede handlinger af figurerne i midten var tænkt som en teaser på det, der kunne følge, hvilket var en skildring af den Den sidste dom i det sidste panel. Gennem historien er dette maleri blevet fortolket som en didaktisk advarsel om farerne ved livets fristelser og om menneskehedens liv efter syndefaldet. Forskellige fortolkninger af Edens have panel har afdækket dens indviklede symbolik, og mange kunsthistorikere er stadig uenige om, hvorvidt det er en sand moralsk advarsel eller en scene af en tabt utopi.

Den sidste nadver (1495 - 1498) af Leonardo da Vinci

Endnu et berømt renæssancekunstværk af Leonardo da Vinci er Den sidste nadver , som blev malet mellem 1495 og 1498. Det anses for at være da Vincis bedste kunstværk og blev bestilt af hertugen af Milano til refectoriet i Santa Maria delle Grazie-klosteret i Milano, hvor det stadig kan ses i dag. Som mange andre berømte renæssancemalerier, Den sidste nadver er en religiøs scene, der forestiller Jesu sidste nadver med sine tolv apostle.

Inden for Den sidste nadver viste da Vinci sin mesterlige fremstilling af realisme, da han var i stand til præcist at skildre forvirring og forvirring blandt dem, der sad ved bordet, da Jesus meddelte, at en af dem ville forråde ham. Som et af verdens mest genkendelige malerier blev Kristus afbildet i midten og flankeret af hans disciple på begge sider.

Da Vinci afveg dog fra traditionen i dette værk, da han afbildede Judas som adskilt fra gruppen og valgte at formidle hans forræderi ved at placere ham solidt skjult i skyggen.

Den sidste nadver (1495-1498) af Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Da Vincis detaljerede viden om anatomi og lys var præcist repræsenteret i dette værk, som Den sidste nadver blev bemærket for sin kloge brug af disse elementer ud over farven. Den trekantede form i midten af værket, med Jesus som omdrejningspunkt, har været genstand for megen debat gennem årene.

Mange kunsthistorikere har undret sig over den mulige betydning af "V"-formen til venstre mellem Jesus og disciplen til højre, som menes at være Maria Magdalene, men der findes ingen konkrete forklaringer.

Det lange rektangulære bord, som gruppen sidder bag, fungerede som en grænse mellem beskuerne og de personer, der ses i dette utroligt hellige øjeblik. Ved at inkludere vægge på begge sider understregede da Vinci yderligere vigtigheden af den centrale scene ved at fokusere publikums opmærksomhed på Jesus i midten. Derudover bidrog brugen af lineært perspektiv på denne måde til den kraftfulde og dramatiskeatmosfære af Den sidste nadver , hvilket medvirkede til, at det blev betragtet som et af de mest ærbødige og berømte kunstværker nogensinde.

Mona Lisa (ca. 1503 - 1506) af Leonardo da Vinci

I løbet af sin karriere var Leonardo da Vinci kendt for at skabe mange berømte renæssancemalerier, men hans Mona Lisa , som han malede et sted mellem 1503 og 1506, er længe blevet klassificeret som det mest berømte kunstværk, der nogensinde er blevet lavet i vestlig kunst. I dag er den halvt så høj som et portræt, og motivet på maleriet var Lisa Gherardini, hvis rige mand bestilte dette værk af hende. I dag er den Mona Lisa er ejet af franskmændene og kan ses på Louvre-museet i Paris, hvor det tiltrækker millioner af seere hvert år.

Det er blevet udråbt som det mest kendte og mest besøgte maleri i verden. Mona Lisa er uden tvivl det mest omdiskuterede maleri nogensinde, alt sammen på grund af hendes gådefulde og mystiske smil. Der har været mange debatter om Mona Lisas smil, og der er stor uenighed om, hvorvidt hun overhovedet smiler eller ej.

Det vigtigste element i dette maleri er hendes øjne, da da Vinci har malet dem på en sådan måde, at selv når man bevæger sig væk fra værket eller står i en anden vinkel for at se det, synes hendes øjne altid at følge en.

Portræt af Mona Lisa del Giocondo (1503-1506) af Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Mona Lisa har også titlen "la Gioconda", som på italiensk betyder "glad" eller "jovial". Delvis på grund af hendes flygtige smil har da Vinci altid set dette maleri som et igangværende arbejde, da han fortsatte med at stræbe efter perfektion hver gang han arbejdede på det. Mange historikere har sagt, at det er på grund af hans stræben efter ekspertise, at hendes smil viste sig at være det mest fængslende aspekt, der nogensinde er set i et portræt.

På grund af da Vincis følelser for "Mona Lisa" afleverede han den aldrig til sin bestiller og beholdt den hos sig, indtil han døde.

Da Vincis komposition af den Mona Lisa's Figuren blev set som en radikal forandring i forhold til de konventionelle portrætter af kvinder på den tid. I da Vincis værk udelod han med vilje alle smykker og dekorative elementer, der kunne understrege hendes sociale status, for at fokusere fuldt ud på hendes personlighed. Gennem hele historien har den Mona Lisa er blevet så berømt, at den er blevet refereret og efterlignet et utal af gange i andre kunstværker og popkultur, især i Marcel Duchamps L .H.O.O.O.Q (1919).

Skolen i Athen (1509 - 1511) af Raphael

Et andet berømt kunstværk fra renæssancen var Skolen i Athen Denne fresko, som er en af fire andre fresker i det apostolske palads i Vatikanet, forestiller alle de største videnskabsmænd, filosoffer og matematikere, der er samlet for at udveksle idéer og lære af hinanden.

Dette maleri anses for at være Rafaels største mesterværk og siges at symbolisere filosofi, da figurerne af Aristoteles og Platon ses i midten af kompositionen.

De tre andre fresker, der udgør gruppen, er placeret på anden sal i Vatikanpaladset og menes at symbolisere grene af menneskelig viden i form af poesi, teologi og lov. Fra denne gruppe, Skolen i Athen har vist sig at være den mest betydningsfulde og mindeværdige fresko, da den helt og holdent indfangede renæssancens klassiske ånd. Rafael gjorde stor brug af perspektiv i sit værk, da beskuerens øjne straks drages mod de to hovedfigurer, der står i midten, og som siges at være Platon og Aristoteles.

Skolen i Athen (1509-1511) fresko af Rafael, i Rafael-rummene, Apostolsk Palads, Vatikanstaten; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Platon og Aristoteles blev inddraget, så deres unikke ideer om filosofi begge blev repræsenteret. Gruppen til venstre i kompositionen repræsenterede Platons teorier, mens gruppen til højre repræsenterede Aristoteles'. Skolen i Athen , i alt 50 figurer, som viste Rafaels store mesterskab i realistisk maleri.

Rafael gik så vidt som til at inkludere et stemningsfuldt portræt af sig selv i scenen, hvilket afslørede, hvor højt han anså sig selv som kunstner. Desuden var han tilsyneladende bevidst om sit maleris storhed, da han havde en vis mistanke om, at det ville ændre maleriets kurs permanent.

Gennem hele kunsthistorien er dette maleri blevet betegnet som den "perfekte legemliggørelse" af det, som renæssancen stod for, da det præcist indfangede bevægelsens klassiske ånd.

Skabelsen af Adam (1512) af Michelangelo

Når man tænker på de mest berømte renæssancemalerier nogensinde, Skabelsen af Adam Denne fresko, som blev malet af Michelangelo i 1512, pryder den store bygning i loftet i det Sixtinske Kapel i Vatikanet og betragtes som hjørnestenen i renæssancekunsten, mens Michelangelo malede flere fresker på loftet, Skabelsen af Adam viste sig at være det mest berømte af mesterværket.

Ud over at være et ikonisk billede er det også et af verdens mest reproducerede billeder, og det er meget udbredt i nutidens popkultur.

Skabelsen af Adam (1512) af Michelangelo, malet på loftet i det Sixtinske Kapel i Vatikanstaten; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Skabelsen af Adam er blevet et symbol på menneskeheden, da maleriet viser både Guds og Adams hænder på nippet til at røre hinanden. Adam er afbildet som en klassisk muskuløs nøgen, der ligger til venstre på værket, mens han rækker hånden ud mod Gud, der fylder resten af kompositionen. Mens Adam virker utrolig afslappet i sin positur, er Gud vist i færd med at skynde sig hen imod ham. Guds hastværk kommunikeresgennem hans hvide klæder, der flagrer bag ham, hvilket var med til at understrege hans krops energiske bevægelse.

Michelangelo portrætterede engle, der omgav Gud, mens Adam syntes at ligge på kanten af jorden. Bag ham er der bjergrige scener afbildet gennem den grønne afsats, som han ligger på. Denne baggrund skabte en stærk diagonal mellem dem, som understregede den adskillelse, der eksisterede mellem Adam, en simpel dødelig, og den himmelske Gud.

Men det egentlige fokuspunkt i dette maleri ligger i det centrale rum mellem deres hænder, da beskuerens øjne straks tiltrækkes af deres udstrakte, men adskilte fingre.

En detalje af hænderne fra Michelangelos Skabelsen af Adam , c. 1512; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Som den største og mest komplicerede fresko, der nogensinde er blevet lavet, Skabelsen af Adam Det tog Michelangelo over fire år at færdiggøre, og da det blev skabt, overtalte pave Julius II kunstneren til at opgive det andet arbejde, han var i gang med, for at koncentrere sig om at male det nu ikoniske mesterværk. Skabelsen af Adam ses nu som et udsøgt eksempel på højrenæssancens kunst, som gjorde det muligt for loftet i Det Sixtinske Kapel at blive den ultimative visuelle repræsentation af renæssancens idealer og karakteristika.

Den sixtinske madonna (1513 - 1514) af Raphael

En anden af de ikoniske renæssancekunstnere malerier udført af Rafael var Den sixtinske madonna , som han malede mellem 1513 og 1514. Det betragtes som Rafaels sidste store renæssancekunstværk, da han døde kort tid efter, at det var færdigt, Den sixtinske madonna Den forestiller Maria, der holder Jesusbarnet i armene, og på hver side af hende ses den hellige Barbara og den hellige Sixtus, med to keruber under hende.

Ud af alle Raphaels berømte renæssancekunstværker er dette maleri konsekvent blevet anerkendt som hans vigtigste værk.

Bestilt som altertavle til San Sisto kirken i Piacenza, Italien, Den sixtinske madonna afbilder både Maria og Kristusbarnet som meget bekymrede, mens Sankt Sixtus ser ydmygt på hende med hånden udstrakt mod himlen. De to helgener synes at svæve under Maria, som om de er usikre på, hvor de skal gå hen. Det mest ikoniske element i dette maleri er dog det par spydige keruber, der ses nederst på lærredet, og som synes at væreutroligt kede af det, der foregår.

Den sixtinske madonna (1512-1513) af Rafael; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Mens den ene kerub ser opad og hviler hagen i hånden, ser den anden kerub til siden af værket med hovedet hvilende på sine korslagte arme. Kunstkritikere har udtalt, at det er deres generelle surmulende holdning, der har understreget deres tilstedeværelse yderligere og hjulpet dem til at skille sig ud i forhold til resten af værket. Desuden har deres surmulenhed gjort dem tydeligt forskellige fra andre typiskerosenkindede og glade keruber, som findes i andre malerier, og Raphael menes at have afbildet sine keruber på denne måde som en formodet stikpille mod Michelangelo.

Da Rafael malede to af de mest ikoniske keruber i kunsthistorien, Den sixtinske madonna skabte en del debat, da den først kom til Tyskland, og nogle satte spørgsmålstegn ved, om han i dette værk udviskede grænserne mellem kunst og religion.

Selvom det stadig er et ikonisk maleri fra renæssancen, er de to keruber blevet anerkendt verden over. Deres tilstedeværelse i populærkulturen er fortsat med at vokse gennem årene og er blevet vist på mange moderne genstande.

Jomfruens overtagelse (1516 - 1518) af Titian

Da størstedelen af renæssancens kunst fokuserede på religiøse billeder, viste Titians malerier sig ikke at være anderledes. Et af hans berømte renæssancemalerier omfatter Jomfruens overtagelse , som han malede mellem 1516 og 1518, og som blev malet som altertavle til Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari i Venedig, Jomfruens overtagelse er forblevet på sin oprindelige placering og kan stadig ses der i dag.

Titian opdelte maleriet i tre sektioner, som alle var en integreret del af værkets overordnede atmosfære.

Udført af Titian i begyndelsen af sin karriere, Jomfruens overtagelse Det var Titians første bestilling i Venedig, og det var den første, han fik i Venedig, og han etablerede sig som en af byens førende malere. Ved at skildre "Jomfruens overtagelse", som fejres hvert år den 15. august, udødeliggjorde Titian Marias opstigning til himlen, før hendes krop begyndte at forfalde. I den centrale del bliver Maria løftet op mod himlen af en gruppe engle,mens hendes apostle siger farvel fra jorden.

Marias overtagelse (1516-1518) af Tizian; Titian, Public domain, via Wikimedia Commons

I det øverste panel kan man se Gud kigge ned på Maria, mens hun stiger op mod ham. Maria er værkets omdrejningspunkt, da både Gud og apostlene retter deres opmærksomhed mod hende, hvilket også er med til at rette beskuerens øjne mod hende. Gud synes tålmodigt at vente på Marias ankomst, mens apostlene løfter armene i forbløffelse, mens de ser det virkelige mirakel udfolde sig lige foran dem.dem.

På trods af at stykket er tydeligt opdelt i tre sektioner, er de hver især forbundet af udstrakte hænder og gentagelse af ansigtsudtryk.

Både den strukturerede brug af farver og kompositionen i Titians værker viste sig at være et nøgleelement i mange renæssancemalerier, da værkerne ofte var opdelt i tredjedele. Efter dens tilblivelse, Jomfruens overtagelse blev Venedigs største altertavle og er det stadig den dag i dag. Dette maleri viste Titians første forsøg på at kopiere de moderne og dynamiske scener, der fandtes i Rafaels og Michelangelos værker, som blev mere og mere populære.

Venus af Urbino (1534) af Titian

Gennem hele bevægelsens eksistens viste renæssancekunstnerens malerier af Titian sig at have en utrolig stor indflydelse. Et andet af hans værker, Venus af Urbino , som han malede i 1534, var inspireret af Giorgiones Sovende Venus (1510). Titians kunstværk, der kommer fra en lang tradition af forskellige repræsentationer af Venus, gik et skridt videre ved at fortolke gudinden i en meget mere erotisk retning.

Derfor skiller dette maleri sig meget ud fra andre malerier i nærheden af det i Uffizi-galleriet i Firenze, hvor det har til huse.

Ved at afbilde Venus i en hjemlig sammenhæng, hvor hun ligger på en seng, gav Titian indtryk af, at hun var en rørende, tam og sensuel kvinde. Dette blev opnået gennem hendes afslappede positur, da hun virkede helt afslappet på trods af at hun var nøgen. Da dette kunstværk ikke havde nogen direkte religiøse implikationer, mente man, at Titian skabte det for at være erotisk påVærkets seksualitet forstærkes af Venus' direkte blik mod beskuerne, da hendes svage smil antyder, at hun er klar over, at de, der ser på hende, er opmærksomme på hende.

Venus af Urbino (ca. 1538) af Tizian; Titian, Public domain, via Wikimedia Commons

Selv om hendes nøgenhed står over for den overdådige og overdådige baggrund, er det, der gør denne fremstilling af Venus så interessant, at den er uden allegoriske eller mytologiske symboler, som normalt er blevet forbundet med hendes tilstedeværelse. I stedet lagde Titian al vægt på Venus' realistiske og fristende natur, da han satte de varme toner af hendes hud i kontrast til de mørkereHans subtile brug af chiaroscuro gav hendes krop en skulpturel kvalitet, der fremhævede hendes kurver.

Der er gennem årene blevet givet forskellige fortolkninger af dette maleri.

Den mest almindelige forklaring er, at det blev bestilt som et ægteskabsportræt. Elementer, der understøtter denne opfattelse, er den sovende hund, de to tjenere og kufferten i baggrunden, som typisk blev givet til bruden af hendes mands familie. Venus af Urbino anses for at være et af de mest berømte og gennemførte eksempler på renæssancekunst, da mange andre malerier er blevet inspireret af og har lånt elementer fra dette værk.

Den sidste dom (1536 - 1541) af Michelangelo

Det sidste berømte kunstværk fra renæssancen på vores liste er Den sidste dom , som blev malet af Michelangelo mellem 1536 og 1541. Den er placeret på hele altervæggen i det Sixtinske Kapel i Vatikanet, Den sidste dom findes som et af de berygtede fresker, som Michelangelo malede i det ikoniske kapel.

På grund af sin gigantiske størrelse og kompleksitet, da der var over 300 figurer, tog det Michelangelo lidt over fem år at færdiggøre dette kunstværk.

Den sidste dom (1536-1541) af Michelangelo, malet på loftet i det Sixtinske Kapel; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Hvad gør Den sidste dom så bemærkelsesværdigt var, at Michelangelo begyndte at arbejde på det 24 år efter, at han havde færdiggjort loftet i det Sixtinske Kapel, hvilket betyder, at han var i 60'erne på det tidspunkt. Han afbildede oprindeligt alle de mandlige personer som nøgne, men disse blev senere dækket til ved at tilføje draperier.

I første omgang var Michelangelos reaktion efter færdiggørelsen af fresken blandet mellem ros og kritik, da de muskuløse nøgne blev et stort samtaleemne, da der blev lagt mest fokus på dem.

Inden for Den sidste dom er Kristi genkomst skildret, som var den dag, hvor Gud skulle dømme hele menneskeheden for sidste gang. Ved at male Kristus i midten, med hans sårede hænder og fødder synlige, og ved at omgive ham med fremtrædende helgener, skildrer Michelangelo en scene med foruroligende handling. Kristi opmærksomhed er fast placeret på menneskers sjæle, mens de steg til deres skæbne, mens han serned på den kaotiske scene, der udspillede sig foran ham.

Detalje fra Den sidste dom af Michelangelo, 1534-1541; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Den øverste del af maleriet viste de dødes opstandelse til himlen, mens den nederste del viste syndernes nedstigning til helvede. Visse elementer af Den sidste dom er blevet gransket i århundreder, såsom Michelangelos beslutning om at fremstille Kristus uden skæg, hvilket var meget usædvanligt for den tid. Michelangelos brug af farver og hans enestående penselarbejde har gjort dette maleri til et af de mest ærværdige kunstværker i verden, da det anses for at være den mest indflydelsesrige fresko, der er blevet skabt i den vestlige kunst.

Kunst fra renæssancen viste sig at være ekstremt vigtig, da flere værker stadig omtales og beundres i dag. Desuden har visse elementer fra berømte renæssancemalerier inspireret og informeret senere fremkomne kunstbevægelser, hvilket viser periodens betydning. Selv om vi kun har omtalt de 15 mest berømte renæssancekunstværker, er der mange flere gode eksemplerHvis du har nydt at læse mere om disse utrolige malerier, opfordrer vi dig til at udforske dem yderligere!

Tag et kig på vores webhistorie om renæssancemalerier her!