R eligion og kunst er vigtige aspekter af den menneskelige eksistens, som har været blandet sammen i århundreder. Nogle af kunsthistoriens største malermestre har inddraget religiøse temaer i deres kunstneriske repertoire som et vigtigt overgangsritual og bidraget til at værdsætte og anerkende kunsten hos alle dem, der identificerede sig med kristne og katolske trosretninger. Denne artikel vil skitsere de 10 størstemest berømte kristne malerier nogensinde.

Religion i kunsten: Vigtige bibelske fortællinger

De mest berømte religiøse malerier fra den vestlige kunsthistorie er ofte baseret på en række forskellige bibelske fortællinger, herunder billeder af Jomfru Maria, jordens skabelse, Adam og Eva, helvede og alle begivenheder, der fører op til Jesu Kristi død.

Andre vigtige fortællinger, der er inspireret af Bibelen, omfatter heltehistorier og modige handlinger udført af forskellige personer.

Inddragelsen af religiøse emner i maleriet tjente til at fremkalde en følelse af åndelighed hos beskuerne gennem brugen af identificerbare moralske fortællinger. Renæssancen var en vigtig periode for den religiøse kunsts fremkomst i Europa, som også fødte mange af de berømte religiøse malerier, vi ser i dag.

Top 10 berømte religiøse malerier fra renæssancen

Populære renæssancemestre som Leonardo da Vinci og Michelangelo er blandt de mange kunstnere, der har inddraget religiøs ikonografi i deres værker. Nedenfor vil vi se på de 10 mest berømte religiøse malerier nogensinde.

Jomfru på klipperne (1483 - 1486) af Leonardo da Vinci

Dette berømte kristne maleri, Jomfru på klipperne , kaldes også for Madonna of te Rocks og blev skabt mellem 1483 og 1486 af den italienske multikunstner Leonardo da Vinci. Jomfru på klipperne er et af to malerier med samme tema og komposition, der viser Jomfru Maria med sit barn Jesus Kristus sammen med Johannes Døberen og Uriel, en af de store ærkeengle.

Maleriet er sat i et klippelandskab, som nævnt i titlen, og er en klar demonstration af Da Vincis færdigheder i den maleteknik, der kaldes sfumato, som bruges til at blødgøre overgangen mellem forskellige farver.

Jomfru på klipperne (ca. 1483-1493) af Leonardo da Vinci, som befinder sig på Louvre-museet i Paris, Frankrig; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Denne version af Madonna on te Rocks befinder sig på Louvre-museet i Paris, mens det andet maleri befinder sig på National Gallery i London. Mange kunsthistorikere anser denne version for at være den tidligste, da den første registrering blev dateret tilbage til 1625 i optegnelser fra den franske kongelige samling.

Det er blevet antaget, at maleriet blev solgt af Da Vinci, og at den anden version af maleriet i National Gallery blev skabt i forbindelse med en bestilling i 1483 til Milano.

Jomfru på klipperne (ca. 1491/1499-c. 1506/1508) af Leonardo da Vinci, som befinder sig på National Gallery i London, England; Leonardo da Vinci og værksted, Public domain, via Wikimedia Commons

Maleriets hovedmotiv er Johannes Døberens tilbedelse af Jesusbarnet, som henviser til en begivenhed, der fandt sted uden for den bibelske trope. Ifølge Matthæusevangeliet modtog Josef (Marias mand) en advarsel i en drøm om, at kong Herodes ville forsøge at myrde Jesus, og derfor flygtede Josef med sin familie til et mere sikkert sted, nemlig Egypten.

Johannes Døberen var Jesu fætter, som også boede i Betlehem, hvor massakren på de uskyldige fandt sted.

Massakren på de uskyldige blev beskrevet i Matthæusbogen som en ordre fra kong Herodes om at slagte alle mandlige spædbørn i området. Skrifterne fortæller, at Johannes blev ført af Uriel til Egypten, hvor han på vejen mødte den hellige familie.

Den sidste nadver (1495 - 1498) af Leonardo da Vinci

Det mest ikoniske religiøse maleri, Den sidste nadver , blev skabt af Leonardo da Vinci mellem 1495 og 1498. Maleriet forestiller den bibelske scene af Jesu Kristi sidste nadver før hans arrestation og korsfæstelse. Den sidste nadver blev betragtet som utrolig vigtig, da den markerede den aften, hvor Kristus meddelte, at en af hans disciple ville forråde ham, efterfulgt af indstiftelsen af nadveren.

Maleriet blev skabt ved hjælp af medier, der gjorde det muligt at ændre og redigere maleriet, hvis det var nødvendigt, men det var til skade for maleriets levetid, da det måtte gennemgå mange restaureringsprojekter for at forny det oprindelige billede.

Den sidste nadver (1495-1498) af Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Public domain, via Wikimedia Commons

Billedmaterialet var tidligere utroligt detaljeret, da det viste hver enkelt af apostlenes reaktion på Jesu meddelelse. Judas Iskariot, apostlen, der forrådte Kristus, ses med en lille pose i hånden, som formodes at indeholde de penge, som han blev kompenseret for at forråde Kristus.

Dette populære religiøse maleri indgår også i mange populærkulturelle parodier, herunder "Quo Vadis" (1951), "The X-Files" (2000) og "The Simpsons" (2005).

Skabelsen af Adam (ca. 1508 - 1512) af Michelangelo

Dette meget genkendelige billede af en af de mest genkendelige er malet mellem 1508 og 1512. Skabelsen af Adam er også et af de mest reproducerede bibelmalerier i kunsthistorien. Michelangelo Buonarroti var en af de bedste italienske malere fra højrenæssancen, som blev forbundet med mange ikoniske kunstværker inspireret af religiøse emner. Skabelsen af Adam skildrer den bibelske fortælling i 1. Mosebog, som beskriver skabelsen af det første menneske, Adam. Gud er afbildet som en hvidskægget mand dækket af en hvirvlende kappe, hvilket står i kontrast til Adam, der er afbildet helt nøgen.

Formen bag gudsbilledet var også et anatomisk korrekt billede af den menneskelige hjerne, som er et af maleriets bedst skjulte træk.

Det mest genkendelige billede fra dette maleri er det punkt, hvor Guds hånd ser ud til at række ud efter Adams hånd og er et udtryk for, at Gud giver Adam liv. Tøjet, der er viklet om Gud, ligner formen af en livmoder. Det grønne tørklæde siges at ligne formen af en navlestreng, og maleriet som helhed bliver således Adams fødsel.

Skabelsen af Adam (ca. 1508-1512) af Michelangelo, som er placeret på loftet i det Sixtinske Kapel i Vatikanstaten, Italien; Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Disputats om det hellige sakramente (1509 - 1510) af Raphael

Raphael Sanzio da Urbino var en førende italiensk maler fra det 16. århundrede, hvis værker blev meget beundret for sin skildring af den neoplatoniske tro på menneskelig storhed. Raphael opnåede denne essens af menneskelig storhed gennem skildringen af religiøse scenerier, som det ses i Disputats om det hellige sakramente .

Den massive fresko blev bestilt som et dekorativt værk til det apostolske palads i Vatikanstaten, der engang var privatbibliotek for den øverste pavelige domstols forsamling.

Disputats om det hellige sakramente (1509-1510) af Rafael, som befinder sig i Rafael-rummene i det apostolske palads i Vatikanstaten i Italien; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

På freskoen skildrer Rafael en scene med himmel og jord, som var almindeligt for de fleste store fresker på den tid. Kristus ses omgivet af en aureole, som var en lysende sky eller aura, der ofte ledsagede sådanne vigtige religiøse figurer. Jesus er ledsaget af Maria og Johannes Døberen i en Deësis-stilling, som var en populær opstilling af Byzantinske kunst til fremstilling af Kristus, Maria og Johannes.

Andre bibelske figurer på freskoen er Peter, Adam, kong David, evangelisten Johannes, den ældre Jakob, Paulus og Moses.

Maleriet viser også Gud siddende over alle figurerne og er indkapslet i et ærbødigt gyldent lys. Han er også omgivet af engle og ses holde jorden i sin venstre hånd. Den hellige ånd er repræsenteret af en due, som findes ved Kristi fødder. Disputa, som maleriet også almindeligvis kaldes, tjente også som en repræsentation af kristendommens triumf over filosofien, hvilket fremgår tydeligt af Rafaels fresko på den modsatte væg, Skolen i Athen (c. 1511).

Skolen i Athen (1509-1511) af Rafael, som befinder sig i Raphael-rummene i det apostolske palads i Vatikanstaten, Italien; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Den sixtinske madonna (1512 - 1513) af Raphael

Den sixtinske madonna er et af de mest berømte kristne malerier og religiøse portrætter fra det 16. århundrede, skabt af Rafael, som stod bag mange af de bedste malerier fra den italienske højrenæssance. Maleriet blev bestilt i 1512 af pave Julius II i anledning af meddelelsen om, at den italienske by Piacenza var blevet en del af pavestaten.

Maleriet viser et syn, som de hellige ser i skyerne.

Den sixtinske madonna (1512 - 1513) af Rafael, som befinder sig i Billedgalleriet for gamle mestre i Dresden State Art Museum i Dresden, Tyskland; Raphael, Public domain, via Wikimedia Commons

Det centrale motiv er Jomfruen, som ses gå mod det jordiske rige, mens hun vugger Jesusbarnet i sine arme. Hun er omgivet af talrige engle, hvilket ses af de mange hoveder i baggrunden af den blå himmel. Pave Sixtus II kan ses til venstre i billedet, som guider Jomfruen mod hendes jordiske destination. Figuren til højre er den hellige Barbara, som var en martyr fra det tredje århundrede.Begge helgener var ærbødige figurer på højalteret i San Sisto kirken og var et fælles træk i mange kristne kunstværker på den tid.

De to keruber nederst i maleriet var de sidste detaljer, som Rapahel tilføjede mod slutningen af malerprocessen for at forbedre kompositionen.

Den sidste dom (1536 - 1541) af Michelangelo

Michelangelo Buonarroti var en af de mest indflydelsesrige Renæssancekunstnere Ud over at være en af de største billedhuggere var Michelangelo også utrolig dygtig til at skabe bibelmalerier og blev af pave Clemens VII bestilt til at male et af verdens mest berømte religiøse malerier, Den sidste dom , i det Sixtinske Kapel.

Freskoen skildrer Jesu Kristi genkomst og Guds endelige dom over menneskeheden.

Den sidste dom (1536-1541) af Michelangelo, fundet på altervæggen i det Sixtinske Kapel i Vatikanstaten i Italien;

Michelangelo, Public domain, via Wikimedia Commons

Den centrale figur forestiller Jesus omgivet af flere helgener, mens den nederste halvdel af maleriet illustrerer de dødes opstandelse og de fordømte sjæles nedstigning i helvede. Selv om dette er et af de mest ikoniske og berømte eksempler på religiøst maleri, som mange kunstnere anser for vigtigt, var det også genstand for store kontroverser.

Michelangelo blev beskyldt for at kombinere hedensk mytologi med kristne fortællinger og demonstrerede dermed sin stræben efter kunst frem for en beskrivelse af fortællingen, hvilket på det tidspunkt blev opfattet som kontroversielt.

Maleriets tema, som er den sidste dom, var også populært i kristne kunstværker og blev ofte vist i store fresker i kirker. Formålet med at inkludere kunstværker med et så alvorligt tema som den sidste dom tjente som en påmindelse til kristne om de konsekvenser, der ventede dem, hvis de nogensinde forlod kirken.

Andre berømte kunstnere fra renæssancen, såsom Hieronymus Bosch og Hans Memling, tog temaet om den endelige dom op med lidt forskellige tilgange.

Paulus' omvendelse (1600) af Caravaggio

Dette berømte katolske maleri blev malet i 1600 af den italienske maler Michelangelo Merisi da Caravaggio. Paulus' omvendelse henviser til det vendepunkt i apostlen Paulus' liv, da han holdt op med at henrette de første kristne og i stedet konverterede til at følge Jesus Kristus.

Dette værk er et af to bibelmalerier, som Caravaggio har skabt om samme tema, nemlig Paulus' omvendelse.

Ifølge maleriets proveniens blev det bestilt af Monsignor Tiberio Cerasi i september 1600. Cerasi var generalskatmester for pave Clemens VIII og endte med at afvise de første bestilte udkast. Disse tidlige versioner menes at være blevet taget af kardinal Giacomo Sannessio, men de fleste forskere synes overbevist om, at denne version af Paulus' omvendelse er den originale.

Den første version af Paulus' omvendelse (1600) af Caravaggio, som befinder sig i Odescalchi Balbi-samlingen i Rom, Italien;

Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Scenen på maleriet illustrerer den bibelske fortælling om Saulus af Tarsus, der begav sig ud på en rejse for at ødelægge det kristne samfund i Damaskus. Ifølge legenden blev Saulus blændet af et "strålende lys", da han hørte Kristi stemme, der udspurgte ham om hans onde gerninger.

Helen Langdon, Caravaggios biograf, beskrev maleriets stil som en kombination af Raphaels stil med en følelse af "klodset rustik realisme".

Caravaggio var ansvarlig for mange barokke mesterværker fra det 16. århundrede og cementerede samtidig sin plads i kunsthistorien som en af de mest kontroversielle kunstnere i denne periode. Andre bemærkelsesværdige religiøse kunstværker af Caravaggio omfatter Matthæus' kaldelse (1599 - 1600) og Johannes Døberens halshugning (1608).

En anden version af Paulus' omvendelse eller Omvendelse på vejen til Damaskus (ca. 1600-1601) af Caravaggio, der befinder sig i Cerasi-kapellet i Santa Maria del Popolo, Rom, Italien; Caravaggio, Public domain, via Wikimedia Commons

Kroning af Jomfruen (1641 - 1644) af Diego Velázquez

Kroning af Jomfruen er et af de sjældne religiøse malerier, der tilskrives portrætmesteren Diego Velázquez. Maleriet viser Jomfru Maria med et beskedent udtryk og sænkede øjne midt i at blive kronet af Gud og Jesus Kristus. I bunden af maleriet er der flere keruber, mens figurerne ovenover danner en perfekt trekantet fremstilling af den hellige treenighed.

Velázquez brugte karminrøde nuancer af rødt i stedet for de traditionelle røde nuancer for at få maleriet til at skille sig ud.

Den omvendte trekant mellem Maria, Kristus og Gud henleder opmærksomheden på hjerterummet, som afspejles af Maria, der peger mod sit hjerte. Alt i alt udviser maleriet en stærk følelse af ligevægt og harmoni, hvilket er en ideel kvalitet for et religiøst portræt af Jomfru Maria.

Kroning af Jomfruen (1641-1644) af Diego Velázquez, som befinder sig på Museo Nacional del Prado i Madrid, Spanien; Diego Velázquez, Public domain, via Wikimedia Commons

Den fortabte søns tilbagevenden (1663 - 1669) af Rembrandt

Den fortabte søns tilbagevenden er en af de mest berømte lignelser i kristen teologi. Lignelsen følger historien om en søn, der beder sin far om sin andel af arven. Efter at have forladt sin fars hus, spilder sønnen sin rigdom og vender til sidst tilbage efter at have været udsat for fattigdom og sygdom. Til sidst tilgiver faderen sin søn, og lignelsen bliver en lektion om tilgivelse og en refleksion af den bibelske lektionat Gud tilgiver alle, der omvender sig.

Den fortabte søns tilbagevenden blev skabt af ingen ringere end den berømte hollandske malermester Rembrandt van Rijn, der behandlede lignelsen således: "Vi bør glæde os, for denne søn var død og lever nu igen, han var fortabt og er fundet." Rembrandt viser en scene, hvor sønnen vender hjem og står over for sin far på knæ for at søge om tilgivelse.

Maleriets barokke karakter bidrager til den dramatiske effekt gennem brugen af høje kontraster med skygge og lys, hvilket henleder opmærksomheden på det rørende far-søn øjeblik.

Den fortabte søns tilbagevenden (1663 - 1669) af Rembrandt, som befinder sig på Statens Eremitagemuseum i Sankt Petersborg, Rusland; Rembrandt, Public domain, via Wikimedia Commons

Den ubesmittede undfangelse af Los Venerables (ca. 1678) af Bartolomé Esteban Murillo

Jomfru Maria er måske den bibelske figur, der er mest hyppigt repræsenteret i mange katolske malerier og religiøse portrætter. Den ubesmittede undfangelse af Los Venerables viser Jomfru Maria i en hvid kåbe med solen bag sit hoved og månen ved sine fødder, omgivet af mange rosenkindede keruber, mens hun krydser hænderne over sit bryst med en blå kappe.

Dette berømte religiøse maleri blev skabt af den spanske barokkunstner Bartolomé Esteban Murillo, som af Justino de Neve fik til opgave at male Jomfru Maria.

Den ubesmittede undfangelse af Los Venerables (ca. 1678) af Bartolomé Esteban Murillo, som befinder sig på Museo del Prado i Madrid, Spanien; Bartolomé Esteban Murillo, Public domain, via Wikimedia Commons

Den katolske tro på den ubesmittede undfangelse var populær i Spanien i hele det 16. århundrede og forblev en vigtig del af den katolske kirkes spanske dogmer. Jomfru Marias undfangelse blev formelt anerkendt i 1854 som et vigtigt kulturelt symbol for landet.

Maleriet blev stjålet under halvøkrigen i 1813 af marskal Jean-de-Dieu Soult og derefter transporteret til Frankrig. I 1852 blev maleriet solgt på auktion til Louvre-museet i Paris, hvor det blev udstillet indtil 1941. Senere faldt kunstværket i popularitet og blev til sidst sendt tilbage til Museo del Prado i Spanien.

Man behøver ikke at følge det kristne trossystem for at sætte pris på religiøs kunst. Disse religiøse malerier afslører de kunstneriske talenter bag nogle af renæssancens største genier, hvoraf mange har givet os nogle af verdens mest ikoniske bibelske billeder. Ikonografien i mange berømte katolske malerier giver liv til de mest betydningsfulde bibelske scener, der fortsat erKunst spiller derfor en afgørende rolle i etableringen af sådanne trossystemer i samfundet. Hvad er dit foretrukne religiøse maleri?

Ofte stillede spørgsmål

Hvad var formålet med religiøse kunstværker?

Formålet med religiøse kunstværker var ikke kun at dekorere hellige rum, men også at hjælpe med at etablere troen på visse trossystemer gennem en visuel visning af beundring og respekt for vigtige religiøse fortællinger. Religiøse kunstværker viste også religionens betydning og dens indflydelse på samfundet. Religiøse kunstværker blev til en vis grad tilbedt som en portal mellem himmelenog jorden, så de hellige rum føltes mere forbundet med Gud.

Hvem er de mest populære religiøse malere fra renæssancen?

Blandt de mest populære religiøse malere fra renæssancen kan nævnes Rafael, Michelangelo, Leonardo da Vinci, Gian Lorenzo Bernini og Caravaggio.

Hvad er det mest berømte religiøse maleri?

Det mest berømte religiøse maleri er Skabelsen af Adam (ca. 1508-1512) af Michelangelo Buonarroti.