M inimalistisk kunst begyndte som en bevægelse i amerikansk billedkunst efter Anden Verdenskrig i 1960'erne og 1970'erne. Minimalismen, der blev anset for at være et direkte svar på stilarter som abstrakt ekspressionisme og modernisme, omfavnede geometriske former, neutrale overflader og industrielle materialer frem for højlydte og kaotiske kunstværker. Da minimalismen syntes at nægte et så levende udtryk, blev de kunstværker, der blev lavetbevidst undgik at fremstå som kunst, idet disse slanke og geometriske værker bevidst undgik den almindelige kunstneriske appel.

Vores top 10 af de mest berømte minimalistiske malere og deres bedste kunstværker

Spredning til billedkunst , musik og andre medier, udvidede minimalismens kunst den abstrakte idé om, at kunsten skulle komme fra sin egen virkelighed og ikke blot være en kopi af noget andet. Minimalistiske malere og kunstnere reagerede kun på det, der var umiddelbart foran dem, og de kunstværker, der blev skabt, tvang beskuerne til kun at forholde sig til det, de kunne se. Nedenfor vil vi diskutere nogle af de bedste minimalistiske kunstnere til atkommer fra bevægelsen og deres lige så bemærkelsesværdige kunstværker.

Tony Smith (1912 - 1980)

En af de berømte minimalistiske kunstnere fra det 20. århundrede var den amerikanske billedhugger og maler Tony Smith. Selv om han blev betragtet som en ret mærkelig figur i kunstverdenen, da han først besluttede at udstille sine værker fra 50'erne og frem, bidrog Smith i høj grad til minimalismens fremkomst i begyndelsen af 1960'erne.

Smith var gennem hele sin karriere kendt for sine store geometriske skulpturer, som typisk blev placeret udendørs.

Smith blev uddannet på New Bauhaus-skolen i Chicago i 1930'erne og blev inspireret af udviklingen i amerikansk kunst efter Anden Verdenskrig. Hans kunstværker kombinerede flere traditioner fra den europæiske modernisme med disse fremskridt for at skabe Minimal kunst værker, der ikke var begrænset af nogen form for mediegrænser.

Tony Smith og et af hans kunstværker, Haags Gemeentelijk Museum, 1968; Eric Koch / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Selv om han var tilknyttet de abstrakte ekspressionister, lignede hans værker ikke bevægelsens kaotiske spontanitet. I begyndelsen af 1960'erne opgav Smith maleriet for at fokusere fuldt ud på skulptur. Det er blevet diskuteret, at Smiths skulpturer er det mest sandfærdige udtryk for hans evner som kunstner, da de enorme strukturer ubesværet kombinerer arkitekturens fysiske tilstedeværelse medHans bidrag til udviklingen af amerikansk kunst er ubeskriveligt, da Smith fortsatte med at undervise på flere kendte kunst- og designskoler i hele landet.

Han er dygtig til maleri, skulptur og arkitektur, og hans værker er blevet udstillet på mange af de bedste kunstmuseer i hele verden.

Louisenberg #8 (1953 - 1954)

Den er en del af en serie, der blev malet mellem 1953 og 1955, og er en del af en serie, der blev malet mellem 1953 og 1955. Louisenberg kunstværker bestod af 25 levende og geometriske malerier, der var forbundet af en grundlæggende kompositionsmodel. Hvert maleri i serien består af forskelligt farvede, men ens malede cirkler, der samles til mærkelige former, som er blevet sammenlignet med jordnødder eller amøber. Louisenberg #8 Disse former ser ud til at være arrangeret i et tæt gitter, hvor hver form har et bestemt sted.

En stor følelse af orden ses, når man ser Louisenberg #8 , da hver enkelt form følger den samme kompositoriske struktur. For eksempel fylder cirklerne en enkelt plads, jordnødderne fylder to pladser, og den største amøbe-lignende form fylder fire pladser. I dette maleri demonstrerede Smith en ret enkel arbejdsmetode, da han blot fremstillede variationer af et enkelt design og arrangerede dem på forskellige måder for at skabe nye kompositioner. Baseret pådette, Louisenberg #8 eksisterer som en løst omvendt udgave af Louisenberg #4 .

Hans "Louisenberg"-serie, der blev skabt under Smiths ophold i Tyskland, er opkaldt efter et geologisk sted nær byen Bayreuth, der består af unikke jordnøddeformede klipper.

Smith viste sin uddannelse som arkitekt og fulgte en præcis formel, der blev udtrykt minutiøst i hans malerier. Hans inspiration til sin serie af minimalistiske malerier var ret abstrakt, da de repræsenterede hans fængslende blanding af nordamerikanske og nordeuropæiske kunstneriske påvirkninger med en subtil reference til den abstrakte ekspressionistiske stil.

Desuden er Smiths brug af tilbagevendende elementer i Louisenberg #8 sammen med de andre malerier i denne serie var en todimensionel manifestation af hans voksende interesse for modulær arkitektur. Senere i sin karriere fokuserede Smith udelukkende på denne type adaptiv arkitektur.

Agnes Martin (1912 - 2004)

En af de eneste berømte minimalistiske malere, der kom fra Canada, var Agnes Martin, som viste sig at være et indflydelsesrigt medlem af både den abstrakte ekspressionisme og minimalismen. På trods af at hendes ikoniske spektrale gitterkunstværker bliver omtalt som ægte minimalistiske malerier, anså Martin sin stil for at være tæt forbundet med den abstrakte ekspressionisme.

Før 1950'erne var Martins malerier udelukkende repræsentative, men midtvejs i dette årti vendte hun sin opmærksomhed mod den abstrakte kunst og opdagede sin sande stil.

Martin lavede store kvadratiske monokromatiske kompositioner, der normalt var lagdelt med gesso, håndtegnede blyantlinjer og fortyndede lag olie- eller akrylmaling. I 1950, efter at hun var blevet amerikansk statsborger, flyttede Martin til downtown Manhattan, hvor hun blev inspireret til at udvikle sin meget indflydelsesrige stil, der inkorporerede lyse, kvadratiske gitter med gentagne linjer. Ved at bruge et gitter som enorganisatoriske element i sine malerier, der indeholdt en del farve, var Martin i stand til at blande stilarter af Farve felt maleri og minimalisme.

Mens hendes fravær af fortællinger og unødvendige detaljer placerede Martin solidt i minimalismens stil, erklærede hun, at hendes mål var at skabe kunstværker, der var centreret omkring følelser i modsætning til højtravende former for abstraktion. Mens Martins værker var ikke-repræsentative, var titlerne og hendes forklaringer på hendes værker ikke repræsentative. malerier viste, at hun var stærkt påvirket af nat ure.

Som skizofren havde hun ikke let ved at få kontakt med andre mennesker, så hendes fokus på naturen i sine værker repræsenterede et fredeligt og velordnet fristed.

Når man ser på hendes malerier, var Martins minimalistiske malerier baseret på et gitterdesign med nøjagtigt kantede, ensartede geometriske former og faste områder med kolde farver, der blev påført omhyggeligt, så der ikke var spor efter en pensel. Hendes abstrakte værker befriede hende for besværet med at skildre traditionelle emner og gav hende mulighed for at eksperimentere med de uendelige variationer af underspillede farver.Som en af de mere usædvanlige malere i sin tid, der levede en lige så mærkelig livsstil, siges det, at Martin hørte stemmer, der påvirkede det, hun malede.

Hvid blomst (1960)

Et af Martins tidlige berømte minimalistiske malerier er Hvid blomst , som hun skabte kort tid efter at have skabt sin karakteristiske stil, hvor hun gjorde brug af en gitterstruktur og kedelige farver, Hvid blomst består af ikke-hierarkiske hvide linjer, der krydser hinanden og danner individuelle rektangler, der yderligere fremhæves af hvide streger og er placeret på en kølig, grå baggrund, og som synes at ligne en slags vævet stof.

Det, der er gennemgående i "White Flower" og i de fleste af Martins andre værker, er den fuldstændige symmetri i formen.

Selv om det blev produceret i de tidlige stadier af Martins minimalistiske stil, Hvid blomst viser hendes allerede strenge engagement i forhold til formel balance, som regelmæssigt ville være en del af resten af hendes malerier. Selv om dette maleri kan ses som en individuel enhed, var det ikke sammensat af enkeltstående elementer. Dette viser den sande kompleksitet i Martins malerier, da hendes frit tegnede gitre af faldende og skrøbelige linjer kræver mere refleksion, for at deres nuancer virkelig kan blive eksponeret.og forstået.

Carmen Herrera (1915-nutid)

Som 106-årig er cubaneren Amerikansk kunstner Carmen Herrera er det ældste medlem af minimalisme-bevægelsen. Herreras karriere som kunstner er særlig inspirerende, da hun først solgte sit første kunstværk, da hun var 89 år gammel. Selv om hun først opnåede international anerkendelse og værdsættelse senere i livet, praktiserede Herrera som kunstner og producerede flere bemærkelsesværdige kunstværker gennem hele sit liv, før hun blev fejret for det.Det, der gør hendes historie så interessant, er imidlertid kvaliteten af hendes arbejde og ikke omstændighederne omkring hendes opdagelse.

Herrera kom først på kunstscenen i 1940'erne, da hun boede i Paris, før hun i 1954 bosatte sig permanent i New York City.

Siden hun startede sin karriere, har Herrera perfektioneret sin stil med at male og skulpturere skarpe og ulastelige kunstværker i en abstrakt geometrisk minimalistisk stil. I de fleste af hendes værker har Herrera bragt en følelse af varme og fysik, der understreger aspekterne af visdom, vitalitet og liv, når man ser på hendes abstrakte former.

Mens Herreras værker er blevet forbundet med andre neo-betonkunstnere, der opstod efter 1. verdenskrig, har hendes brug af flade former og en begrænset farvepalet mange aspekter til fælles med New York Minimal Art.

Herrera's kreative identitet indgik først på den generelle kunstscene i 1960'erne efter opdagelsen af andre minimalistiske kunstnere som Frank Stella. Oprindeligt inspireret af Op Art, indeholder mange af Herrera's kunstværker en form for optiske illusioner ud over andre abstrakte minimalistiske elementer. Derfor betragtes hun som en moderne kunstner af betydelig betydning.

Uden titel (1952)

Et af Herrera's berømte minimalistiske malerier er Uden titel , som hun lavede, mens hun stadig var forholdsvis ukendt. I dette stærke monokromatiske værk løber sorte og hvide linjer op og ned ad lærredet og er afbrudt af en takkede linje, som deler rammen i to ulige trekanter. Herreras Op Art-indflydelse kan tydeligt ses i Uden titel , da dette nøgne billede med omhyggeligt skarpe kanter skaber en håndgribelig vibration, der kan opfattes som en optisk illusion.

Det er blevet påpeget, at der i dette kunstværk og i de fleste af Herrera's andre malerier kun er få tegn på, at hun rent faktisk har malet værket.

Dette var et centralt aspekt af Op Art på det tidspunkt, hvilket også gør dette maleri til en del af denne bevægelse. Ved at overveje processen for, hvordan beskuerne forstår former og farver på et lærred, satte Herrera spørgsmålstegn ved kunstnerens rolle i den nye teknologiske tidsalder med præcision. Brugen af en takkede linje taler til Herreras kærlighed til design og byliv, da hun refererer til omridset af det industrielle rum.

Anne Truitt (1921 - 2004)

En anden af de mest berømte kvindelige minimalistiske kunstnere var den amerikanske billedhugger Anne Truitt, som i 1960'erne fik kritisk anerkendelse for at være en af bevægelsens tidligste minimalistiske kunstnere. Truitt blev støttet af den berømte kunstkritiker Clement Greenberg, men holdt sig på afstand af New Yorks kunstscene og brugte år på at balancere sin kunstneriske karriere med at passe sin familie. På trods af at hun blev associeret medTruitt, der har været i kontakt med to store kunstbevægelser, Color Field-maleriet og minimalismen, blev færdiguddannet i psykologi og blev derefter sygeplejerske.

Truitt blev først fuldtidskunstner i 1950'erne og begyndte at yde det, der blev betragtet som hendes vigtigste bidrag til bevægelsen, i begyndelsen af 1960'erne.

Selv om hun følte, at hendes kunstværker adskilte sig meget fra minimalisme-bevægelsens kunstneriske tendenser, foregreb Truitts maleri og skulpturelle stil mange andre bemærkelsesværdige minimalistiske kunstnere som Donald Judd og Ellsworth Kelly Hun var dog på mange andre måder ulig de fleste minimalistiske kunstnere, og hendes fokus på poetik af form og materiale har haft stor indflydelse på yngre kunstnere.

Truitt var en hengiven billedhugger og eksperimenterede med ler, stål og gips efter at have set Barnett Newmans værker på Guggenheim i 1961.

I forlængelse af den abstrakte ekspressionisme skabte Truitt skulpturer, der var indviklede og detaljerede, men som alligevel skjulte deres sande enkelhed. Da Truitt udforskede dybden af sit følelsesmæssige og psykologiske liv i sine kunstværker, blev hun ofte betragtet som minimalistisk, selv om hun havde mere til fælles med den abstrakte ekspressionisme. Hendes kunstværker var gennemsyret af følelser, hvilket ikke var et almindeligt træk vedMinimalisme.

Vej VII (1974)

Som billedhugger lavede Truitt ikke mange malerier, men hendes minimalistiske maleri, Vej VII, Det enorme lærred er malet over i en umbra-rød farve med nogle få slanke linjer, der er skildret lodret. Linjernes bredde varierer, hvilket antyder deres forskellige intensitet ud over maleriets overflade, og det antages, at de repræsenterer nogle fragmenter af lys, der skinner igennem.

Da hun var mest kendt for sine skulpturer, er hun i de få malerier, hun har lavet, blevet beskrevet som "en maler, der arbejder i tre dimensioner".

I løbet af 1960'erne og 1970'erne blev Truitt en vigtig leder af Washington Color School, som definerede kunstværker ved hjælp af flade og massive områder med levende farver. Denne æstetik kan ses i Vej VII På grund af farvernes intensitet føles det klaustrofobisk at se på maleriet. Truitt er stærkt påvirket af bl.a. Barnett Newmans Color Field-malerier og har gennemskåret sit monokromatiske lærred med tynde farvebånd i Vej VII .

Ellsworth Kelly (1923 - 2015)

En vigtig figur i amerikansk kunst i det 20. århundrede var Ellsworth Kelly, som i hele sin karriere var bedst kendt som maler. Kelly blev betragtet som en stærk kraft i efterkrigstidens kunstverden og blev berømt i 1950'erne, efter at han begyndte at producere sine ikoniske lyse og hovedsageligt monokromatiske lærreder med flere paneler. Kelly koncentrerede sig om det stærke forhold mellem farve, form og form og var en af dede første kunstnere, der fremstillede lærreder med mærkelige former og slap af sted med det.

Ved at bruge lagdelte relieffer og stregtegninger til at udfordre begrebet rum ville Kelly få beskuerne til at opleve sine kunstværker på en måde, der ville fremkalde en fysisk reaktion på den anvendte struktur og farve.

Ellsworth Kelly ankommer til LACMA's gallaåbning af Broad Contemporary Art Museum den 9. februar 2008 i Los Angeles, CA; Jeremiah Garcia, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Da han legede med minimalistisk tegning ud over maleri og skulptur, holdt han sig aldrig til en enkelt bevægelse, men hans kunstværker viste snarere påvirkninger fra en række forskellige bevægelser, herunder minimalisme og hard-edge-maleri, Popkunst , og Color Field-maleri.

I begyndelsen af 1960'erne havde Kelly opbygget et internationalt forhold for sig selv i form af ikke-objektiv kunst . til D e Stijl-bevægelsen som inspiration til sine malerier, producerede Kelly kunstværker, der brugte strukturerede farver i forhold til geometriske layouts. I 1970 flyttede Kelly op i staten og gik væk fra geometriske former og hen imod kurver, muligvis som reaktion på sine nye omgivelser.

Kelly anses for at være en af de store ledere i amerikansk maleri og en af de mest fremtrædende postmoderne kunstnere fra 1960'erne inden for både abstrakt maleri og skulptur.

Farver til en stor væg (1951)

På det tidspunkt, hvor den blev oprettet, Farver til en stor væg var et af de største malerier, som Kelly nogensinde havde lavet. Det viste hans tidlige eksperimenter med kompositioner med flere paneler, og denne malestil skulle senere blive et væsentligt aspekt af hans karriere. Dette maleri skulle have været med til at introducere Kelly til hans forståelse af malerier, der eksisterer som objekter. Ikke alene var Farver til en stor væg et objekt i sig selv, men det bestod også af mange mindre objekter i form af paneler, der blev sat sammen til det samlede kunstværk.

I dette kunstværk, der kombinerer nogle grundlæggende modernistiske strategier, skulle hver enkelt firkant give indtryk af, at de var blevet samlet ved et rent tilfælde.

Farver til en stor væg (1951) af Ellsworth Kelly; Ainhoa Díaz, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Kelly malede hver af de 64 felter separat i en enkelt farve og satte dem sammen i en collage, som han arrangerede tilfældigt. Resultatet blev et maleri, hvor intet aspekt af dets udseende var bestemt af Kellys egne valg. Dette maleri antydede også ideen om readymade og dets anvendelighed i kunsten, da Kelly skabte hvert panel af forskellige ark hobbypapir.

Sol LeWitt (1928 - 2007)

Den amerikanske billedhugger, maler og forfatter Solomon "Sol" LeWitt blev betragtet som en af lederne af den konceptuelle bevægelse og var med til at udvikle minimalismen i efterkrigstidens amerikanske kunst. Han blev berømt i slutningen af 1960'erne takket være sine ikoniske vægtegninger og moderne abstrakte skulpturer , LeWitt fortsatte med at eksperimentere med en bred vifte af medier, herunder maleri, tegning, grafik og fotografi, og siden 1965 har han været udstillet på utallige soloudstillinger rundt om i verden.

LeWitts tro på, at en kunstner eksisterer som en skaber af idéer, og denne tankegang viste sig at være utrolig vigtig i overgangen fra den moderne til den postmoderne æra.

LeWitt mente også, at en idé i sig selv kunne udgøre et kunstværk, hvilket betyder, at en kunstner kunne udtænke en idé og stadig have fuldt ejerskab til værket, før han overlod den faktiske produktion til en anden. Hans vægtegninger med geometriske mønstre, der er afledt af et sæt instruktioner, er hans mest kendte, og han vendte sig mod konceptuelle værker, efterhånden som hans karriere skred frem.

De fleste af LeWitts kunstværker bestod af grundlæggende linjer, farver og forenklede former, som alle blev brugt ud fra visse matematiske og arkitektoniske specifikationer.

LeWitt betragtede også anvisningerne til at producere kunst som selve kunstværket, hvilket betød, at et kunstværk ikke længere behøvede en egentlig materiel tilstedeværelse for at blive betragtet som "kunst". Til trods for at LeWitt var en af de mest kendte innovative amerikanske billedhuggere og respekterede postmodernister, afskyede han al offentlighed og berømmelse, idet han regelmæssigt afviste priser og undgik interviews.

Vægtegning #439 (1985)

Gennem hele LeWitts karriere har hans serier af vægtegninger vist sig at være hans mest populære kunstværker. Vægtegning #439 viste hans dristige brug af farver og trekantede former på et fladt plan, hvilket skabte en mere komplet og tredimensionel form for beskueren at se på. I denne minimalistiske tegning og i utallige andre tegninger arbejdede LeWitt på at etablere en fast forbindelse mellem minimalismen og konceptkunsten.

Dette kan ses ved at bruge levende farver malet i geometriske former og placeret på en væg.

Ved hjælp af farveblækvaske, der er lagt oven på hinanden, har LeWitt skabt en asymmetrisk pyramide bestående af flere flerfarvede facetter. Muligvis påvirket af en rejse til Italien, Vægtegning #439 er inspireret af freskoeffekten og kan ses ved nærmere eftersyn. Dybden skabes af de nedadgående trekantsfragmenter, som trækker beskuerens øjne ind, idet de arbejder for at stimulere illusionen om enhed på trods af at være malet på en flad væg.

Jo Baer (1929 - i dag)

En anden af de vigtige kvindelige minimalistiske malere fra USA er Josephine "Jo" Baer, der er kendt for sit store bidrag til minimalisme-bevægelsen. Baer studerede oprindeligt forskningspsykologi, men vendte sin opmærksomhed mod kunstnerisk arbejde og besluttede sig for at gøre det til en fuldtidskarriere. I 1950'erne begyndte Baer at arbejde på en malerisk måde, der var inspireret af den abstrakte ekspressionistiske stil.Det var først i midten af 1960'erne, at hun begyndte at udstille sine værker på steder for moderne kunst.

Efter at være vendt tilbage til New York gik Baer over til sin abstrakte stil, der fremhævede hårde kanter og lærredets tilsyneladende tomhed. Det er derfor ikke overraskende, at hendes værker fangede minimalismens opmærksomhed, da alle mulige billedfortællinger manglede i hendes malerier.

Baers nøjagtigt malede kunstværker fra 1960'erne er stadig hendes mest identificerbare, da de for det meste bestod af et tomt lærred, der var indrammet af en båndlignende malet kant.

Jo Baer i sit atelier, Amsterdam 2014; Billiesavage, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Hendes kunstværker fra 1960'erne blev normalt udstillet som diptykker eller hængt tæt på gulvet for at understrege deres store fysikalitet. På grund af den tydelige "tomhed" i hendes kunstværker er de blevet betragtet som minimalistiske værker ud over den måde, hvorpå de peger på alle typer strukturelle relationer over emnet.

I 1975 forlod Baer helt det abstrakte maleri og begyndte at fokusere på en form for "radikal figuration", hvor hun kombinerede billeder, symboler, ord og sætninger på en drømmende og finurlig måde.

Spektrumets stationer (primær) (1967 - 1969)

Spektralstationerne (primær) , der består af tre lærreder af samme størrelse, som var blanke og indrammede, var oprindeligt en triptykon, før der blev tilføjet yderligere tre paneler, så det blev et kunstværk i seks dele. I lighed med alle Baers andre malerier fra denne tid var de rektangulære paneler i dette kunstværk begrænset til et meget ligetil og symmetrisk format. Hvert panel fik en almindelig sort stribe som kant, hvilket gør demikke kan skelnes fra hinanden med det blotte øje.

Men hvis man ser nærmere efter, kan man se en lille forskel på de tre paneler.

Hvert lærred var adskilt af en tynd linje af en anden farve, der løb parallelt med den sorte kant. Som antydet af udtrykket "primær" i titlen bestod de farvede linjer af blå, grøn og rød, som er kendt som de primære farver Placeringen af disse farver var tilsigtet, fordi forskellene mellem dem på visse tidspunkter og afstande ville være synlige i en beskuers perifere synsfelt.

Frank Stella (1936 - nutid)

Den amerikanske maler Frank Stella var blandt de mest berømte minimalistiske malere, der kom ud af bevægelsen. Stella eksperimenterede med en række andre kunststile ud over minimalismen, men blev hurtigt berømt omkring 1959 for sin unikke minimalistiske tilgang til det abstrakte ekspressionistiske maleri. Han skabte en række upersonlige sortstribede malerier, der gik imod det kommunikative penselarbejde ogeksistentiel frygt, der var forbundet med den abstrakte ekspressionisme, fik Stella øjeblikkelig anerkendelse som en innovativ kunstner.

Stella koncentrerede sig om de formelle elementer i kunstfremstillingen og skabte stadig mere komplicerede kunstværker, der fulgte en naturlig udvikling i kompleksitet, vitalitet, taktilitet og størrelse.

Han udvidede sin monokromatiske farvepalet til at omfatte mere levende farver og gik til sidst over til at skabe malerier, der integrerede ikke-maleriske elementer, der antydede tredimensionalitet. Dette førte til produktion af komplekse fritstående skulpturer , og Stellas værker havde indflydelse på udviklingen af både minimalismen og Color Field-maleriet.

Efter at have åbnet et atelier i New York tiltrak Stella sig tilsyneladende opmærksomhed med det samme. Hans malemetoder, som fokuserede på de grundlæggende elementer som farve, form, form og komposition, adskilte sig meget fra den tidligere kunststil og var med til at definere den fremvoksende minimalisme-bevægelse. Ifølge Stella var et maleri ikke andet end en flad overflade med maling på, hvilket afslørede hans syn på kunst somen selvstændig enhed.

Stella er en af de yngste kunstnere, der har fået en retrospektiv udstilling på MoMA, og han er stadig en af de mest innovative kunstnere i dag.

Ægteskab mellem fornuft og elendighed, II (1959)

Som blot 23-årig modtog Stella stor anerkendelse fra kritikerne for sin serie af Sorte malerier som han producerede mellem 1958 og 1960. Denne serie af kunstværker består af enkle striber af sort husmaling, der er sat i skarpe, men monotone mønstre. I denne serie er Ægteskab mellem fornuft og elendighed, II , hvor Stella malede sorte paneler med tynde omvendte og parallelle linjer i form af en U-form.

De tykke sorte striber, der skaber et geometrisk mønster, er kun opdelt af de tynde linjer med hvid maling.

Når man betragter maleriet, får værkets fravær af forskellige konturer og udtryksfulde penselarbejde beskueren til at genkende det som en flad overflade i modsætning til et maleri. Mens de parallelle linjer fortsætter med at skabe en form for illusionistisk tredimensionalitet i rummet, giver lærredets fuldstændige enkelhed og tomhed maleriet en meget upersonlig følelse. Denne mangel på følelser, sammen med dengentagen brug af en geometrisk form, gør Ægteskab mellem fornuft og elendighed, II er et fremragende eksempel på minimalistisk kunst, da det overholder dens hovedtræk.

Robert Mangold (1937 - i dag)

En af de mindre kendte minimalistiske kunstnere, der er forbundet med minimalisme-bevægelsen, er den amerikanske maler Robert Mangold. Han var dog en aktiv deltager i stilen fra dens opståen og er højt respekteret af flere andre minimalistiske kunstnere. Efter at være blevet ansat sammen med sin kunstnerkollega Sol LeWitt som sikkerhedsvagt på Museum of Modern Art i New York, blev Mangold støt og roligtblev kendt efter sin deltagelse i en række populære minimalistiske malerudstillinger, der blev afholdt i 1960'erne.

Ligesom andre berømte minimalistiske malere havde Mangolds malerier en tendens til at inkorporere en lysere og kraftigere farvepalet, hvilket i sidste ende gav anledning til udviklingen af postminimalismen i det følgende årti.

Et portræt af Robert Mangold, den minimalistiske maler, 2013; Sylvia Mangold, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Selv om han anses for at være en minimalistisk maler, har Mangolds værker en tendens til at eksistere på grænsen mellem malede og skulpturelle former. Ved hjælp af teknikker som lagdeling, opdeling og blanding understreger Mangolds værker formens tilstedeværelse gennem hans malede overflader, samtidig med at der skabes subtile skulpturelle effekter.

Mangold er kendt for sin evne til at tale med klarhed og åbenhjertighed, når han diskuterer sin kunstneriske praksis.

Hans malerier anses for at være ægte minimalistiske, da deres mangel på mediumspecifikke processer var et centralt træk ved bevægelsen. Mens hans tidligere værker blev skabt i lysere og mere monokromatiske toner, skiftede han over til lysere og mere vovede farvekombinationer Dette skyldtes i nogen grad det spirende digitale rum, der var ved at opstå, hvilket i høj grad havde indflydelse på nye farver og former.

Søjlestruktur XXII (2008)

Da han stadig arbejder som kunstner i dag, indeholder mange af Mangolds nyere værker elementer fra minimalismen. 40 år efter han begyndte at lege med formede og geometriske lærreder, viste Mangold, at han stadig kan skabe lige så spændende værker, selv om der er gået så lang tid. Søjlestruktur XXII består af ændringer af søjleformen, der er blevet samlet til et uregelmæssigt kors.

Maleriets form var en tydelig reference til den kristne ikonografi og Kazimir Malevichs suprematistiske komposition.

Da Mangold skabte dette maleri, satte han flere malede lærreder sammen for at danne korset, ligesom mange af hans andre kunstværker, Søjlestruktur XXII hentyder til nogle arkitektoniske og strukturelle koncepter, selv om det hovedsageligt er tænkt som et maleri. Når man betragter korset, kan man mærke en følelse af spænding gennem samspillet mellem de linjer, der krummer sammen med formen. Disse linjer fortsætter med at opdele korset i gitre, hvor Mangold komplicerer grebets matematiske ensartethed ved at indføre kurvede og ikke lige linjer.

Mary Obering (1937 - i dag)

Når man ser på listen over minimalistiske kunstnere, er den amerikanske maler Mary Obering en person, som ofte overses. Obering producerer meget gitterlignende billeder, der består af monokromatiske og geometriske former, og hun kombinerer visse minimalistiske koncepter med traditionelle materialer som æg-tempera og bladguld.

Obering fik en bachelorgrad i eksperimentel psykologi og en mastergrad i adfærdsvidenskab, men begyndte først at eksperimentere med kunst i begyndelsen af 1970'erne efter et besøg i Italien og et møde med kunstneren Carl Andre.

Efter at være flyttet til New York i 1972 købte Obering sig et atelier og blev fuldt ud integreret i kunstscenen, hvor hun stadig bor og arbejder den dag i dag. Hendes tidligere kunstværker, som menes at være inspireret af Frank Stella, består af formede paneler, der kombinerer elementer fra maleri og skulptur.

Dette har givet hendes malerier en meget hård abstraktion, hvor de præcist malede firkanter og rektangler bidrager til at gøre hendes værker mere ensartede og omhyggelige.

Obering har udtalt, at hendes malerstil er inspireret af de gamle mestre i Italien, hvor hun har tilbragt meget tid. Dette kan ses i hendes brug af rige og lagdelte pigmenter, æg-tempera, gessoede paneler og bladguld i hendes værker. Selv om disse aspekter har en tendens til at gå imod minimalismens strengere filosofi, etablerede Obering sig som et fast medlem af gruppen ved at arbejde inden for en cirkelder blev betragtet som den banebrydende del af minimalismen i 1970'erne. Den omhyggelige struktur i hendes kunstværker bidrager også til den minimalistiske følelse.

Firefall (1975)

I alle de malerier, som Obering har produceret i løbet af sin karriere, har hun altid bevaret sin faste fornemmelse for overdådige farver, som til tider er blevet betragtet som maksimalistisk i modsætning til minimalistisk. Firefall , Obering lavede et meget struktureret indtryk af en afskåret firkant, der blev placeret på et rektangel gennem de to parallelle linjer i lyserødt.

Da den ene linje er længere end den anden, kan man se antydningen af en skygge, som det fremgår af det røde.

Ved at inkorporere en form, der ser ud til at glide af det rektangulære lærred, samt dens lette skygge, har Obering været i stand til at kombinere elementer af maleri og skulptur i dette kunstværk, da der opstår en tredimensionel effekt, når man ser på kompositionen. Brugen af rige farver i grønne, lyserøde og røde toner bidrager til maleriets overdådighed.

Minimalismen viste sig at være en meget innovativ kunststil, da den adskilte sig meget fra den tidligere abstrakte ekspressionisme. Efter at have lært om de 10 mest berømte minimalistiske malere ovenfor, er det klart at se, at der stadig er meget mere at lære om denne stil, sammen med andre lige så berømte kunstnere, som ikke altid er med på listen. Hvis du har nydt at læseop om disse kunstnere, opfordrer vi dig til også at læse vores artikel om minimalistisk kunst og uddybe din viden om denne bevægelse.

Tag et kig på vores webhistorie om minimalistiske kunstnere her!

Ofte stillede spørgsmål

Hvad var minimalismens kunstbevægelse?

Minimalismen udviklede sig i USA og eksploderede på kunstscenen i 1960'erne. Kunstnere, der eksperimenterede med denne nye stil, skabte malerier og skulpturer, der bestod af enkle geometriske former som f.eks. rektangler og firkanter. Minimalistiske kunstværker viste en forståelse for kvaliteter som ærlighed, struktur, enkelhed og balance.

Hvem var den mest kendte minimalistiske kunstner?

Da minimalismen voksede hurtigt i løbet af 1960'erne og 1970'erne, blev flere bemærkelsesværdige kunstnere, bl.a. Agnes Martin, Sol LeWitt, Dan Flavin, set som pionerer i bevægelsens udvikling, Donald Judd Generelt anses den første minimalistiske kunstner for at være Frank Stella, som begyndte at skabe sine ikoniske "nålestribet"-malerier allerede i slutningen af 1950'erne.