Middelalderen, som almindeligvis kaldes middelalderen, strækker sig over 1000 år. Romerrigets fald omkring 300 e.Kr. markerede startskuddet til middelalderen, som varede indtil begyndelsen af renæssancen omkring begyndelsen af 1400-tallet. Denne periode var en usædvanlig indflydelsesrig æra i den vestlige kunstkultur, som gav anledning til mange berømte middelalderlige malerier. Store kunstbevægelser fandt stedDer blev skabt nye kunstgenrer, og forskellige kunstneriske traditioner blev blandet sammen, herunder stilarter fra Mellemøsten og Nordafrika.

Hvad stod den middelalderlige kunstbevægelse for?

Middelalderlig kunst blev skabt ud fra Romerrigets kunstneriske arv og den tidlige kristne kirkes ikonografiske skikke sammen med den "barbariske" stil i Nordeuropa. Blandingen af disse kilder førte til udviklingen af en utrolig kunstnerisk arv. Den middelalderlige kunstperiode omfattede forskellige kunstneriske bevægelser, der især involverede de Tidlig kristen kunstbevægelse , den byzantinske kunstbevægelse, den romanske kunstbevægelse og den gotiske kunstbevægelse.

Selv om stilen i den kunst, der blev produceret i denne periode, varierede, var den forenet af forskellige fælles faktorer. Den vigtigste var, at den afspejlede kristendommens store popularitet.

Kristus af barmhjertighed mellem profeterne David og Jeremias (mellem ca. 1495 og ca. 1500) af Diego de la Cruz; Diego de la Cruz, Public domain, via Wikimedia Commons

Middelalderens malerier var rige på religiøs symbolik og billedsprog. Middelalderens kunstnere og deres malerier portrætterede overvejende hellige figurer og bibelske fortællinger. Disse fortællinger havde et hierarki, som overvejende blev dikteret af de rum, som malerierne ville indtage. De middelalderlige kunstværker, der afbildede scener, der blev anset for at være vigtigere, ville indtage bemærkelsesværdige fokuspunkter i en kirke eller enaltertavle, mens mindre betydningsfulde scener ville stråle udad.

Disse eksempler på middelalderlig kunst kan groft sagt inddeles i fresko-, panel-, illuminerede manuskript- og ikonografimaleri.

Selv om middelalderens kunstværker primært tjente en religiøs funktion, var der en stigning i antallet af verdslige emner, der blev inkluderet i middelalderens malerier. billedkunst gennemgik en overgangsperiode i middelalderen, da kunstnernes mål gennemgik en radikal ændring.

Middelalderlige fresker i Zemen-klosteret i Bulgarien; Bollweevil, CC0, via Wikimedia Commons

Middelalderens malere skiftede fra de stive formler, der var nødvendige i det romanske maleri, til en mere realistisk fremstilling af verden og et ønske om at opnå en tredimensionel effekt i deres maleri. Denne indførelse af middelalderlige malerier, der skildrede ikke-religiøse emner og verdslige detaljer, gav kunstnerne mulighed for at udtrykke en række forskellige følelser og skildre det moderne liv.mere realistisk.

Desuden var dekorativ kunst almindeligt i middelalderlige malerier.

Religiøse malerier havde ofte guld i baggrunden, hvorpå der undertiden blev brugt opvarmede værktøjer til at præge indviklede mønstre ved hjælp af en proces kaldet "tooling". Middelalderens malere opnåede elegant design i deres kunstværker ved at bøje draperierne og skildre menneskekroppens svaj og bevægelse. Kroppe blev ikke længere skildret som stive og flade; illusionen af bevægelse og flydende varbliver almindelig praksis.

Middelalderens kunstperiode er stadig et udbredt område for samlere og forskere, da en stor mængde middelalderlige kunstværker, der blev produceret i denne periode, er blevet anerkendt for deres historiske betydning. Middelalderens kunstnere og deres malerier demonstrerede de tekniske fremskridt og omfattende resultater i denne periode, som var afgørende for udviklingen af senere vestlig kunst.

Epitafium for Nikolaus Lindner (c. 1511) af Anonymous; Nationalmuseet i Warszawa, Public domain, via Wikimedia Commons

Vores top 10 over de mest berømte middelaldermalerier, der findes

Middelalderens kunstperiode strakte sig over 1000 år og omfattede en bred vifte af kunstneriske bevægelser. Mange bemærkelsesværdige eksempler på middelalderlig kunst skiller sig ud, da der blev produceret et stort udvalg af kunst i den periode. Men specifikke middelalderlige kunstnere og deres malerier er blevet anerkendt som værende afgørende for deres mesterlige teknikker og deres bidrag til kunstens udvikling.

Dette er vores udvalg af de 10 mest berømte middelaldermalerier fra middelalderens kunstbevægelse.

Kristus Pantokrator (Sinai) (c. 500 - 600)

Selv om man ikke ved meget om den Kristus Pantokrator (Sinai), Dette middelalderlige maleri er blevet anerkendt som en af de ældste religiøse ikoner i byzantinsk stil. Kunstneren er stadig ukendt, men den Kristus Pantokrator Maleriet forestiller Kristus med en løftet højre hånd, som er et tegn på hans velsignelsesgave, og i venstre arm holder han et evangelium, der er dekoreret med juveler i form af et kors.

Maleriet er bevidst asymmetrisk, da det symboliserer Kristi dobbelthed. Den gyldne glorie, der indrammer Kristi hoved, gør dette endnu tydeligere. Når man ser på afbildningen af Kristi ansigt på den side, hvor Kristus holder evangeliet (maleriets højre side), er Kristi ansigtstræk afbildet som alvorligt og hårdt.

Denne side blev malet med mere dybde og skygge, hvilket illustrerede en mere tredimensionel fremstilling af Kristus med en følelse af realisme. Denne realisme var repræsentativ for Kristi menneskelige natur.

Det ældste kendte ikon af Kristus Pantokrator , encaustik-ikon fra det 6. århundrede fra Sankt Katharinas kloster på Sinai-bjerget; Ukendt kunstner Ukendt kunstner, Public domain, via Wikimedia Commons

I modsætning hertil er Kristi ansigt på den side, hvor Kristi højre hånd er løftet (maleriets venstre side), mere roligt og roligt, hvilket er repræsentativt for Kristi guddommelighed. Desuden er det portrætteret med mere lys og blødhed, og det er fladtrykt for at illustrere en todimensionel fremstilling. Dette fravær af realisme tjener til at fremhæve åndeliggørelsen af Kristus.og hans rolle som frelser.

Denne ikon er et vigtigt kunstværk, da det er det tidligst kendte kunstværk i Pantokrator-stilen og et af de meget få, der overlevede den byzantinske ikonoklasme. Maleriets glans ligger i den måde, hvorpå det problemfrit forener de to halvdele af Kristi ansigt og skildrer den inkarnerede Kristus som en forening af både den menneskelige og guddommelige natur.

Klagesang (Kristi sorg) (1306) af Giotto di Bondone

Giotto di Bondone er blevet betragtet som en af de vigtigste forløbere for renæssancen. Giotto var en indflydelsesrig italiensk kunstner fra den sene middelalder, der ofte omtales som protorenaissance. Klagesang (Kristi sorg) er blevet anerkendt som et af hans mest bemærkelsesværdige værker fra de fresker, han malede til Arena-kapellet i Padova.

Giotto's Klagesang (Kristi sorg) er en del af den freskerække, der bruges til at skildre den Kristi liv og Jomfruens liv i Scrovegni-kapellet. Maleriet forestiller øjeblikket efter Kristi korsfæstelse, hvor hans livløse krop blev passet af familiemedlemmer og disciple, der blev hylet af glorier, og hvor Maria, som er i fokus, vuggede Kristi hoved, mens Maria Magdalene sørgede ved hans fødder.

Giotto var i stand til at gøre sine figurer levende og formidle deres følelser gennem de fine detaljer på deres hænder og fødder.

Scener fra den Kristi liv : 20. Klagesang (Kristi sorg) af Giotto di Bondone, 1306; Giotto, Public domain, via Wikimedia Commons

Derudover udtrykte deres bøjede hoveder og åbne munde en dyb følelse af sorg og sorg. Deres gestikulationer udtrykker sympati og ødelæggelse for Kristi lidelser. Ikke alene udtrykte Giottos menneskefigurer en følelse af følelsesmæssig realisme, men også de Forkortet portrætteringen af de sørgende engle og brugen af diagonale linjer på bjergryggen gav kompositionen en følelse af fysisk realisme.

Giotto brød afgørende med den byzantinske stil og introducerede de banebrydende teknikker til at tegne nøjagtigt efter livet og efter naturen. Han afveg fra de todimensionelle konventioner og skabte dybde og naturaliserede figurer. Han fokuserede på kvaliteten af virkelighed i kunsten, da han observerede mennesker og gengav deres gestik, udtryk og bevægelse i sin kunst.

Giottos progressive kunstneriske kunnen fremmede naturalismen, som senere blev et vigtigt træk i renæssancens skulptur og maleri.

Maestà (ca. 1308 - 1311) af Duccio di Buoninsegna

Duccio di Buoninsegna, grundlæggeren af den sienesiske malerskole, var en af de største italienske malere fra middelalderen. Maestà er blevet anerkendt som det største af alle hans værker. Titlen Maestà mente Jomfru Maria i majestæt og dette maleri var en del af en polyptychon, dvs. det var en del af en altertavle, der bestod af mange træpaneler.

Panelerne på forsiden forestiller Madonnaen og barnet, der troner, og de er omgivet af helgener og engle.

Jomfru Maria var klædt i en intens blå farve og draperiet bag hende var broderet med guld, Duccio brugte udsøgte farver i sine paneler. Der var mange dekorative flader i maleriet, hvilket var meget karakteristisk for den sienesiske stil. Duccio malede den Maestà med en følelse af delikatesse og subtilitet, hvilket kan ses ved det tøj, som Kristus var svøbt i, og gennemsigtigheden omkring hans ben som en modulation af lys og skygge.

Duccio skabte en følelse af masse og volumen, som det ses af Kristi venstre hånd, der trækker draperiet mod sig selv med de folder, der er støbt ind i draperiet. Man begynder at se tredimensionaliteten i maleriet med modelleringen af Kristi hage og hals. Tilsvarende er englens vinger malet på en krøllet måde for yderligere at indikere en følelse af volumen i stedet for at virke flade.

Det centrale panel i den Maestà (1308-1311) af Duccio di Buoninsegna. Museo dell'Opera metropolitana del Duomo, Italien; Duccio di Buoninsegna, Public domain, via Wikimedia Commons

I den Maestà, Figurerne af helgener og engle er næsten i naturlig størrelse. Det er vigtigt at bemærke den relative størrelse af Jomfru Maria, hun er den største figur på maleriet. Dette skyldes, at Maria havde den overordnede rolle at gå i forbøn mellem Gud og menneskeheden, da hun blev brugt af almindelige mennesker til at få adgang til Gud.

Duccios middelalderlige kunstværker kombinerede den formaliserede italo-byzantinske tradition med den gotiske stils opfattelse af åndelighed. Denne sammensmeltning gav hans malerier en stærk åndelig tyngde og lyrisk udtryksfuldhed.

Duccio bevægede sig støt og bevidst mod at skabe en følelse af masse og volumen i sit maleri, hvilket etablerede en stilistisk standard, som påvirkede senere kunstnere.

Ognissanti Madonna (f. 1310) e. Giotto di Bondone

Et andet maleri af den indflydelsesrige kunstner Giotto di Bondone var hans Ognissanti Madonna. Maleriet forestillede Jomfru Maria med Kristusbarnet med helgener og engle omkring dem. Giottos fremstilling af Jomfru Maria var volumetrisk og overbevisende realistisk i modsætning til de flade, lineære, konceptuelle og urealistiske skildringer, der var mere typiske for den tidlige jomfru Maria. Byzantinsk stil i kunsten .

Selv om dette kan være rigtigt, var der stadig nogle elementer, der var i overensstemmelse med datidens traditionelle metoder som f.eks. den gyldne baggrund og figurernes hierarkiske placering. Giotto var dog i stand til at skabe en tilsyneladende målbar dybde i sine malerier gennem perspektiv og belysning.

Giotto malede naturaliserede figurer, der så mere menneskelige ud. I tidligere epoker var figurernes anatomi under deres tøj ikke detaljeret, hvorimod Giotto sørgede for at give et subtilt indtryk af Madonnas bryst og knæ gennem hendes tøj og Kristi krop gennem den kåbe, han var draperet i, hvilket gav en følelse af anatomisk realisme.

Den tronende Madonna (Ognissanti Madonna) (ca. 1300-1305) af Giotto di Bondone; Giotto, Public domain, via Wikimedia Commons

Giotto brugte arkitektonisk perspektiv til at skildre tronen og et billedrum, der svarede til virkeligheden, hvor figurerne omkring Madonnaen var mindre og adlød scenens rumlige regler. Madonnaens og Barnets hævede position symboliserede deres åndelige ophøjelse. Alligevel blev den gjort mere realistisk på grund af den trone, de sad på, og de trin, der førte op til den.Kristi løftede hånd blev maleriets omdrejningspunkt, og de omgivende figurer, der kiggede på ham, opfordrer dig til at fokusere på ham.

Selv om Madonnaen stadig troner som himlens dronning, hvilket var en typisk middelalderlig fremstilling, gjorde Giotto hende mere tilgængelig ved at tilføje trapper, der fører op til hendes trone, hvilket giver illusionen af, at hun var en del af tilskuerens verden.

Dette var i tråd med den naturalisme, der snart skulle vise sig at blive et vigtigt træk i renæssancemaleriet fremover.

Bebudelsen med den hellige Margareta og den hellige Ansanus (1333) af Simone Martini og Lippo Memmi

Simone Martini og Lippo Memmi var middelalderlige malere fra Italien, som tog den gotiske stil til sig i deres kunstværker. maleri Bebudelsen med den hellige Margareta og den hellige Ansanus var en trætriptychon, der blev malet i tempera og guld. Det er blevet betragtet som et af de mest fremragende gotiske malerier og blev anerkendt som Martinis mesterværk. Triptychonen blev malet som et sidealter til Siena-katedralen.

Maleriet forestillede den Bebudelse i det centrale panel, hvor ærkeenglen Gabriel, der bar en olivengren, knælede foran den siddende Jomfru Maria og meddelte hende, at hun snart ville føde Guds barn. Gabriel blev afbildet med en olivengren, der traditionelt ses som et symbol på fred. Vasen på gulvet mellem Gabriel og Maria var et symbol på renhed. Over den, i den centrale bue, var der en gruppe afengle, hvis vinger lå sammen, hvor Helligåndens due var steget ned fra himlen.

De latinske ord, der kan oversættes til "Hil dig, Maria, fuld af nåde, Herren er med dig", var præget i guld og strakte sig fra englens mund mod Maria.

Martini havde detaljeret beskrevet englenes vinger og den stol, hvor Maria sad, hvilket gav maleriet en følelse af elegant og præcis raffinement. På hver side af det centrale panel var katedralens to skytshelgener adskilt af to dekorative, snoede søjler.

Bebudelsen og to helgener (1333) af Simone Martini og Lippo Memmi; Simone Martini, Public domain, via Wikimedia Commons

Martinis centrale panel viste hans innovative brug af stregarbejde kombineret med en følelse af menneskeligt udtryk og bevægelse. Placeringen af englens kjole fik den til at flagre bag ham, som om han lige var landet, og Maria blev afbildet i en holdning, der virkede ret reaktiv og følelsesladet, som om hun blev forskrækket fra sin læsning og var vantro over den himmelske budbringer.

Selv om den omfattende brug af guld og maleriets emne afspejlede den traditionelle byzantinske stil, var stregarbejdet repræsentativt for den gotiske stil.

Desuden bidrog brugen af realistiske elementer som vasen, bogen, tronen, fortovet, der var i perspektiv, den realistiske fremstilling af de to figurer og de subtile nuancer af deres karakterer alle til den betydelige løsrivelse fra den typiske byzantinske stil. Denne fremstilling af Bebudelsen med den hellige Margareta og den hellige Ansanus var enestående for sin tid.

Allegorien om god og dårlig regering (ca. 1338 - 1339) af Ambrogio Lorenzetti

Ambrogio Lorenzetti malede Allegorien om god og dårlig regering som en serie på tre fresker i Palazzo Pubblico i Siena i Italien, der består af seks forskellige scener: Allegori om det gode styre; Allegori om det dårlige styre; Virkningerne af det dårlige styre i byen; Virkningerne af det gode styre i byen; Virkningerne af det dårlige styre på landet; og Virkningerne af god regeringsførelse i landet.

Dette maleri anses for at være Lorenzettis mesterværk.

TOP: Allegori om dårlig regering (ca. 1338-1339) af Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Public domain, via Wikimedia Commons Allegori om god regeringsførelse (ca. 1338-1339) af Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Public domain, via Wikimedia Commons

Rådet af Ni (byrådet) bestilte serien i sin helhed, hvilket blev anerkendt som en slags politisk budskab til medlemmerne af rådet om at reducere dårlig regeringsførelse og korruption. Freskerne var verdslige skildringer af symbolske dydsfigurer om, hvordan republikken blev styret.

Disse malerier viste en udvikling i emnet i forhold til tidligere kunst, der overvejende var religiøs.

Freskoerne viste en billedlig skelnen mellem harmoni og velstand ved en ærlig regering og den ruin og det forfald, der var resultatet af tyranni. Lorenzettis portræt af fordelene ved en god regering blev skildret af en "god by", hvor der var dansere og handlende, og omkring byen var der rejsende og bønder, der udførte deres forretninger i harmoni.

TOP: Virkningerne af god regeringsførelse i byen (ca. 1338-1339) af Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Public domain, via Wikimedia Commons Virkningerne af god regeringsførelse i landdistrikterne (ca. 1338-1339) af Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Public domain, via Wikimedia Commons

Hans skildring af virkningerne af en dårlig regering blev skildret ved hjælp af en "dårlig by", der var i forfald, havde et trangt udseende og en tydelig synlig gadekriminalitet. Omkring byen var landskabet præget af gårde, der brændte, sygdom og omfattende tørke.

Lorenzettis malerier demonstrerede hans kunstneriske modernisme Lorenzettis malerier viste desuden realistiske arkitektoniske vinkler, og hans brug af primitivt perspektiv gjorde det muligt for tilskuerne at opfatte det fysiske i hans malerier.

TOP: Virkningerne af dårlig forvaltning i byen (ca. 1338-1339) af Ambrogio Lorenzetti; Ambrogio Lorenzetti, Public domain, via Wikimedia Commons Virkningerne af dårlig forvaltning i landdistrikterne (ca. 1338-1339) af Ambrogio Lorenzetti; Public Domain, Link

Det er vigtigt at bemærke, at Lorenzettis Allegorien om god og dårlig regering var et af de første bemærkelsesværdige kunstværker, der skildrede politisk verdslig kunst siden den klassiske oldtid. Det er blevet sagt, at Lorenzettis fresker var en forsmag på de moralistiske scener, som senere blev skabt af malerne Hieronymus Bosch i sin Have af jordiske lækkerier og Pieter Bruegel i sin Nederlandsk ordsprog .

Korsfæstelsen altertavle (ca. 1394 - 1399) e. Melchior Broederlam

Melchior Broederlam var en af de tidligste flamske malere. Korsfæstelsen altertavle består af to paneler. Broederlam blev bestilt af hertugen af Bourgogne til at udsmykke altertavlens ydre med to malede paneler til Chartreuse de Champmol. Broederlams Korsfæstelsen altertavle er blevet anerkendt som en meget berømt maleri at komme ud af middelalderen.

Korsfæstelsen altertavle illustrerede den Kristi liv : Den Bebudelsen, Besøg, Præsentation i templet, og Flugten til Egypten. Inde i altertavlen fortsætter historien med den Tilbedelse af de tre konger, Kristi korsfæstelse, og endelig Kristi gravlæggelse.

Broederlams tavler er blevet anerkendt som storslåede eksempler på den gotiske stil, da de havde rige farver som guld og naturalistiske detaljer som f.eks. hans brug af lys og skygge for at skabe dybde. Arkitekturen og figurerne var elegant og delikat afbildet.

Arrangementet af de hellige bygninger, som optog to af de fire scener, var ganske karakteristisk. Broederlam malede begge bygninger som åbne mod omverdenen, som om han forsøgte at vise både det indre og det ydre på samme tid.

Denne tydelige modsigelse var en konvention, der var inspireret af de italienske malerier fra det 14. århundrede.

VENSTRE: Alteret for Filip den Stærke, hertug af Bourgogne (Dijon-altertavle) (1398) af Melchior Broederlam; Melchior Broederlam, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons Præsentation i templet, Flugten til Egypten (1398) af Melchior Broederlam; Melchior Broederlam, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

I den Korsfæstelsen altertavle, de billedmæssige elementer var afbalancerede i hvert panel, og Broederlam arrangerede figurerne, landskabet og arkitekturen på en måde, der skabte visuel harmoni. Desuden var de arkitektoniske strukturer i begge paneler placeret til venstre, mens landskabet var placeret i højre side af hvert panel.

Tilsvarende nåede klippelandskaberne op til toppen af begge paneler, og i den rektangulære projektion af hvert panel blev rummet udfyldt af en engel. Disse elementer blev bundet sammen af Broederlams brug af blå, pink og rød gentagne gange på hver side, hvilket opfordrer til at flytte øjnene fra den ene scene til den næste. Således skabte Broederlam på dygtig vis en følelse af kontinuitet på tværs af de enkeltebegivenheder.

Indflydelsen fra Broederlams italienske kolleger fra det 14. århundrede var tydelig i hans landskabsskildringer.

Det var tilsyneladende ude af proportioner med de omkringliggende bygninger og figurer. Det lignede det, man kunne finde i den sienesiske malerskole. Det var tydeligt, at de flamske kunstnere havde været udsat for deres italienske kolleger fra begyndelsen af det 14. århundrede. Disse møder skabte en international stil baseret på kunsten i Italien, som snart også fandtes i Prag, Dijon eller Köln.

Wilton Diptych (c. 1395 - 1399)

Den kunstner, der malede den Wilton Diptych er forblevet ukendt, men det højt ærede maleri betragtes som et sjældent mesterværk. Panelmaleriet, der er lavet af egetræ, var et bærbart altermaleri, der blev fremstillet til Englands konge, Richard II. Det blev brugt som et andagtsværk til at hjælpe med bønnen.

Maleriet kombinerede verdslige og religiøse billeder.

Når panelet blev åbnet, viste det kongen knælende foran himmelscenen. Kong Richard II blev præsenteret af Englands skytshelgener Edmund og Edward Bekenderen og Johannes Døberen for Jomfru Maria med Jesusbarnet, som var omgivet af elleve bevingede engle. Tallet elleve var betydningsfuldt, fordi Richard II blev konge af England, da han var elleve år gammel.

Kongens hænder blev præsenteret for enten at give eller modtage Sankt Georgs standar med det røde kors, og Kristi hånd blev løftet for at velsigne standaren sammen med Kong Richard II's regeringstid, som om kongen havde fået den guddommelige ret til at regere af Jomfru Maria og Kristusbarnet.

Wilton Diptychon (mellem ca. 1395 og ca. 1399) af en ukendt engelsk eller fransk kunstner; National Gallery, Public domain, via Wikimedia Commons

Wilton Diptych er malet i den internationale gotiske stil. Maleriets raffinerede detaljerigdom er enestående. Afbildningen af de små figurer med deres fine ansigtstræk og de klæder, de bar, som faldt i bløde folder, var kunstfærdigt udført.

Maleriet er smukt dekorativt og rigt på farver i guld og ultramarinblå.

Afbildningen er rig på symbolik, f.eks. Sankt Georgs standar, de hvide hjortetegn, som kongen bar, og englene var repræsentative for kongens badge, og rosmarinen i blomsterne var symbolsk for kongens første hustru Anne af Bøhmen.

Wilton Diptych er så betydningsfuldt, ikke kun på grund af maleriets rigdom, den omhyggeligt udførte forgyldning eller de ekstraordinære detaljer, men også fordi det er et meget sjældent engelsk panelmaleri. Den lille altertavle er kun et af de få engelske panelmalerier, der er bevaret fra middelalderen.

Treenigheden (ca. 1411 - 1427) af Andrej Rublev

Andrei Rublev var en russisk maler og hans mest berømte værk, Treenigheden, siges at være blevet malet et sted mellem 1411 og 1427. Forskellige forskere foreslår forskellige datoer, men officielt er det blevet postuleret, at den enten blev malet i 1411 eller i 1425-1427. Ikonen blev bestilt til Trinity Monastery of St. Sergius for at ære den hellige Sergius af Radonezh. Maleriet forestiller tre engle siddende ved et bord med en kalk placeret i midten.

Rublevs maleri forestillede de engle, der fortalte Abraham og hans kone Sara, at de ville få en søn. Mere specifikt repræsenterede de tre engle treenigheden, som enheden mellem Gud Fader, Sønnen og Helligånden. Selv om Gud ikke er repræsenteret i Treenigheden, kan maleriet stadig vise et ideelt udtryk for Gud.

De tre figurer har med vilje identiske træk, da treenigheden er forenet. Det er her, man tror, at Gud er én, men i tre personer.

Hellige Treenighed (Troitsa) (1425-1427) af Andrej Rublev; Andrei Rublev, Public domain, via Wikimedia Commons

Maleriet er rigt på symbolik. Treenighedens enhed blev yderligere antydet af de blå klæder, som hver engel bar. Maleriet formidler gennem gestik og blik, at de tre var involveret i en hellig diskussion, og de omgav kalken, som var symbolsk for Kristi offer. Rublevs arrangement af englene, de flydende linjer og hans fremstilling af englenes klæder er allebidrog til at skabe en visuel cirkel, som var symbolsk for deres enhed. Den cirkulære komposition giver en følelse af stille kontemplation.

Hvad angår russiske ikoner, er "Treenigheden" anerkendt som den mest berømte fortolkning. Rublevs ikon blev erklæret som model for alle russisk-ortodokse ikoner. Maleriet betragtes som en af de største bedrifter inden for russisk kunst fra den sene middelalderperiode.

Tilbedelse af de tre konger (1423) af Gentile da Fabriano

Gentile da Fabriano's maleri, Tilbedelse af de tre konger, er blevet anerkendt som hans fineste maleri. Altertavlen blev bestilt af Palla Strozzi til Santa Trinita-kirkens familiekapel. Tilbedelse af de tre konger afbildede de tre kongers rejse i forskellige scener. Scenerne starter i det øverste venstre hjørne, som afbildede rejsen og indgangen til Betlehem.

Scenerne fortsætter i urets retning, og den nederste del af maleriet forestiller mødet mellem de hellige konger og Jomfru Maria og det nyfødte Kristusbarn.

Tilbedelse af de hellige konger altertavle (1423) af Gentile da Fabriano; Gentile da Fabriano, Public domain, via Wikimedia Commons

De levende farver i maleriet er fascinerende, hvilket skyldes de forskellige måder, hvorpå bladguld blev påført, og brugen af kostbare pigmenter. Brugen af strålende farver, indviklede dekorationer og overdådige kostumer var dominerende i den internationale gotiske stil. Fabrianos arbejde kulminerede i den internationale gotiske stil i slutningen af det 14. århundrede og begyndelsen af det 15. århundrede. Fabrianoshans sans for detaljer var tydelig i hans afbildninger af eksotiske dyr, såsom leoparden, aberne, løven og de spektakulære heste.

Selv om den arkitektoniske ramme til maleriet var konstrueret til en triptykon, opgav Fabriano at opdele maleriets komposition og spredte i stedet fortællingen ud over panelerne.

En detalje fra Gentile da Fabriano's Tilbedelse af de hellige konger altertavle (1423); Gentile da Fabriano, Public domain, via Wikimedia Commons

Maleriets komposition kombinerede de gotiske detaljer med naturalisme. For eksempel bidrog placeringen af nogle af dyrene til illusionen af dybde, som f.eks. de varierende vinkler på nogle af hestene i forgrunden og forkortelsen af andre. Disse træk af fysisk realisme hentydede til det lineære perspektiv og naturalismen, som senere dominerede renæssancen.

Selve rammen er blevet anerkendt som et kunstværk, hvilket fremgår af de tre kusper øverst på panelerne med tondos. Det er cirkulære kunstværker, der forestiller Kristus Velsignelse i midten og den Bebudelsen, med ærkeenglen Gabriel på venstre side og madonnaen på højre side.

En detalje fra Gentile da Fabriano's Tilbedelse af de hellige konger altertavle (1423); Gentile da Fabriano, Public domain, via Wikimedia Commons

Under panelerne har predellaen tre malerier med scener fra Kristi barndom, bl.a. den Fødsel, Flugten til Egypten, og Præsentation i templet. Fabriano's Tilbedelse af de tre konger var den første altertavle, der blev fremstillet med panel og ramme som to separate dele, en helt uafhængig og selvbærende ramme, og den var den første af sin slags.

Malerierne fra middelalderen har stadig deres betydning den dag i dag og er stadig indflydelsesrige kunstværker. Mange malerier fra denne periode har inspireret til store kunstværker i de følgende år. Selv om vi kun har undersøgt 10 berømte middelaldermalerier, er det vigtigt at erkende, at middelalderkunsten er meget varieret, og at der findes mange store værker uden for vores liste. Hvis duVi opfordrer dig til at fortsætte med at udforske disse udsøgte malerier, da der er mange kunstemneriske emner på vores hjemmeside.

Vi har også oprettet en Google Web Story med vores Top 5 over berømte middelaldermalerier.

Ofte stillede spørgsmål

Hvad er de forskellige typer af middelalderlige malerier?

De forskellige typer af middelaldermalerier kan groft sagt inddeles i fresko-, panel- og ikonografimalerier. Middelalderens kunsteksempler omfattede et stort antal freskomalerier, som involverede metoden med vægmaleri, og som blev udført på vådt kalkgips. De fleste freskomalerier blev skabt til kirkers interiør. Panelmalerier blev udført på flade, ofteTræpaneler. De blev fortrinsvis anvendt i religiøse rum, nemlig i kirkelige altertavler, hvor de afbildede religiøse emner. Disse andagtsfulde panelmalerier var enten diptykker bestående af to paneler, triptykker bestående af tre paneler eller polyptykker bestående af flere paneler. Endelig var ikonografimaleriet en vigtig type middelaldermaleri, som omfattede afbildningen af hellige figurer,bibelske fortællinger og religiøse begreber.

Hvad er nogle af de fælles kendetegn ved middelalderlig kunst?

Middelalderens malerier varierede en del i stil, men de var forenet af nogle få fælles faktorer. Disse fælles træk omfattede vigtigheden af at skildre kristne emner samt brugen af ikonografi til at skildre religiøs symbolik og billedsprog i middelalderens kunstværker. Middelalderens malere inkluderede udførlige dekorationer og indviklede mønstre i deres malerier, hvor en proceskaldet "værktøj", blev brugt til at præge mønstre på baggrunden af malerier, som ofte var af guld. Når det gælder berømte middelaldermalerier, ser vi ofte, at kunstnerne brugte klare farver som f.eks. den intense ultramarinblå, som blev fremstillet ved at male lapis lazuli, en halvædelsten, til et pulver. Middelaldermalerier indeholder ofte ædelstene og ædelmetaller.

Hvad var stilen i den middelalderlige kunstperiode?

Middelalderens kunstperiode omfattede forskellige kunstneriske bevægelser og stilarter. De vigtigste kunstbevægelser omfattede den tidlige kristne kunstbevægelse, den byzantinske kunstbevægelse, den romanske kunstbevægelse og den gotiske kunstbevægelse. De middelalderlige kunsteksempler, der blev produceret i det 13. og 15. århundrede, var overvejende i den gotiske stil. Dette blev betragtet som billedkunstens overgangsperiode. Middelalderens kunstnere og deres malerier skiftede væk fra de stive formler, som den romanske kunst havde krævet, ogmaleriet, som i sig selv var stærkt påvirket af den byzantinske stil, i retning af en mere realistisk fremstilling af verden og et ønske om at opnå en tredimensionel effekt.