Lige så længe som mennesker har malet, har kunstnere fanget blomsters skønhed. Stilmæssigt har kunstnere gennem århundreder malet blomster i hollandsk realisme, impressionisme, modernisme og pop art for blot at nævne nogle få. Vi har samlet nogle af de mest berømte blomstermalerier gennem historien for at give dig et indblik i blomsternes vidunderlige, velduftende verden.

Hvorfor blomster?

Det første spørgsmål, der du nu får i hovedet, er måske Hvad gør blomster til et så populært emne? Blomster har i århundreder inspireret kunstnere med deres delikatesse og levende livsenergi. Blomster kan minde os om den skønhed og mangfoldighed af liv, som naturen har at byde på. De blomstermalerier, som vi udforsker nedenfor, fremkalder en tidløs og stærk følelse af glæde, der kan relateres til alle mennesker, uanset kontekst.

Afhængigt af tiden kan man udlede forskellige kulturelle betydninger af malerier af kunstnere, der malede blomster. Lotus i oldtidens egyptiske keramik, smykker og papyrusmalerier blev anset for at stå for solen, mens kunstnere i middelalderen så vedbend som et symbol på ægteskabelig forpligtelse. Blomstermalerier blomstrede i det femtende og sekstende århundrede, da specialiserede botaniske malereBlomstermalerier fra denne periode har ofte dybt symbolske undertoner med et meget dekorativt billedsprog.

Vores 15 bedste malerier af blomster

Vores liste over berømte blomstermalerier er arrangeret i kronologisk rækkefølge. Vi håber, at dette vil hjælpe dig med at forstå udviklingen af blomstermalerier gennem århundreder. Selv om denne liste kun omfatter 15 malerier, er der utallige kunstnere, der har malet blomster, så vi opfordrer dig til at kigge videre, hvis du er interesseret.

Blomst stilleben - Ambrosius Bosschaert (1614)

Som en af de første kunstnere, der specialiserede sig i blomstermalerier, var Bosschaert en pioner inden for indviklet detaljerede og levende blomsterarrangementer. Dette stilleben af Brosschaert stammer fra en voksende fascination af botanik i det 16. århundredes Tyskland og Holland. Bosschaert var selv en førende hollandsk maler, der specialiserede sig i blomster og frugt. Som leder af en kunstnerfamilie lagde Bosschaertgrundlaget for en generation af nederlandske blomster- og frugtmalere.

De fleste af Bosschaerts blomsterarrangementer er malet på kobberflader og er, som dette eksempel, symmetriske med detaljer, der er så nøjagtige, at de næsten er videnskabelige. Dette maleri viser en gul tulipan, en lyserød nellike og en hvid rose i forgrunden af en kurv fuld af levende blomster. Blomsterne i kurven stammer ikke alle fra den samme årstid. Liljekonval, hyacint, roser,Forglemmigej, tulipaner, violer og cyklamener står sammen i nøje detaljer.

Bosschaerts forbløffende detaljerigdom gør det muligt for os at mærke rosens torne og de silkebløde kronblade. Du kan finde fine insekter, der kravler hen over blomsterne, sidder på bladene og flyver ned på buketten. Detaljerigdommen, og det kan ikke understreges nok, er fantastisk. Bosschaert indfanger sommerfuglens små antenner og den gennemsigtige drageflyvevinge til perfektion.

Mange kunstinteresserede og historikere forstår dette maleri som en skildring af livets skrøbelighed og kortvarighed. Plukkede blomster indfanger skønheden i livet på jorden, men er utroligt kortvarige. De delikate insekter skildrer livets indviklede og skrøbelige karakter på en smuk, men melankolsk måde. Ambrosius Bosschaert er helt sikkert en af de mest berømte blomsterkunstnere.

Blomst stilleben (1614) af Ambrosius Bosschaert; Ambrosius Bosschaert, Public domain, via Wikimedia Commons

Gøgelilje og græsebærblomster - Katsushika Hokusai (1834)

Katsushika Hokusai hyldes som en af Japans største kunstnere, og hans stilistiske indflydelse har spredt sig fra Japan til hele den vestlige verden. Hokusai er den mest berømte udøver af den japanske kunstskole Ukiyo-e. Mange af Hokusais værker viser fugle og blomster som dette. Hokusai var en mester i præcis og samtidig flydende stregarbejde, en evne, der er tydelig i dette farve-træsnit. Gøgelilje og græsebærblomster træsnit er en del af Hokusais serie Små blomster.

Trykket forestiller en lille oksefinke, der hænger med hovedet nedad fra grenen af et grædende kirsebærtræ. Det grædende kirsebærtræ er et japansk træ, og oksefinken er symbolsk for beskyttelse mod ulykke i japansk kultur. En nytårsceremoni ved Tenjin-helligdomme i hele Japan viser oksefinken, da folk håber at beskytte mod mod modgang i det kommende år. Vi kan se på den lyserødeHokusais kirsebærblomster har en smuk naturlig rytme, som fremhæves af røde strejf af røde farver.

Til højre for det farverige og delikate print er der et kort digt af Raiban, som lyder:

En en enkelt fugl, våd af dug,

Er kommet ud;

Morgenkirsebær

Dette træsnit af Hokusai er et værk fyldt med kulturel betydning og ubesværet naturlig skønhed, og det er en perfekt repræsentation af japansk kunst og skønheden i blomstermalerier.

Syrener i et vindue - Mary Cassatt (1880-1883)

Mary Cassat er en verdensberømt kunstner, der er krediteret som en af de oprindelige amerikanske impressionistiske kunstnere. Selv om de fleste af hendes malerier viser menneskefigurer, elskede Cassatt også at male haver og buketter. Fra 1860'erne og fremefter blev blomsterstilleben mere og mere populære blandt impressionistiske kunstnere. I 1880'erne, da Cassatt skabte dette levende maleri, blev impressionistiske blomsterstillebenmalerierne kom virkelig til deres ret.

Selv om stilleben malerier som dette er sjældent i Cassatts værk, da mange af hendes malerier indeholder blomster og landskabselementer. Selv om dette maleri ikke er kendt som en af de berømte blomsterkunstnere i sin tid, er det et bevis på Cassatts dygtighed.

Dette levende maleri viser en vase med syrener, der står på en åben vindueskarm. Værket er et glimrende eksempel på højden af Impressionistisk Vasen er mørk auberginefarvet og står i smuk kontrast til de hvide og hvide blomster. lilla Med sine karakteristiske flydende penselstrøg formår Cassatt at fremstille dette arrangement som et flygtigt øjeblik i tiden.

De kantede vinduesbjælker giver kontrast til et blomsterarrangement, der virker som om det er i livets bevægelse. Vinduesrammen supplerer vasinens glatte kurver. Maleriet har en afslappet atmosfære, som om man fandt det, mens man vandrede rundt i en vens hus.

Syrener i et vindue (ca. 1880) af Mary Cassatt; Mary Cassatt, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Stilleben Vase med tolv solsikker - Vincent van Gogh (1888)

Den talentfulde og urolige impressionistiske kunstner var tydeligvis en stor elsker af solsikker. Dette stilleben med solsikker er en del af hans Arles-serie, en af to serier om solsikker. Selv om vasen ifølge titlen indeholder 12 solsikker, har van Gogh senere omarbejdet maleriet, og det indeholder faktisk 15 blomster.

"Stilleben Vase med tolv solsikker" er en af de mest berømte afbildninger af blomster og et af hans mest kendte malerier.

Mange anser dette solsikke-stilleben for at være et af de mest mest berømte malerier Dette maleri er også et af de mest berømte eksempler på impressionistiske blomstermalerier. Solsikkeblomstens gule toner gennemsyrer alle aspekter af dette pragtfulde maleri.

En lyseblå baggrund bringer blomsterne frem og bringer effektivt dit fokus til de anderledes vinklede solsikker i midten af lærredet. I dette maleri er van Goghs solsikker i forskellige stadier af liv og død. Ekkoer af livets meningsløshed, skrøbelighed og kortvarighed gennemsyrer dette maleri.

Stilleben: Vase med tolv solsikker (1888) af Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Roser og liljer - Henri Fantin-Latour (1888)

I modsætning til de impressionistiske blomstermalerier, der omgiver Henri Fantin-Latour, både på denne liste og i hans levetid, valgte Fantin-Latour en mere traditionel tilgang. Fantin-Latours blomstermalerier er en tilbagevenden til realismens gyldne tidsalder.

På en lysebrun baggrund står en høj glasvase med lange hvide liljer til højre og en kortere vase med lyserøde og hvide roser til venstre. De relativt store og formede vaser synes at afspejle formen på de blomster, de indeholder. Den høje, lige og tynde glasvase indeholder liljerne med lange stilke og lange fine hvide kronblade. I modsætning hertil står de runde og frodige roser i enlille, buet vase, der knap nok er synlig under blomsterne.

Kompositionen er smukt afbalanceret på trods af højdeforskellen mellem de to blomsterarrangementer. Liljestænglerne strækker sig naturligt til venstre over roserne og binder stykket sammen. Fantin-Latour fanger blomsterne og vandet i vasen i udsøgt realistisk detalje. De lyserøde toner står i kontrast til det mørkebrune bord nedenunder og liljernes fremhævede hvide farve.Denne fantastiske brug af farver giver et utroligt romantisk maleri.

Roser og liljer (1888) af Henri Fantin-Latour; Henri Fantin-Latour, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Iris - Vincent van Gogh (1890)

Det faktum, at van Goghs blomstermalerier er med to gange på denne liste, vidner om hans utrolige talent for at indfange livets skrøbelige skønhed. Der findes to versioner af denne komposition, en på en blød og harmonisk lyserød baggrund og denne meget mere markante version. Vincent van Gogh skabte dette maleri under sit ophold på det psykiatriske hospital Saint-Remy.

De levende og tilsyneladende hektiske penselstrøg i den lyse citronbaggrund giver dette maleri en følelse af hastværk og bevægelse. På denne hektiske baggrund står en vase med lyse violette iriser, hvoraf nogle er oprejst og fulde af liv, mens andre hænger ned på det gule bord nedenunder. Kontrasten mellem de lyse komplementære farver får hver enkelt af dem til at virke endnu mere modige og fulde af liv.

Vincent van Gogh færdiggjorde dette maleri på det psykiatriske hospital et år før sin død. Det siges, at han kaldte det for "lynguiden for min sygdom". Det er sandsynligt, at det levende udtryk for det bevægende liv i dette maleri for ham føltes som et håb om helbredelse og fortsat liv. Forbindelsen mellem kreativitet og sindssyge er smukt melankolsk. I dag ærer vi smerten bag van Goghs sjælfulde maleri.skildringer af alt livets skønhed.

Iris (1890) af Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Public domain, via Wikimedia Commons

Buket af roser - Pierre-Auguste Renoir (1890-1900)

De livlige og fyldige roser, der er fanget i denne Impressionistisk maleri af Pierre-Auguste Renoir nærmest hopper ud af lærredet. Selv om Renoir først begyndte at male blomster senere i sit liv, men roser var hans yndlingsmotiver.

Denne oliemaleri af en rosenbuket er utrolig sensuel. Renoirs glatte og levende penselstrøg fanger roserne, som om de var i livets bevægelse. De smukt farvede røde og pink roserne er udformet i forskellige stadier af deres liv. Fyldige og fyldige kronblade blomstrer ud af buketten, mens en enkelt visnet rose ligger på bordet nedenunder. Roserne har en energi, der synes at stråle ud fra lærredet og giver dem en taktil kvalitet.

Blomsterhave - Gustav Klimt (1905)

Levende farverige blomster er et almindeligt træk i Gustav Klimpts malerier, og dette maleri er et perfekt eksempel på hans arbejde i hans gyldne fase. Maleriet er en del af en serie af malerier inspireret af blomstermarker, som han så i Litzleberg.

Kunsthistorikere betragter ofte dette maleri som et af Klimpts bedste landskaber. Maleriet viser et væltende væld af blomster, der synes at fortsætte ud over lærredet. Farverige blomster fylder rammen i en smuk fejring af naturen. Manglen på realisme bidrager til den rustikke charme af naturen uden menneskelig indgriben. Den naturlige skønhed, der er indkapslet i dette maleri, er et ekko afsymbolismen for naturens harmoni og regelmæssighed.

Blomster - Henri Matisse (1907)

De levende farver, abstraktionen og den relative todimensionalitet i dette maleri er typisk for Henri Matisse's stil. Han er kendt som en fremtrædende figur inden for Fauvisme Matisse, som er en af de mest indflydelsesrige kunstnere i den moderne tidsalder, foretrækker kunst med sindsro, balance og renhed. Vi kan se ekkoerne af denne følelse i dette lyse og indbydende maleri.

Dette maleri, der blev fuldført tidligt i hans karriere, viser den mere dristige end naturlige brug af farver og fremhævede penselstrøg, der er typisk for fauvismen. Den lyse grønne baggrund komplimenterer den hvide vase og de dristige gule, orange og røde blomster, som den indeholder. Et tilsvarende dristige og levende bord under vasen fremhæver blomsternes farver.

Vandliljer - Claude Monet (1908)

Vi kan ikke tale om de mest berømte blomstermalerier gennem tiderne uden at nævne Claude Monet Når man nævner Monet, kommer man til at tænke på blomster. Berømt for denne smukke serie af impressionistiske malerier fanget i fuld luft på i sin have i Giverny, er Monet en mester i at fange naturens essens.

Monets løse penselstrøg blander de forskellige aspekter af maleriet og skaber en harmonisk og tilsyneladende uendelig skildring af naturen. I dette berømte værk af Monet smelter blomster, himmel, planter og vand sammen og danner et drømmende og blødt landskab. Monet formår at fange, hvordan vandliljerne og vandet omkring dem reflekterer og bryder sollyset. Nogle kunsthistorikere mener, at dette værkat være en væsentlig foregribelse af den Abstrakt ekspressionist bevægelse, der ville følge.

Vandliljer (1685) af Claude Monet; Claude Monet, Public domain, via Wikimedia Commons

Amaryllis - Piet Mondrian (1910)

Som en hollandsk maler, Piet Mondrian Mondrian stammede fra en omfattende linje af blomsterkunstnere. På trods af den hollandske realismes kulturelle traditioner rører Mondrian dette fantastiske røde maleri med sin moderne stil. Dette stilleben er et af Mondrians tidlige malerier, der blev skabt før hans mest berømte abstrakte og geometriske malerier.

Dette chokerende røde blomsterkunstværk har et strejf af fauvisme over sig. Mondrian bryder kompositionen op i segmenter af stærke farver. Effekten af denne kompositionsteknik er, at vi ser blomsten i dens mest elementære form. Mondrian bryder med impressionismen og bruger akvarel til at indfange balancen mellem farver og maleriske kvaliteter.

Hvid vase med blomster - Odilon Redon (1916)

Selv om det er en pasteltegning snarere end et maleri, er dette levende stilleben af en buket blandede blomster en bevægelse mod fremtiden i kunsten. Den solide og bemærkelsesværdige baggrund og overfladen i tidlige hollandske stilleben forsvinder i en gradient af lyse varme farver .

Foran den rige baggrund i orange og rosa toner står en hvid spraglet vase med en buket vilde blomster. Nogle af Redons blomster er udformet med indviklede detaljer, mens andre er mere abstrakte. Blomsterne styrer kompositionen, og vi kunne sidde og stirre på de mange forskellige teksturer og farver en hel eftermiddag.

Rød valmue - Georgia O'Keeffe (1927)

Georgia O'Keeffe er kendt for sine erotiske gengivelser af blomster og malede over 200 blomsterkompositioner i sin karriere. O'Keeffe skabte fantastiske begivenheder i sine stilleben. Selv om hun brugte akvarelfarver i sin tidlige karriere, begyndte O'Keeffe efter 1918 at bruge oliemaling På dette tidspunkt begyndte hun også at skabe store malerier af blomster i stor skala, som om de var under forstørrelse. Denne livlige og overdådige røde valmue er et godt eksempel på hendes arbejde på dette tidspunkt.

O'Keeffe så en blomst som en indviklet og delikat verden i sig selv, og hun malede for at dele denne verden med andre. De lysende røde og orange kronblade fylder kompositionen og strækker sig ud over den. Den lille og delikate blomst er forvandlet til et stort og kraftfuldt billede. Når vi ser O'Keeffes blomstermalerier som det Rød valmue, opfordres vi til at sætte farten ned og tage os tid til at observere det, som vi normalt ville overse. Som grundlægger af den modernistiske bevægelse , O'Keeffe er en pioner inden for moderne blomstermalerier.

Blomster - Andy Warhol (1970)

Blomster var en almindelig inspirationskilde for popkunstneren Andy Warhol I 1964 begyndte Warhol en serie af blomstermalerier, hvor han indfangede den hængende hibiscusblomst i levende farver og interessante teknikker. Denne serie af malerier har en kontroversiel historie. Warhol brugte billeder fra en fotograf som grundlag for blomsterserien, og fotografen forsøgte at sagsøge ham. På trods af kontroversen fortsatte denne serie af blomsterkunstværker med at blomstre i berømmelse.Denne serie er et fantastisk eksempel på moderne blomstermalerier.

Klar til at blomstre i morgen tidlig - Yayoi Kusama (1989)

Yayoi Kusama er en konceptuel kunstner der lader sig inspirere af surrealisme, abstrakt ekspressionisme, pop art og feminisme. Hendes værker er gennemsyret af psykologisk og seksuelt selvbiografisk indhold og er kendetegnet ved mønstre af polkaprikker og net. Som en kunstner, der virkelig bruger sin kunst til at bearbejde sin indre verden, Kusamas omfattende brug af polkaprikker stammer fra hallucinationer i barndommen.

Dette litografi er uden tvivl Kusamas værk. De to enkelte blomster i gul og lyserød står frem på en baggrund af mørkerøde polkaprikker på en sort overflade. Kusamas stil i blomstermaleriet minder på en finurlig måde om et barns stil. Yayoi Kusama er anerkendt som værende den mest indflydelsesrige nulevende Japansk kunstner .

Blomstermalerier har en lang og kulturelt farverig historie. Fra hollandsk realisme over impressionisme til pop art har blomstermalerier altid haft en plads i menneskets udtryk. Måske er det kombinationen af skønhed og livets skrøbelighed, der gør dem til et populært emne for så mange kunstnere. Variationen i kunstnerisk stil er lige så stor som denne jords samling af blomster, så hvis duhar nydt at lære om disse smukke malerier, opfordrer vi dig til at udforske dem yderligere.