Kunstens natur er blevet ændret af mange bevægelser gennem historien, og den er nu et rigt og levende væv af mange opfattelser, hvor 1970'ernes kunst er en af disse revolutioner. 1970'ernes kunstnere blev født i en historisk betydningsfuld periode, påvirket af sociale begivenheder og systemiske forhindringer i slutningen af 1960'erne og genererede nogle af de mest tankevækkende koncepter. Hippiekulturen ogstudenterdemonstrationer i det foregående årti gav anledning til nye opfattelser, og 1970'ernes kunststil påvirkede kunstverdenen permanent.

1970'ernes kunststilarter

Den langvarige tradition for mandlige kunstnere fik det skarpeste slag nogensinde i denne gennembrudstid, da kreativiteten ikke længere blev hæmmet af de mandlige skaberes dominans. Store personligheder i 1970'ernes kunstbevægelser afslørede og afspejlede spørgsmål om kroppen, økologi, kunstdokumentation og begrebet det flygtige.

Den oprindelige idé om kunstlandskab blev udvidet i takt med, at kunst og liv blev mere sammenvævet.

Annonce fra 1971 for legetøjsrobotter i "Ding-A-Lings"-serien fra Topper Corporation; Her , Public domain, via Wikimedia Commons

Den kreative produktion havde udvidet sig uden for New York Citys kvarterer for at give et nyt perspektiv på omgivelserne. Da Paris i 1950'erne blev fortrængt fra et sådant udsigtspunkt, forgrenede den kunstneriske kreativitet sig i flere retninger. Californiens kunst, latinamerikansk kunst og endda den fjerne japanske produktion blev hædret.

1970'ernes kunstneres kroppe fungerede som det nye lærred på grund af deres stærke længsel og nødvendigheden af at bryde med den traditionelle fremstilling af lærred.

Performancekunst Det samme skete i forbindelse med en undersøgelse af begrebet "det forarbejdede billede". I 1970'erne blev denne forskning ført endnu videre, i kølvandet på 1960'erne Pop Art kreative typer og fotorealisme, hvilket har givet anledning til Pictures Generation.

Udfordringer, der påvirkede 1970'ernes kunststil

Slutningen af 1960'erne og begyndelsen af 1970'erne ses som et vendepunkt, hvor der blev fastlagt en ny definition af kreativ produktion. Det er den tid, hvor udtrykket " moderne kunst ," En stor del af æren for denne forandringsperiode går til hippiekulturen og studenterdemonstrationerne i 1968, som var fortalere for de mest tankevækkende idéer. Kreativiteten, som altid har været en afspejling af virkeligheden, kunne ikke længere acceptere den forudfattede opfattelse, der blot satte en kvinde som et objekt i en komposition.

Indtil nu er kun få kvindelige kunstnere blevet anerkendt. Alt dette ændrede sig på grund af Judy Chicago, hvis berømte forespørgsel om manglen på moderne kvindelige mestre blev overskriften på et essay.

Feministisk kunst rystede selve det fundament, som kunsten stod på, ved at bede om et skift i definitionen af et emne og ved at give et begreb om feminint indhold. Judy Chicagos Middagsselskab er et af de mest kendte vartegn. feministisk kunst rejste aldrig tidligere stillede spørgsmål om politiske spørgsmål, identitet og kønsnormer, 1970'ernes produktion udvidede forfatterens rolle endnu mere. Body art og performancekunst blev skabt ved at tilbyde sin krop. Hvad er det rum, som kunsten har lov til at indtage?

Hvad er den bedste metode til at chokere og inddrage publikum i værkets udvikling, og hvor afgørende dokumentation og endda eksponering af værket er, var blot nogle af de emner, som de kreative fortsat drøftede.

De vigtigste kunststile fra 1970'erne

Begreberne fra de mest fremtrædende 1960'er-bevægelser, såsom minimalisme, konceptuel kunst, performance- og installationskunst samt personligheder som Barbara Kruger, Judy Chicago og Robert Smithson Marina Abramovic, Vito Acconci, Ulay og Ana Mendieta har, samtidig med at de driver kroppen til dens grænser, afmonteret nogle af de mest afgørende idéer i skabelsen.

Med sådanne magtfulde personer opstod følgende betydningsfulde bevægelser eller blev omdefineret.

Land Art

Forbindelsen til naturen og dens betydning i forskellige forfatteres værker går helt tilbage til tidernes morgen. Den største udvikling inden for maleriet skete, da Impressionistiske malere malede en Plein air med deres staffelier. Men med fremkomsten af land art blev naturen mere end blot en baggrund; den blev endnu en overflade, hvor de kreative begravede de formelle kunstneriske bekymringer i den formelle kunstskabelse.

Robert Smithsons stenstruktur "Spiral Jetty", der blev placeret i en saltsø i Utah i 1970, ændrede ikke blot kunstens udseende, men også dens forbindelse til traditionelle udstillingssteder og markedet.

Spiralmolen af Robert Smithson, fra toppen af Rozel Point (medio april 2005); Skulptur: Robert Smithson 1938-1973Billede:Soren.harward at en.wikipedia , Public domain, via Wikimedia Commons

De permanente udendørs omgivelser, de anvendte materialer og det faktum, at udstillingen af værket var afhængig af søens vandstand, fjernede sig alle fra konceptet om kunstværket som et artefakt. Denne bevægelse forbindes også med Walter De Maria, Robert Smithson og Richard Long.

I Japan var det uformelle kollektive Mono-ha ligeledes vigtigt for at ændre opfattelsen af skulptur, dens materialer og værkets flygtige karakter.

Feministisk kunst

Den feministiske kunst tog et stort skridt fremad i forbindelse med de intense antikrigsdemonstrationer, borger- og LGBT-rettigheder og kvindebefrielsesbevægelsen. Feministiske kunstnere tog fat på de socioøkonomiske, politiske og kulturelle problemer i forbindelse med kvindelighed og forsøgte at skabe en samtale mellem publikum og værket ved at indarbejde et kvindesynspunkt.

Forfattere som Judy Chicago skabte grundlaget for større spørgsmål om lighed, kultur, etik og den presserende nødvendighed af at omskrive kunsthistorien ved at udfordre det paradigme, der strengt forbød kvindelige kunstnere at være medlem af mandsdominerede grupper.

Tro+Tvivl (2012) af Barbara Kruger, på Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; BettyLondon, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Feministiske kunstnere udvidede begrebet billedkunst med provokerende værker som Chicagos Middagsselskab , efterfølgende tekstbaserede statementværker af Barbara Kruger, Cindy Shermans fotografi, der udfordrer fordomme, eller annoncen i Artforum med Lynda Benglis nøgen og med et stort sexlegetøj.

Mange kommentatorer har for nylig stillet spørgsmålstegn ved, om revolutionære bevægelser som denne i sidste ende har skabt endnu en kønsdomineret position og endnu en gang skadet kvindelige kunstnere.

Gutai kunst

Gutai havde en stor indflydelse på Allan Kaprows Happenings, og Jackson Pollock, den berømte Abstrakt ekspressionistisk maler Selv om denne japanske protokonceptuelle tendens blev grundlagt i 1954 og varede helt ind i 1980'erne, blev mange af dens vigtige værker skabt i 1970'erne.

Gruppens formål var at bryde med traditionel kunstnerisk skabelse, hvilket også kom til udtryk i gruppens navn.

Fodspor på Shiraga-maleri, et eksempel på Gutai-kunst; Jean-marc.bottazzi, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Sammenkoblingen af ordene gu , som betyder "værktøj", og tai Kazuo Shiraga skabte f.eks. sine lærreder ved hjælp af sine fødder, mens Atsuko Tanakas kunstværker blandede huslige genstande eller opdaget teknologi med performancekunst.

Selv om disse japanske kunstnere havde en stor indflydelse på 1970'ernes konceptuelle kunst og performancekunst, var det først senere, at deres værdi blev tydelig og fik opmærksomhed på det vestlige marked.

Performancekunst

Yves Kleins happenings, John Cages udforskende arbejde og Joseph Beuys' tankevækkende gestus og arbejde formede performancekunsten ved at bruge den nøgne kvindekrop som et medium, et levende lærred. Men i løbet af vores årti med fokus på dette spørgsmål opstod en sådan bevægelse med et andet formål for øje. Performancekunsten i perioden var strammere og nedbrød fuldstændig de traditionelle antagelser om tid og rum,sted og emne.

Sådanne arrangementer gav udtryk for indignation over samfundsmæssige uretfærdigheder og kvinders emner, hvilket gav genlyd af feministisk kunst.

Performance af Marina Abramović og Uwe Laysiepen (1978); Marina Abramović og CODA Museum, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Marina Abramović var virkelig banebrydende ved at inddrage et element af udholdenhed. Abramovićs Rytme O blev inspireret af Yoko Onos Skåret stykke , som oprindeligt blev opført i 1964, og som pressede hendes krop til det yderste og samtidig kommenterede de uretfærdigheder, som kvinder har været udsat for. I nogle af de mere foruroligende handlinger i wieneraktionismen blev kroppen ikke skånet, som da Chris Burden bad en ven om at skyde ham med en riffel i protestkunstens navn. Vito Acconci var blandt de førnævnte vigtig i det arbejde, der udviskede grænsernemellem kød og lærred, smerte og skabelse.

1970'ernes abstrakt kunst

I 1970'erne, abstrakt kunst i Det Forenede Kongerige var i en tilstand af forandring. Det var i hvert fald, hvad det forekom nogle at være. Hvis den havde fået hegemoni i 1960'erne, var denne enestående position på vej nedad. I 1970'ernes malerier var figurationen ved at genopstå, mens performance og konceptuel kunst blev hurtigt de mest fremtrædende kunstformer, hvilket bidrog til 1970'ernes abstrakte kunsts stilstand.

Moderne kunstkritikere er derimod uenige og hævder, at den abstrakte kunst i dette årti var dynamisk og mangfoldig.

Vigtige kunstnere fra 1970'erne

1970'erne markerede afslutningen på de glorværdige dage mellem Anden Verdenskrig og 1975, og de var en æra med enorme forandringer. Midt i den politiske og sociale omvæltning skabte den en ny økonomisk katastrofe. Berømte 1970'er-kunstnere afspejler deres æra i deres værker. De eksperimenterede med sociologisk fotografi, nye fotografiske horisonter, 1970'ernes abstrakte kunst og hyperrealistiske portrætter i eneklektisk æstetisk stil og idé.

Er du klar til at lære om de betydningsfulde malere, der prægede denne kunsthistoriske æra?

Betye Saar (1926 - i dag)

Betye Saar er en velkendt assemblage kunstner Saar var en del af Black Arts Movement i 1970'erne, som bestod af forfattere, digtere, kunstnere og malere, der blandede politik med kunst.

Historien og minder, følelser og viden går gennem tiden og tilbage igen og forbinder kunstneren og beskuerne af hendes værker med tidligere generationer.

A site Installation, der reklamerer for Betye Saar's udstilling; National Archives at College Park - Still Pictures, Public domain, via Wikimedia Commons

Dette er tydeligt i hendes årtier lange dedikation til specifikke temaer, billeder og genstande samt hendes løbende genfortolkning af dem. "Jeg kan ikke længere kategorisere kunsten ved at sige, at det handler om det okkulte, det handler om shamanisme, eller det handler om dit og dat", sagde hun, "Det er alt sammen, og det er simpelthen mit job."

Judy Chicago (1939 - nutid)

Judy Chicago, der er kendt for sit tidlige feministiske arbejde, har trodset den mandsdominerede kunstindustri siden 1970'erne. Hendes omfattende kollaborative kunstinstallationsprojekter om fødsels- og skabelsesbilleder, som analyserer kvinders rolle i historien og samfundet, har gjort hende til en feministisk kunstner, kunstpædagog og forfatter til den dag i dag. Hendes kunst har allerede strakt sig over fem årtier og er kendt for sine levende farver.palet.

Chicago etablerede den allerførste feministiske kunstundervisningsplan i Nordamerika på California State University i 1970'erne og fungerede som en drivkraft for feministisk kunst og kunstundervisning.

Middagsselskab (1979), der er permanent udstillet på Brooklyn Museum, er Chicagos mest kendte værk fra 1970'erne. Middagsselskab anses af mange for at være det første store feministiske værk, der hylder kvinders præstationer gennem historien.

Installationen omfatter 39 borddækninger, der repræsenterer historiske kvinder, lige fra Jeanne d'Arc til Emily Dickinson, samt 999 navne, der er kradset ned på gulvet.

Chuck Close (1940 - 2021)

Chuck Close's bidrag til portrætmaleriet voksede med tiden, efterhånden som han beherskede en række forskellige male- og tegneteknikker, herunder grafit, blæk, pastel, conté-kridt og fingermaling; trykteknikker, herunder ætsning, mezzotint-træsnit og silketryk; og polaroid-fotografier, håndlavet papircollage og Jacquard-tapetstoffer. Hans første færdigheder med airbrush påvirkede blækprinterensSom studerende på Yale University var han kendt for sit dygtige penselarbejde.

Han syntes "at være ved at blive en tredje generations abstrakt ekspressionist, men med et strejf af popikonoklasme", da han imiterede Willem de Kooning.

Close lancerede flere værker baseret på sort-hvide billeder af en kvindelig nøgen, som han reproducerede på lærred og malede i farver efter en fase, hvor han forsøgte sig med figurative kompositioner.

I 1967 besluttede han at give afkald på penslen for at gøre det sværere for ham selv at male og få et kreativt kunstnerisk gennembrud.

Close indrømmede: "Jeg smed mine værktøjer væk. Jeg valgte at gøre ting, jeg ikke vidste, hvordan man gjorde. På en mærkelig måde er det mere positivt at vælge ikke at gøre noget end at vælge at gøre noget. Hvis du sætter dig et mål om ikke at gøre noget, du tidligere har gjort, vil du blive skubbet til at rejse steder hen, du aldrig har været før."

Lynda Benglis (1941 - i dag)

Lynda Benglis vakte forargelse, da hun poserede nøgen og med en kæmpe dildo i hånden på en plakat, som hun postede i Artforum Benglis følte sig marginaliseret i den mandsdominerede kreative verden, så i en række reklamer satiriserede han pin-up-piger, Hollywood-skuespillere og typiske billeder af nøgne kvinder i klassiske kunstværker.

Benglis valgte mediet magasinreklame, fordi det gav hende fuld kontrol over et billede i stedet for at lade det blive underkastet en kritisk analyse.

Foto af Lynda Benglis fra en annonce i april 1974-udgaven af Artforum ; Cheim & Read, New York, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Benglis' polyurethan- og latexudsmeltning i slutningen af 1960'erne og 1970'erne var hendes introduktion på New Yorks kunstscene, ud over hendes ikoniske reklamefilm. Hun brugte video som en udløber af sit skulpturelle værk i 1970'erne og skabte over et dusin værker mellem 1972 og 1977.

Barbara Kruger (1945 - i dag)

Barbara Kruger, en Amerikansk kunstner kendt for sine tekstbaserede sloganværker, der fokuserer på uligheder mellem kønnene, opgav i 1970'erne sine vægophæng (som blev betegnet som "kvindehåndværk") til fordel for de tekstbaserede sætningsværker, som hun er kendt for i dag. Selv om flere af disse store vægophæng blev vist på Whitney Biennalen, var Kruger fortsat utilfreds med sine værker. Hun begyndte at fotografere i 1977 og skabte en serieaf sort-hvide billeder af bygningers ydre med hendes litterære observationer om livet for de personer, der boede derinde.

"Picture/Readings" blev udgivet i 1979 som en kunstnerbog, og det var begyndelsen på Krügers kunstneriske sprog, som hun fortsatte med at udvide gennem hele sin karriere og frem til i dag.

Kvindernes frihed, økologi og en masse flamboyante modefænomener kendetegnede 1970'erne. 1970'erne var alt fra fredelige, fra strålende farver og skøre mønstre til bizarre nyskabelser, og kunstverdenen var ingen undtagelse. De samfundsmæssige omvæltninger og systemiske problemer i det foregående årti inspirerede kunstverdenen i 1970'erne stærkt, hvilket resulterede i nogle af de mest tankevækkende koncepter.i øjeblikket kendt.

Tag et kig på vores webhistorie om 70'ernes kunststilarter her!

Ofte stillede spørgsmål

Hvem var de mest berømte kunstnere i 1970'ernes malerier?

I løbet af dette årti har adskillige amerikanske malere ydet væsentlige bidrag til amerikansk kunst. Blandt de mange bemærkelsesværdige bidragydere til 1970'ernes malerier kan nævnes Roy Lichtenstein Desuden debuterede flere yngre kunstnere, såsom Frances Barch, Susan Rothenberg og Joel Shapiro, i 1970'erne.

Hvad var betydningen af 1970'ernes kunst?

I denne gennembrudsperiode fik de mandlige kunstneres tradition det hidtil hårdeste slag, da kreativiteten ikke længere var begrænset af de mandlige opfinderes dominans. Store figurer i 1970'ernes kunstbevægelser udstillede og kommenterede temaer som krop, miljø, kunstdokumentation og begrebet det flygtige. Begrebet kunstlandskab voksede som en sammensmeltning af kunst og liv.blev mere sammenvævet.