Рух рамантызму быў сілай, якая дамінавала ў Еўропе ў канцы 1800-х гадоў. Гэта быў мастацкі, інтэлектуальны і літаратурны рух, які культываваўся як рэакцыя на рух класіцызму і неакласіцызму, якія яму папярэднічалі. Выразны адрыў ад тэндэнцый інтэлектуальнай думкі, індустрыялізацыі, рацыяналізацыі і гераізацыі навукі. Рух рамантызму быў эмацыянальна насычаны і імкнуўся пацешыць уяўленне, мы бачым гэта ў фантастычных і натхнёных карцінах, якія з'явіліся ў гэты перыяд. У гэтым артыкуле мы разгледзім 12 самых вядомых карцін рамантызму.

Рамантызм: кароткі агляд

Рамантызм аддаваўся эмоцыям і ўяўленню мастака, дазваляючы гэтым пачуццям і ідэям пранікаць у глядач. Рамантызм па-рознаму інтэрпрэтаваўся рознымі рамантыкамі адносна іх музыкі, літаратуры і выяўленчага мастацтва. Мастакі адлюстроўвалі сцэны кахання, прыгажосці, напружання, жаху, гневу і пакланення, якія мелі на мэце ўцячы ад рэальнасці.

Рамантычны перыяд доўжыўся прыблізна з 1790 па 1880 гады і ўзнік з незадаволенасці каштоўнасцямі Асветніцтва парадку і розуму пасля Французскай рэвалюцыі ў 1789 г. Нягледзячы на ​​тое, што рамантызм дэталёва разглядаўся як антытэза класіцызму і неакласіцызму , стылістычна яны супадалі.

Аднак рамантызм меўФранцыя

Знакамітае рамантычнае мастацтва Тэадора Жэрыко, Плыт Медузы, адлюстроўвае караблекрушэнне, якое адбылося ў 1816 годзе, калі сотні салдат французскага каралеўскага флоту былі накіраваны на каланізацыю Сенегала. Карабель пачаў тануць пасля таго, як сутыкнуўся з пясчанай адмеляй, а тыя, хто выжыў, пабудавалі аварыйны плыт, каб дабрацца да берага, але хутка згубіліся ў моры.

Жэрыко выдаткаваў месяцы на вывучэнне падзеі, размаўляючы з тымі, хто выжыў, і рабіў замалёўкі, вывучаючы трупы, і заклікаў сяброў да мадэляў, у тым ліку знакамітага Эжэна Дэлакруа.

Эмацыянальная значнасць шэдэўра Жэрыко адбіваецца на гледачы. Жэрыко злучыў рэальнасць і мастацтва, каб наўмысна адлюстраваць мастацкае і палітычнае супрацьстаянне. Рашэнне Жэрыко адлюстраваць чарнаскурага чалавека ў вяршыні кампазіцыі выклікала неверагодныя спрэчкі, бо выражала яго абаліцыянісцкія настроі.

Плыт Медузы (1818-1819) Тэадора Жэрыко ; Тэадор Жэрыко, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Інтэнсіўнае відовішча ствараецца дзякуючы выкарыстанню святла і ценю разам з іх дыяганальнай формай, якая падзяляе кадр са скрыўленымі целамі ўнізе - левы вугал, вядзе погляд гледача ўздоўж жудаснай сцэны да фігуры на вяршыні, якая размахвае тканінай, выдаючы знак надзеі. Па дыяганалі ад ветразя да ніжняга правага кута мы бачым ацела часткова ахутана, спаўзае ў мора.

Гэтая кампазіцыя разам з велічным і бурным небам з'яўляецца ілюстрацыяй мастацкіх твораў рамантызму і іх адлюстравання ўзвышанага.

Карціна Жэрыко выклікала значныя спрэчкі і скандал, калі яна была ўпершыню выстаўлена ў Парыжы. Па большай частцы карціна ўзрушыла гледачоў, аднак многія былі адштурхнуты выбарам Жэрыко сюжэту. Ён сутыкнуўся з крытыкай адносна яго адыходу ад класіцызму, паколькі ён ігнараваў адлюстраванне «ідэальнай прыгажосці» з рэпрэзентацыяй рэалізму. Калі Жэрыко выставіў сваю працу ў Лондане, яна была сустрэта значна больш пазітыўна, і яна атрымала прызнанне за ўвядзенне новага кірунку ў французскім мастацтве.

The Hay Wain (1821) Джона Канстэбля

Джон Канстэбль быў перыядам англійскага рамантызму мастак, прысвечаны пастаральнаму пейзажу. Хэй Вейн , магчыма, з'яўляецца яго найвялікшай працай, і яго унікальная здольнасць ажыўляць прыродныя ландшафты прынесла яму вялікае прызнанне. The Hay Wain адлюстроўвае простую сцэнуАнглійскія фермеры даглядаюць за сваёй працай на гэтай велічнай карціне. Гэта дэманструе бляск Канстэбля, бо ён можа адлюстраваць на карціне, як мімалётная атмасфера вызначае, як мы разглядаем пейзажы.

На гэтай карціне чалавек не проста назірае за прыродай здалёк; Канстэбль малюе яго як складаную частку прыроды, гэтак жа, як птушкі і дрэвы - не асобна ад яе.

The Hay Wain (1821) Джона Канстэбль; Джон Канстэбль, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Фігуры намаляваны ў маштабе навакольнага асяроддзя, што сведчыць аб намаганнях Канстэбля выказаць адзінства з прыродай у яго карціне. Пласт сена быў прызнаны адным з самых выключных твораў мастацтва эпохі рамантызму, якія адлюстроўваюць пейзаж, а таксама адным з найбольш шанаваных твораў ангельскага мастака.

У першы раз шэдэўр Канстэбля быў прызнаны правакацыйным і дзёрзкім, бо вялікая карціна, здавалася б, выкарыстоўвала тую ж тэхніку з выкарыстаннем дробных мазкоў, што і імпрэсіяністы.

На думку лонданскай публікі, гэта было скандалам, у той час як Французы любілі гэтую манеру жывапісу, якой карысталіся такія мастакі, як Жэрыко. Калі The Hay Wain была выстаўлена ў Парыжы, гэта выклікала сапраўдную сенсацыю. Гэта прынесла Канстэблю залаты медаль ад караля Францыі Карла X за эфектнасць яго твораў на Парыжскім салоне.

Эпізод часоўde Septembre 1830 (1830) Мары-Адэлаіда Кіндт

На жаль, вельмі мала вядома пра мастацкі ўклад жанчын падчас руху рамантызму. Здаецца, гэта паслядоўная тэма на працягу ўсёй гісторыі мастацтва - жанчыны, якія прысвяцілі сябе выяўленчаму мастацтву, часта ігнаруюцца і рэдка разумеюцца, павінны выстаяць.

Адной з такіх жанчын з'яўляецца Мары-Адэлаіда Кіндт, Бельгійскі жывапісец, які быў вядучым мастаком 1820-х і 1840-х гадоў. Кіндт была адной з нямногіх мастачак, якія паходзілі з яе сям'і.

Антуан Кардон, гравёр, навучыў Кіндт мастацтву малявання. Затым яна атрымала неакласічную адукацыю, калі вывучала жывапіс у Франсуа-Жазэфа Навэ, але праца, якую яна стварала, атрымала ўплыў рамантызму.

Épisode des Journées de Septembre 1830 (1830) Мары-Адэлаіда Кіндт; Адэль Кіндт, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Творы Кіндт складаюцца са шматлікіх гістарычных сцэн, прычым самым уплывовым яе творам з'яўляецца Épisode des Journées de Septembre 1830, які быў адлюстраванне бельгійскай рэвалюцыі, якая заняламесца ў тым жа годзе. Яе шэдэўр цяпер знаходзіцца ў Гарадскім музеі ў Бруселі.

Мастацкі ўклад Кіндт быў заахвочаны такімі вядомымі мастакамі, як Жак-Луі Давід . Яна працягвала маляваць на працягу ўсяго свайго жыцця, але яе пазнейшая праца была менш амбіцыйнай, бо яна рабіла больш рамантычных партрэтаў і жанравых карцін, карэктуючы свой стыль, каб задаволіць густ публікі.

Кіндт не быў змагла аднавіць поспех сваёй ранейшай кар'еры, але яе спадчына працягвае жыць разам з творамі мастацтва, якія яна пакінула.

Свабода вядзе народ (1830) Эжэна Дэлакруа

Эжэн Дэлакруа лічыцца самым прадстаўніком французскага рамантызму жывапісец. Шэдэўр Дэлакруа, Свабода, якая вядзе народ, ушаноўвае сцэну Ліпеньскай рэвалюцыі 1830 г., калі кароль Карл Х, які адрокся ад пасаду, быў зрынуты. Карціна была завершана ў той жа год, калі адбылася падзея. Не блытаць з выявай Французскай рэвалюцыі 1789 года. Трыумф Дэлакруа ўвасабляе свабоду, рэвалюцыю і перамогу народа.

Гэты захапляльны твор з'яўляецца адным з самыхвядомыя творы мастацтва эпохі рамантызму.

Дэлакруа маляваў алегорыю рэвалюцыі, а не рэальную сцэну. Лэдзі Свабода паказваецца, што вядзе аб'яднаную групу людзей супраць прыгнятальніка як акт патрыятызму. Сацыяльны клас не меў значэння, як відаць па сумесі людзей – мэта была адзінства. Нягледзячы на ​​тое, што фігура з аголенымі грудзьмі нагадвае грэчаскі класічны ідэал, з сукенкай, накінутай на яе цела, Дэлакруа намаляваў яе з валасамі пад пахамі, каб выказаць здагадку, што яна сапраўды рэальная, а не проста ідэал.

Свабода вядзе народ (1830) Эжэна Дэлакруа; Эжэна Дэлакруа, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Свабода намалявана ў фрыгійскай шапачцы, сімвалічнай свабоды і імкнення да свабоды, трымаючы штык і падымаючы трохкаляровы сцяг, яна падбадзёрвае мяцежную групу наперад на шляху да перамогі. Кожная дэталь на карціне Дэлакруа мае палітычнае значэнне і спалучае яго з бурнымі эмоцыямі.

Бурлівая сцэна падкрэслівае смерць, пакуты і гераізм, якія з'яўляюцца архетыповымі тэмамі вядомага рамантычнага мастацтва.

Свабода, якая вядзе народ , была выдатным творам рамантызму са спадчынай, якая натхніла на такія вядомыя працы, як Свабода, якая асвятляе свет (1886), больш вядомая як Статуя Свабоды Фрэдэрыка Агюста Бартольдзі.Лічыцца, што карціна Дэлакруа натхніла Віктара Гюго на напісанне ў 1862 годзе рамана Няшчасныя . Да сённяшняга дня Liberty Leading the People працягвае ўтрымліваць сваю вагу, у 2008 годзе ён быў прадстаўлены на вокладцы альбома Viva la Vida Coldplay.

Кубак Тытана (1833) Томас Коўл

Рамантычны твор Томаса Коўла, Кубак Тытана, служыць вяршыняй яго рамантычных фантазій. Кубак Тытана імітуе іншыя знакамітыя рамантычныя карціны Коўла з выявай італьянскага пейзажу і ілюстрацыямі да тэм, звязаных з веліччу мінулых часоў і значэннем і сілай прыроды для замахаў. Кубак Тытана , магчыма, самая загадкавая карціна Коўла з яго алегарычных пейзажных работ. Метраполітэн-музей заявіў, што гэтая цудоўная карціна «не паддаецца поўнаму тлумачэнню».

Карціна Коўла лічыцца «карцінай у карціне», паколькі ў ёй існуюць два пейзажы. Падножжа кубка стаіць на традыцыйнай мясцовасці, але ацэлы іншы свет існуе ўздоўж яго краю.

Кубак Тытана (1833) Томас Коўл; Томас Коўл, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Пышная расліннасць цягнецца ўздоўж краю, з двума малюсенькімі будынкамі, якія парушаюць зеляніну, адзін - італьянскі палац, а другі - грэчаскі храм. Велізарная вада запаўняе кубак да краёў, і ён усеяны ветразнымі лодкамі. Вада разліваецца на зямлю ўнізе, пазначаную іншай цывілізацыяй.

Класічныя руіны, якія знаходзяцца на краі Кубка, і ветразныя лодкі, якія прабіраюцца па вадзе, звязаны з грэчаскай і скандынаўскай міфалогіяй.

Паколькі яны сядзяць далёка ад цывілізацыі ўнізе, гэта было вытлумачана як адмежаванне ад сучаснасці. Іншая тэорыя звязвае аўтаномную цывілізацыю з мікрасветам чалавечага свету сярод кіруючага цела прыроды. Затым ножка кубка аб'ядноўвае мінулае і сучаснасць. Кубак Тытана прызнаны унікальным творам мастацтва.

Дзявятая хваля (1850) Івана Айвазоўскага

ІванАйвазоўскі быў руска-армянскім мастаком перыяду рамантызму, які спецыялізаваўся на марыністычным мастацтве. Яго трыумф Дзявятая хваля прызнаны адным з самых выключных марскіх пейзажаў мастацтва рамантызму. Карціна адлюстроўвае масіўныя хвалі, якія праносяцца па нестабільным акіяне. Абломкі плывуць на пярэднім плане карціны.

Назва і тэма гэтай карціны ўзяты са старой гісторыі марака, традыцыйнага павер'я, якое існавала на працягу стагоддзяў да 1800-х гадоў, дзе, як кажуць, была дзевятая хваля самы велізарны і разбуральны.

Фігуры чапляюцца за абломкі карабля, перад тварам смерці яны спрабуюць выратавацца. Мяркуюць, што абломкі маюць форму крыжа, што сведчыць аб рэлігійным адценні ў творчасці Айвазоўскага. Гэты твор служыць алегорыяй, паводле хрысціянства, выратавання ад граху.

Дзявятая хваля (1850) Івана Айвазоўскага; Рускі музей, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Палітра карціны выкарыстоўвае цёплыя тоны, прыглушаючы лютасць мора і перадаючы пачуццё надзеі і шанцу на выжыванне. Айвазоўскі па-майстэрску дэманструе прыгажосць і спустошанасць прыроды.

Талент Айвазоўскага прынёс яму міжнароднае прызнанне, зрабіўшы яго адным з нямногіх рускіх мастакоў, якія дасягнулі такога поспеху пры жыцці.

Да сённяшняга дня ён застаецца ім. з найбольш выбітныхмастакоў-марыністаў, гаворачы пра ўздзеянне яго мастацкіх подзвігаў. Антон Чэхаў, знакаміты рускі пісьменнік, аднойчы ахарактарызаваў нешта як «вартае пэндзля Айвазоўскага», што потым стала стандартнай фразай, на якую спасылаюцца пры апісанні ўсяго, што было надзвычай прыгожа.

Пацалунак (1859) Франчэска Хаеза

Франчэска Хаез быў вядомым італьянскім мастаком перыяду рамантызму і яго карціна, Пацалунак , лічыцца яго самай вядомай працай. Карціну замовіў Альфонса Марыя Вісконці ды Саліцэта, які пазней перадаў у дар Пінакатэцы Брэра. Пацалунак адлюстроўвае мужчыну і жанчыну, якія абдымаюцца ў гарачым пацалунку, ахутаныя адно адным, іх твары застаюцца схаванымі.

Фігуры ўяўляюць пару з Сярэднявечча, як мяркуецца па іх вопратцы. Аднак яны застаюцца непазнавальнымі, бо Хайез хацеў засяродзіць увагу на акце іх абдымкаў.

Пацалунак дэманструе неверагоднае майстэрства Хаеза, калі ён пісаў сваю карціну з такімі дробнымі дэталямі . Хайез злучыў сцэны выключнай прыгажосці з палітычнымі апісаннямі. Асноўнае паведамленне Hayezнекалькі адрозненняў ад сваіх папярэдніх рухаў, паколькі ён характарызаваўся сваім акцэнтам на пачуцці і страсці ў адрозненне ад ранейшых канвенцый рацыянальнасці і адасобленасці.

У візуальным мастацтве рамантыкі надавалі шанаванне сілы прыроды, ушанаванне яе непрадказальнасці і прыгажосці. Патэнцыял прыроды для катастрофы быў важнай тэмай разам з адлюстраваннем загадных, вострых пачуццяў, якія выклікалі суперажыванне. Рамантыкі ўслаўлялі эмоцыі і інтуіцыю над логікай і інтэлектам. Мастацтва рамантызму было настроена на прыгожыя сцэны прыроды і ўзнёслага, уключаючы тое, як людзі адчуваюць сябе ў прыродзе.

Небяспека і прыгажосць вызначалі ўзвышаную эстэтыку прыроды.

У адрозненне ад Рацыяналізм, рамантычныя мастакі апранулі свае творы яркімі фарбамі і энергічнымі мазкамі. Мастацтва рамантызму аддавала перавагу дынамічным кампазіцыям перад статычнымі. Карціны эпохі рамантызму выкарыстоўваліся для выражэння індывідуальнасці і інстынкту замест адлюстравання ідэалізаваных уяўленняў аб класічным мінулым.

12 самых вядомых карцін рамантызму

Мастацтва рамантызму прапаноўвала фантастычны ўцёкі ад рэальнасці гарадскога жыцця . У цэнтры ўвагі рамантызму знаходзіліся пачуцці і стан душы, што часта адлюстроўвалася ў прыродзе. Мастакі рамантычнага перыяду не проста малявалі тое, што бачылі ў пейзажы, але малявалі тое, як яны адчувалі пейзаж. Мастакі маглі быць вольныміперадае гледачу нацыянальнае аб'яднанне, паколькі карціна прадстаўляла Рысарджымента, « аб'яднанне Італіі».

Пацалунак (1859) Франчэска Хаеза; Франчэска Хаез, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Хайез імкнуўся аддаць даніну павагі французам, таму што яны былі саюзнікамі Італіі, адсюль колеравая гама карціны з чырвоным колерам мужчынскіх калготак, і белы і сіні колеры жаночай сукенкі, намякаючы на ​​французскі сцяг.

Гэта карціна з'яўляецца сімвалічным шэдэўрам, які ўвасабляе італьянскі рамантызм.

Хайез лічыцца як самы вядомы італьянскі мастак эпохі рамантызму, з мастацкім укладам, які распасціраецца ад цудоўных партрэтаў рамантызму да манументальных гістарычных карцін. Яго ўплыў аказаў інструментальны ўплыў на наступныя пакаленні мастакоў у Італіі. Пацалунак карыстаўся сваёй папулярнасцю з моманту першай выставы і далей. Лукіна Вісконці, італьянскі рэжысёр, чэрпаў натхненне ў Пацалунку для сцэны ў сваёй пастаноўцы 1954 года, Senso.

Катэрскіл-Крык (каля 1870 г.) Сьюзі М. Барстаў

Сьюзі М. Барстаў была членам школы ракі Гудзон, якая была амерыканскай мастацкай школай сярэдзіны XIX ст. рух, які быў уключаны класам пейзажыстаў, чые візуальныя кампазіцыі былі пад моцным уплывам рамантызму. Даліна ракі Гудзон рэгулярна адлюстроўвалася мастакамі, а таксама яе навакольныя раёны, у тым ліку горы Кэтскіл. Барстаў была вядомая сваімі бліскучымі пейзажамі, напрыклад, яе велічнай карцінай Каатэрскіл-Крык .

Пейзажы Барстаў былі прасякнуты святлом, выпраменьваючым ціхамірнасцю і прыгажосцю прыроды.

Kaaterskill Creek (каля 1870 г.) Сьюзі М. Барстаў; Сьюзі М. Барстаў, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Яе працы выстаўляліся ў Нацыянальнай акадэміі дызайну, Пенсільванскай акадэміі прыгожых мастацтваў і Бруклінскай мастацкай асацыяцыі, каб назваць некалькі. У яе часы жанчыны не мелі аднолькавых магчымасцей выстаўляць свае творы, што прывяло да таго, што шэраг яе работ заставаліся незаўважанымі, пакуль гісторыкі мастацтва не перагледзелі ўклад жанчын-мастачак са школы ракі Гудзон.

Званне мастака-аматара было аднолькава даступна жанчынам і мужчынам, аднак любое званне, якое паказвала на званне прафесійнага мастака, звычайна было зарэзервавана для мужчын і значна менш даступна для жанчын.

Запіс неверагодных выканаўцаў, такіх якБарстаў, мы павінны быць асцярожнымі і не ўспрымаць запісы яе працы як належнае. Адсутнасць даступнай інфармацыі аб жанчынах-мастачках прымусіць нас паверыць, што Барстаў была выключэннем, а не проста прызнаць, што яе праца была выключнай, як і праца яе сучасніц. Асабліва тыя, хто з-за свайго полу сутыкнуўся са шматлікімі бар'ерамі, якія перашкаджалі іх дасягненням атрымаць належнае.

Гэтыя знакамітыя карціны рамантызму, якія мы абралі для нашага спісу, з'яўляюцца сапраўды цудоўнымі прыкладамі вобразнага і яркія творы мастацтва, якія мастакі ўнеслі ў рух. Іх уплыў захоўваецца дагэтуль, бо яны сфарміравалі наступныя рухі і пакаленні мастакоў, якія прыйшлі ім на змену. Калі вам цікава даведацца больш пра гісторыю мастацтва, праглядзіце наш вэб-сайт, дзе вы абавязкова знойдзеце больш артыкулаў, якія выклікаюць вашу цікавасць!

Прачытайце таксама нашу інтэрнэт-гісторыю рамантычных карцін.

Часта задаюць пытанні

Што такое рамантызм?

Рух рамантызму дамінаваў у Еўропе ў канцы XVIII стагоддзя. Гэта быў мастацкі, інтэлектуальны і літаратурны рух, які культываваўся як рэакцыя на рух класіцызму і неакласіцызму, якія яму папярэднічалі. Выразны адрыў ад тэндэнцый інтэлектуальнай думкі, індустрыялізацыі, рацыяналізацыі і гераізацыі навукі. Рух рамантызму быўэмацыйна зараджаныя і імкнучыся пацешыць уяўленне, мы бачым гэта ў фантастычных і натхнёных карцінах, якія з'явіліся ў гэты перыяд.

Якія характарыстыкі мастацтва рамантызму?

Рамантызм аддаваўся эмоцыям і ўяўленню мастака, дазваляючы гэтым пачуццям і ідэям пранікнуцца гледачу. Карціны эпохі рамантызму падкрэслівалі індывідуальнае, асабістае, суб'ектыўнае, вобразнае, эмацыянальнае, трансцэндэнтальнае, дальнабачнае і ўзнёслае.

Як рамантызм выяўляецца ў мастацтве?

У рамантычных партрэтах і творах мастацтва рамантызму мастакі адлюстроўвалі сцэны кахання, прыгажосці, напружання, жаху, гневу і пакланення, якія мелі на мэце ўцячы ад рэальнасці. Карціны эпохі рамантызму аддавалі даніну павагі сіле прыроды, ушаноўвалі яе непрадказальнасць і прыгажосць. Патэнцыял прыроды для катастрофы быў прыкметна паказаны ў мастацтве разам з выявай загадных, вострых пачуццяў, якія выклікалі суперажыванне. Рамантыкі ўслаўлялі эмоцыі і інтуіцыю над логікай і інтэлектам. Мастацтва рамантызму было настроена на прыгожыя сцэны прыроды або ўзнёслае, уключаючы тое, як людзі адчуваюць сябе ў прыродзе. Небяспека і прыгажосць вызначалі ўзвышаную эстэтыку прыроды. Рамантычныя партрэты і творы рамантычнага мастацтва дэманстравалі яркія колеры і энергічныя мазкі. Знакамітае рамантычнае мастацтва аддавала перавагу дынамічным кампазіцыям, а не статычным. Карціны эпохі рамантызму былівыкарыстоўваецца для выражэння індывідуальнасці і інстынкту замест адлюстравання ідэалізаваных уяўленняў аб класічным мінулым.

Кашмар (1781) Генры Фюзелі

Рамантычнае мастацтва Генры Фюзэлі, Кашмар, было першым у сваім родзе, што зрабіла Фюзэлі свайго роду пераходнай фігурай - вядучы прагрэс мастацтва ад Эпохі Разуму да мастацтва эпохі Рамантызму. Незвычайны і жудасны твор Фюзелі адлюстроўвае, здавалася б, зачараваную жанчыну ў глыбокім сне, накрытую на канапе.

Жанчына выцягнула рукі ўнізе, а на ёй прысеў дэман-падобны інкуб, які пагрозліва глядзіць на гледача . Часткова схаваная, мы бачым таямнічую кабылу з чароўнымі белымі вачыма і шырокімі ноздрамі. У жахлівым вобразе Фюзелі ён малюе жанчыну ў ідэалізаванай манеры, якая супадае з прынцыпамі неакласіцызму.

Аднак ён адхіліўся ад гэтага, выкарыстоўваючы свой жывапіс, каб даследаваць цёмныя глыбіні чалавечай псіхікі. , у той час як большасць былі занятыяз навуковым даследаваннем фізічнага свету.

Кашмар (1781) Генры Фюзелі; Генры Фюзэлі, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Хоць жанчына ахутана яркім святлом, Фюзэлі мяркуе, што святло не можа прабіцца ў кашмарнае царства чалавечага розуму. Адносіны паміж жанчынай, інкубам і кабылай не відавочныя і таму застаюцца наваднымі, падкрэсліваючы палохалыя магчымасці.

Кашмар напалохаў і шакаваў сваю аўдыторыю, калі быў паказаны ў Лонданскай Каралеўскай Акадэміі . Гэта было не падобна ні на што, што прывыкла бачыць публіка, бо прадмет не быў узяты з Бібліі або моманту гісторыі, і не быў створаны дзеля маралізавання гледача.

Карціна Фюзелі аказаў шырокі ўплыў і змяніў свет мастацтва, а таксама натхніў такіх пісьменнікаў, як Эдгар Алан По і Мэры Шэлі, спалучэннем сэксуальнасці, жахаў і смерці, якія з'яўляюцца важнымі элементамі для гатычнага жанру жахаў.

Верхні вадаспад Райхенбаха: Вясёлка (1810) Дж. М. У. Тэрнер

Джозэф Мэллорд Уільям Тэрнер быў адным піянераў заходніх мастакоў, каб зафіксаваць атмасферу і настрой у сваіх рамантычных творах. Тэрнер быў выключна ўплывовым пейзажыстам 19-га стагоддзя. Ён быў у захапленні ад Рэйхенбахскага вадаспаду, вадаспаду ракі Аарэ недалёка ад Майрынгена ў Швейцарыі, сведкам якога ён быў падчас свайго падарожжа ў 1802 г. Верхні вадаспад Рэйхенбаха: Вясёлка быў сцэнай, якую ён маляваў шмат разоў і у Швейцарыі і на сваёй радзіме ў Англіі.

Тэрнер выказваў паняцце «ўзвышанага» ў сваіх карцінах, паняцце, пастуляванае філосафам Эдмандам Бёркам, дзе ён адлюстроўваў пачуццё, якое чалавек адчувае, перажываючы пераважная сіла і веліч прыроды.

Гэта становіцца відавочным па велічыні гор у параўнанні з фігурай чалавека і жывёл у левым ніжнім куце карціны. Драбнюткія лічбы паказваюць адчуванне маштабу і дэманструюць іх нікчэмнасць у атачэнні велізарнай прыроды.

Верхні вадаспад Рэйхенбаха: Вясёлка (1810) Дж. М. У. Тэрнера; Дж. М. У. Тэрнер, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Тэрнер умела маляваў тонкімі фарбамі і пластамі, выкарыстоўваючы змрочную каляровую палітру, дзе ён расціраў і саскрабаўпаверхню паперы мокрай тканінай, каб перадаць раставанне і навальнічныя пырскі вадаспадаў на вялізныя камяні. На працягу гэтай часткі яго кар'еры больш увагі надавалася тоне і форме, але толькі пазней колер стаў для яго больш важным.

Тэрнер увёў пейзаж як не менш значны кампанент жанравага мастацтва, з карціны з паўсядзённымі жыццёвымі сцэнамі – у той час гэта быў рэвалюцыйны выбар. Тэрнер быў адзначаны як "жывапісец святла" з-за яго майстэрства адлюстравання светлых колераў і атмасферы.

Яго дынамізм і інтэнсіўнасць істотна кантраставалі з распаўсюджанымі сучаснымі старанна намаляванымі тапаграфічнымі сцэнамі.

Трэцяга мая 1808 (1814) Франсіска Гоя

Лічыцца адным з найважнейшых мастакоў Іспаніі 18 і 19 стагоддзяў Франсіска Гоя стварыў яркія і загадкавыя творы мастацтва, якія адлюстроўвалі і каментавалі сучасныя гістарычныя турбулентнасці Іспаніі. Наватарскае знакамітае рамантычнае мастацтва Гоі, Трэцяга мая 1808 г. , магчыма, з'яўляецца яго самай вядомай карцінай. Гэта адлюстроўваеНапалеонаўскія войскі публічна караюць смерцю іспанцаў у якасці адплаты за ўчорашняе паўстанне супраць французаў.

Задуменная палітра Гоі ўзмацняе зверствы і стварае адчуванне непераадольнай цемры.

Іспанцы рабочы, якога збіраюцца пакараць смерцю, прадстаўлены ў манеры, якая імітуе распяцце Хрыста. Фігура стаіць на каленях на зямлі з шырока раскінутымі рукамі, а яго правая рука пазначана стыгматамі, падобнымі да знакаў, зробленых на целе Хрыста падчас укрыжавання. Выразныя твары і мова цела фігураў перадаюць жорсткасць і мітусню. Ліхтар на зямлі — адзіная крыніца святла, якая падзяляе сцэну на святло, якое вылучае ахвяры, і цені, якія паглынаюць безаблічных катаў.

Трэцяга мая 1808 г. (1814) Франсіска Гоя; Франсіска дэ Гоя, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Гоя стварыў знакамітыя карціны рамантызму, якія рашуча адарвалі ад мінулага. Карціна была рэвалюцыйнай з яе негераічнай падачай, зярністымі і матавымі пігментамі і плоскасцю перспектывы.

Разам з адлюстраваннем Гояй сучасных выпадкаў, якія перажылі звычайныя людзі, гэты кінуў выклік акадэміку нормы, якія аддаюць перавагу вечным неакласічным сцэнам.

Гоя імкнуўся стаць сведкамі і ўшанаваць памяць іспанскай апазіцыі арміі Напалеона. Ён паўплываўпакаленні мастакоў, якія прыйшлі за ім. Рэвалюцыйная карціна Гоі, Трэцяе траўня 1808 г., адыграла ключавую ролю ў росквіце рэалізму і яго сумленнага адлюстравання паўсядзённага жыцця, паўплываўшы на ўяўленне Пікаса пра жахі вайны і заахвоціўшы сюррэалізм да вывучэння сноў -падобны кантэнт.

Вандроўнік над морам туману (каля 1818) Каспара Давіда Фрыдрыха

Нямецкі мастак перыяду рамантызму Каспар Давід Фрыдрых намаляваў адну з самых знакавых карцін эпохі рамантызму, Вандроўнік над морам туману, у 1818 г. Мастацтва Фрыдрыха адлюстроўвае даследчыка, малады чалавек, які сядзіць ззаду на суровым агаленні, гледзячы далей на густое мора туману. Вандроўнік над морам туману не распавядае гісторыі; гэта адлюстраванне Фрыдрыхам эмацыйнага стану, якое адлюстроўвае ідэі блукання і бясконцасці, недасканаласці эмоцый і душы.

Шэдэўр Фрыдрыха прадстаўляў чалавека на жудасным і таямнічым фоне, дэманструючы сваю паменшаную моц у велізарнай велічыніжыццё.

Вандроўнік над морам туману (каля 1818) Каспара Давіда Фрыдрыха; Каспар Дэвід Фрыдрых, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Фрыдрых умела выкарыстаў прастору, каб праілюстраваць мізэрнае становішча чалавека ў прыродзе, адзінокую постаць сярод вялізнага ландшафту. Ландшафт складаецца са славутасцей Усходняй Германіі, пачынаючы з Эльбскіх пяшчанікаў. Вандроўнік нібы сузірае свет, які існуе перад ім.

Фігура чалавека займае цэнтральнае месца на карціне, што можа сведчыць аб тым, што ён уладарыць над светам перад сабой. Тым не менш, калі туман тонка зліваецца з гарызонтам, мы ўсведамляем маштаб пейзажу, які бясконца распасціраецца перад ім. Мы бачым, што свет прынцыпова застаецца невядомым. Уражваючая карціна Фрыдрыха ўзняла пейзажны жывапіс.

Гэты рамантычны твор з'яўляецца прадстаўніком нямецкага рамантызму, які развіваўся крыху інакш, чым італьянскі і французскі аналагі.

Плыт Медузы (1818 – 1819) Тэадор Жэрыко