Свецкія мастакі стваралі керамічныя скульптуры на працягу тысяч гадоў. Гэтыя старажытныя вытворцы керамікі стваралі ўсё: ад гліняных скульптур для рэлігійнага выкарыстання да керамікі для захоўвання вадкасці і мастацкай керамікі для задавальнення. Ад старажытных майстроў керамікі да сучасных майстроў керамічнай пліткі, творчыя людзі на працягу ўсёй гісторыі чалавецтва выкарыстоўвалі гэты лёгкадаступны і танны сродак для стварэння прыгожых керамічных твораў.

Вядомыя мастакі па кераміцы

Кераміка Мастацтва з'яўляецца адным з найстарэйшых рамёстваў, і таму на працягу стагоддзяў з'яўляліся і сыходзілі многія мастакі па гліне, з якіх вельмі нешматлікія пакінулі след. Такім чынам, нам неабходна вылучыць мастакоў па керамічнай плітцы, керамічнай скульптуры і майстроў керамікі, якія вылучылі сябе сярод сваіх калегаў сваёй мастацкай керамікай.

Беатэ Кун (1927 – 2015)

Бэатэ Кун - вядомая мастачка па керамiчнай скульптуры, якая нарадзiлася ў Дзюсельдорфе 15 лiпеня 1927 г. Вобразы прыроды звычайна алегарычныя i вобразна; яны адлюстроўваюць складанае ўзаемадзеянне чалавека з навакольным асяроддзем. Яе мастацтва спалучае арганічнае асяроддзе з матэрыяльным, рукатворным асяроддземза іх тэхнічную дакладнасць і адданасць.

Нават праз пяць гадоў пасля яго смерці яго працы працягваюць абуджаць цікаўнасць гледачоў. Вы можаце знайсці яго працы амаль у кожнай галерэі мастацтва керамікі ў Інтэрнэце.

Паці Варашына (1940 – цяперашні час)

Паці Варашына - мастачка з Амерыкі, вядомая сваімі крэатыўнымі керамічнымі творамі. Яна нарадзілася ў 1940 годзе ў Спокане, штат Вашынгтон, самая малодшая з трох братоў і сясцёр. Варашына, малодшая з трох дзяцей, нарадзілася ў 1940 годзе і вырасла ў Спокане, штат Вашынгтон. Яе бацька быў стаматолагам японскага паходжання, а маці - амерыканкай японскага паходжання. Яна прыехала ў Сіэтл, каб вывучаць скульптуру ў Вашынгтонскага ўніверсітэта са скульптарамі Гаральдам Майерсам, Рудзі Аўціа, Сёджы Хамадай і Рут Пенінгтан. Варашына скончыла Вашынгтонскі ўніверсітэт са ступенню бакалаўра выяўленчых мастацтваў у 1962 годзе і магістра выяўленчых мастацтваў у 1964 годзе.

Большасць сваёй 55-гадовай творчасці яна была зацікаўлена чалавечым выглядам кар'ера.

Яе працяглае захапленне чалавечым выглядам, хутчэй за ўсё, звязана з тым, што яе ўласнае целасклад з'яўляецца бліжэйшай крыніцай, з якой яна чэрпае натхненне. Выкарыстанне фігуры пацвярджае яе штодзённае існаванне івыступае ў якасці тэмы яе ўласнага «графічнага часопіса», які служыць напамінам, сузіраннем і захаваннем асабістага часу і грамадства, у якім яна існуе.

Яна выцягвае са свайго штодзённага жыцця і мае незвычайнае захапленне глупствам і заганамі чалавечых паводзінаў, што прывяло да таго, што яе статуэткі сталі героямі яе сузіральных сюжэтных ліній.

Замест таго, каб маляваць вопратку на постаці, яна аддае перавагу трымаць матэрыяльную працу да мінімуму ў гэтай кропцы і замест гэтага выкарыстоўваць просты колер у абстрактнай структуры, як калі б ён «левітаваў» над чалавекам, ствараючы адчуванне сутыкнення двух асобных геаграфічных сфер. Яна жадае, каб паверхня функцыянавала ў згодзе з прастатой цела. Абстрактны характар ​​павярхоўнага твора таксама ліквідуе і адхіляе сувязь твора з часам, перыядам і этнічнай прыналежнасцю. Яна імкнецца расказаць пра агульныя дзівацтвы, якія існуюць у кожнай чалавечай прыродзе.

Элен Шон (1953 – па цяперашні час)

З канца 1970-х гэтая мастачка па гліне актыўна дэманструе свае творы па кераміцы на культурнай сцэне, і яна стала вядомай сваімі глінянымі скульптурамі, якія адлюстроўваюць чалавечыя пачуцці і сітуацыі. Яе праца,які ў асноўным алегарычны, адрознівае яе ад іншых сучасных мастакоў таго перыяду. Цяпер яна вядзе заняткі ў Інстытуце мастацтваў Бостана. Там яна вучыць сваіх вучняў, як ствараць керамічныя скульптуры, якія даследуюць многія грані чалавечага існавання.

Людзі адкрываюць для сябе і цэняць яе мастацтва ў шэрагу керамічных скульптурных галерэй у Інтэрнэце.

Яе заўсёды захапляла здольнасць глінянай пасудзіны намякаць на нешта большае, чым яна сама — служыць сімвалам. Керамічныя пасудзіны з шыйкамі, плячыма, жыватамі і ступнямі могуць нагадваць пазіцыю і смутна гуманоідную пазіцыю цела; яны могуць раскрыць глыбокія грані чалавечага ўспрымання і прыроду рэчаіснасці.

Палкае захапленне Шён керамічнымі ёмістасцямі прымусіла яе адкрываць розныя формы і паверхні. Яе нядаўняе даследаванне даследуе тры варыянты тыпу глінянага сасуда: керамічны кантэйнер у якасці крыніцы або калыскі, з магчымасцямі ўрадлівасці і стэрыльнасці; пасудзіна ў выглядзе флакону, форма якога сведчыць аб выцягнутай паставе кікладскіх багоў і шурпатай фактуры гліняных галоў ёруба, яе Серыя планет даследуе закручаныя рознакаляровыя паверхні на сферычных сферах, маючы на ​​ўвазе планеты і глыбіні зямнога пласта .

Гэтыя серыі дэманструюць розныя, але звязаныя мастацкія інтарэсы. Кожны твор у серыі з'яўляецца часткай пастаянна развіваецца адказу на наборпраблем або абмежаванняў, у рамках якіх яна вырашыла дзейнічаць. Налады могуць змяняцца па ходзе серыі. Яна спрабуе ўдыхнуць жыццё ў форму праз імпульсіўныя маніпуляцыі з інертнай глінай. Яе мастацкі падыход заснаваны на рэфлексіўнай практыцы, якая прадугледжвае выказванне ідэй на матэрыяле ў перыядычных цыклах развіцця.

Калі яна кіруе, матэрыял кіруе ёю. У іх узаемавыгадная сувязь.

Тоні Марш (1954 – цяперашні час)

Асноўным сродкам творчага выражэння Тоні Марша заўсёды быў керамічны посуд. У серыі Перфараваныя пасудзіны Марша ён бярэ густую гліняную сумесь і выдаляе з яе матэрыялы адну за адной, ствараючы ў ёй графічную інтэнсіўнасць, каб паказаць формы, якія плаваюць. Марш апісвае гэта як «дадаванне шляхам памяншэння».

Мы можам назіраць, як цень, які ствараецца святлом, якое пранізвае крышталь, адбівае святло і працякае праз яго, спрыяе структурнай паслядоўнасці яго творы.

Яго веды і гісторыя керамікі відавочныя ў гэтых яркіх і складаных узорах, якія імітуюць клеткавыя кампаненты і біяінспіраваныя формы. Марш вучыўся пад азіятаммастак Шымаока ў Масіко, Японія, на працягу чатырох гадоў. Яго падыход развіваўся, калі ён штодня сутыкаўся з працоўным вопытам і ўплывам рэгіёну. Пасля ад'езду з Японіі Марш атрымаў ступень магістра Керамічнага каледжа штата Нью-Ёрк пры Універсітэце Альфрэда, а затым вярнуўся ў сваю старую навучальную ўстанову, Каліфорнійскі штат Лонг-Біч, дзе ён па-ранейшаму з'яўляецца дырэктарам кафедры керамікі.

Фернанда Касасемперэ (1958 – цяперашні час)

Фернанда Касасемперэ, які нарадзіўся ў Чылі ў 1958 годзе і зараз жыве і працуе ў Лондане , з'яўляецца скульптарам, які выкарыстоўвае кераміку, традыцыйны сродак керамікі, каб даследаваць паняцці ландшафту і навакольнага асяроддзя. Яго выкарыстанне зямлі/гліны і ўвага да прыроды і навакольнага асяроддзя звязвае яго з творцамі, звязанымі з рухам Earth Art, але ён працуе з разнастайнай культурнай спадчыны, знаходзячыся пад глыбокім уплывам лацінаамерыканскай дакалумбавай архітэктуры і мастацтва.

У сваёй кераміцы ён даследуе канцэпцыю ландшафтаў і экасістэм.

Яго выкарыстанне керамікі выходзіць за межы яе фізічнага асяроддзя, звязваючы сувязі паміж цывілізацыяй і самой глебай. Яго твор пад назвай Out of Sync, быў паказаны ўЛондан у Сомерсет-Хаўсе і заслужыў хвалу крытыкаў. Гэтая карціна, размешчаная на сапраўднай траве, складалася з масіўнага поля з 10 000 фарфоравых палявых кветак і прызначалася для вывучэння канфліктаў паміж перыядамі і ўразлівасцю жыцця. Гэтыя кветкі былі створаны з 12 тон чылійскай керамікі, якую ён прывёз у Лондан у 1997 годзе.

Джонсан Цанг (1960 – цяперашні час)

Джонсан Цанг, мастак-кераміст з Ганконга, стварае творы, якія сціраюць межы паміж скульптурай, сюррэалізмам і рэалізмам. Дзіўныя тэмы Цанга зроблены па-майстэрску з выкарыстаннем глінянага матэрыялу, пашыранага, расцягнутага і выглядаючага крыху нязграбным. Рухі рук інтэграваны ў яго творы ў яго калекцыі «Open Mind», каб вобразна (і вельмі літаральна) адлюстраваць дух экспансіўнага розуму ў іх апавяданні.

Ён не заўсёды быў творчым чалавекам. На самай справе ён пакутаваў не толькі грашова, але і акадэмічна на працягу ўсяго свайго дзяцінства. Перш чым стаць мастаком, ён працаваў памочнікам кандыцыянера, кухарам бульбы і супрацоўнікам праваахоўных органаў.

Цанг наведваў заняткі па лепцы з гліны на працягу 13-гадовага знаходжання ў паліцэйскім. Гэта была яго першаясутыкнуўшыся з медыумам, і дзякуючы гэтаму ён упершыню адчуў добры і заспакаяльны характар ​​Клея.

Цанга цяпер называюць выбітным мастаком. Урад Ганконга ўзнагародзіў яго «Пахвалай міністра ўнутраных спраў» за выдатныя поспехі ў міжнародных мастацкіх мерапрыемствах дзякуючы яго прыгожым і мудрагелістым скульптурам. Ён таксама выйграў мноства прызоў на конкурсах у Тайвані, стаў першым мастаком з Кітая, які выйграў абедзве міжнародныя ўзнагароды за дасканаласць у керамічным мастацтве.

Грэйсан Пэры (1960 – цяперашні час)

Грэйсан Пэры з'яўляецца ўвасабленнем радыкалізму. Нягледзячы на ​​тое, што яго называюць майстрам, які проста вырабляе керамічныя творы, яго творы добра вядомыя. Пэры стаў вядомым у эпоху такіх мастакоў YBA, як Трэйсі Эмін і Дэм'ен Хёрст , і дзякуючы свайму выбару матэрыялу, які шакаваў як мастацтва, так і кераміку.

Ён будзе заўсёды славіцца сваёй мастацкай керамікай, незалежна ад таго, наколькі разнастайнай і шырокай становіцца яго праца.

Пэры наведваў урокі керамікі і навучыўся асновам пасля эксперыментаў з керамікай на працягу ўсяго часу ў школе мастацтваў, што дало яму салідную падмураку асяроддзі. Ён аддаваў перавагу сядзець за сталом, чым за рулём. Замест таго, каб кідацца на кола, Пэры выкарыстаў метад, які ўключаў у сябе ручное стварэнне шпулек. За некалькі месяцаў ён вырабляў вазы вышынёй ад 60 да 70 см.

Грэйсан Пэры на прыватным праглядзе Gilbert & Рэтраспектыва Джорджа ў Tate Modern, 2007; Kirsteen, CC BY-SA 2.0, праз Wikimedia Commons

На аўкцыёне былі прададзены творы ручной працы Пэры, такія як Men Have Lost Their Spirit больш за £50 000. Ён абапіраецца на славутае мінулае керамікі, адначасова выкарыстоўваючы шырокі спектр метадаў, якія дазваляе гэта сродак.

Калі яго спыталі, чаму ён стварае керамічнае мастацтва сваім унікальным спосабам, ён тлумачыць, што на працягу тысячагоддзяў скульптары і дызайнеры заўсёды выяўлялі свае найбольшыя намаганні на вазе, што з'яўляецца традыцыяй, якой ён прытрымліваўся.

Ён любіў апранацца ў жаночыя ўборы з юных гадоў і выявіў, што ён трансвестыт, калі быў падлеткам . Ён пераехаў да бацькоў свайго бацькі ў Чэлмсфард ва ўзросце 15 гадоў, калі пачаў выходзіць на вуліцу, пераапрануўшыся ў жанчыну. Бацька, выявіўшы яго, паабяцаў кінуць, аднак мачыха апавясціла ўсіх і праз некалькі месяцаў выгнала яго. Ён вярнуўся ў Грэйт-Бардфілд, штат Эсэкс, каб жыць са сваімі айчымам і маці.

Есукён (1963 – па цяперашні час)

Есукён - паўднёвакарэйскі мастак, які жыве ў Сеуле. Яна добра вядомая сваімі мудрагелістымі і захапляльнымі ўзорамі і скульптурамі з фарфору. Серыя Перакладзенае , як і некалькі яе твораў, складаецца з фрагментаў і частак разбітай гліны, якія старанна сабраны разам, як кавалачкі пазла. У 2002 годзе яна распрацавала Перакладзеную вазу пасля таго, як заўважыла, як кінуты смецце з глінянага маэстра Ліма Ханг Тэка зіхаціць на сонцы.

Яе праца была натхнёна святлом, якое адлюстроўваецца ад фрагментаў і натуральныя формы пераломаў.

Яна атрымлівае разбітыя фрагменты ад іншых карэйскіх мастакоў, якія спрабуюць узнавіць старажытныя пасудзіны перыядаў Чосон і Гарё. Яна апісвае, як яна "ператварае" гэтыя вазы, наносячы на ​​разломы 24-каратнае сусальнае золата. Разбітая кераміка, паводле яе слоў, губляе свае рысы і мэты, «вольная ад напружання і рызыкі быць знішчанай», і таму «вольная ад ціску быць копіяй». Яна ўмешваецца, адбудоўваючы тое, што было разбурана, і ператвараючы гэта ў бязмежныя перспектывы.

Яна ператварае іх у новыя станы, пазбаўляючы іх слабасці.

Адзін зВазы Yeesookyung Translated ; Sailko, CC BY 3.0, праз Wikimedia Commons

Антрапаморфная форма слоіка імгненна прыцягвае ўвагу, а перапрацаваны гліняны посуд імкнецца перасягнуць арыгінал элегантнасць тары. Перакладзеная ваза спалучае далікатнасць глінянай керамікі з узмоцненай трываласцю клею і золата, што дае вельмі прыгожы вынік. З-за таго, што карэйскія словы для золата і расколіны падобныя, яна пакрывае пераломы золатам. Выкарыстанне прадметаў з аднолькавай назвай надае твору гумарыстычны аспект.

Лэй Сюэ (1974 – па цяперашні час)

Лэй Сюэ, які нарадзіўся ў 1974 годзе, малюе, вырабляе кераміку і супрацоўнічае ў кінапрадукцыі. Калі гаворка ідзе пра кераміку, ён прызнаны фанатыкам. Ён стварае незвычайныя алюмініевыя банкі з гліны, а затым выкарыстоўвае іх у якасці форм для сваіх керамічных шэдэўраў. Пасля першага з некалькіх цыклаў абпалу Лэй пераходзіць на шчацінне тонкае як валасы.

Яму падабаецца маляваць традыцыйныя ўзоры і сімвалы роднага Кітая, у прыватнасці драконаў эпохі Мін, танцы самураяў і вішнёвыя дрэвы. .

Не звычайны, паўсядзённы стыль, які сустракаецца на кубках, стравах і посудзе Кітая, а наса складанымі структурамі прыроды. Творчасць Куна спалучае ў сабе яе ўласны ўнікальны погляд на навакольнае асяроддзе з тэхнічнымі метадамі будаўніцтва, якія імітуюць пэўныя арганічныя і неарганічныя ўтварэнні.

Паколькі яе мастацтва спалучае ў сабе эмацыйныя і лагічныя элементы, яно складанае і адчувальнае, інтэлектуальнае, але тэхнічна прывабны; ён прадстаўляе як дзікасць, так і грамадства.

Нямецкая мастачка Беатэ Кун, 2014; Себасцьян Шайд, CC BY-SA 3.0, праз Wikimedia Commons

Яе мастацтва заснавана на вывучэнні арганічных формаў і дзеянняў, а таксама яе асабістай інстынктыўнай рэакцыі на іх. Сіла твора заключаецца ў няздольнасці аўдыторыі распазнаць любую з яе формаў; яны імітуюць мноства разнастайных элементаў і жывых утварэнняў, а не нейкае канкрэтнае. Тое, што яна робіць, можна ідэнтыфікаваць як сустрэчу з плынню прыроды. Яе рэсурсы - шырокія заканамернасці і структуры прыроды, якія яна выкарыстоўвае такім чынам, каб выкарыстоўваць дыхатамію мікра- і макракосмасу.

Маленькая сям'я ў паўколе (1988) Беатэ Кун; Фрэд Рамэра з Парыжа, Францыя, CC BY 2.0, праз Wikimedia Commons

Яе лаканічнае і моцнае мастацтва ўпіхвае шмат інтэнсіўнасці ў невялікую колькасць прасторы. Кун любіць даследаваць старыя формы керамічных твораў, і яе вырабы прытрымліваюцца традыцыйнага пласта рамяства. А ўлічваючы тэрміны яе з'яўлення на арттакія рэчы, як банкі з газіроўкай спажывецкага грамадства, аднаразовая культура, якая ў канчатковым выніку выкідваецца, раздушваецца і здрабняецца. Вечка слоікаў Lei нават мае рычажок. Дызайнер уважліва сочыць за кожнай стадыяй гарэння, каб гарантаваць, што яго творы не змяншаюцца і з'яўляюцца ў правільным памеры. З часоў Эндзі Уорхала ніякая банка не выклікала столькі цікаўнасці і ўвагі.

У сваіх працах ён спалучае старое з сучасным. Ён вырабляе фарфоравыя банкі ў стылі дынастыі Мін для сваёй серыі «Піць гарбату», эфектыўна дэманструючы сувязі паміж старажытным і новым. Гэты новы падыход да рэкантэкстуалізацыі матэрыялу і рэалізацыі прыводзіць да пакамечаных слоікаў з узорамі і тэмамі дынастыі Мін.

Сюэ дадае сучасны штрых, супрацьпастаўляючы буйнамаштабны відарыс класічнаму ручному вырабу, параўноўваючы спажыванне кансерваваных напояў да чайных цырымоній.

Крыстафер Дэвід Уайт (1976 – цяперашні час)

Крыстафер Дэвід Уайт - мастак са Злучаных Штатаў, які цяпер жыве і працуе ў Рычмандзе, штат Вірджынія. Маляванне і маляванне былі яго першымі спробамі ў мастацтве. Сур'ёзна займацца глінай пачаў толькі ў 2008 годзеу 2012 годзе ён атрымаў ступень бакалаўра выяўленчага мастацтва ў галіне керамікі ва Універсітэце Індыяны. Яго скульптурныя творы ў асноўным зроблены з керамікі і дэталёва апрацаваны, імітуючы раскладаючаеся дрэва, іржавы метал і іншыя прадметы ў розных станах дэградацыі.

Яго апошнія працы звязаны з сувяззю прыроды і людзі, а таксама чалавечае ўспрыманне навакольнага асяроддзя.

Усё, што вырабляецца з навакольнага асяроддзя, падвяргаецца аднаму і таму ж цыклу развіцця і разбурэння ў жыцці і смерці - бо прырода заўсёды змяняецца. Сталасць - гэта найвялікшая ілюзія, а змены - пастаянны напамін пра гэта. Ён даследуе сувязь паміж навакольным асяроддзем, чалавецтвам і канцэпцыяй смяротнасці, ствараючы гіперрэалістычныя скульптуры.

Ён хоча паказаць веліч, якая можа паўстаць у выніку пагаршэння стану, адначасова прымушаючы гледача перагледзець сваё ўласнае ўспрыманне свету вакол іх.

Каб зрабіць гэта, ён пачынае з пошуку прыкладаў пагаршэння ў сваім асяроддзі, якія я знаходжу цікавымі з-за формы, адцення або тэкстуры. Затым ён старанна афармляе гэтыя кампаненты ўручную, выкарыстоўваючы гліну ў якасці пераважнага носьбіта, выкарыстоўваючы прыродную здольнасць гліны паўтараць шырокі спектр матэрыялаў. Ён выкарыстоўвае trompe l’oeil як выбар стылю, каб падкрэсліць ідэю таго, што наша ўспрыманне свету падманлівае. Кантраст арганічнага і тэхнагеннагахарактарыстыкі, а таксама скажэнне памеру, прапорцый і матэрыялу спрыяюць змене пункту гледжання, прымушаючы гледача прыгледзецца крыху бліжэй.

І гэта прыводзіць наш спіс знакамітых мастакоў-керамістаў да канец. Мы выявілі шмат мастакоў, якія выкарыстоўвалі носьбіт вельмі унікальнымі спосабамі. Мастакі керамікі выпрацавалі свае ўласныя стылі ва ўсім свеце. Сёння гэтыя вытворцы керамікі працягваюць рабіць гліняныя скульптуры і вазы, якія рассоўваюць межы асяроддзя.

Зірніце на нашу вэб-гісторыю мастакоў па кераміцы тут!

Часта задаюць пытанні

Што такое керамічнае мастацтва?

Керамічны твор ствараецца з гліняных матэрыялаў. Ён можа прымаць форму прыгожай керамікі, напрыклад, посуду, мазаікі, фігур і іншых скульптур. У той час як некаторыя керамічныя вырабы, такія як скульптура або кераміка, разглядаюцца як выяўленчае мастацтва, большасць разглядаюцца як дэкаратыўныя, камерцыйныя або практычныя мастацкія вырабы.

Для чаго выкарыстоўвалася кераміка?

Керамічныя скульптуры ствараліся майстрамі з гліны на працягу тысяч гадоў. Гэтыя старажытныя ганчары рабілі ўсё: ад святых гліняных скульптур да посуду для захоўвання вадкасці і прыгожай керамікі для асалоды. На працягу ўсёй гісторыі творчыя людзі выкарыстоўвалі гэты лёгкадаступны і недарагі матэрыял, пачынаючы ад старажытных мастакоў-ганчаршчыкаў і заканчваючы сучаснымі мастакамі па керамічнай плітцы.

Яе выдатная здольнасць назіраць прыгажосць нават у самых паўсядзённых рэчах надае яе творам дакладнасць і вытанчанасць, якія не могуць прэтэндаваць ні на якія іншыя мастакі па гліне. дасягаецца з такой лёгкасцю.

Роберт Арнесан (1930 – 1992)

Роберт Арнесан нарадзіўся ў Бенісіі, штат Каліфорнія, і правёў там большую частку свайго жыцця. Ён вывучаў карыкатуру ў суседнім каледжы Марын, а затым у Каліфарнійскім каледжы мастацтваў і рамёстваў. Ён стаў больш цікавіцца керамікай пасля некалькіх гадоў выкладання мастацтва ў мясцовых сярэдніх школах і паступіў у каледж Мілс. Традыцыйныя ўяўленні аб сувязі паміж керамікай і мастацтвам змяніліся да таго часу, калі ён атрымаў ступень магістра замежных спраў.

Пакуль Арнесан вучыўся на ганчара, ён хутка пачаў эксперыментаваць са скульптурай, убачыўшы працы такіх мастакоў, як Пітэр Вулкас, якія рассоўвалі межы медыума.

Глазураваны керамічны бюст Джорджа Москона работы Роберта Арнэсана, 1981; Art Poskanzer, CC BY 2.0, праз Wikimedia Commons

Арнесана запрасілі стварыць курс керамікі ва ўніверсітэцеКаліфорнія, у 1962 годзе, дзе ён сустрэў мастакоў, у тым ліку Уільяма Т. Уайлі, Роя дэ Форэста, Мануэля Неры і Уэйна Цібо, якія сталі супрацоўнікамі і блізкімі сябрамі. Праграма Дэвіса была даследчай, мастацкаму аддзелу было ўсяго некалькі гадоў, і было адчуванне супрацоўніцтва паміж выкладчыкамі і студэнтамі, у тым ліку Дэвідам Гілхулі, Брусам Наўманам і Рычардам Шоў.

Ён пачаў эксперыментуючы з аўтапартрэтам як сродкам для вывучэння чалавечага вопыту ў 1970 годзе.

Ён зразумеў, што яму дазволена «ўзяць на сябе ўдар», а таксама што яго самаўспрыманне было такім жа важным да яго мастацтва як да самой керамікі. Яго першая рэтраспектыва, каардынаваная Чыкагскім музеем сучаснага мастацтва, была прадстаўлена ў 1974 годзе як сігнал яго росту вядомасці. Аднак у наступным годзе ён упершыню захварэў на рак, што прывяло да неабходнасці аперацыі і працяглай барацьбы з хваробай, якая будзе пакутаваць ад яго да канца жыцця.

Стэн Біттэрс (1936 - па цяперашні час)

Стэн Бітэрс, які нарадзіўся ў ЗША ў 1936 годзе, з'яўляецца яшчэ адным вельмі важным мастаком-керамістам, якога варта дадаць у наш спіс. Эксперыменты з керамічнымі скульптурамі, керамічнымі фрэскамі,фантаны і нават садовыя дарожкі, Біттэрс быў уплывовым удзельнікам развіцця і станаўлення арганічнага мадэрнісцкага руху ў 1960-х гадах.

Спалучаючы канцэпцыі мастацтва і архітэктуры, яго творы выйшлі на міжнародны ўзровень вядомасць і важныя ў большасці выстаў сучаснага мастацтва і дызайну.

Фатаграфія каліфарнійскага кераміка і скульптара Стэна Біттэрса ў 2012 г.; Удзельнік: Mikemaniquiz, CC BY-SA 3.0, праз Wikimedia Commons

Некаторыя гліняныя скульптуры, з якімі асабліва асацыюецца Стэн Біттэрс, - гэта яго гаршкі для вялікіх пальцаў і старадаўнія шпакоўні. Яго працы дэманструюць прыземленасць і тэкстуру, дэманструючы зліццё элементаў фармальнага мастацтва разам з асяроддзем, у якім яны размешчаны.

На працягу ўсёй сваёй кар'еры, якая доўжыцца шэсць дзесяцігоддзяў, Біттэрс пастаянна адстойваў за ролю, якую скульптура адыгрывае ў гарадскім асяроддзі.

Ствараючы экалагічную кераміку, Біттэрс працягваў ствараць саюз паміж сваімі скульптурнымі творамі і знешнім асяроддзем, у якім ён апынуўся. Дзякуючы гэтаму яго творы мастацтва можна адчуць у розных месцах, пачынаючы ад грамадскіх месцаў, школ, цэркваў, гатэляў, прамысловых комплексаў і нават прыватных рэзідэнцый.

Джон Глік (1938 – 2017)

Джон Паркер Глік быў керамікам са Злучаных Штатаў. Нягледзячы на ​​тое, што Глік быў адкрыты для творчых эксперыментаў, ён у першую чаргу натхняўся формамі і прыгажосцю ўсходняй керамікі, што відаць у выкарыстанні ім арнаментальных матываў і выбару глазуры. Яго вопыт працы з керамікай падштурхнуў Гліка напісаць шмат эсэ на гэтую тэму. У апошнюю частку сваёй кар'еры Глік пачаў вырабляць насценныя панэлі на экалагічную тэматыку ў дадатак да керамікі.

Упершыню ён атрымаў вядомасць у пачатку 1960-х гадоў пасля таго, як яго ўражлівыя працы выклікалі ажыятаж у свеце вырабаў з керамікі.

Ён любіць эксперыментаваць і даследаваць свае тэмы, хоць многія з яго твораў традыцыйныя, у яго творчым рэпертуары няма недахопу ў творах, якія вялізнымі скачкамі пераўзыходзяць межы праваслаўя. Многія з работ мастака па гліне дэманстраваліся на публічных і прыватных выставах па ўсім свеце.

Ён добра вядомы сваімі хатнімі керамічнымі скульптурамі ў вясковай тэматыцы, якія ахопліваюць такія жанры, як сучасны і класічны.

Ён стварыў Plum Tree Pottery пасля вяртання ў Мічыган са службы ў 1964 г. Глік вырашыў стварыць прыватную калекцыю ўласных работ падчас сваёй кар'еры пасля таго, як яго натхніў гандляр творамі мастацтва, якога ён сустрэў . За 50 гадоў,ён захоўваў каля тысячы прадметаў, што з'яўляецца вялікай колькасцю, але толькі невялікай доляй ад прыблізна трохсот тысяч вырабаў, якія ён зрабіў увогуле.

Ісая Загар (1939 – па цяперашні час)

Ісая Загар - адзін з нямногіх мастакоў па керамічнай плітцы ў гэтым спісе, паколькі большасць мастакоў па гліне, здаецца, засяроджваюцца на керамічнай скульптуры і вазах. Ён нарадзіўся ў Філадэльфіі ў 1939 годзе і найбольш вядомы сваімі фрэскамі, створанымі на вуліцах горада. Атрымаўшы ступень бакалаўра ў Інстытуце Пратта, ён ажаніўся і паехаў у Перу, дзе адчуў уплыў перуанскага стылю мастацтва.

Пасля вяртання дадому ён адкрыў галерэю і пачаў ствараць свае мазаікі. уласны.

Філадэльфійскі мастак-мазаік Ісая Загар у сваіх Чароўных садах; TexasDex у англійскай Вікіпедыі, CC BY-SA 3.0, праз Wikimedia Commons

Чароўныя сады, самая вялікая вулічная мазаіка Загара, адначасова з'яўляецца трохмернай інтэрактыўнай выставай і музейнай прасторай . Вершы, цытаты, імёны мастакоў, якія паўплывалі на яго, а таксама твары і формы людзей і жывёл інкруставаныя ў плітку. У садах выкарыстоўваюцца розныя матэрыялы, такія як бутэлькі, веласіпедныя дыскі і іншнародная творчасць.

Чароўныя сады Ісаі Загара; KimonBerlin, CC BY-SA 2.0, праз Wikimedia Commons

The Art of Assemblage стала прарыўнай выставай у Нью-Ёрку ў 1961 г. Паколькі выстава ўтрымлівала зборкі з такіх мастакоў, як Жан Дзюбюфе, Пабла Пікаса , Курт Швітэрс і Антоніа Гаўдзі, а таксама некваліфікаваных брыкалёраў Фердынанда Шэваля і Саймана Кларэнса, ён змог апраўдаць уключэнне іх канцэпцый у якасці выразаў высокага мастацтва як падрыхтаваны мастак .

Гэта дазволіла яму пачаць тое, што можна было б лічыць працай усяго жыцця, пераўтварыўшы горад Філі, штат Пенсільванія, у музей мазаікі, які аб'ядноўвае ўсе яго разнастайныя веды і здольнасці ў крытычны момант у сваім жыцці.

Віктар Спінскі (1940 – 2013)

Віктар Спінскі быў мастаком-керамістам са Злучаных Штатаў і нарадзіўся 19 кастрычніка 1940 года. Першапачаткова ён прыцягнуў увагу краіны, калі быў паказаны на асноўнай выставе Музея сучасных рамёстваў у 1971 годзе Гліняныя вырабы: 20 амерыканцаў . Clayworks пазіцыянаваў Спінскага як аднагодку з іншымі піянерамі выставы ў кераміцы, у тым ліку Паці Варашынай, Робертам Арнэсанам, ДэвідамГілулі, Джэк Эрл, Рычард Шоў, Клейтан Бэйлі і Мэрылін Левін. Бэйлі, у прыватнасці, стаў партнёрам і сябрам на ўсё жыццё.

Праца Шпіньскага спачатку была засяроджана на вырабе ўяўных машын і тэхнічнага абсталявання, якое рабілася па частках на ганчарным крузе, а потым аб'ядноўвалася ў скульптуры, якія могуць стаяць больш за чатыры футы ў вышыню.

Спінскі сыграў важную ролю ў фарміраванні тэндэнцыі trompe l'oeil у гліне. Спробы ўвесці гледачоў у зман, прымусіўшы іх уявіць, што яны разглядаюць трохмерныя аб'екты, узыходзяць да грэкаў старажытнага свету , дзе часта паўтаралася гісторыя з удзелам жывапісцаў Парасія і Зеўксіса, калі Парасій стварыў вэлюм на сваім палатне настолькі праўдападобна, што гэта прымусіла яго суперніка падумаць, што гэта сапраўднае. Спінскі пачаў вырабляць нацюрморты з парцалянавай скульптуры. Спінскі, як і большасць яго сучаснікаў, пазбягаў выкарыстання фарбы на карысць керамічных лакаў, люстраў і фарфоравых фарбаў, якія з'яўляюцца больш устойлівымі, але значна складаней кіраваць.

Спінскі, які вырас у эпоху інавацый і творчасць у сцэне глінянай скульптуры былі на вяршыні, прынялі метад тыражавання некерамічных рэчаў іх керамічным аналагам. Яго тэмы складаліся з паўсядзённых прадметаў, якія былі зведзены да глінянай скульптуры з бездакорным вопытам вопытнага мастака. Асабліва вядомыя карціны Спінскага