Вядомыя мастакі-мінімалісты - мастакі руху мінімалізму

John Williams 25-09-2023
John Williams

М інімалісцкае мастацтва пачалося як рух у амерыканскім выяўленчым мастацтве пасля Другой сусветнай вайны ў 1960-х і 1970-х гг. Мяркуецца, што мінімалізм з'яўляецца прамым адказам на стылі абстрактнага экспрэсіянізму і мадэрнізму, ахоплівае геаметрычныя формы, нейтральныя паверхні і прамысловыя матэрыялы замест гучных і хаатычных твораў мастацтва. Паколькі мінімалізм, здавалася, адмаўляў такую ​​яркую экспрэсію, творы, якія былі зроблены, наўмысна пазбягалі выгляду выяўленчага мастацтва, а гэтыя гладкія і геаметрычныя творы наўмысна пазбягалі звычайнай мастацкай прывабнасці.

Глядзі_таксама: Устойлівае развіццё ў мастацтве - экалагічна свядомая творчасць

Нашы топ-10 самых вядомых мастакоў-мінімалістаў. і іх лепшыя творы

Пашырыўшыся на візуальнае мастацтва , музыку і іншыя сродкі масавай інфармацыі, мастацтва мінімалізму пашырыла абстрактнае ўяўленне аб тым, што мастацтва павінна паходзіць з уласнай рэальнасці, а не быць простай копіяй чагосьці яшчэ. Мастакі і мастакі-мінімалісты рэагавалі толькі на тое, што было непасрэдна перад імі, а створаныя творы прымушалі гледачоў мець зносіны толькі з тым, што яны бачылі. Ніжэй мы абмяркуем некаторых з лепшых мастакоў-мінімалістаў, якія паходзяць з гэтага руху, і іх не менш прыкметныя творы.

Тоні Сміт (1912 – 1980)

Нацыянальнасць Амерыканец
Дзе жыў мастак Нью-Джэрсі, Амерыка
Мастацкія напрамкі Мінімалізм
Самыя вядомыя творы мастацтва Луізенберг №8 (1953 – 1954)

ЦыгарэтаРазглядаючы працэс таго, як гледачы разумеюць формы і колеры на палатне, Эрэра паставіў пад сумнеў ролю мастака ў новай тэхналагічнай эпохі дакладнасці. Выкарыстанне зубчастай лініі сведчыць аб любові Эрэры да дызайну і гарадскога жыцця, калі яна спасылаецца на контур прамысловай прасторы.

Эн Труіт (1921 – 2004)

Нацыянальнасць Амерыканец
Дзе жыў мастак Вашынгтон, акруга Калумбія, Амерыка
Мастацкія кірункі Мінімалізм, жывапіс у колеравым полі
Самыя вядомыя творы мастацтва Сцяна для абрыкосаў (1968)

Шлях VII (1974)

Пэке (1974)

Яшчэ адной з самых вядомых жанчын-мастакоў мінімалізму была амерыканская скульптарка Эн Труіт, якая атрымала прызнанне крытыкаў у 1960-я гады як адна з першых мінімалістак гэтага руху. Пры падтрымцы вядомага мастацтвазнаўцы Клемента Грынберга Труіт трымалася на адлегласці ад нью-ёркскай мастацкай сцэны і гадамі збалансавала сваю мастацкую кар'еру разам з выхаваннем сям'і. Нягледзячы на ​​тое, што быў звязаны з двума асноўнымі мастацкімі плынямі, жывапісам каляровага поля і мінімалізмам, Труіт атрымаў дыплом псіхалогіі і стаў медсястрой.

Труіт стаў штатным мастаком толькі ў 1950-х і пачала рабіць тое, што разглядалася як яе самы важны ўклад у рух у пачатку 1960-х.

У той час якяна адчувала, што яе творы моцна адрозніваюцца ад мастацкіх тэндэнцый руху мінімалізму, жывапіс і скульптурны стыль Труіта прадбачылі многіх іншых вядомых мастакоў мінімалізму, такіх як Дональд Джад і Элсуорт Кэлі . Тым не менш, яна адрознівалася ад большасці мінімалістаў у многіх іншых адносінах: яе засяроджанасць на паэтыцы формы і матэрыялу ўплывала на маладых мастакоў.

Як адданы скульптар, Труіт эксперыментаваў з глінай, сталлю , і гіпс пасля прагляду работ Барнета Ньюмана ў Гугенхайме ў 1961 годзе.

Услед за абстрактным экспрэсіянізмам Труіт стварыў скульптуры, якія былі складанымі і падрабязнымі, але яны хавалі сваю сапраўдную прастату. Калі Труіт даследавала глыбіні свайго эмацыйнага і псіхалагічнага жыцця ў сваіх творах, яе часта разглядалі як мінімалістку, нягледзячы на ​​тое, што яна мела больш агульнага з абстрактным экспрэсіянізмам. Яе творы былі прасякнуты эмоцыямі, што не было звычайнай рысай мінімалізму.

Шлях VII (1974)

Дата напісання 1974
Сярэдні Акрыл на палатне
Памеры 103,5 см х 220,9 см
Дзе ён зараз знаходзіцца Невядома

Як скульптар, Труіт стварыў не так шмат карцін. Аднак яе карціна "Мінімалізм" Шлях VII існуе як добра вядомая яе праца. Вялізнае палатно расфарбавана ў анцёмна-чырвонага колеру, з некалькімі тонкімі лініямі, намаляванымі вертыкальна. Лічыцца, што яны адлюстроўваюць некаторыя фрагменты святла, якія прасвечваюць наскрозь, шырыня ліній адрозніваецца, што сведчыць аб іх рознай інтэнсіўнасці за межамі паверхні карціны.

Паколькі яна была найбольш вядомая сваімі скульптурамі, яна была апісана як «мастак, які працуе ў трох вымярэннях» у нешматлікіх карцінах, якія яна зрабіла.

У 1960-я і 1970-я гады Труіт стала важным лідэрам Вашынгтонскай школы колеру, якая вызначала мастацкія творы плоскімі і суцэльнымі вобласці яркага колеру. Гэтую эстэтыку можна ўбачыць у Шляху VII , калі бачна вялікая прастора ярка-чырвонай фарбы. З-за інтэнсіўнасці колеру пры поглядзе на карціну адчуваецца пачуццё клаўстрафобіі. Знаходзячыся пад вялікім уплывам карцін Barnett Newman і іншых у стылі Color Field, Труіт перасекла сваё манахраматычнае палатно тонкімі каляровымі палосамі ў Шлях VII .

Элсуорт Кэлі (1923 – 2015)

Нацыянальнасць Амерыканец
Дзе жыў мастак Нью-Ёрк, Амерыка
Мастацкія плыні Мінімалізм
Большасць Вядомыя творы мастацтва Колеры для вялікай сцяны (1951)

Cite (1951)

Чырвоны сіні зялёны (1963)

Важнай фігурай у амерыканскім мастацтве 20-га стагоддзя быў Элсуорт Кэлі, які быў найбольш вядомы як жывапісецяго кар'ера. Уважаны за магутную сілу ў пасляваенным свеце мастацтва, Кэлі стаў вядомым у 1950-я гады пасля таго, як пачаў ствараць свае знакавыя яркія і ў асноўным манахраматычныя шматпанэльныя палотны. Засяродзіўшы ўвагу на моцных узаемасувязях паміж колерам, формай і формай, Кэлі быў адным з першых мастакоў, якія стваралі палотны дзіўных формаў і пазбягалі гэтага.

Выкарыстанне шматслаёвых рэльефаў і рысак, каб кінуць выклік паняцце прасторы, Кэлі меў на ўвазе, каб гледачы адчувалі яго творы мастацтва такім чынам, каб выклікаць фізічную рэакцыю на структуру і колер, якія выкарыстоўваюцца.

Элсуорт Кэлі прыбывае на гала-адкрыццё LACMA Шырокі музей сучаснага мастацтва 9 лютага 2008 г. у Лос-Анджэлесе, Каліфорнія; Jeremiah Garcia, CC BY 2.0, праз Wikimedia Commons

Калі ён гуляў з мінімалістычным малюнкам у дадатак да жывапісу і скульптуры, ён ніколі не прытрымліваўся аднаго руху. Хутчэй за ўсё, яго творы дэманстравалі ўплыў розных кірункаў, у тым ліку мінімалізм, жывапіс жорсткіх краёў, поп-арт і жывапіс каляровага поля.

Глядзі_таксама: Тэракотавыя воіны з маўзалея першага імператара Цынь

Да пачатку 1960-х Кэлі наладзіў міжнародныя адносіны. для сябе з пункту гледжання бесаб'ектыўнага мастацтва . Звяртаючыся да руху D e Stijl у пошуках натхнення ў сваіх карцінах, Кэлі стварыў творы мастацтва, у якіх выкарыстоўваўся структураваны колер на фоне геаметрычных макетаў. У 1970 годзе Кэлі пераехаў на паўночную частку штата і адышоў ад геаметрычных формаўкрывыя, магчыма, у адказ на яго новае асяроддзе.

Кэлі лічыцца адным з найвялікшых лідэраў амерыканскага жывапісу і адным з самых выбітных постмадэрнісцкіх мастакоў 1960-х як у абстрактным жывапісе, так і ў скульптуры.

Колеры для вялікай сцяны (1951)

Дата пафарбавана 1951
Сярэдні Алей на палатне
Памеры 240 см х 240 см
Дзе ён зараз знаходзіцца Музей сучаснага мастацтва, Нью-Ёрк

На момант стварэння Колеры для вялікай сцяны была адной з самых вялікіх карцін Кэлі. Прадэманстраваўшы яго раннія эксперыменты з шматпанэльнымі кампазіцыямі, гэты стыль жывапісу пазней стане важным аспектам яго кар'еры. Кажуць, што гэтая карціна дапамагла Келі пазнаёміцца ​​з яго разуменнем карцін, якія існуюць як аб'екты. Колеры для вялікай сцяны не толькі быў аб'ектам сам па сабе, але ён таксама складаўся з мноства меншых аб'ектаў у выглядзе панэляў, якія збіраліся разам, каб стварыць агульны твор мастацтва.

Аб'ядноўваючы некаторыя фундаментальныя стратэгіі мадэрнізму ў гэтым творы мастацтва, кожны квадрат павінен быў выдаваць ідэю, што яны сабраліся разам цалкам выпадкова.

Колеры для вялікай сцяны (1951) Элсварта Келі; Айнхоа Дыяса, CC BY-SA 4.0, праз WikimediaCommons

Пафарбаваўшы кожны з 64 квадратаў асобна ў адзін колер, Кэлі злучыў іх у фармаце калажа, які ён бязладна арганізаваў. У выніку атрымалася карціна, у якой ні адзін аспект яе знешняга выгляду не быў вырашаны ўласным выбарам Кэлі. Гэтая карціна таксама намякала на ідэю Readymade і яе карыснасці ў мастацтве, паколькі Кэлі стварала кожную панэль з розных лістоў крафт-паперы.

Сол Левіт (1928 – 2007)

Нацыянальнасць Амерыканец
Дзе жыў мастак Нью-Ёрк , Амерыка
Мастацкія плыні Мінімалізм, Канцэптуальнае мастацтва
Самыя вядомыя творы мастацтва Насценны малюнак №16 (1969)

Насценны малюнак №439 (1985)

Насценны малюнак №1136 (2004)

Амерыканскі скульптар, мастак і пісьменнік Саламон "Сол" лічыцца лідэрам канцэптуальнага руху Левіт дапамог развіць рух мінімалізму ў пасляваенным амерыканскім мастацтве. Дасягнуўшы вядомасці ў канцы 1960-х гадоў дзякуючы сваім знакавым насценным малюнкам і сучасным абстрактным скульптурам , Левіт працягваў эксперыментаваць з шырокім спектрам сродкаў масавай інфармацыі, уключаючы жывапіс, графіку, эстампы і фатаграфію. З 1965 года ён быў прадметам незлічоных персанальных выстаў па ўсім свеце.

Вера Левіта ў тое, што мастак існаваў як стваральнік ідэй, і гэта мысленне аказалася неверагоднымважны ў пераходзе ад сучаснай да постмадэрнісцкай эпохі.

ЛеВіт таксама лічыў, што ідэя сама па сабе можа сфармаваць мастацкі твор, гэта значыць, што мастак можа задумаць ідэю і па-ранейшаму цалкам валодаць творам. перш чым перадаць фактычную вытворчасць камусьці іншаму. Яго насценныя малюнкі з геаметрычнымі ўзорамі, атрыманымі з набору інструкцый, з'яўляюцца яго самымі вядомымі, і ён звярнуўся да канцэптуальных твораў па меры развіцця сваёй кар'еры.

Большасць твораў Левіта складаліся з асноўных ліній, колераў, і спрошчаныя формы, якія ўсе выкарыстоўваліся на аснове пэўных матэматычных і архітэктурных спецыфікацый.

ЛеВіт таксама разглядаў інструкцыі па вытворчасці мастацтва як сам твор мастацтва, што азначала, што твору больш не патрэбная рэальная матэрыяльная прысутнасць, каб разглядаць як «мастацтва». Нягледзячы на ​​тое, што быў адным з самых вядомых наватарскіх амерыканскіх скульптараў і паважаных постмадэрністаў, Левіт ненавідзеў усялякую публічнасць і славу, рэгулярна адмаўляўся ад узнагарод і пазбягаў інтэрв'ю.

Насценны малюнак #439 (1985)

Дата малявання 1985
Сярэдні Размыванне каляровых чарнілаў
Памеры Невядома
Дзе гэта У цяперашні час знаходзіцца Масачусецкі музей сучаснага мастацтва, Амерыка

На працягу ўсёй кар'еры Левіта яго серыя насценных малюнкаў аказалася самайпапулярныя творы мастацтва. Насценны малюнак №439 дэманстраваў яго смелае выкарыстанне колеру і трохкутных формаў на плоскай плоскасці, што стварала больш поўную і трохмерную форму для гледача. У рамках гэтага мінімалісцкага малюнка, а таксама яго незлічоных іншых, Левіт працаваў над усталяваннем трывалай сувязі паміж стылямі мінімалізму і канцэптуальнага мастацтва.

Гэта відаць праз выкарыстанне яркіх колераў, афарбаваных у геаметрычную форму формы і размешчаны на сцяне.

Выкарыстоўваючы каляровыя чарніла, нанесеныя адна на адну, Левіт стварыў асіметрычную піраміду, якая складаецца з некалькіх рознакаляровых граняў. Магчыма, пад уплывам паездкі ў Італію Насценны малюнак №439 быў натхнёны эфектам фрэсак, і яго можна ўбачыць пры бліжэйшым разглядзе. Фрагменты трыкутнікаў, якія спускаюцца, ствараюць глыбіню, якая прыцягвае погляды гледачоў, бо яны працуюць, каб стымуляваць падман адзінства, нягледзячы на ​​тое, што яны намаляваны на плоскай сцяне.

Джо Бэр (1929 – па цяперашні час)

Нацыянальнасць Амерыканец
Дзе жыў мастак Сіэтл, Амерыка; Амстэрдам, Нідэрланды
Мастацкія плыні Мінімалізм
Самыя вядомыя творы мастацтва Без назвы (1966 – 1974)

Станцыі спектру (першасныя) (1967 – 1969)

H . Orbitaster (1973)

Яшчэ адна з важных жанчынМастак-мінімаліст, які прыйдзе з Амерыкі, - гэта Жазэфіна "Джо" Бэр, вядомая сваім вялікім укладам у рух мінімалізму. Першапачаткова вывучаючы даследчую псіхалогію, Бэр звярнула ўвагу на мастацтва і вырашыла зрабіць з гэтага поўную кар'еру. У 1950-я гады Бэр пачала з жывапісу, які быў натхнёны стылем абстрактнага экспрэсіянізму, а таксама заахвочаны яе знаходжаннем у Лос-Анджэлесе. Толькі ў сярэдзіне 1960-х гадоў яна пачала выстаўляць свае работы на пляцоўках сучаснага мастацтва.

Пасля вяртання ў Нью-Ёрк Бэр прыняла свой стыль абстракцыі, які падкрэсліваў цвёрдыя грані і ўяўную пустэчу палотнаў. Дзякуючы гэтаму, нядзіўна, што яе творы прыцягнулі ўвагу мінімалісцкай групы, бо ў яе карцінах адсутнічалі ўсе магчымыя выяўленчыя апавяданні.

Дакладна намаляваныя творы Бэр з 1960-х гадоў застаюцца для яе найбольш важнымі. ідэнтыфікаваць, бо яны ў асноўным складаліся з чыстага асноўнага палатна, апраўленага паласатай размаляванай аблямоўкай.

Джо Бэр у сваёй студыі, Амстэрдам 2014; Білісэвідж, CC BY-SA 4.0, праз Wikimedia Commons

Яе творы 1960-х гадоў звычайна выстаўляліся ў выглядзе дыптыхаў або віселі каля падлогі, каб падкрэсліць іх выдатную цялеснасць. З-за выразнай «пустэчы» ў яе творах, яны разглядаліся як мінімалісцкія творы ў дадатак да таго, што яны паказваюць на ўсётыпы структурных адносін над прадметам.

Да 1975 года Бэр цалкам адмовілася ад абстрактнага жывапісу і пачала засяроджвацца на тыпе «радыкальнай фігурацыі», з дапамогай якой яна злучала выявы, сімвалы, словы і фразы ў летуценны і мудрагелісты шлях.

Станцыі спектра (пачатковая) (1967 – 1969)

Дата малявання 1967 – 1969
Сярэдні Алейная фарба і дамаравая смала на трох палотнах
Памеры 183,5 см x 182,9 см (усе тры палотны)
Дзе гэта У цяперашні час размяшчаецца Tate Modern, Вялікабрытанія

Станцыі Spectrum (Primary) , якія складаюцца з трох Палотны аднолькавага памеру, якія былі пустымі і апраўленымі ў рамкі, першапачаткова былі трыпціхам, перш чым былі дададзены яшчэ тры панэлі, каб зрабіць яго мастацкім творам з шасці частак. Як і на ўсіх іншых карцінах Бэра таго часу, прамавугольныя панэлі ў гэтай карціне былі абмежаваныя вельмі простым і сіметрычным фарматам. Кожная панэль была абрамлена звычайнай чорнай паласой, што робіць іх неадрознымі адна ад адной няўзброеным вокам.

Аднак, калі прыгледзецца бліжэй, на трох панэлях можна ўбачыць тонкую розніцу.

Кожнае палатно адрознівалася тонкай лініяй рознага колеру, якая ішла паралельна чорнай аблямоўцы. Як вынікае з тэрміна «першасны» ў назве, the (1961)

Light Up (1971)

Адзін з вядомых мастакоў мінімалізму, які паходзіць з 20 стагоддзя быў амерыканскі скульптар і жывапісец Тоні Сміт. Нягледзячы на ​​​​тое, што Сміт лічыўся даволі дзіўнай фігурай у свеце мастацтва, паколькі ён вырашыў выстаўляць свае працы толькі пасля 50 гадоў, Сміт унёс вялікі ўклад у з'яўленне руху мінімалізму ў пачатку 1960-х.

Сміт на працягу ўсёй сваёй кар'еры быў добра вядомы сваімі вялікімі геаметрычнымі скульптурамі, якія звычайна размяшчаліся на адкрытым паветры.

Сміт атрымаў адукацыю ў школе New Bauhaus у Чыкага ў 1930-х гадах і быў натхнёны развіццём амерыканскага мастацтва пасля Другой сусветнай вайны. Яго творы аб'ядналі некалькі традыцый еўрапейскага мадэрнізму разам з гэтымі дасягненнямі для стварэння твораў Мінімальнага мастацтва , якія не былі абмежаваныя ніякімі межамі асяроддзя.

Тоні Сміт і адзін з яго твораў, Хаагс Gemeentelijk Museum, 1968; Eric Koch / Anefo, CC0, праз Wikimedia Commons

Нягледзячы на ​​сувязь з абстрактнымі экспрэсіяністамі, яго праца не была падобная на хаатычную спантаннасць руху. У пачатку 1960-х гадоў Сміт кінуў жывапіс, каб цалкам засяродзіцца на скульптуры. Вядуцца спрэчкі, што скульптуры Сміта з'яўляюцца найбольш сапраўдным выяўленнем яго майстэрства як мастака, паколькі вялізныя збудаванні лёгка спалучаюць фізічную прысутнасць архітэктуры разам зкаляровыя лініі складаліся з сіняга, зялёнага і чырвонага, якія вядомыя як асноўныя колеры ў спектры святла. Размяшчэнне гэтых колераў было мэтанакіраваным, таму што ў пэўныя моманты і на пэўных адлегласцях іх адрозненні можна было б заўважыць перыферыйным зрокам гледача.

Фрэнк Стэла (1936 – па цяперашні час)

Нацыянальнасць Амерыканец
Дзе жыў мастак Масачусетс, Амерыка
Мастацкія напрамкі Мінімалізм, мадэрнізм, абстрактны экспрэсіянізм, геаметрычная абстракцыя, абстрактны ілюзіянізм, лірычная абстракцыя, жывапіс цвёрдых краёў, жывапіс на палатне формы, колер Палявы жывапіс
Самыя вядомыя творы

Чорныя карціны (1959)

Harran II (1967)

Michapol I (1971)

Амерыканскі мастак Фрэнк Стэла быў сярод самых вядомых мастакоў-мінімалістаў, якія выйшлі з гэтага руху. Эксперыментуючы ў розных іншых мастацкіх стылях у дадатак да мінімалізму, Стэла хутка праславіўся прыкладна ў 1959 годзе сваім унікальным мінімалістычным поглядам на жывапіс абстрактнага экспрэсіянізму. Стварыўшы серыю безасабовых карцін у чорныя палосы, якія ішлі насуперак камунікатыўнай рысцы і экзістэнцыяльнаму страху, звязаным з рухам абстрактнага экспрэсіянізму, Стэла адразу атрымала прызнанне як мастак-наватар.

Засяродзіўшыся на фармальных элементахствараючы мастацтва, Стэла стварала ўсё больш складаныя творы, якія ішлі за натуральным прагрэсаваннем складанасці, жыццёвай сілы, тактыльнасці і памеру.

Ён пашырыў сваю манахраматычную каляровую палітру, каб уключыць больш яркія колеры, у рэшце рэшт перайшоўшы да стварэння карцін, якія інтэграваныя нежывапісныя элементы, якія намякалі на трохмернасць. Гэта прывяло да стварэння складаных асобна стаячых скульптур , прычым працы Стэлы паўплывалі на развіццё як мінімалізму, так і жывапісу каляровага поля.

Пасля адкрыцця студыі ў Нью-Ёрку Стэла, здавалася, прыцягнула ўвагу неадкладна. Яго метады жывапісу, якія засяроджваліся на асноўных элементах колеру, формы, формы і кампазіцыі, моцна адрозніваліся ад папярэдняга стылю мастацтва і дапамаглі вызначыць рух мінімалізму, які зараджаўся. Па словах Стэлы, карціна ўяўляла сабой не што іншае, як плоскую паверхню з фарбай на ёй, якая раскрывала яго погляд на мастацтва як на ўласную сутнасць.

Адзін з самых маладых мастакоў, які меў рэтраспектыву ў MoMA , Стэла застаецца адной з самых інавацыйных мастачак сёння.

Шлюб розуму і нікчэмнасці, II (1959)

Дата малявання 1959
Сярэдні Эмаль на палатне
Памеры 230,5 см 337,2 см
Дзе ён зараз знаходзіцца Музей сучаснага мастацтва, Нью-Ёрк

ПростаУ свой 23 гады Стэла атрымала вялікае прызнанне крытыкаў за сваю серыю Чорныя карціны , якую ён стварыў паміж 1958 і 1960 гадамі. Гэтая серыя твораў мастацтва ўключала простыя палосы чорнай хатняй фарбы, якія былі выкладзены рэзкімі, але манатоннымі шаблоны. У гэтай серыі ёсць Шлюб розуму і нягоды, II , дзе Стэла намалявала чорныя панэлі тонкімі перавернутымі і паралельнымі лініямі ў форме П-вобразнай формы.

Стварэнне геаметрычны арнамент, тоўстыя чорныя палосы толькі падзелены тонкімі лініямі белай фарбы.

Пры разглядзе карціны адсутнасць розных абрысаў і выразнага мазка прымушае гледача пазнаваць карціну як плоскую паверхню у адрозненне ад жывапісу. У той час як паралельныя лініі працягваюць ствараць форму ілюзіяністычнай трохмернасці ў прасторы, абсалютная прастата і пустэча палатна надаюць карціне вельмі безасабовае адчуванне. Гэты недахоп эмоцый разам з неаднаразовым выкарыстаннем геаметрычнай формы робіць Шлюб розуму і нягоды, II выдатным прыкладам мінімальнага мастацтва, паколькі яно прытрымліваецца сваіх асноўных рыс.

Роберт Мангольд (1937 – цяперашні час)

Нацыянальнасць Амерыканец
Дзе жыў мастак Нью-Ёрк, Амерыка
Мастацкія плыні Мінімалізм
Самыя вядомыя творы мастацтва Круг у і зa Polygon 2 (1973)

Чатырохкаляровая карціна з рамкай №5 (1984)

Калонная структура XXII (2008)

Адным з менш вядомых мастакоў мінімалізму, звязаных з рухам мінімалізму, з'яўляецца амерыканскі мастак Роберт Мангольд. Тым не менш, ён быў актыўным удзельнікам стылю з моманту яго зачацця і высока паважаны некаторымі іншымі мастакамі-мінімалістамі. Пасля таго, як Манголд быў наняты разам з калегам па мастацтве Солам Левітам ахоўнікам у Музеі сучаснага мастацтва ў Нью-Ёрку, ён няўхільна рабіў сабе імя пасля ўдзелу ў серыі папулярных выстаў жывапісу мінімалізму, якія праводзіліся ў 1960-я гады.

Як і іншых вядомых мастакоў-мінімалістаў, карціны Мангольда мелі тэндэнцыю ўключаць у сябе больш яркую і смелую палітру колераў, што ў выніку дало пачатак развіццю постмінімалізму ў наступным дзесяцігоддзі.

Партрэт Роберта Мангольда, мастака-мінімаліста, 2013 г.; Сільвія Манголд, CC BY-SA 3.0, праз Wikimedia Commons

Нягледзячы на ​​тое, што Манголд лічыцца мастаком-мінімалістам, яго творы, як правіла, існуюць на мяжы паміж жывапіснымі і скульптурнымі формамі. Выкарыстоўваючы прыёмы напластавання, падзелу і змешвання, працы Мангольда падкрэсліваюць прысутнасць формы праз яго афарбаваныя паверхні, ствараючы тонкія скульптурныя эфекты.

Мангольд добра вядомы сваёй здольнасцю размаўляць з артыкулявацьяснасць і адкрытасць пры абмеркаванні яго мастацкай практыкі.

Яго карціны лічацца сапраўды мінімалістычнымі, паколькі адсутнасць у іх спецыфічных працэсаў сфарміравала ключавую асаблівасць руху. У той час як яго ранейшыя працы былі створаны ў больш бледных і манахраматычных танах, у 1980-я гады ён перайшоў да больш яркіх і смелых каляровых спалучэнняў . Гэта ў пэўнай ступені тлумачыцца зараджэннем лічбавай прасторы, якая ў значнай ступені паўплывала на новыя колеры і формы.

Column Structure XXII (2008 )

Дата афарбоўкі 2008
Сярэдні Акрыл, графіт і чорны аловак на палатне
Памеры 304,8 см x 243,8 см
Дзе ён зараз знаходзіцца Мастацкая галерэя Альберта-Нокса, Нью-Ёрк

Як ён да гэтага часу працуе як мастак сёння, многія з апошніх работ Мангольда ўтрымліваюць элементы мінімалізму. Праз 40 гадоў пасля таго, як ён пачаў гуляць з фігурнымі і геаметрычнымі палотнамі, Мангольд прадэманстраваў, што ён усё яшчэ можа ствараць аднолькава інтрыгуючыя творы, нягледзячы на ​​столькі часу. Структура калоны XXII складаецца са змен формы калоны, якія былі аб'яднаны, каб утварыць няправільны крыж.

Форма гэтай карціны была відавочнай спасылкай на хрысціянскую іканаграфію і Супрэматыст Казіміра Малевічакампазіцыя.

Пры стварэнні гэтай карціны Мангольд злучыў некалькі размаляваных палотнаў, каб утварыць крыж. Як і многія іншыя яго творы, Канструкцыя калоны XXII спасылаецца на некаторыя архітэктурныя і структурныя канцэпцыі, нягледзячы на ​​тое, што ў асноўным разглядаецца як жывапіс. Пры разглядзе крыжа можна адчуць напружанне праз узаемадзеянне ліній, якія выгінаюцца разам з формай. Гэтыя лініі працягваюць раздзяляць крыж на сеткі, прычым Мангольд ускладняе матэматычную аднастайнасць захопу, уводзячы крывыя, а не прамыя лініі.

Мэры Оберынг (1937 – па цяперашні час)

Нацыянальнасць Амерыканец
Дзе жыў мастак Луізіяна, Амерыка
Мастацкія плыні Мінімалізм, абстрактнае мастацтва
Самыя вядомыя творы мастацтва Firefall (1975)

Untitled III (1986)

Center Blue (1990)

Гледзячы на ​​спіс мастакоў-мінімалістаў, часта не звяртаюць увагі на амерыканскую мастачку Мэры Оберынг. Ствараючы вельмі падобныя на сетку відарысы, якія складаюцца з манахраматычных і геаметрычных формаў, Obering спалучае пэўныя канцэпцыі мінімалізму з традыцыйнымі матэрыяламі, такімі як яечная тэмпера і сусальнае золата.

Атрымаўшы ступень бакалаўра ў галіне эксперыментальнай псіхалогіі і ступень магістра ступень у галіне паводніцкіх навук, Оберынг толькі пачаўэксперыментаваць з мастацтвам у пачатку 1970-х пасля наведвання Італіі і знаёмства з мастаком Карлам Андрэ.

Пасля пераезду ў Нью-Ёрк у 1972 г. Оберынг купіла сабе студыю і цалкам укаранілася ў мастацкую сцэну, усё яшчэ жывучы і працуе адтуль сёння. Яе ранейшыя творы, якія, як лічылася, былі натхнёныя Фрэнкам Стэлай, складаюцца з фігурных панэляў, якія спалучаюць у сабе элементы жывапісу і скульптуры.

Гэта надае яе карцінам вельмі жорсткі тып абстракцыі , з яе дакладна намаляванымі квадратамі і прамавугольнікамі, якія дадаюць аднастайнасці і дбайнасці яе працы.

Оберынг заявіў, што яе стыль жывапісу натхнёны старымі майстрамі ў Італіі, дзе яна правяла шмат час. Гэта відаць у выкарыстанні ў яе працах насычаных шматслойных пігментаў, яечнай тэмперы, панэляў з гіпсам і сусальнага золата. Нягледзячы на ​​тое, што гэтыя аспекты, як правіла, супярэчаць больш строгім філасофіям мінімалізму, Оберынг зарэкамендавала сябе як цвёрдага члена групы, працуючы ў коле, якое ў 1970-х гадах лічылася перадавой кропкай руху мінімалізму. Скрупулёзная структура яе твораў таксама дадае адчування мінімалізму.

Firefall (1975)

Date Painted 1975
Сярэдні Акрыл на палатне
Памеры 167,6 см x 335,3 см
Дзе ён зараз знаходзіцца Музей сучаснага мастацтва, Нью-Ёрк

Ва ўсіх карцінах, створаных Оберынгам на працягу сваёй кар'еры, яна заўсёды ішла ў нагу яе цвёрдае пачуццё пышнага колеру, які часам лічыўся максімалісцкім, а не мінімалістычным. У Firefall Оберынг зрабіў вельмі структураванае ўражанне выразанага квадрата, які быў размешчаны на прастакутніку праз дзве паралельныя лініі ружовага колеру.

Паколькі адна лінія даўжэйшая за іншы, намёк на цень можна заўважыць, як прадэманстравана чырвоным.

Праз яе ўключэнне формы, якая, здаецца, саслізгвае з прамавугольнага палатна, а таксама яго лёгкі цень, Оберынг змог аб'яднаць у гэтым творы мастацтва элементы жывапісу і скульптуры, бо пры разглядзе кампазіцыі ствараецца трохмерны эфект. Выкарыстанне насычаных колераў у зялёных, ружовых і чырвоных тонах дадае карціне багацця.

Рух мінімалізм аказаўся вельмі наватарскім мастацкім стылем, паколькі ён значна адрозніваўся ад папярэдняга абстрактнага Рух экспрэсіянізму. Даведаўшыся пра 10 самых вядомых мастакоў-мінімалістаў, прыведзеных вышэй, становіцца ясна, што яшчэ шмат чаго можна даведацца пра гэты стыль, а таксама пра іншых не менш вядомых мастакоў, якія не заўсёды ўваходзяць у спіс. Калі вам спадабалася чытаць аб гэтых мастаках, мы рэкамендуем вам паглядзець наш Мінімалізм Artартыкул, а таксама паглыбіце свае веды аб руху.

Зірніце на нашу вэб-гісторыю мастакоў-мінімалістаў тут!

Часта задаюць пытанні

Што такое мастацтва мінімалізму Рух?

Мінімалізм, які развіваўся ў Злучаных Штатах, выбухнуў на мастацкай сцэне ў 1960-я гады. Мастакі, якія эксперыментавалі з гэтым новым стылем, стваралі карціны і скульптуры, якія складаліся з простых геаметрычных фігур, такіх як прамавугольнікі і квадраты. Творы мінімалізму дэманстравалі ўдзячнасць за такія якасці, як сумленнасць, структура, прастата і збалансаванасць.

Хто быў самым вядомым мастаком-мінімалістам?

Паколькі мінімалізм хутка рос у 1960-х і 1970-х гадах, некалькі вядомых мастакоў лічыліся першапраходцамі ў развіцці гэтага руху. Гэтыя мастакі ўключалі Агнес Марцін, Сол Левіт, Дэн Флавін, Дональд Джад і Карл Андрэ, каб назваць некалькі. Увогуле, першым мастаком-мінімалістам лічыцца Фрэнк Стэла, які пачаў ствараць свае знакавыя карціны ў палоску яшчэ ў канцы 1950-х.

канцэптуальны рэзананс абстрактнага жывапісу. Яго ўклад у развіццё амерыканскага мастацтва нельга апісаць словамі, бо Сміт працягваў выкладаць у некалькіх вядомых школах мастацтва і дызайну па ўсёй краіне.

Выдатна жывапіс, скульптура і архітэктура, выставы яго работ ладзіліся ў многіх лепшых мастацкіх музеях свету.

Луізенберг #8 (1953 – 1954)

Дата нанясення 1953 – 1954
Сярэдні Алей на палатне
Памеры 50,8 см х 70,4 см
Дзе ён зараз знаходзіцца Маёнтак Тоні Сміта

Уваходзіць у серыю, напісаную паміж 1953 г. і 1955 г. творы Луізенберга складаліся з 25 яркіх і геаметрычных карцін, злучаных фундаментальнай кампазіцыйнай мадэллю. Кожная карціна ў серыі складаецца з рознакаляровых, але аднолькава афарбаваных колаў, якія збіраюцца разам, утвараючы дзіўныя формы, падобныя на арахіс або амёбу. У Луізенберга #8 гэтыя фігуры выглядаюць размешчанымі ў шчыльную сетку, прычым кожная фігура мае адведзенае месца.

Выдатнае пачуццё парадку бачна пры праглядзе Луізенберга # 8 , паколькі кожная розная форма мае аднолькавую кампазіцыйную структуру. Напрыклад, кружочкі займаюць адно месца, арахіс займаюцьдва прабелы, а самая вялікая амёбападобная форма займае чатыры прабелы. У гэтай карціне Сміт прадэманстраваў даволі просты спосаб працы, бо ён проста ствараў варыянты аднаго дызайну і размяшчаў іх рознымі спосабамі для стварэння новых кампазіцый. Зыходзячы з гэтага, Луізенберг #8 існуе як свабодна перавернутая версія Луізенберг #4 .

Створаны падчас знаходжання Сміта ў Германіі, яго «Луізенберг» серыя была названа ў гонар геалагічнага месца недалёка ад горада Байройт, якое складаецца з унікальных скал у форме арахіса.

Паказваючы сваю адукацыю архітэктара, Сміт прытрымліваўся дакладнай формулы, якая была скрупулёзна выказана ў яго карціны. Яго натхненне для серыі мінімалістычных карцін было даволі абстрактным, бо яны ўяўлялі захапляльную сумесь паўночнаамерыканскіх і паўночнаеўрапейскіх мастацкіх уплываў з тонкай адсылкай да стылю абстрактнага экспрэсіянізму.

Акрамя таго, выкарыстанне Смітам паўтаральных элементаў у Луізенбергу №8 , разам з іншымі карцінамі ў гэтай серыі, існавала як двухмерная праява яго расце цікавасці да модульнай архітэктуры. Пазней у сваёй кар'еры Сміт засяродзіўся выключна на гэтым тыпе адаптыўнай архітэктуры.

Агнес Марцін (1912 – 2004)

Нацыянальнасць Канада
Дзе жыў мастак Маклін, Канада; Нью-Мексіка,Амерыка
Мастацкія плыні Мінімалізм, абстрактны экспрэсіянізм
Самыя вядомыя творы мастацтва Белая кветка (1960)

Начное мора (1963)

Без назвы #4 (1984) )

Адным з нямногіх вядомых мастакоў-мінімалістаў з Канады была Агнес Марцін, якая апынулася ўплывовым членам як абстрактнага экспрэсіянізму, так і мінімалізму . Нягледзячы на ​​тое, што яе знакавыя карціны са спектральнай сеткай называюць сапраўднымі мінімалісцкімі карцінамі, Марцін лічыла, што яе стыль блізкі да абстрактнага экспрэсіянізму.

Да 1950-х гадоў карціны Марцін былі цалкам рэпрэзентатыўнымі, але ў сярэдзіне дзесяцігоддзе яна звярнула ўвагу на абстрактнае мастацтва і адкрыла для сябе свой сапраўдны стыль.

Марцін ствараў вялікія квадратныя аднатонныя кампазіцыі, якія звычайна наносіліся гіпсам, намаляванымі ўручную алоўкавымі лініямі і разведзенымі пластамі алею або акрылу фарбы. У 1950 годзе, пасля таго як яна стала амерыканскай грамадзянкай, Марцін пераехала ў цэнтр Манхэтэна, дзе яе натхніла развіць свой вельмі ўплывовы стыль, які ўключаў светлыя квадратныя сеткі з паўтаральных ліній. Выкарыстоўваючы сетку ў якасці арганізацыйнага элемента ў сваіх карцінах, якія ўключалі некаторыя колеры, Марцін змагла плаўна змяшаць стылі карціны каляровага поля і мінімалізму.

У той час як у ёй адсутнічалі апавяданні і непатрэбныя дэталіцвёрда паставіўшы Марціна ў стылі мінімалізму, яна заявіла, што яе мэта складалася ў тым, каб ствараць мастацкія творы, якія сканцэнтраваны на эмоцыях, а не на высокіх формах абстракцыі. Нягледзячы на ​​​​тое, што працы Марцін не былі рэпрэзентатыўнымі, назвы і яе тлумачэнні да яе карцін паказвалі, што на яе моцна паўплывала прырода .

Як хворая на шызафрэнію, ёй было няпроста звязацца іншым асобам, таму яе засяроджанасць на прыродзе ў яе працах прадстаўляла мірнае і ўпарадкаванае прытулак.

Калі разглядаць яе карціны, мінімалістычныя карціны Марціна грунтаваліся на рашотцы з дакладнымі краямі, аднастайнымі геаметрычнымі формамі, і фіксаваныя ўчасткі халодных колераў, акуратна нанесеныя так, каб не засталося слядоў пэндзля. Яе абстрактныя працы вызвалілі яе ад праблем адлюстравання традыцыйных прадметаў і дазволілі ёй эксперыментаваць з бясконцымі варыяцыямі стрыманага колеру. Як адзін з самых незвычайных мастакоў свайго часу, які вёў не менш дзіўны лад жыцця, Марцін, як кажуць, чуў галасы, якія ўплывалі на тое, што яна малявала.

Белая кветка (1960)

Дата малявання 1960
Сярэдні Алей на палатне
Памеры 182,6 см х 182,9 см
Дзе ён зараз захоўваецца Музей Гугенхайма, Нью-Ёрк

Адна з ранніх знакамітых мінімалістычных карцін Марціна Белая кветка , якую яна стварыла неўзабаве пасля стварэння свайго адметнага стылю. Выкарыстоўваючы структуру сеткі і мяккія колеры, Белая кветка складаецца з неіерархічных белых ліній, якія перакрыжоўваюцца, ствараючы асобныя прамавугольнікі. У далейшым вылучаная белымі рыскамі і размешчаная на халодным шэрым фоне, гэтая карціна, здаецца, нагадвае тканую тканіну.

Тое, што выглядае паслядоўным ва ўсёй «Белай кветцы» і большасці іншых работ Марціна, гэта поўная сіметрыя формы.

Нягледзячы на ​​тое, што яна была створана на ранніх стадыях мінімалісцкага стылю Марціна, Белая кветка дэманструе яе ўжо строгую прыхільнасць фармальнаму балансу, які рэгулярна з'яўляецца ў астатнія яе карціны. Хоць гэтую карціну можна разглядаць як асобнае цэлае, яна не складалася з адзінкавых элементаў. Гэта дэманструе сапраўдную складанасць карцін Марціна, паколькі яе свабодна намаляваныя сеткі бляклых і далікатных ліній патрабуюць большага адлюстравання, каб іх нюансы былі сапраўды адкрытымі і зразуметымі.

Кармэн Эрэра (1915-наш час)

Нацыянальнасць кубінскі амерыканец
Дзе жыў мастак Гавана, Куба; Нью-Ёрк, Амерыка
Мастацкія плыні Мінімалізм, абстрактны экспрэсіянізм
Самыя вядомыя творы Без назвы (1952)

Тонда: Чорна-белае II (1959)

Без назвы (2007)

У 106 гадоў кубінскі амерыканец мастачка Кармэн Эрэра - найстарэйшы член руху мінімалізму. Кар'ера Эрэры як мастачкі асабліва натхняльная, бо яна прадала свой першы твор мастацтва толькі ў 89 гадоў. У той час як яна дасягнула міжнароднага прызнання і ўдзячнасці толькі пазней у жыцці, Эрэра займалася мастацтвам і на працягу ўсяго жыцця стварыла некалькі прыкметных твораў мастацтва, перш чым яе праславілі за гэта. Аднак тое, што робіць яе гісторыю такой цікавай, - гэта якасць яе працы, а не абставіны яе адкрыцця.

Эрэра ўпершыню з'явілася на мастацкай сцэне ў 1940-х гадах, калі яна жыла ў Парыжы, перш чым пасяліцца пастаянна ў Нью-Ёрку ў 1954 годзе.

З пачатку сваёй кар'еры Эрэра ўдасканаліла свой стыль малявання і лепкі выразных і бездакорных твораў мастацтва, выкарыстоўваючы абстрактны геаметрычны мінімалістычны стыль. У большасці сваіх работ Эрэра прыўнесла адчуванне цеплыні і цялеснасці, якія падкрэсліваюць аспекты мудрасці, жыццяздольнасці і жыцця пры праглядзе яе абстрактных формаў.

Хоць творы Эрэры былі звязаны з іншымі Неаканкрэтныя мастакі, якія з'явіліся пасля Першай сусветнай вайны, яе выкарыстанне плоскіх формаў і абмежаванай каляровай палітры шмат у чым падзяляюць з нью-ёркскім мінімальным мастацтвам.

Творчая ідэнтычнасць Эрэры ўпісалася ў агульную мастацкую сцэну толькі ў у1960-я гады пасля адкрыцця іншых мастакоў-мінімалістаў, такіх як Фрэнк Стэла. Першапачаткова натхнёныя оп-артам, многія творы Эрэры ўтрымліваюць некаторую форму аптычных ілюзій у дадатак да іншых абстракцый мінімалізму. Такім чынам, яна разглядаецца як сучасная мастачка значнага значэння.

Без назвы (1952)

Дата афарбоўкі 1952
Сярэдні Сінтэтычная палімерная фарба на палатно
Памеры 63,5 см x 152,4 см
Дзе гэта зараз Размешчаны Музей сучаснага мастацтва, Нью-Ёрк

Адна са знакамітых мінімалістычных карцін Эрэры - Без назвы , якую яна зроблена, калі яна была яшчэ адносна невядомай. У гэтай выразнай манахраматычнай працы чорныя і белыя лініі праходзяць уверх і ўніз па палатне і разрэзаны зубчастай лініяй, якая разбівае раму на два няроўныя трохвугольнікі. У Без назвы можна выразна заўважыць уплыў Op Art Эрэры, бо гэты голы відарыс са старанна вострымі бакамі стварае адчувальную вібрацыю, якую можна разглядаць як аптычную ілюзію.

Ён мае было адзначана, што ў гэтым творы і ў большасці іншых карцін Эрэры мала прыкмет таго, што яна насамрэч намалявала гэты твор.

Гэта быў ключавы аспект оп-арта ў той час, далейшае ўзгадненне гэтай карціны з гэтым рухам.

John Williams

Джон Уільямс - вопытны мастак, пісьменнік і выкладчык мастацтва. Ён атрымаў ступень бакалаўра прыгожых мастацтваў у Інстытуце Пратта ў Нью-Ёрку, а пазней атрымаў ступень магістра прыгожых мастацтваў у Ельскім універсітэце. Больш за дзесяць гадоў ён выкладае мастацтва вучням усіх узростаў у розных навучальных установах. Уільямс выстаўляў свае творы ў галерэях па ўсёй тэрыторыі ЗША і атрымаў некалькі ўзнагарод і грантаў за сваю творчую працу. У дадатак да сваіх мастацкіх пошукаў, Уільямс таксама піша на тэмы, звязаныя з мастацтвам, і выкладае семінары па гісторыі і тэорыі мастацтва. Ён захапляецца заахвочваннем іншых выяўляць сябе праз мастацтва і верыць, што ў кожнага ёсць здольнасць да творчасці.