Колькі часу людзі малявалі, мастакі фіксавалі прыгажосць кветак. Стылістычна мастакі на працягу стагоддзяў малявалі кветкі ў галандскім рэалізме, імпрэсіянізме, мадэрнізме і поп-арце, каб назваць некалькі. Мы сабралі некаторыя з самых вядомых карцін з кветкамі за ўсю гісторыю, каб даць вам зразумець цудоўны, духмяны свет кветак.

Чаму менавіта кветкі?

Першае пытанне, якое ўзнікне ў вашай галаве ў гэты момант, можа быць Чаму кветкі сталі такой папулярнай тэмай? Кветкі стагоддзямі натхнялі мастакоў сваёй далікатнасцю і яркай жыццёвай энергіяй. Кветкі могуць нагадваць нам аб прыгажосці і разнастайнасці жыцця, якое можа прапанаваць прырода. Карціны кветак, якія мы даследуем ніжэй, выклікаюць пазачасавае і магутнае пачуццё радасці, якое можна суаднесці з усімі людзьмі, незалежна ад кантэксту.

У залежнасці ад часу, вы можаце атрымаць рознае культурнае значэнне з карцін мастакоў, якія малявалі кветкі. Лічылася, што лотас у старажытнаегіпецкай кераміцы, ювелірных вырабах і карцінах на папірусе сімвалізуе сонца, у той час як мастакі сярэднявечча бачылі ў плюшчы сімвал шлюбнай прыхільнасці. Кветкавыя малюнкі атрымалі росквіт у пятнаццатым і шаснаццатым стагоддзях, калі з'явіліся спецыялізаваныя мастакі-батанікі. Кветкавыя карціны гэтага перыяду часта маюць глыбока сімвалічны адценне з вельмі дэкаратыўнымі выявамі.

Нашы 15 лепшых карцін з кветкамі

Нашымастакоў, Маціс аддае перавагу мастацтву спакою, ураўнаважанасці і чысціні. Мы бачым адгалоскі гэтага пачуцця ў гэтай яркай і прывабнай карціне.

На гэтай карціне, завершанай на пачатку яго кар'еры, мы бачым больш смелае, чым натуральнае, выкарыстанне колеру і падкрэсленыя мазкі пэндзля, тыповыя для фавізму. Ярка-зялёны фон дапаўняе белую вазу і яркія жоўтыя, аранжавыя і чырвоныя кветкі, якія яна трымае. Такі ж смелы і яркі стол пад вазай падкрэслівае колеры кветак.

Гарлачыкі – Клод Манэ (1908)

Мы не можам казаць пра самую вядомую кветку карціны ўсіх часоў без згадкі Клода Манэ . Пры згадванні Манэ ўспамінаюцца кветкі. Славуты гэтай прыгожай серыяй імпрэсіянісцкіх карцін, зробленых на пленэры ў яго садзе ў Жыверні, Манэ з'яўляецца майстрам адлюстравання сутнасці прыроды.

Свабодныя мазкі Манэ змешваюць асобныя аспекты карціны, ствараючы гарманічнае і, здавалася б, бясконцае адлюстраванне свету прыроды. У гэтай знакамітай працы Манэ кветкі, неба, расліны і вада зліваюцца ў летуценны і мяккі пейзаж. Манэ ўдаецца зафіксаваць, як гарлачыкі і вада вакол іх адлюстроўваюць і пераламляюць сонечнае святло. Некаторыя гісторыкі мастацтва лічаць, што гэты твор з'яўляецца істотным прадчуваннем руху абстрактнага экспрэсіянізму , які наступіць.

Водныя лілеі (1685) Клода Манэ; Клод Манэ, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Амарыліс – Піт Мондрыян (1910)

Як галандскі мастак, Піт Мондрыян паходзіць з шырокай лініі мастакоў-кветнікаў. Нягледзячы на ​​культурныя традыцыі галандскага рэалізму, Мондрыян датыкаецца да гэтай узрушаючай чырвонай карціны сваім сучасным стылем. Гэты нацюрморт з'яўляецца адной з ранніх карцін Мондрыяна, створаных раней за яго самыя вядомыя абстрактныя і геаметрычныя карціны.

Гэты шакавальны твор з чырвонай кветкі мае налёт фавізму. Мондрыян разбівае кампазіцыю на сегменты яркіх колераў. Эфект гэтага кампазіцыйнага прыёму заключаецца ў тым, што мы бачым кветку ў самым элементарным выглядзе. Адрываючыся ад імпрэсіянізму, Мондрыян выкарыстоўвае акварэль, каб выявіць баланс паміж колерам і жывапіснымі якасцямі.

Белая ваза з кветкамі – Адылон Рэдон (1916)

Хоць пастэльны малюнак Гэты яркі нацюрморт з букетам змешаных кветак, а не карціна, адлюстроўвае рух мастацтва ў будучыню. Цвёрды і прыкметны фон і паверхня ранніх галандскіх нацюрмортаў знікаюць у градыент яркіх цёплых колераў .

На фоне насычанага аранжавага і ружовага адцення белая крапінка ваза з букетам палявых кветак. Некаторыя кветкі Рэдона выкананы ў складаных дэталях, а іншыя больш абстрактныя. Кветкі загадваюцькампазіцыя, і мы маглі сядзець і глядзець на дыяпазон тэкстур і колераў цэлы дзень.

Чырвоны мак – Джорджыя О'Кіф (1927)

Вядомы Джорджыя О'Кіф за сваю кар'еру намалявала больш за 200 кветкавых кампазіцый. Са сваіх нацюрмортаў О’Кіф стварала ашаламляльныя падзеі. Нягледзячы на ​​тое, што яна выкарыстоўвала акварэль на пачатку сваёй кар'еры, пасля 1918 года О'Кіф пачала выкарыстоўваць алейныя фарбы амаль выключна. У гэты час яна таксама пачала ствараць маштабныя карціны з кветкамі як бы пад павелічэннем. Гэты яркі і пышны чырвоны мак з'яўляецца яркім прыкладам яе творчасці ў гэты час.

О'Кіф разглядала кветку як уласны складаны і далікатны свет, і яна малявала, каб падзяліцца гэтым светам з іншымі. Ярка-чырвоныя і аранжавыя пялёсткі запаўняюць кампазіцыю і выходзяць за яе межы. Маленькая і далікатная кветка ператвараецца ў вялікі і магутны вобраз. Калі мы разглядаем карціны О’Кіфа з кветкамі, такія як Чырвоны мак, нам прапануецца запаволіцца і не спяшацца назіраць за тым, што мы звычайна не заўважаем. Як заснавальнік мадэрнісцкага руху , О'Кіф з'яўляецца піянерам сучасных кветак.

Кветкі – Эндзі Уорхал (1970)

Кветкі былі звычайнай крыніцай натхнення для поп-выканаўцы Эндзі Уорхала . У 1964 годзе Уорхал пачаў серыю карцін з кветкамі, дзе ён адлюстраваў паніклую кветку гібіскуса ў яркіх колерах іцікавыя тэхнікі. Гэтая серыя карцін мае супярэчлівую гісторыю. Уорхал выкарыстаў здымкі фатографа ў якасці асновы для серыі кветак, і фатограф паспрабаваў падаць на яго ў суд. Нягледзячы на ​​спрэчкі, гэтая серыя работ з кветкамі працягвала набываць сваю вядомасць. Гэтая серыя з'яўляецца ашаламляльным прыкладам сучаснага жывапісу з кветкамі.

Раніцай гатовы да цвіцення – Яёі Кусама (1989)

Яёі Кусама канцэптуальны мастак які чэрпае натхненне ў сюррэалізме, абстрактным экспрэсіянізме, поп-арту і фемінізме. Яе творчасць прасякнута псіхалагічным і сэксуальна-аўтабіяграфічным зместам і адрозніваецца ўзорамі ў гарошак і сеткі. Будучы мастачкай, якая сапраўды выкарыстоўвае сваё мастацтва для апрацоўкі свайго ўнутранага свету, Шырокае выкарыстанне Кусамай гарошку вынікае з дзіцячых галюцынацый.

Гэтая літаграфія, несумненна, з'яўляецца працай Кусамы. Два адзіночных кветкі жоўтага і ружовага колеру вылучаюцца на фоне цёмна-чырвонага гарошку на чорнай паверхні. Стыль роспісу кветак Кусама нагадвае стыль дзіцяці мудрагелістым чынам. Яёі Кусама прызнана самым уплывовым японскім мастаком .

Кветкавыя карціны маюць доўгую і культурна яркую гісторыю. Ад галандскага рэалізму, праз імпрэсіянізм і да поп-арту, карціны з кветак заўсёды займалі месца ў чалавечым выражэнні. Магчыма, гэта спалучэнне прыгажосціі далікатнасць жыцця, якая робіць іх папулярнымі тэмамі для многіх мастакоў. Разнастайнасць мастацкіх стыляў такая ж велізарная, як калекцыя кветак на гэтай зямлі, таму, калі вам спадабалася вывучаць гэтыя прыгожыя карціны, мы рэкамендуем вам даследаваць далей.

Кветкавы нацюрморт – Амбросій Босхарт (1614)

Як адзін з першых мастакоў, якія спецыялізаваліся на кветкавых карцінах, Босхарт быў піянерам складаных і яркіх кветкавых кампазіцый. Гэты нацюрморт Бросарта з'яўляецца вынікам росту захаплення батанікай у Германіі і Нідэрландах 16-га стагоддзя. Сам Босхарт быў вядучым галандскім мастаком, які спецыялізаваўся на кветках і садавіне. Будучы кіраўніком сям'і мастакоў, Босхарт заклаў асновы для цэлага пакалення нідэрландскіх жывапісцаў кветак і садавіны.

Большасць кветкавых кампазіцый Босхарта напісаны на медных паверхнях і, як у гэтым прыкладзе, сіметрычныя з дэталямі, якія гэта настолькі дакладна, што амаль навукова. На гэтай карціне намаляваны жоўты цюльпан, ружовая гваздзіка і белая ружа на пярэднім плане кошыка, поўнага яркіх кветак. Кветкі ў кошыку не ўсе паходзяць з аднаго сезону. Ландышы, гіяцынты, ружы, незабудкі, цюльпаны, фіялкі і цыкламены стаяць разам у дбайных дэталях.

Дзіўная дэталь, якую Bosschaertдасягае дазваляе нам адчуць укол шыпоў руж і шаўкавістыя гладкія пялёсткі. Вы можаце знайсці вытанчаных насякомых, якія поўзаюць па кветках, садзяцца на лісце і садзяцца на букет. Дэталі, і гэта нельга не падкрэсліць, ашаламляльныя. Bosschaert дасканала адлюстроўвае малюсенькія вусікі матылька і празрыстасць крылаў страказы.

Многія аматары мастацтва і гісторыкі разумеюць гэтую карціну як адлюстраванне далікатнасці і кароткасці жыцця. Сарваныя кветкі захапляюць прыгажосцю жыцця на зямлі, але неверагодна нядоўга. Далікатныя казуркі адлюстроўваюць заблытанасць і далікатнасць жыцця прыгожым, але меланхалічным спосабам. Амброзіус Босхарт, безумоўна, адзін з самых вядомых мастакоў-кветнікаў.

Кветкавы нацюрморт (1614) Амброзіуса Босхарта; Амброзіус Босхарт, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Снягір і плакучыя сакуры – Кацусіка Хокусай (1834)

Кацусіка Хокусай прызнаны адным з найвялікшых мастакоў Японіі, і яго стылістычны ўплыў распаўсюдзіўся з Японіі па ўсім заходнім свеце. Хакусай - самы вядомы практык са школы японскага мастацтва Укіё-э. Многія з работ Хакусая паказваюць птушак і кветак, як гэтая. Хакусай быў майстрам дакладных, але плыўных ліній, навык, які відавочны ў гэтай каляровай гравюры на дрэве. Снягір і плакучая вішня Дрэваграфічны малюнак з'яўляецца часткай серыі Хакусая Маленькія кветкі.

На гравюры намалявана маленькая птушка-снягір, якая звісае ўніз галавой з галіны плакучай вішні. Плакучая вішня з'яўляецца мясцовым японскім дрэвам, а снегір з'яўляецца сімвалам абароны ад няшчасцяў у японскай культуры. Навагодняя цырымонія ў святынях Тэндзін па ўсёй Японіі паказвае снегіра, як людзі спадзяюцца засцерагчыся ад нягод на будучы год. Па ружовай метцы на грудзях снегіра відаць, што гэта самец. Размяшчэнне вішнёвых кветак Хакусая мае прыгожы натуральны рытм, вылучаны ўкрапінамі чырвонага.

Справа ад маляўнічага і далікатнага прынту ёсць кароткі верш Райбана, які абвяшчае:

Адна адзіная птушка, мокрая ад расы,

Выйшла;

Ранішняя вішня

Твор, прасякнуты культурным значэннем і нязмушанай прыроднай прыгажосці, гэтая гравюра Хокусая з'яўляецца ідэальным адлюстраваннем японскага мастацтва і прыгажосці кветкавых карцін.

Бэз у акне – Мэры Касат (1880-1883)

Мэры Касат - сусветна вядомая мастачка, якую лічаць адной з першапачатковых амерыканскіх імпрэсіяністаў. Нягледзячы на ​​тое, што большасць яе карцін паказвае чалавечую постаць, Касат таксама любіла маляваць сады і букеты. Пачынаючы з 1860-х гадоў кветкавыя нацюрморты становяцца ўсё больш папулярнымі сярод мастакоў-імпрэсіяністаў. Падчас стУ 1880-х гадах, калі Касат стварыў гэтую яркую карціну, карціны імпрэсіяністаў з кветкамі сапраўды сталі яркімі.

Хоць нацюрморты , падобныя на гэты, рэдка сустракаюцца ў творчасці Касат, на многіх яе карцінах прадстаўлены кветкі і ландшафтныя элементы. Нягледзячы на ​​тое, што яна не была вядомая як адна з вядомых майстроў кветак свайго часу, гэтая карціна з'яўляецца сведчаннем майстэрства Касат.

На гэтай яркай карціне намалявана ваза з бэзам, якая стаіць на адчыненым падаконніку. Праца з'яўляецца яркім прыкладам вышыні імпрэсіянісцкіх кветак. Ваза цёмна-баклажанавага колеру, які прыгожа кантрастуе з белым і фіялетавым бэзам ўнутры. Са сваімі характэрнымі плыўнымі мазкамі Касатт удаецца прадставіць гэтую кампазіцыю як мімалётны момант часу.

Вуглавыя аконныя фермы дадаюць кантраст кветкавай кампазіцыі, якая здаецца ў руху жыцця. Аконная рама дапаўняе плыўныя выгібы вазы. Карціна нязмушаная, быццам вы знайшлі яе, блукаючы па доме сябра.

Бэз у акне (каля 1880) Мэры Касат; Мэры Касат, CC BY 2.0, праз Wikimedia Commons

Нацюрморт Ваза з дванаццаццю сланечнікамі – Вінцэнт Ван Гог (1888)

Таленавіты і неспакойны мастак-імпрэсіяніст відавочна быў аматарам сланечнікаў. Гэты нацюрморт са сланечнікамі з'яўляецца часткай яго серыі Арль, адной з дзвюх серый прасланечнікі. Нягледзячы на ​​тое, што згодна з назвай, ваза змяшчае дванаццаць сланечнікаў, Ван Гог перарабіў гэтую карціну на больш познім этапе, і на самой справе яна паказвае 15 кветак.

«Нацюрморт Ваза з дванаццаццю сланечнікамі» - адно з самых вядомых выяў кветак і яго самых вядомых карцін.

Многія лічаць гэты сланечнікавы нацюрморт адной з самых вядомых карцін , створаных у гэты жанр. Гэтая карціна таксама з'яўляецца адным з самых вядомых прыкладаў жывапісу кветак імпрэсіяністаў. Жоўтыя тоны сланечніка прасочваюцца ва ўсіх аспектах гэтай цудоўнай карціны.

Светла-блакітны фон вылучае кветкі наперад і эфектыўна засяроджвае вашу ўвагу на сланечніках пад рознымі вугламі ў цэнтры палатна. На гэтай карціне сланечнікі Ван Гога знаходзяцца на розных стадыях жыцця і смерці. Рэха марнасці, крохкасці і кароткасці жыцця пранізвае гэтую карціну.

Нацюрморт: Ваза з дванаццаццю сланечнікамі (1888) Вінцэнта Ван Гога; Вінцэнт Ван Гог, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Ружы і лілеі – Анры Фантэн-Латур (1888)

У адрозненне ад імпрэсіяністаў кветкавыя карціны вакол Анры Фантэн-Латура як у гэтым спісе, так і пры жыцці Фантэн-Латур прытрымліваўся больш традыцыйнага падыходу. Кветкавыя карціны Фантэна-Латура вяртаюць нас да залатога веку рэалізму.

На светла-карычневым фоне сядзіцьвысокая шкляная ваза з доўгімі белымі лілеямі справа і карацейшая ваза з ружовымі і белымі ружамі злева. Вазы адноснага памеру і формы, здаецца, адлюстроўваюць формы кветак, якія ў іх змяшчаюцца. Высокая, прамая і тонкая шкляная ваза змяшчае лілеі з выцягнутымі сцебламі і доўгімі далікатнымі белымі пялёсткамі. Наадварот, круглыя ​​і сакавітыя ружы знаходзяцца ў маленькай выгнутай вазе, якая ледзь бачная пад кветкамі.

Кампазіцыя прыгожа збалансавана, нягледзячы на ​​розніцу ў вышыні паміж дзвюма кветкавымі кампазіцыямі. Сцеблы лілей натуральным чынам працягваюцца злева над ружамі, звязваючы кавалак разам. Фантэн-Латур фіксуе кветкі і ваду ў вазе з вытанчанымі рэалістычнымі дэталямі. Румяна-ружовыя тоны кантрастуюць з цёмна-карычневым сталом унізе і белым колерам лілей. Гэта ўзрушаючае выкарыстанне колеру стварае неверагодна рамантычную карціну.

Ружы і лілеі (1888) Анры Фантэн-Латура; Анры Фантын-Латур, CC BY 2.0, праз Wikimedia Commons

Ірысы – Вінцэнт Ван Гог (1890)

Факт, што карціны з кветкамі Ван Гог, які двойчы фігуруе ў гэтым спісе, з'яўляецца сведчаннем яго неверагоднага таленту фіксаваць крохкую прыгажосць жыцця. Ёсць дзве версіі гэтай кампазіцыі: адна на мяккім і гарманічным ружовым фоне і гэтая значна больш выразная версія. Вінцэнт Ван Гог стварыў гэтую карцінупадчас яго знаходжання ў псіхіятрычнай бальніцы Сен-Рэмі.

Яркія і, здавалася б, шалёныя мазкі на яркім цытронавым фоне надаюць гэтай карціне адчуванне актуальнасці і руху. На гэтым ашалелым фоне стаіць ваза з ярка-фіялетавымі касачамі, некаторыя стаячыя і поўныя жыцця, а іншыя звісаюць на жоўты стол унізе. Кантраст яркіх дадатковых колераў робіць кожны яшчэ больш смелым і поўным жыцця.

Вінцэнт Ван Гог завяршыў гэтую карціну ў псіхіятрычнай бальніцы за год да сваёй смерці. Кажуць, што ён назваў яго «громаадводам маёй хваробы». Цалкам верагодна, што яркае адлюстраванне рухомага жыцця ў гэтай карціне адчувалася для яго як надзея на выздараўленне і працяг жыцця. Сувязь паміж творчасцю і вар'яцтвам прыгожа меланхалічная. Сёння мы ўшаноўваем боль, якая ляжыць у пранікнёных адлюстраваннях усёй прыгажосці жыцця Ван Гогам.

Ірысы (1890) Вінцэнта Ван Гога; Вінцэнт Ван Гог, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Букет руж – П'ер-Агюст Рэнуар (1890-1900)

Яркія і пышныя ружы, адлюстраваныя на гэтай карціне імпрэсіяніста П'ера-Агюста Рэнуара, амаль саскокваюць з палатна. Хаця Рэнуар пачаў маляваць кветкі толькі пазней у жыцці, ружы былі яго любімымі сюжэтамі.

Гэта карціна алеем з букетам руж неверагодна пачуццёвая. Рэнуара гладкі і яркімазкі пэндзля адлюстроўваюць ружы так, быццам яны знаходзяцца ў руху жыцця. Прыгожа афарбаваныя чырвоныя і ружовыя ружы ствараюцца на розных этапах жыцця. З букета распускаюцца поўныя і пышныя пялёсткі, а на стале ўнізе ляжыць адзіная завялая ружа. Ружы валодаюць энергіяй, якая, здаецца, выпраменьваецца ад палатна, надаючы ім тактыльную якасць.

Кветнік – Густаў Клімт (1905)

Кветкі яркіх колераў - звычайная з'ява асаблівасць у карцінах Густава Клімпта, і гэтая карціна з'яўляецца выдатным прыкладам яго творчасці падчас яго залатога перыяду. Гэтая карціна з'яўляецца часткай серыі карцін, натхнёных палямі кветак, якія ён убачыў у Ліцлебергу.

Мастацтвазнаўцы часта лічаць гэтую карціну адным з лепшых пейзажаў Клімпта. На карціне намалявана мноства кветак, якія нібы працягваюцца з палатна. Ярка афарбаваныя кветкі запаўняюць гэтую рамку прыгожым святам свету прыроды. Адсутнасць рэалізму дадае вясковага шарму прыроды без умяшання чалавека. Натуральная прыгажосць, заключаная ў гэтай карціне, пераклікаецца з сімвалізмам гармоніі і рэгулярнасці прыроды.

Кветкі – Анры Маціс (1907)

Яркія колеры, абстракцыя і адносная двухмернасць гэтай карціны тыповая для стылю Анры Маціса. Вядомы як выбітны дзеяч фавізму і адзін з самых уплывовых сучасных