Мастацтва пастаянна вакол нас, але не ўсе з іх становяцца вядомымі творамі мастацтва. Але што адрознівае знакамітыя мастацкія карціны ад астатніх? Усе самыя знакамітыя карціны ў свеце прызнаныя за нейкую асаблівую якасць, якую нельга выказаць словамі - гэтыя старыя знакамітыя карціны трэба ўбачыць, каб іх ацаніць. Сёння мы адкрыем для сябе самыя папулярныя карціны ў гісторыі мастацтва.

Самыя вядомыя карціны ў свеце

Якія вашы любімыя вядомыя карціны? Ці ўваходзяць яны ў наш спіс самых вядомых карцін у свеце? Магчыма, вы адкрыеце для сябе некалькі вядомых твораў мастацтва, пра якія раней не чулі. Давайце паглыбімся ў наш спіс самых папулярных карцін у свеце.

Прымавера (1482) Сандра Батычэлі

На малюнку намаляваны натоўп, які сабраўся ў апельсінавай гаі. Адна з першых рэчаў, якія варта адзначыць, гэта тое, як мала выкарыстоўваецца кропка гледжання; у той час як кусты злева і справа забяспечваюць некаторую перспектыву навакольнага асяроддзя, мы сапраўды не бачым аднакропкавага лінейнага пункту гледжання, які некаторыя мастакі ранняга Адраджэння так паспяхова выкарыстоўвалі ў 15 стагоддзі.

Акрамя таго, звярніце ўвагу на канечнасці большасціМіле; Джон Эверэт Мілле, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Торба Афеліі слізгае ў вадкасці, яе сярэдзіна паступова апускаецца. Глядач добра адчувае цяжар тканіны, калі яна слізгае, але і дапамагае цягнуць яе ўніз, бо яна апранута ў старую сукенку, якую мастак набыў толькі для карціны. Яе рукі ў становішчы капітуляцыі, быццам яна прымае свой лёс. Яе акружае мноства летніх палявых кветак і іншых раслін, некаторыя з якіх выразна ўказаны ў тэксце Шэкспіра, а іншыя дададзены ў сімвалічных мэтах.

Напрыклад, паласа фіялак на шыі Афеліі , з'яўляецца знакам вернасці, але можа таксама сімвалізаваць некранутасць і смерць.

Маці Уістлера (1871) Джэймса Макніла Уістлера

Лічыцца адной з самых вядомых мастацкіх карцін. Кажуць, што мадэль Уістлера не змагла выканаць гэтую задачу , і менавіта ў гэты перыяд Джэймс вырашыў намаляваць смерцю сваю маці. Перад вытворчасцю гэтага знакавага твора мастацтва было праведзена шмат выпрабаванняў. Джэймс Уістлер папрасіў сваю маці стаць мадэллю для яго, стоячы, але яна таксама знайшла гэтацяжка.

Уістлеру ўдалося прадэманстраваць свой падыход да танальнага размяшчэння і гармоніі ў гэтай карціне.

Кампазіцыя ў шэрым і чорным № 1 (1871), шырока вядомая як Маці Уістлера Джэймса Макніла Уістлера; Джэймса Макніла Уістлера, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

На першы погляд, творы мастацтва выглядаюць проста. Аднак пры больш пільным разглядзе выява адлюстроўвае гармонію паміж рознымі формамі выявы. Уістлеру ўдалося дасягнуць балансу ў дызайне гэтага твора. У той час розныя аглядальнікі мастацтва па-рознаму ставіліся да гэтай карціны. Лічылася, што колеры і пазіцыя маці Уістлера адлюстроўваюць «глыбокія пачуцці страты». Гэтую крытыку можна аднесці да выбару мастаком змрочных адценняў пры стварэнні карціны.

Клініка Гроса (1875) Томаса Ікінса

Моцная прывязанасць Томаса Ікінса да месца яго нараджэння стала пастаяннай тэмай на працягу ўсёй яго кар'еры. Карціна "Клініка Гроса", створаная ў 1875 годзе, на якой намаляваны мясцовы лекар Сэмюэл Дэвід Грос, з'яўляецца, бадай, самай вядомай і грандыёзнай працай для горада Філадэльфія. Асаблівасці сцэнарыяГрос кантралюе хірургічную працэдуру і выкладае групу студэнтаў-медыкаў, спасылаючыся на гістарычны папярэднік Рэмбранта Урок анатоміі доктара Тульпа (1632) .

Клініка Гроса (1875) Томаса Ікінса; Томаса Ікінса, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Клініка Гроса , як і версія Рэмбранта, адлюстроўвае медыцынскія гігіенічныя працэсы таго часу, але галоўны акцэнт карціны зроблены на жывых людзях. Ікінс, які заўсёды быў партрэтыстам, планаваў гэты твор як візуальны запіс усіх у медыцынскім амфітэатры.

Аднак галоўным цэнтрам карціны з'яўляецца доктар Грос, бо святло і кампазіцыя працуюць разам, каб прыцягнуць увагу гледача да знакамітага прафесара.

Bal du Moulin de la Galette (1876) П'ера-Агюста Рэнуара

У перакладзе азначае «Танец у Ле Мулен дэ ля Галет», гэты знакаміты твор з'яўляецца шэдэўрам сучаснага мастацтва, які з'яўляецца адным з самых вядомых твораў імпрэсіяністаў і надзвычайны прыклад здольнасці Рэнуара фіксаваць плямістае святло. Яго сучаснасць вынікае як з выбранага матэрыялу - тыповай нядзельнай пасляабедзеннай карціны парыжан рабочага класа на вольным часе ўMoulin de la Galette – і яго вольны малюнак у імпрэсіянісцкім стылі.

Позірк гледача блукае па напоўненай рухам паверхні, усведамляючы смелыя каляровыя мазкі, але не здольны засяродзіцца на адной форме у прыватнасці.

Танец у Мулен дэ ля Галет (1876) П'ера-Агюста Рэнуара; П'ера-Агюста Рэнуара, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Мільёны асобных назіранняў набітыя на паверхню, якая такая ж дынамічная, як «кропельная» карціна Джэксана Полака пачатку 1950-х. Рэнуар вырашыў намаляваць гэты энергічны і вясёлы сход, таму што яго заінтрыгаваў яго разнастайны характар. Маючы гэта на ўвазе, ён даследаваў і забяспечыў жыллё паблізу на вуліцы Корто, 78, у 1876 г. У ім былі дзве гасціныя і стайня, якія можна было выкарыстоўваць як майстэрню.

Партрэт мадам X (1884) Джон Сінгер Сарджэнт

Віржыні Гатро была жонка заможнага бізнесмена. Яе лічылі "прафесійнай прыгажуняй", ангельскае слова для людзей, якія прасунуліся ў сацыяльным плане, выкарыстоўваючы свае навыкі міжасобасных зносін і прывабнасць. Карціна была прапановай Сарджента адлюстраваць юную свецкую львіцуа не заказ.

Партрэт мадам X (1884) Джон Сінгер Сарджэнт; Метрапалітэн-музей, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

«У мяне ёсць вялікае жаданне намаляваць яе карціну і ёсць падставы меркаваць, што яна дазволіла б гэта зрабіць і прагне, каб нехта прапанаваў гэта павага да яе прыгажосці - вы можаце сказаць ёй, што я чалавек незвычайнага майстэрства», - сказаў Сарджэнт у лісце да агульнага знаёмага. У рэшце рэшт мадам Гатро пагадзілася пазіраваць для партрэта Сарджэнта, які падрыхтаваў мноства падрыхтоўчых эскізаў для асноўнай карціны.

Гэтыя кампазіцыі акварэллю, алоўкам і алеем былі выкананы ў розных позах.

Нядзельны поўдзень на востраве Ла-Гранд-Жат (1884-1886) Жоржа Сёра

Сёра змог злавіць захапляльную карціну арыстакратычнага парыжскага жыцця ў дзевятнаццатым стагоддзі, нягледзячы на ​​яго аддаленае становішча. Вобраз выклікаў мноства інтэрпрэтацый і быў пакараны за занадта тэхнічны характар. Аднак пасля свайго дэбюту ён быў прызнаны выдатным творам дакладных прапорцый.

Тэхніка жывапісу Сёра значна адрознівалася ад тэхнікі яго школы, і, пакінуўшы яе, ёнвырашыў адправіцца на востраў Ла-Гран-Жат.

Нядзельны поўдзень на востраве Ла-Гран-Жат (1884-1886) Жоржа Сёра; Жорж Сёра, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Менавіта тут ён адкрыў для сябе ідэю свайго знакавага твора, які назаўжды запячатаў яго спадчыну як мастака. Паведамляецца, што дызайн і ліццё Грандэ Джат былі такімі ж складанымі, як і сама праца, і Сёра прагледзеў мноства намаляваных ідэй, перш чым прыйсці да канчатковага плана завершанага твора. У акцёрскі склад увайшлі тры сабакі, восем лодак і 48 чалавек, якія сабраліся ў парку ясным нядзельным днём.

Начная тэраса кавярні (1888) Вінцэнта Ван Гога

Гэта яркая карціна з адкрытым выглядам з'яўляецца цудоўным творам мастацтва, які адлюстроўвае пункт гледжання бесклапотны назіральнік, які атрымлівае асалоду ад задавальненняў навакольнага асяроддзя без маральных клопатаў. Гэта пераклікаецца з думкай Ван Гога, што, як ён казаў, «ноч больш яркая і ярка афарбаваная, чым дзень». Колер больш яркі, і ўвага прыцягваецца да стромкіх краёў суседніх секцый, якія ўтвараюць няправільныя ўзоры, якія спалучаюцца, як галаваломкагалаваломка.

Вочы кідаюцца ў вочы доўгатэрміновым падзелам гэтага рэгіёна на вялікі прадмет і тэму фону; далёкія і блізкія раёны адрозніваюцца.

Начная тэраса кафэ (1888) Вінцэнта Ван Гога; Вінцэнт Ван Гог, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Залацісты колер кавярні кантрастуе з больш цёмна-блакітным колерам далёкай вуліцы і фіялетавым колерам уваходных дзвярэй, у той час як востры вугал тэнта бліжэйшы да нас пэндзаль далёкага блакіту неба ў кампазіцыйнай супярэчнасці, якая служыць для аб'яднання твора. Лініі, якія скарочаны ў ракурсе і прасунуты ў глыбіню, такія як уваходная перамычка, цалкам паралельныя лініям, якія ідуць у плоскасцях, падобных да першай, напрыклад, схіл жоўтага навеса і дом над дахам.

Зорная ноч (1889) Вінцэнт Ван Гог

Начное неба, закручанае яркімі сінімі спіралямі, асляпляльны залаты паўмесяц і сузор'і, намаляваныя ў выглядзе прамяністых сфер, дамінуюць на карціне, напісанай алеем на палатне. Адзін ці два кіпарысы, падобныя на полымя, узвышаюцца над сцэнай збоку, іх чорныя веткі выгінаюцца і хвалістыя ў адпаведнасці з рухам часткова закрытага неба. Структураваныпаселішча ляжыць удалечыні ў правым ніжнім куце палатна, сярод усёй гэтай актыўнасці.

Сціплыя дамы і тонкі шпіль царквы, які стаіць маяком на фоне хвалістых блакітных пагоркаў, зроблены з прамых, кантраляваных ліній.

Зорная ноч (1889) Вінцэнта Ван Гога; Вінцэнт Ван Гог, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Светлівыя яркія квадраты жылля выклікаюць прывабныя агні дамоў seRené, забяспечваючы спакойны куток сярод мітусні твораў мастацтва. Ван Гог маляваў, знаходзячыся ва ўстанове на працягу некалькіх месяцаў пасля катастрофы, падчас якой ён ампутаваў частку мочкі свайго вуха брытвай. Знаходзячыся ва ўстанове, ён маляваў усплёскамі вытворчасці, якія чаргаваліся з дэпрэсіўнымі настроямі.

Аўтапартрэт без барады (1889) Вінцэнта Ван Гога

Нягледзячы на ​​свой цяжкі фінансавы стан, Ван Гог заўсёды падтрымліваў творчасць сваіх сяброў, асабліва Бернара і Гагена. Яго брат Тэа летам 1888 года атрымаў невялікую суму грошай, частка якой пайшла на пастаянны догляд Ван Гога. Тэа рэкамендаваў Гагену застацца з Ван Гогам, каб выратаваць іх дваіхвыдаткі мастакоў на сумеснае жыллё.

Аўтапартрэт без барады (1889) Вінцэнта Ван Гога; Вінцэнт Ван Гог, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Хоць Ван Гог быў вельмі рады, што Гаген нанёс яму візіт, ён таксама быў занепакоены дадатковай адказнасцю, якая будзе ўскладзена на плечы Тэа , дэманструючы складанасць і палярнасць адносін Ван Гога з братам. Ван Гог стварыў гэты Аўтапартрэт без барады пасля таго, як яго сяброўства з Гагенам выбухнула, і журботны рэзананс адчувальны.

Гэта жахлівы вобраз, адзін з некалькіх партрэтаў жывапісца, чыё жыццё руйнавалася, калі ён усё больш пакутаваў ад душэўных клопатаў.

Крык (1893) Эдварда Мунка

Крык , параўнальна толькі з Мона Ліза , магчыма, проста самая вядомая выява чалавека ў гісторыі заходняга мастацтва. Яго неадназначная галава ў форме чэрапа, выцягнутыя рукі, вялізныя вочы, пашыраныя ноздры і авальны рот укараніліся ў нашай агульнай культурнай свядомасці; вірлівае блакітнае асяроддзе, асабліва яркае аранжавае і жоўтае неба, спарадзіла мностваінтэрпрэтацыі прадстаўленага сцэнарыя.

Крык (1893) Эдварда Мунка; Эдвард Мунк, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Крык , як і Мона Ліза , быў аб'ектам уражлівых рабаванняў і вяртанняў , а ў 2012 г. факсіміле пастэлі на кардоне было прададзена прыватнаму пакупніку прыкладна за 120 000 000 долараў, што стала другой па велічыні цаной, заплачанай за творы мастацтва ў продажы ў той час.

Шмат малюнкаў дэманструюць арыгінальнасць і энтузіязм мастака ў вывучэнні магчымасцей, даступных праз розныя медыя, у той час як тэматыка адпавядае тагачасным інтарэсам Мунка ў тэмах адносін, існавання, смерці і страху.

У Мулен Руж (каля 1895) Анры дэ Тулуз-Латрэк

Анры дэ Тулуз-Латрэк быў звязаны з Мулен Руж з самага пачатку яго заснавання ў 1889 годзе, калі ўладальнік знакамітага начнога клуба набыў Equestrienne мастака для ўваходу. Тулуз-Латрэк быў заселены.

У Мулен Руж да яго далучыўся яго стрыечны брат, доктар Габрыэль Тапі дэ Селейран, які трымаў фатаграфіі знакамітага начнога клубафігуры доўгія і тонкія, што надае ім вытанчаны выгляд.

La Primavera (Вясна) (каля 1480) Сандра Батычэлі; Сандра Батычэлі, Грамадскі здабытак, праз Wikimedia Commons

Батычэлі ствараў творы ў той час, калі на іх быў попыт пры двары Фларэнцыі. Хоць сапраўдная важнасць карціны незразумелая, мы ведаем асобы многіх людзей, намаляваных на ёй. На пярэднім плане намалявана рымская багіня Венера. Яе знешні выгляд адлюстроўвае папулярнае гуманістычнае захапленне класічным светам у Фларэнцыі таго часу. Яна намалявана як ідылічная прыгажуня, значна не па цэнтры, з ускінутай галавой і жэстам направа. Над ёй знаходзіцца купідон з завязанымі вачыма (яе сын), а за ім галіны дрэў ствараюць арку, якая атачае Венеру і займае бачнае месца на вобразе.

Мона Ліза (ок. 1503) Леанарда да Вінчы

Гэты партрэт жанчыны , апранутай у у фларэнтыйскай манеры і сядзіць у мройнай, горнай сцэне, з'яўляецца выдатным прыкладам стылю сфумата Леанарда мяккага, моцна зацененага мадэлявання. Загадкавы позірк Моны Лізы, які адначасова здаецца прывабным і далёкім, маезаўсёднікі, у тым ліку ён сам (маленькая фігурка на сярэднім фоне).

У Мулен Руж (каля 1895) Анры дэ Тулуз-Лотрэк; Анры дэ Тулуз-Латрэк, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Танцорка Ла Гулю ўкладвае прычоску за кабінкай, дзе мае зносіны іншая вядомая выканаўца, Джэйн Аўрыл. Мэй Мілтан, спявачка, выглядае з правага краю карціны, яе твар ярка асветлены і кіслотна-зялёны. Мастак або яго гандляр у нейкі час абрэзаў палатно, каб выключыць Мілтан, магчыма, таму, што яе незвычайны выгляд ускладніў продаж карціны.

Палымяны чэрвень (каля 1895 г.) сэра Фрэдэрыка Лейтан

Палымяны чэрвень з'яўляецца выдатнай ілюстрацыяй таленту Лейтана, пра што сведчыць рэалістычнасць шматлікіх кампанентаў у гэтым малюнак. Можна амаль выцягнуць руку і дакрануцца да драпіроўкі. Акрамя таго, ёсць мармуровыя тэкстуры і бліскучыя колеры, якія прыцягваюць вашу ўвагу.

Гэты здымак нядаўна быў пазычаны музею Leighton House у Лондане, які звязаў яго са сваёй гісторыяй. Ён здзейсніў шмат паездак па Злучаным Каралеўстве, перш чым прыбыў у Пуэрта-Рыка.

Палымяны чэрвень (ок.1895) сэрам Фрэдэрыкам Лейтанам; Фрэдэрык Лейтан, 1-ы барон Лейтан, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Арыгінальны твор мастацтва быў набыты па зніжанай цане Музеем мастацтваў Понсэ з-за адноснай адсутнасці цікавасці да віктарыянскай эпохі тагачасных жывапісцаў. Калі б яны выставілі яго на паўторны аўкцыён, ён, напэўна, атрымаў бы значна больш высокую цану на сучасным рынку. Падтрымка гэтай мастацкай установы аказалася натхняльнай, бо ў апошнія гады кар'ера Лейтана перажыла рэнесанс.

Дзве таітянскія жанчыны (1899) Поля Гагена

Нягледзячы на ​​тое, што Таіці намаляваны як бездакорны рай, карціна кідае выклік назіральніку з дзвюма жанчынамі топлес у падобным і традыцыйным стылі, што параўноўвае жаночае лона з пладамі або кветкамі. Карціна Поля Гагена была адной з яго апошніх работ на Таіці.

У гэтай карціне ён падкрэсліў спакойныя і прыгожыя якасці карэнных жанчын Таіці.

Дзве таіцянскія жанчыны (1899) Поля Гагена; Поль Гаген, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Поль Гаген выкарыстаў скульптурныя жэсты, выявы, формы і выразы, каб перадаць эмоцыі, якія ў яго быліякі выкарыстоўваецца для характарыстыкі знакамітай «таіцянскай Евы» ў гэтым творы, ён адлюстраваў, што таіцянскія дамы былі вельмі тонкімі і вельмі разумелі сваю недасведчанасць і ў той жа час маглі шпацыраваць голымі, не адчуваючы ніякай віны.

Пацалунак (1908) Густаў Клімт

Пацалунак паказвае пяшчотную пару на каленях на кветкавым лузе. Мужчына, апрануты ў мантыю з геаметрычным узорам і ў кароне з вінаграднай лазы на галаве, хапаецца за твар дамы, калі ён падыходзіць, каб пацалаваць яе. Жаночая фігура мае кветкі ў валасах і апранае маляўнічы ўбор з натуральным узорам, які кантрастуе з уборам яе партнёра.

Яе вочы задаволена заплюшчаны, калі яна абняла яго за плечы, узмацняючы спакой і блізкасць сцэны.

Пацалунак (1908) Густава Клімта; Густаў Клімт, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Густаў Клімт быў удзельнікам сецэсіянізму і папярэднікам сімвалізму, еўрапейскага мастацкага руху, вызначанага містычнымі элементамі, персаналізаваным стаўленнем да творчае мастацтва і стыль, звязаны з сучаснымі рухамі мадэрн. Пацалунак ,які быў створаны падчас яго асляпляльнага “Залатога перыяду”, ілюструе яго непаўторны стыль.

Цыклоп (каля 1914) Адылон Рэдон

Галатэя бачна спячай унізе справа, яе аголеная постаць тае ў кветкавым схіле пагорка. Плечы Паліфема ўзвышаюцца над горным ланцугом у верхняй частцы выявы, калі ён паварочвае адно вока ў бок наяды.

Паліфем нібы хаваўся ад спрайта ззаду скалісты пейзаж, занадта баючыся звяртацца непасрэдна да сваёй «бездапаможнай» постаці.

Цыклоп (каля 1914) Адылон Рэдон; Адылон Рэдон, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Хоць назва твора адносіцца да персанажа з класічнага міфа, карціна таксама можа спасылацца на аднавокіх волатаў, якія жывуць у легендзе Аквітаніі раён, дзе Рэдон вырас. Цыклопы, намаляваныя Рэданам, дэманструюць дзіўнае падабенства з рэальнымі прыкладамі цыклопіі, якая лічыцца верагодным генезісам гісторыі цыклопа з-за падабенства, выяўленага ў пацыентаў, асабліва ў людзей, з гэтай хваробай.

Тры музыкі (1921) Пабла Пікаса

Тры музыкі здаецца калажам, сфармаваным з выразаных шматкоў рознакаляровай паперы , нягледзячы на ​​тое, што гэта карціна алеем. Формы зведзены да вуглаватых узораў, якія злучаюцца як пазлы, а плоскія колеры ствараюць дызайн паверхні са шматлікімі прасторавымі нявызначанасцямі.

Задняя сцяна цёмна-карычневая, як і стол на пярэднім плане, часткі рысы персанажаў і фігура сабакі, якая ляжыць пад сталом.

Маска Арлекіна з'яўляецца часткай шырокай, складанай сіняй формы, якая пакрывае большую частку П'еро. Той жа сіні колер сустракаецца ў ніжняй траціне карціны, патэнцыйна як мэбля, і на стальніцы як кампанент нацюрморта. У той час як некаторыя рэчы, такія як гітара ў цэнтры і ноты і кларнет злева, выразна ідэнтыфікуюцца, іншыя, напрыклад, куча тавараў на стале, менш.

Амерыканская готыка (1930) Грант Вуд

Выява адлюстроўваепара сярэдняга ўзросту, якую звычайна разумеюць як фермер і яго жонка ці дачка, пазіруюць перад сваёй рэзідэнцыяй, драўлянай фермай, пабудаванай у архітэктурным стылі цеслярскай готыкі, папулярным у 1890-я гады. Паколькі людзі знаходзяцца так блізка да назіральніка, мала бачна фону.

Мастак пабудаваў сядзібу на базе дома Dibble House, які ён бачыў у Элдане, штат Аёва, і абсталяваў яго сястру Нэн і яго стаматолаг, доктар Байран МакКібі, як фігуры для пары.

Амерыканская готыка (1930) Гранта Вуда; Грант Вуд, Грамадскі набытак , праз Wikimedia Commons

З-за падабенства з традыцыйным вобразам сельскіх жыхароў Сярэдняга Захаду ў камплекце з віламі і камбінезонам многія мастацтвазнаўцы ўспрынялі карціну як з'едлівую пародыю на культуру мястэчка. Калі дублікат фатаграфіі з'явіўся ў газеце Cedar Rapids Gazette, гэта выклікала абурэнне. Апісанне Вудам іх як змрочных пурытан раз'юшыла чытачоў.

Устойлівасць памяці (1931) Сальвадора Далі

Устойлівасць памяці мае аўтапартрэт з навешаным на яго мяккім гадзіннікам. Гэтыя мяккія гадзіннікі адлюстроўваюць тое, што Далі называў«камамбер часу», маючы на ​​ўвазе, што ідэя часу страціла значэнне ў падсвядомым свеце. Мурашы, якія кішаць над кішэнным гадзіннікам, азначаюць прыманку, што бессэнсоўна, улічваючы, што гадзіннік металічны.

Гэтыя «паранаідальна-крытычныя» візуальныя малюнкі ўяўляюць інтэрпрэтацыю Далі і засваенне фрэйдысцкай тэорыі несвядомае і яго даступнасць для спячых жаданняў і псіхозу чалавечай псіхікі, такіх як падсвядомы страх смерці, пра які згадваецца ў гэтым творы.

Далі яшчэ больш узмацніў эфект, які ствараецца выкарыстаннем метадаў, пачынаючы з ад дакладнасці Ёханэса Вермеера да размытых формаў Кар'ера. Пасля таго, як ён забяспечыў свайму герою псіхалагічную свабоду, ён пабудаваў сувязі паміж імі, прадставіўшы іх у прасторы - часцей за ўсё ў пейзажы - такім чынам ствараючы гармонію ў карціне праз кантраст рэчаў, якія не маюць дачынення, у абстаноўцы, дзе яны не падыходзяць.

Кветканосец (1935) Дыега Рывера

Сялянін у белым адзенні з жоўтым самбрэра змагаецца на карачках з недарэчна вялізным кошыкам кветак, замацаваным на яго плячах жоўтым раменьчыкам у яркім колеры.мастацкі твор. Дама, хутчэй за ўсё жонка фермера, стаіць за ім, спрабуючы дапамагчы з падтрымкай кошыка, пакуль ён спрабуе падняцца на ногі.

У той час як кветкі ў кошыку ашаламляльна прыгожыя для назіральніка, чалавек бачыць толькі іх каштоўнасць, калі ён перавозіць іх на рынак, каб прадаць або абмяняць. Геаметрычныя ўзоры ствараюць яркія кантрасты, прычым кожны чалавек, прадмет і зеляніна паказаны, каб перадаць індывідуалізм.

Некаторыя кажуць, што велізарны кошык, прывешаны да спіны чалавека, адлюстроўвае цяжар некваліфікаванага рабочага ў сучасным , капіталістычнае асяроддзе.

Герніка (1937) Пабла Пікаса

Некаторыя лічаць шэдэўр Пабла Пікаса "Грамадзянская бітва ў Іспаніі" самым выдатным ваенным творам за ўсю гісторыю. Мастацтва Пікаса, акрамя таго, што з'яўляецца велізарнай алегарычнай карцінай жахаў вайны, магчыма, наўмысна фармавала гледачоў у актыўных удзельнікаў, спрыяючы як калектыўным зменам, так і выбарам палітыкі.

Пікаса спадзяваўся, што такім чынам, ён змог бы паўплываць на змены ў палітыцы ўрада і пашырыць дыялог за межы яго разбуранай вайнойкраіна.

Копія карціны Герніка (1937) Пабла Пікаса; Вінфрыд Вайтхофер, CC BY-SA 4.0, праз Wikimedia Commons

Гэтую запланаваную распрацоўку вялізнага шэдэўра варта вывучаць і захапляцца як частку больш шырокай гісторыі ваеннага часу. Што яшчэ больш важна, вывучэнне мастацтва ваеннага часу можа быць карысным укладам у прафесійны рост ваенных афіцэраў, прапаноўваючы альтэрнатывы для прафесійных дэбатаў аб тым, як грамадства разумее пераможцаў, паражэнняў і каштоўнасць бітваў праз прызму мастакоў і культурнай спадчыны.

Дзве Фрыды (1939) Фрыда Кало

Некалькі навукоўцаў мяркуюць, што два персанажы на малюнку сімвалізуюць змяшанае паходжанне Фрыды. Гільерма Кало, яе бацька, быў немцам, а Мацільда ​​Кальдэрон, яе маці, была мексіканкай. Іншае тлумачэнне заключаецца ў тым, што Тэхуана Фрыда была закахана яе мужам Дыега Рыверай, у той час як еўрапейская Фрыда была адкінута ім.

Карціна заснавана на ўспамінах Фрыды пра выдуманага таварыша дзяцінства. У абедзвюх Фрыд ляжаць прадметы на каленях: у мексіканскай Фрыды на каленях маленькая карціна Дыега Рыверы, а ў кантынентальнай Фрыдышчыпцы.

Кроў цячэ па белай сукенцы еўрапейскай Фрыды з пашкоджанай крывяноснай пасудзіны, перарэзанай шчыпцамі.

Не. 5, 1948 (1948) Джэксан Полак

Гэты твор быў пабудаваны на плошчы восем на чатырохфутавы кавалак ДВП. Падыход Джэксана Полака да гэтага твора заключаўся ў выкарыстанні вадкіх фарбаў. Ён вырашыў адмовіцца ад традыцыйнага спосабу малявання на палатне. № 5 можна пабачыць з вялікай колькасцю карычневай і жоўтай фарбы. Да стварэння гэтай карціны Полака падштурхнулі асабістыя пачуцці. Ён адышоў ад звычайнага выкарыстання вадкіх фарбаў.

Узор карціны здаецца гняздом і выклікаў розныя пачуцці ў людзей, якія бачылі яе.

Гэтая складанасць і увага вывела гэты шэдэўр на вяршыню свету мастацтва. Пераважным падыходам Полака да нумара 5 быў экшн-фарба, або імпульсіўнае дрыблінг, распаўсюджванне і падкідванне вадкай фарбы. Полак таксама хацеў увесці зусім новы пункт гледжання на жывапіс. Ён імкнуўся адлюстраваць кульмінацыю страсці мастака ў сваёй унікальнай тэхніцы жывапісу ў No. 5.

Сын чалавечы (1964) Рэнэ Магрытвыява заслужыла сусветнае прызнанне.

Партрэт быў адным з першых, на якіх была адлюстравана асоба, якая сядзіць перад выдуманым пейзажам, а Леанарда да Вінчы быў адным з першых мастакоў, якія выкарысталі паветраную перспектыву.

Партрэт Моны Лізы дэль Джаконда (каля 1503 г.) работы Леанарда да Вінчы; Леанарда да Вінчы, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Загадкавая жанчына сядзіць у непрыкрытай лоджыі з чорнымі падставамі калон з кожнага боку. За ёй адступае велізарны пейзаж, адкрываючы снежныя горы. Звілістыя дарогі і далёкі мост - адзіныя прыкметы існавання чалавека. Стыль да Вінчы вылучаецца туманнымі краямі, плыўнымі фігурамі, яркімі кантрастамі цемры і святла і агульным адчуваннем спакою. Спрэчна, ці варта называць Мону Лізу звычайным партрэтам з-за эмацыйнай гармоніі, якую да Вінчы стварыў паміж фігурай і навакольным асяроддзем, паколькі яна адлюстроўвае імкненне, а не рэальную жанчыну.

Агульная гармонія твора, асабліва лёгкая ўсмешка наглядчыка, перадае канцэпцыю сувязі паміж людзьмі і прыродай.

Амбасадары (1533 ) Ганс Гольбейн Малодшы

Гары Торчынер, блізкі сябар, дарадца і мецэнат Магрыта замовіў аўтапартрэт мастака ў 1963 г. Аднак лісты, апублікаваныя Магрытам, паказваюць, што ён змагаўся за стварэнне ўласнага партрэта. Магрыт назваў свае праблемы «праблемай сумлення». Калі Магрыт завяршыў свой аўтапартрэт, у выніку атрымалася выява невядомага джэнтльмена ў кацялку з надпісам «Сын Чалавечы».

На першы погляд гэта выглядае просты малюнак, але гэта надзвычай загадкава.

Чалавек бачны, што стаіць перад каменнай марской сцяной. Неба над лініяй гарызонту здаецца туманным і толькі пачынае шарэць. Паколькі на чалавека свеціць нейкае святло, а яго левы бок крыху ў цені, глядач атрымлівае ўяўленне, што зараз поўдзень. Мужчына выглядае занадта апранутым і недарэчным у сцэне. Ён афіцыйна апрануты ў цёмна-шэры касцюм з кацялком, каўняром і малінавым гальштукам.

На гэтым мы завяршылі наш спіс старых вядомых карцін. Гэтыя знакамітыя карціны лічацца аднымі з самых вядомых у гісторыі мастацтва. Усе гэтыя папулярныя карціны дадалі нешта новае ў мастацкую сцэнукарыстаюцца і сёння. Што вы думаеце пра наш спіс самых вядомых карцін?

Часта задаюць пытанні

Якія з усіх старых вядомых карцін з'яўляюцца самымі вядомымі?

У гісторыі мастацтва шмат папулярных карцін. Адной з самых вядомых карцін напэўна з'яўляецца Мона Ліза пэндзля Леанарда да Вінчы . Гэта адна з самых знакавых выяваў у вядомым свеце.

Які сродак быў папулярны для стварэння знакамітых мастацкіх карцін?

Для стварэння старых вядомых карцін, якія мы любім, выкарыстоўвалася шмат сродкаў. Ад масла да акварэлі, а таксама тэмперы. Аднак найбольш распаўсюджаным носьбітам для многіх класічных твораў з'яўляецца алей на палатне.

Ганс Гольбейн, найвялікшы мастак-партрэтыст свайго часу, правёў значную колькасць часу пры дварах Генрыха VIII. Амбасадары адлюстроўваюць амбасадара Францыі ў Англіі Жана дэ Дынтэвіля і яго калегу Жоржа дэ Сельве, якім абодвум было каля 20 гадоў.

Мастацкі твор усыпаны алегарычнымі элементамі, такімі як лютня з парванымі струнамі, што магло азначаць раскол Генрыха VIII з Рымам, каб развесціся з Кацярынай Арагонскай і пераследваць сваю каханую, Ганну Болейн.

Амбасадары (1533) Гансам Гольбейнам Малодшым; Ганс Гольбейн Малодшы, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Туманны чорна-белы прадмет, які праразае аснову карціны, насамрэч з'яўляецца чалавечым чэрапам, які сімвалізуе смяротнасць. Ён выдатна выкарыстоўвае анамарфоз, паколькі яго можна назіраць толькі з вострага вугла, што прымушае гледачоў разглядаць карціну з розных пунктаў гледжання.

Юдзіф, якая забівае Галаферна (1610) Артэмізіі Джэнтылескі

У ролі Юдзіф, набожнай маладой жанчыны з ізраільскага горада з Вітуліі, абезгалоўлівае Алаферна, правадыра асірыйскіх войскаўакружыўшы яе горад, ручайкі крыві сцякаюць па белых прасцінах. Юдзіф, узрушаная цяжкім становішчам свайго народа і напоўненая верай у Бога, узяла ўсё ў свае рукі.

Юдзіф, якая забівае Халаферна (1610) Артэмізія Джэнтылескі; Артэмізія Джэнтылескі, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Яна прыклала прычоску, элегантна апранулася і падышла да праціўніка, сцвярджаючы, што валодае інтэлектам, які забяспечыць трыумф Галаферна. Ён запрасіў яе на абед пасля таго, як быў уражаны яе прывабнасцю і меў намер спакусіць яе пасля.

Джудзіт распазнала шанец і скарысталася ім, выратаваўшы свой народ ад знішчэння з клятваю на языку і лязом у яе рука.

Хрыстос у буры на Галілейскім моры (1633) Рэмбранта ван Рэйна

Самы захапляльны апавядальны твор Рэмбранта ў Амерыцы таксама з'яўляецца яго адзіным марскім пейзажам. Ён быў створаны ў 1633 годзе, неўзабаве пасля таго, як Рэмбрант прыбыў у Амстэрдам са свайго дома Лейдэна, і ў той час, калі ён зарэкамендаваў сябе як выдатны партрэтыст горада і мастак на гістарычныя сюжэты.

Усебаковае адлюстраванне сцэны, розныя адносіны герояў, стдастаткова вытанчаная пэндзаль і яркія колеры - усё гэта адметныя рысы ранняга стылю Рэмбранта.

Хрыстос у шторме на Галілейскім моры (1633) Рэмбранта ван Рэйна ; Рэмбрант, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Крытыкі 18-га стагоддзя, такія як Арнольд Губракен, часта аддавалі перавагу ранняму стылю Рэмбранта яго пазнейшаму, больш шырокаму і менш апісальнаму стылю. У біблейскім сцэнарыі прырода супрацьстаіць чалавечай слабасці, як фізічнай, так і духоўнай. Перапалоханыя вучні змагаюцца за тое, каб аднавіць кантроль над сваёй рыбацкай лодкай, калі вялізная хваля абрываецца на яе нос, разразаючы ветразь і небяспечна падштурхоўваючы карабель да скал злева на пярэднім плане.

Начны дазор (1642) Рэмбранта ван Рэйна

Рэмбрандта Начны дазор з'яўляецца прыкладам асабліва выразнай формы мастацкага твора, які быў унікальны для Паўночных Нідэрландаў, асноўная частка заказаў паступала з Амстэрдама. На групавым здымку намаляваны батальён грамадзянскай гвардыі. Асноўнай функцыяй гэтых гвардзейцаў была абарона свайго горада.

Такім чынам, ім даручалася ахоўваць брамы, патруляваць вуліцы, тушыць пажары і наогулпадтрымліваючы горад у парадку.

Начны дазор (1642) Рэмбранта ван Рэйна; Рэмбрант, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Яны таксама былі прыкметнай часткай цырымоній прыбыцця каралеўскай сям'і і іншых святочных мерапрыемстваў. З пункту гледжання унікальнасці, шэдэўр Рэмбрандта значна вылучаецца ў параўнанні з папярэднімі карцінамі муніцыпальнай варты.

Рэмбрандт ажыўляе сваю карціну, а не прайгравае традыцыйнае размяшчэнне сумных шэрагаў асоб. Наглядчыкі выконваюць пэўныя задачы, якія ідэнтыфікуюць іх пасаду апалчэнцаў.

Дзяўчына з жамчужнай завушніцай (каля 1665 г.) Ёханэса Вермеера

Творы мастацтва прыцягвалі так шмат людзей на працягу гісторыі, прыцягваючы рэкордную колькасць у мастацкі музей у Гаазе, дзе ён захоўваецца ў цяперашні час. Ён стаў легендарным з-за асаблівай паставы дзяўчыны, яе таямнічага выгляду, колераў і вытанчанай якасці святла.

Хоць гэта выглядае як партрэт, гэты твор на самай справе з'яўляецца «троні» - карціна ўяўнага чалавека з выявай пэўнага характару.

Дзяўчына з жамчужнай завушніцай (каля 1665 г.) Ёханэса Вермеера; ЁханэсВермеер, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

На ім прадстаўлена маладая прыгожая жанчына ў экзатычнай сукенцы, усходнім галаўным уборы і незвычайна вялізнай жамчужыне ў вуху. Нават калі жанчына сядзела і пазіравала для гэтага твора, у яго адсутнічаюць характэрныя рысы - на ім няма бародавак, шнараў або плям. Маладая жанчына на цёмным фоне носіць ярка-жоўты і блакітны цюрбан і зіхатлівы жэмчуг. Яе асляпляльны колер твару адлюстроўвае валоданне Вермеера святлом і тонам, а невялікія водбліскі белага на яе адкрытых чырвоных вуснах робяць іх вільготнымі.

Хоць мы не ведаем, хто гэтая дзяўчына, яна, здаецца, знаёмыя, дзякуючы блізкаму позірку.

Смерць Марата (1793) Жак-Луі Давід

Да 1793 г. гвалт вайны за незалежнасць абвастрыўся да такой ступені, што абезгалоўліванне на парыжскай плошчы Згоды стала звычайнай з'явай, што падштурхнула нейкага доктара Джозэфа Гільятына распрацаваць прыладу, якая павялічыла б эфектыўнасць сякеры і такім чынам зрабіла б забойствы больш гуманнымі. Дэвід быў у цэнтры гэтага.

Ён далучыўся да якабінцаў на пачатку рэвалюцыі, палітычнай арганізацыі, якаяу рэшце рэшт стаў самым заўзятым з розных паўстанцкіх груповак.

Смерць Марата (1793) Жак-Луі Давід; Жак-Луі Давід, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Дэвід ушанаваў памяць свайго добрага сябра, забітага выдаўца Жана Марата, у 1793 годзе, падчас піку Тэрорнай кампаніі. Дэвід замяняе рэлігійнае мастацтва іканаграфію больш сучаснымі тэмамі, як ён зрабіў у сваёй «Смерці Сакрата». Ідэалізаваны партрэт забітага калегі Дэвіда, Марата, бачны разам з рэкамендацыйным лістом яго забойцы ў «Смерці Марата», 1793.

Афелія (1852) сэра Джона Эверэта Міле

Афелія лічыцца адным з галоўных класікаў перыяду прэрафаэлітаў. Міле стварыў яркі і незабыўны вобраз, спалучыўшы свае інтарэсы да шэкспіраўскіх тэм з пільнай увагай да прыродных дэталяў. Выбар сцэны ў «Гамлеце», дзе Афелія, звар'яцелая ад смерці бацькі Гамлета, апускаецца ў ваду, быў рэдкім для таго часу.

Міле, з іншага боку, змог прадэманстраваць як сваю тэхнічную здольнасці і эстэтычнае бачанне.

Афелія (1851-1852) Джон Эверэт