У чым мэта мастацтва? Гэта амаль немагчымае пытанне, якое часта задаюць мастакам. Што робіць мастацтва? Якая функцыя мастацтва? Што вы хочаце са сваім мастацтвам? Людзі, якія не лічаць сябе творчымі асобамі або не адчуваюць, што яны рэзаніруюць з мастацтвам, часта ўслых задаюцца пытаннем аб мітусні. Мастакі, якія могуць адчуваць сябе крыху згубленымі ў сваёй практыцы або проста на момант адлучыцца ад «музы», таксама могуць пачасаць галаву аб гэтым вялікім філасофскім пытанні. Давайце паглядзім, ці ёсць адказы на пытанне: “Якая мэта і функцыя мастацтва?”

Што робіць мастацтва?

Такім чынам, якая мэта мастацтва? Каб адказаць на гэтае філасофскае пытанне, нам спачатку трэба задаць канцэптуальнае пытанне: «Што такое мастацтва?» Мы не можам казаць пра важнасць мастацтва , калі тое, што мы разумеем пра мастацтва, абстрактна і заблытана.

Мастацтва вызначалася па-рознаму з самага пачатку чалавецтва.

Мы разгледзім агульную шкалу таго, як змянілася азначэнне мастацтва толькі ад першага знойдзенага мастацтва да сучаснасці. З гісторыі мастацтва можна было б зразумець, што азначае паняцце «мастацтва» і якой мэце яно служыць нашаму роду.

Гісторыя мастацтва

Гэты графік абмяркоўваецца ў раздзелах ніжэй паведамляе заходні канон гісторыі мастацтва. Большая частка таго, пра што было задакументавана і напісанаСеул, Карэя; KOREA.NET – Афіцыйная старонка Рэспублікі Карэя, CC BY-SA 2.0, праз Wikimedia Commons

Рамантызм (1780 – 1850)

Рамантызм была дамінуючай мастацкай плынню ў пачатку 19 ст. Ён пачаўся ў Германіі як літаратурны рух, але хутка распаўсюдзіўся па ўсёй Еўропе і пачаў уплываць таксама на мастакоў. Замест таго, каб увекавечваць кансерватыўныя погляды праз сваё мастацтва, мастакі-рамантыкі лічылі, што мастацтва павінна быць спосабам, які падкрэслівае вопыт асобы і выражае бунт уяўлення.

Мастакі-рамантыкі не былі зацікаўлены толькі ў адлюстраванні рэалістычныя грамадска-палітычныя сітуацыі таго часу. Хутчэй, мастацтва стала сродкам выражэння інтэнсіўных чалавечых эмоцый, індывідуальнасці і ўяўлення, перажытых падчас гэтых падзей.

Усё гэта было выказана і перададзена мастакамі, якія малявалі унікальныя карціны таго часу, адлюстроўваючы асабістыя перспектывы і эмоцыі. Франсіска дэ Гоя - добры прыклад рамантычнага мастака. Яго карціна Трэцяе мая 1808 г. (1814) з'яўляецца тыповай для рамантызму, якая паказвае жахі асабістага вопыту падчас вайны на паўвостраве.

Трэцяя Травень 1808 (1814) Франсіска дэ Гоя; Франсіска дэ Гоя, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Рацыяналізм і парадак неакласічнага перыяду засталіся ззаду і якрэагуючы на ​​палітычныя ўзрушэнні таго часу, рамантыкі пачалі ставіць паняцце свабоды асобы ў цэнтр функцыі мастацтва. Духоўнасць, колер і драматургія таксама з'яўляюцца ключавымі для гэтага руху.

Нягледзячы на ​​тое, што яны хацелі адысці ад неакласічных ідэалаў і кансерватыўных поглядаў, мастакі-рамантыкі ўсё яшчэ натхняліся гатычным мастацтвам, сярэднявечным мастацтвам , і іншыя стылі класічнага мастацтва. Стыль рамантызму стаў спалучэннем мастацкіх стыляў, абапіраючыся на такія стылі, як арыенталізм, у пошуках аўтэнтычнага і асабістага голасу.

Рамантызм таксама выкарыстоўваў узвышаныя сілы прыроды або выкарыстоўваючы паэзію і песні расказваюць гісторыі пра магутныя ўзаемадзеянні з сіламі прыроды, каб перадаць пачуццё непераадольнай страсці і эмоцый, з якімі яны перажывалі жыццё. Вядомы рамантычны пейзаж - Вандроўнік над морам туману (1818) Каспара Давіда Фрыдрыха.

Вандроўнік над морам туману (1818) Каспара Давіда Фрыдрыха; Каспар Дэвід Фрыдрых, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Рух прэрафаэлітаў (1848 – 1900)

Братства прэрафаэлітаў было рэвалюцыйным мастацкім рухам, які падштурхнуў адлюстраванне новага віду жаночай прыгажосці сярод іншага. Гэтая група мастакоў была незадаволеная тым, як Каралеўская акадэмія ў Лондане выкладала і абмяжоўвала мастацкае самавыяўленне. Яныхацеў знайсці новыя спосабы выражэння, абапіраючыся на мастацтва італьянскага жывапісу да Рафаэля (1483-1520).

Гэты рух пачаўся ў Брытаніі, калі краіна перажывала бурныя прамысловыя змены. Паколькі багацце расло з-за гэтага хуткага прамысловага росту, новыя мецэнаты, зацікаўленыя ў мастацтве, пачалі падтрымліваць мастакоў.

У гэты перыяд адбылася Вялікая выстава, якая паказвае моцную падтрымку мастацтва, дызайну і інавацыя самога князя Альберта. Тым не менш, многія людзі эксплуатаваліся, каб распаліць індустрыяльную гібель, а грамадзяне пагражалі рэвалюцыяй, пытаючыся, ці было жыццё лепшым да індустрыялізацыі.

Хрыстос у доме сваіх бацькоў або Целярская майстэрня (1849-1850) Джона Эверэта Міле; Джон Эверэт Мілле, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Напружанасць паміж старым і новым светам стала каталізатарам стылю прэрафаэлітаў малявання рэлігійных, прыродных і грамадскіх з'яў па-новаму з выкарыстаннем старыя рэжымы. Яны імкнуліся захапіць усё як мага праўдзівей прыроды, што прывяло да дбайнай увагі да дэталяў.

Гэтыя мастакі адмаўляліся маляваць на палатне, падрыхтаваным спачатку ў земляных тонах, што прывяло да зусім новага, яркага стыль выкарыстання колеру.

Мэтай мастацтва для іх стаў спосаб – як мага больш дакладна – адлюстраваць сцэны з гісторыі іБіблія. Яны патрацілі шмат часу на вывучэнне касцюмаў, аксесуараў і гістарычных дэталяў, каб атрымаць ідэальныя кампазіцыі. Добра вядомая карціна гэтага перыяду - Абуджэнне свядомасці (1853) Уільяма Холмана Ханта.

Абуджэнне свядомасці (1853) Уільяма Холмана Ханта; Уільям Холман Хант, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Рэалізм (1850 – 1900)

Мастакі-рэалісты 19-га стагоддзя адрэагавалі на Рэвалюцыя 1848 г. у Францыі і рамантыкі папярэдняга перыяду, засяродзіўшы ўвагу мастацтва толькі на рэальным жыцці мастака. Рэалізм быў мяцежным рухам, які адмаўляўся ад адлюстравання міфічных, гістарычных і рэлігійных сюжэтаў мінулага. Мэтай мастацтва было зафіксаваць (як яшчэ не ўсім даступны фотаапарат) менавіта тое, што бачыў мастак.

Упершыню ў гісторыі мастацтва з’явіўся жывапіс сялян, рабочых. , жабракі, прастытуткі і гэтак далей былі зроблены без больш глыбокага сэнсу або палітычнай матывацыі, а проста таму, што гэта была рэальнасць, якую мастакі бачылі кожны дзень.

Гэтыя сцэны часта былі відавочна непрывабнымі і характарызуюцца смелыя лініі, змрочная палітра і інтэнсіўныя танальныя кантрасты - усё гэта дадае энергіі і трываласці твору. Гюстаў Курбэ кіраваў гэтым рухам, і яго вядомая карціна Каменяломцы (1849) з'яўляецца тыповым прыкладамгэтага рэалістычнага стылю.

The Stonebreakers (1849) Гюстава Курбэ; Гюстаў Курбэ, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Імпрэсіянізм (1860 – 1900)

Імпрэсіяністы зноў жа былі групай, якая жадала выказаць сябе па-за межамі абмежаванняў акадэмічнага мастацтва і Парыжскі салон. Гэтая група, аднак, пачала хуткае пераасэнсаванне мастацтва, перасякаючы межы, якія ніколі раней не перасякаліся ў каноне заходняга мастацтва: яны малявалі сцэны сучаснага жыцця так, як бачыла іх вока, у моманты ўцёкаў, мігатлівымі мазкамі і плямамі нязмешанай фарбы.

Асноўнай функцыяй мастацтва для іх было інтэрпрэтацыя свету сваімі вачыма і фіксацыя гэтай інтэрпрэтацыі праз мастацтва.

Цягнікі зрабілі сувязь паміж вёскай і горадам лёгкадаступнай. Новыя газавыя лямпы запалілі начное жыццё горада. Камера вызваліла мастакоў ад іх ролі дакументалістаў і ўпершыню ў гісторыі дала ім эталонныя фатаграфіі для працы. Фарба ў трубцы зрабіла пленэрны жывапіс новым спосабам адлюстравання наваколля і дазволіла мастакам пакінуць студыю і быць сярод аб'ектаў, якія яны малявалі. Усе гэтыя элементы мадэрнізацыі і прамысловай рэвалюцыі далі мастакам зусім новыя прадметы і больш свабоды выказваць сябе такімі спосабамі, якіх ніколі раней не было.

Мэта і функцыя мастацтвастаў сканцэнтраваны на фіксацыі імгненнага, мімалётнага моманту. Гэтыя жывапісцы, малюючы прыроду, імкнуліся ўлавіць рух і водбліск святла. Такім чынам яны стварылі самыя жывыя, рухомыя і яркія карціны, зробленыя на той момант.

Гэта было абсалютна рэвалюцыйным і стала каталізатарам хутказменлівых вызначэнняў мастацтва, да якіх мы прывыклі сёння. усё больш і больш мастакоў пачалі рассоўваць межы таго, што робіць мастацтва.

Сажалка з гарлачыкамі, Зялёная гармонія (1872) Клода Манэ паказвае характэрныя кароткія і дробныя мазкі пэндзля, яркія колеры, эфекты святла і адчуванні пейзажа, напрыклад, створаныя імпрэсіяністамі.

Сажалка з гарлачыкамі, Зялёная гармонія (1872) Клода Манэ; Клод Манэ, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Постімпрэсіянізм (1885 – 1905)

Постімпрэсіяністы адрэагавалі супраць ідэі, што мастакі павінны проста маляваць сцэну, якую яны успрымаецца. Яны хацелі зрабіць больш. Усе гэтыя мастакі пачыналі як імпрэсіяністы, але з усіх сіл імкнуліся зрабіць сабе імя. У свеце, дзе заходняя ўлада ўсё больш каланізавала астатні свет, мастацтва іншых культур і новыя месцы для жыцця сталі даступнымі для творчых людзей. Постімпрэсіяністы пачалі чэрпаць натхненне з гэтых новых крыніц і ўплыву японскай гравюры, напрыклад, на мастакоўГаген і Ван Гог сталі зразумелымі.

Такім чынам, постімпрэсіяністы былі зацікаўлены ў выкарыстанні мастацтва для адлюстравання астатняга свету, які толькі што стаў адкрыты для іх.

Гэтыя мастакі выкарыстоўвалі мастацтва, каб ствараць вобразы, поўныя эмоцый, якія, здавалася, прамаўлялі па-за яго прамой інтэрпрэтацыі і былі спалучэннем розных мастацкіх стыляў з усяго свету. Некаторыя з гэтых мастакоў прасунулі кароткія мазкі імпрэсіяністаў яшчэ далей, старанна расстаўляючы каляровыя кропкі адна побач з адной, каб паўплываць на эмоцыі, якія выклікаюць карціны.

Таіцянскі пейзаж (1891) Поль Гаген; Поль Гаген, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Сімвалізм (1875 – 1910)

У адказ на матэрыялізм і рацыяналізм сучаснага свету мастакі-сімвалісты пачалі ствараць мастацтва якія сканцэнтраваны на ўласным уяўленні і эмоцыях. Яны чэрпалі натхненне з акультызму, псіхалогіі і містычных ідэй. Акрамя развіцця псіхалогіі, у французскім грамадстве таксама з'явілася новая цікавасць да духоўнасці.

Сімвалісты апрацоўвалі гэтыя новыя спосабы мыслення праз сваё мастацтва.

Яны хацелі зрабіць нябачнае бачнае, і гэта стала мэтай і функцыяй іх мастацтва. Яны пачалі даследаваць сны, сон, бачання, нерухомасць, цішыню і жаночую сэксуальнасць. Даследаванне смерці і сэксу ў стылях пад уплывам руху мадэрн (якіішоў паралельна з рухам сімвалізму) відаць у Пацалунак (1907-1908), напрыклад, Густаў Клімт.

Пацалунак (1907 -1908) Густава Клімта; Густаў Клімт, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

20-е стагоддзе: Сучасны век

Мастацтва так змянілася на працягу 20-га стагоддзя, што часам нават немагчыма замацаваць не выконвалі канкрэтную функцыю мастацтва больш чым на дзесяць гадоў. У сучасны момант мастацтва робіць усё, што хоча мастак. Тое, як мы прыйшлі да гэтай адкрытай і плыўнай мэты і функцыі мастацтва, звязана з тым, што адбывалася ў гісторыі мастацтва ў перыяд сучаснага мастацтва.

Экспрэсіянізм (1895 – 1995)

Экспрэсіяністы цікавіліся выказваючы інтэнсіўныя эмоцыі праз свае творы мастацтва. У адрозненне ад імпрэсіяністаў, мастакі-экспрэсіяністы не былі зацікаўлены ў паказе сваёй інтэрпрэтацыі свету. Яны таксама не працавалі з прыродным асяроддзем, каб ствараць мастацтва, якое фіксуе непасрэднасць святла.

Яны стварылі зусім новыя сцэны з цяжкімі эмоцыямі, часта ў цэнтры твора. Каб зрабіць гэта, яны скажалі формы і малявалі яркія колеры прама з цюбіка.

Свет хутка мяняўся, тэхналогіі хутка развіваліся, і напружанасць нарастала перад Першай сусветнай вайной. У свеце было пачуццё адчужэння, і мастакі хацелі гэта зафіксаваць. Яны адышлі ад рэалізму. Фавізм , ападраздзяленне, прыклад экспрэсіянізму, выкарыстоўваў яркія колеры, звязаныя з пэўнымі сэнсамі, каб перадаць глыбокія пачуцці.

Экспрэсіянізм у асноўным развіўся ў Германіі і мастакамі Эрнстам Людвігам Кірхнерам, Францам Маркам, Паўлем Клее і Маркам Шагалам былі ў цэнтры руху. Серыя Крык (1893, 1910) Эдварда Мунка дэманструе поўнае разбурэнне рэалістычных малюнкаў у вірах колеру і інтэнсіўных, скажоных малюнках.

Крык (1910) Эдварда Мунка; Эдвард Мунк, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Кубізм (1907 – 1920)

У гэты момант у гісторыі мастацтва фатаграфія была вельмі папулярнай і шырока распаўсюджанай. Аўтамабілі, самалёты і кіно так ці інакш былі часткай жыцця большасці еўрапейцаў. Мастакі сапраўды пачалі карыстацца свабодай, якую давала ім камера, а таксама пачалі выкарыстоўваць у сваім мастацтве ідэі, атрыманыя ад фатаграфіі. Напрыклад, мастакі-кубісты зацікавіліся адлюстраваннем сцэн, аб'ектаў і людзей адначасова з розных бакоў.

Мастацтва стала сродкам, з дапамогай якога мастакі маглі даследаваць, перавызначаць і пераназначаць погляд, перспектыву , і форма.

Пашырэнне свету праз падарожжа, тэхналогію, навуку і камунікацыю апрацоўвалася ў гэты перыяд мастацтва з выкарыстаннем мастацтва як сродку для выражэння гэтай сувязі. Праз геаметрычныя лініі і інтэнсіўныя скажэнні формы із перспектывы, такія мастакі-кубісты, як Пабла Пікаса і Жорж Брак, улавілі дух пераменаў, які прысутнічаў у іх свеце.

Абстрактнае мастацтва (1910 – 1940)

Абстрактнае мастацтва , нават больш чым любы іншы від мастацтва, які яму папярэднічаў, імкнуўся цалкам адысці ад адлюстравання ўсяго, што нагадвае рэальнае жыццё. Гэта адзіная характарыстыка гэтага шырокага і працяглага мастацкага руху. Каляровая аплікацыя, носьбіт, прадмет і гэтак далей могуць быць самымі рознымі. Але пакуль тое, што намалявана, з'яўляецца абстрактным, гэта можна назваць абстрактным мастацтвам.

Такім чынам, функцыя абстрактнага мастацтва заключаецца ў тым, каб даць выраз таму, што не з'яўляецца візуальна літаральным - дазволіць мастакам даследаваць абстракцыя, пры гэтым перадаючы сэнс і выклікаючы эмоцыі.

Сіла колеру, лініі, фактуры, тону і формы знаходзіцца ў цэнтры гэтага руху. Першыя Мастакі-абстракцыяністы з'явіліся пасля Першай сусветнай вайны і выкарыстоўвалі гэты спосаб абстракцыі, каб даследаваць бязмежны патэнцыял мастацтва, каб выказаць свае пачуцці і новы светапогляд. Такія мастакі, як Васіль Кандзінскі (1866-1944), выйшлі з руху абстрактнага мастацтва.

Кампазіцыя IX (1936) Васіля Кандзінскага; Васіль Кандзінскі, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Дадаізм (1915 – 1950)

Мастацкі рух дада пачаўся як пратэст супраць цывілізацыі, якая на той момант , успыхнула свет вайной. Гэта быў шляхмастацтвазнаўства арыентавана на еўрапейскую аповесць развіцця мастацтва. На жаль, не шмат мастацкіх твораў іншых культур было задакументавана і пра іх так падрабязна гаварылася, як пра заходняе мастацтва.

Але калі заходнія грамадства каланізавалі свет і актыўна распаўсюджвалі хрысціянства ў многіх частках свету, , мы можам зрабіць выснову, што гэтыя мастацкія плыні, якія абмяркоўваюцца ніжэй, безумоўна паўплывалі, калі не паўплывалі, на іншыя сусветныя культуры.

Дагістарычныя і класічныя мастацкія плыні

На працягу дагістарычнай і класічнай эпох, якія абмяркоўваюцца ніжэй функцыя мастацтва мянялася адносна марудна. Мэта і функцыя мастацтва звычайна выкарыстоўваліся як інструмент для дакументавання міфічных, рэлігійных і палітычных асноў, якія існавалі ў той час.

Дагістарычнае мастацтва (30 000 г. да н.э. – 1300 г. да н.э.)

Першае ў гісторыі Знойдзенае чалавечае мастацтва кажа пра прыгожую і моцную сувязь паміж выжываннем чалавецтва, культурай і мастацтвам. Мастацтва служыла звышнатуральнай, трансцэндэнтнай мэты. Як сказаў Тэрэнс Маккена ў сваёй лекцыі 1990 г. Адчыняючы дзверы для творчасці , першых мастакоў называлі шаманамі, і іх роля заключалася ў перакладзе і перадачы паведамленняў ад «трансцэндэнтальнага іншага».

Ад паляўнічых-збіральнікаў і старажытнакітайскіх мастакоў да егіпцян важнасць рытуалаў і сімвалаў у стварэнні мастацтва бясспрэчная. Усе старажытныя культуры імкнуліся зафіксаваць сваё разуменне быццядля мастакоў, каб даследаваць абсурднае і абсалютна бессэнсоўнае. Іх ідэя заключалася ў тым, што абсурднае мастацтва - гэта адзінае, што можа адлюстраваць абсурднасць грамадства.

Ідэя гатовая прыйшла з дадаізму і назаўсёды змяніла ход мастацтва.

МарсэльДзюшан,наприклад,змясціўперавернутыпісуар ізподпісам “Р. Mutt 1917» на выставе і назваў яго Фантан (1917). Гэта выклікала шмат спрэчак у свеце мастацтва і паставіла пытанне аб тым, «што ёсць, а што не мастацтва» да крайнасці.

Фантан Марсэля Дзюшана (1917), сфатаграфаваны Альфрэдам Штыгліц у 291 (Мастацкая галерэя) пасля выставы Таварыства незалежных мастакоў 1917 года, з бачнай біркай для запісу. Фон - Воіны Марсдэна Хартлі; Марсэль Дзюшан, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Сюррэалізм (1915 – 1950)

Сюррэалізм таксама быў зацікаўлены ў сумненні агульнапрынятых у грамадстве ідэй; аднак гэтыя мастакі па-іншаму выкарыстоўвалі абсурд і дзіўнае ў сваім мастацтве. Яны выкарысталі ідэі падсвядомасці, аўтаматызму і сімвалізму з фрэйдысцкай псіхалогіі, каб стварыць кампазіцыі, якія выглядаюць вельмі рэальнымі, але зусім іншасветнымі. Усё гэта было зроблена для стварэння нейкай «вышэйшай» рэальнасці.

Такія мастакі, як Ман Рэй, Сальвадор Далі і Рэнэ Магрыт, былі часткай сюррэалістычнага руху.

Абстрактны экспрэсіянізм (1940 – 1959)

абстрактны імпрэсіянізм быў зацікаўлены ў імправізаваных, экспрэсіўных і заснаваных на рухах мастацкіх творах, якія перадавалі моцныя эмоцыі. Гэты рух быў натхнёны ідэямі сюррэалізму, звязанымі з інтуіцыяй і падсвядомасцю.

Яно пачалося ў Амерыцы падчас Першай сусветнай вайны і працягвалася на працягу Вялікай дэпрэсіі.

Мастакі з Еўропа ўцякала ад Другой сусветнай вайны і аказала вялікі ўплыў на мастакоў ЗША. Абстрактны экспрэсіянізм стаў першай выключна амерыканскай мастацкай плынню, а Джэксан Полак быў самым вядомым мастаком, які выйшаў з яе.

Поп-арт (1950 – 1980)

Пасляваенны поп-арт знішчыў канчатковыя межы вызначэння мастацтва і паклаў пачатак сучаснаму мастацтву постмадэрну, якое мы ведаем і сёння. Функцыя Поп-арту заключалася ў тым, каб канчаткова знішчыць бар'еры паміж выяўленчым мастацтвам і масавай культурай.

Гэтыя мастакі выкарыстоўвалі кнігі, фільмы, фатаграфіі, рэкламу, коміксы, ілюстрацыі і упакоўкі для стварэння калажаў і супастаўлення мастацтва з рознымі носьбітамі і спасылкамі.

Гэты мастацкі рух хацеў зрабіць мастацтва больш даступным для ўсіх. Спрэчныя гравюры Эндзі Уорхала Campbell's Soup Can (Tomato) (1962) з'яўляюцца вядомым прыкладам поп-арта .

У заключэнне: якая мэта мастацтва?

Тое, што адбылося пасля гэтых розных мастацкіх рухаў, было па сутнасці поўным разбурэннем усяго, што межавалатрадыцыйная трактоўка мастацтва. Пачалі развівацца гукавое мастацтва, камп'ютарнае мастацтва, перформанс і многія іншыя нетактыльныя формы мастацтва. Мастакі заўсёды настойваюць на вызначэнні мастацтва, якое часам бывае абсалютна дзіўным і бессэнсоўным. Такія плыні, як экспрэсіянізм і абстрактнае мастацтва, усё яшчэ прысутнічаюць і выразна пазнаюцца.

Але насамрэч сучаснае мастацтва абапіраецца на ўсе мастацкія плыні мінулага, каб стварыць эклектычны і вельмі асабісты стыль мастацтва, які залежыць ад мастак.

З разгледжанай вышэй часовай шкалы таксама становіцца відавочным, што больш за ўсё тое, што падштурхнула мастацтва да новых мэт, была рэакцыя на існуючыя спосабы выражэння. Мастакі заўсёды чэрпалі натхненне з гісторыі мастацтва, каб ствараць разнастайныя і новыя спосабы адлюстравання свайго свету.

Больш за тое, развіццё мастацтва большай часткай каталізавалася жорсткімі сацыяльна-палітычнымі абставінамі, якія прымушалі людзей шукаць спосабы выражэння засмучаючая і часта неапісальная рэальнасць, у якой яны жывуць. Такім чынам, мастацтва заўсёды было спосабам, з дапамогай якога людзі асэнсоўваюць свет, і яго функцыя, такім чынам, залежыць ад складанай сітуацыі, у якой людзі аказваюцца збянтэжанымі.

Такім чынам, што робіць мастацтва? На гэтае пытанне складана адказаць, бо яно залежыць ад задумы мастака. Нашае вызначэнне мастацтва пастаянна змяняецца і, такім чынам, прыходзіць да канчатковагаразуменне мэты і функцыі мастацтва амаль немагчыма. У гэтай дыскусіі аб заходняй гісторыі мастацтва гэты факт становіцца вельмі сур'ёзным. Мастацтва адыграла пэўную ролю ў тым, як развіваліся нашы культуры і як мы разумеем духоўнасць, эмоцыі, розум, а таксама ўсе іншыя аспекты чалавечага жыцця.

Паглядзіце на нашу мэту вэб-гісторыі мастацтва тут!

Часта задаюць пытанні

Што робіць мастацтва?

Мастацтва робіць усё, што хоча мастак, плюс тое, як яно ўспрымаецца гледачом. У мінулым, асабліва ў часы антычнага і класічнага мастацтва, мастацтва выконвала вельмі спецыфічную функцыю, але ў пост-постмадэрнісцкім свеце мэта і функцыя мастацтва становяцца ўсё больш незразумелымі.

Чаму такое мастацтва Важны?

Мастацтва важна для людзей гэтак жа, як і мова. Акрамя таго, што гэта дае нам іншы спосаб зносін, гэта таксама тое, што людзі толькі што рабілі на працягу стагоддзяў. Няма адной прычыны важнасці мастацтва, але той факт, што мы заўсёды яго стваралі, паказвае, што людзі неадрозныя ад мастацтва.

Якая мэта і функцыя мастацтва?

Мэты і функцыі мастацтва, а таксама вызначэнне мастацтва пастаянна мяняюцца. Увогуле, мэты і функцыі мастацтва часта дыктуюцца тымі, хто мае ўладу, паколькі мастацтва часта выкарыстоўваецца, каб змяніць меркаванне людзей аб пэўных палітычных, грамадскіх, культурных іэмацыйныя з'явы. Гэта азначае, што няма адной мэты мастацтва, якая можа быць прыменена ўніверсальна, але што функцыя мастацтва змяняецца ад перыяду да перыяду і ад мастака да мастака.

У сучасным заходнім свеце толькі мастакам дазволена казаць пра «сваё натхненне» або «бачанне, якое прыйшоў да іх». Як і шаманы, часам усё яшчэ лічыцца, што мастакі маюць сувязь з тым, што выходзіць за межы звычайнай чалавечай свядомасці. Гэтае вызначэнне і функцыя мастацтва, аднак, не вылучаюцца або часта не адзначаюцца, паколькі значэнне мастацтва змянілася з таго часу, як раннія людзі малявалі свае бачанні на сценах пячоры.

Старажытнае грэцкае і рымскае мастацтва (800 г. да н.э. – 100 гг.). AD)

Падчас гэтага этапу ў гісторыі мастацтва рост натуралізму і вобразнага адлюстравання стаў папулярным. Спалучаліся мастацкія і функцыянальныя аб’екты, прычым асноўнай формай выражэння былі кераміка і скульптура. Жывапіс таксама быў распаўсюджанай формай выражэння, але, паколькі большасць карцін былі створаны на палатне і насценных фрэсках, вельмі мала захавалася.

Функцыя мастацтва ў гэты час заключалася ў адлюстраванні ўздыму дзвюх імперый ( грэцкай і рымскай) і структуры вераванняў, якія ляжалі ў аснове гэтых дзвюх цывілізацый.

Нават тое, як яны адлюстроўвалі сцэны з паўсядзённага жыцця, знаходзілася пад моцным уплывам міфаў і рэлігійных вераванняў таго часу. Лічылася, што мастакі знаходзяцца пад уплывам духаў, бостваў або сутнасцей, якія жывуць у майстэрні мастака. Таму артыстаў, па-ранейшаму, лічылі адзіныміканалы або перакладчыкі паведамленняў пра чалавечае жыццё, якія паступалі ад «вышэйшых свядомых» істот.

Грэчаскія і рымскія тэракотавыя статуэткі з Італіі, Грэцыі і Малой Азіі (каля 5 ст. да н. э. – 1 ст. н. э.) ; Анагорыя, CC BY 3.0, праз Wikimedia Commons

Раннехрысціянскае і візантыйскае мастацтва (4-15 стст.)

Адлюстраванне і ажыўленне хрысціянскай традыцыі было наступнай функцыяй мастацтва. Натуралізм, эмоцыі і сіла ўяўлення выяўляліся ў мастацтве, але заўсёды праз прызму хрысціянства і яго распаўсюджвання па ўсім свеце. Гэты стылізаваны і ўрачысты мастацкі рух лічыўся спосабам непасрэднага зносін з Богам. Таму лічылася, што мастацтва, вырабленае ў гэты час, мае святую сілу. Праз сузіранне і медытацыю або малітву над рэлігійнымі іконамі рэлігійныя лідэры маглі адчуваць пасланні ад Бога.

Гэта мастацтва старанна рэгулявалася.

Дзе старажытнагрэчаскае і Рымскае мастацтва было даступна толькі мецэнатам і багатым сем'ям, раннехрысціянскае і візантыйскае мастацтва было даступна толькі тым, хто займаў высокае становішча ў царкве таго часу. Такім чынам, мастацтва было ўсё яшчэ вельмі таямнічым і спрыяльным. Зноў жа, у цэнтры ўвагі зусім не мастак як вытворца, але мастак быў проста сасудам, праз які Бог мог мець зносіны з людзьмі. Арыгінальнасць, крэатыўнасць або асабістае самавыяўленне не заахвочваліся.Замест гэтага мастакоў заахвочвалі як мага больш непасрэдна імітаваць абразы, у выніку чаго паўтараліся копіі адных і тых жа карцін.

Сярэднявечча (VI – XI стст.)

Уплыў язычніцтва стылізаваныя матывы былі ўключаны ў фігуратыўнае хрысціянскае мастацтва , каб сфармаваць адзіны від мастацтва, які перажыў падзенне Рымскай імперыі: рукапісныя ілюстрацыі. Мастацтва, створанае для ілюстравання і ўпрыгожвання спрошчаных рэлігійных тэкстаў, мела місіянерскую мэту і было створана для падтрымкі далейшага распаўсюджвання хрысціянства. Нягледзячы на ​​тое, што гэтыя рэлігійныя тэксты трэба было дакладна скапіяваць, у хрысціянскіх манахаў было больш свабоды ўключаць малюнкі, якія яны бачылі ў язычніцкіх вырабах з металу, ювелірных вырабах і невялікіх скульптурах, у свае ілюстрацыі святых гісторый.

Такім чынам, , акрамя перакладу пасланняў ад Бога, гэтыя біблейскія ілюстрацыі таксама выконвалі функцыю навяртання няверуючых.

Прыклад ілюмінаванага манускрыпта з сярэднявечнай Германіі, c. 15 стагоддзе; Метраполітэн-музей, CC0, праз Wikimedia Commons

Раманскае і гатычнае мастацтва (10-14 стст.)

Мастацтва гэтага перыяду ў асноўным стваралася ў выглядзе архітэктуры . Зноў жа, Бог быў у цэнтры функцыі гэтага мастацтва, паколькі пабудаваныя масіўныя і цудоўныя саборы павінны былі перадаць велічыню і сілу хрысціянскага Бога. Гадамі будаваліся цэлыя вёскінезвычайна дэталізаваныя цэрквы, без імя "мастака".

Гэтыя цуды архітэктуры былі створаны, каб праславіць Бога, і людзі стваралі іх не для ўласнай радасці, а з ідэя, што яны будуць перадаваць сваю адданасць Богу. Гэтая функцыя відавочная ў незразумелых месцах, дзе былі вылеплены мастацкія дэталі і дададзены карціны, каб было ясна, што мастацтва было створана не для чалавечага вока, а толькі для Бога.

З улікам гэтага, уражлівасць гэтых збудаванняў таксама служыла палітычнай мэты, бо насельніцтва цэлых каралеўстваў часта павінна было працаваць над гэтымі праектамі і плаціць падаткі на будаўніцтва гэтых сабораў, тым самым фінансаваўшы рост моцы хрысціянскіх цэркваў і іх палітычнай улады ў Еўропе.

Эпоха Адраджэння (1300 – 1600)

Адрыў ад старажытных культур і мастацтва адзначаны ўздымам Адраджэння. Ён быў сканцэнтраваны вакол новай чалавечнасці і рэалізму, якія паставілі чалавецтва і логіку ў цэнтр свету. Замест таго, каб абапірацца на класічную антычнасць, творы эпохі Адраджэння былі сканцэнтраваны на дбайным назіранні, якое характарызавалася яснасцю, гармоніяй, грацыяй, перспектывай і ўмелай складанасцю.

Адыход ад стылізаванага тагасветнага мастацтва, якое папярэднічала эпохі Адраджэння, мастакі ў эпоху Адраджэння былі зацікаўлены ў адлюстраванні рэалістычнага пачуцця трохмернагапрастору, эмацыянальную драму і больш натуралістычныя падзеі.

Хоць яны па-ранейшаму малявалі рэлігійныя сцэны (асабліва ў раннім Адраджэнні ), для гэтых мастакоў стала магчымасцю адлюстроўваць звычайныя людзі – тое, што (разам з выкарыстаннем перспектывы) раней не рабілася.

Функцыя мастацтва эпохі Адраджэння заключалася, такім чынам, у адлюстраванні новага гуманістычнага светапогляду – адыходу ад засяроджанасці на чалавечых дасягненнях або ўваходжання ў наступны свет, каб падкрэсліць свае дасягненні ў гэтым жыцці. Гэта змяніла грамадскія каштоўнасці, і мастацтва эпохі Адраджэння сыграла вельмі важную ролю ў дакументаванні і распаўсюджванні гэтага зруху. Яшчэ адной істотнай функцыяй мастацтва таго часу было дасягненне і адлюстраванне дасканаласці.

Шэсць тасканскіх паэтаў (1544) мастака-гуманіста і Адраджэння Джорджа Вазары; Джорджа Вазары, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Мастацтва барока (1600 – 1700)

Мастацтва барока, ракако і неакласіцызм былі вядомыя рознымі рэчамі, але перакрывалі адзін аднаго і мелі адну агульную рысу: яны аб'ядноўвалі разуменне і новыя адкрыцці Рэнесанс і старажытнае мастацтва, каб стварыць новы спосаб самавыяўлення.

Гэтыя перыяды мастацтва наступілі пасля палявання на дасканаласць і адмовіліся ад гладкіх, ідэальных цел Адраджэння, каб падкрэсліць драматызм чалавечага вопыту і рэлігійныя сцэны яшчэ больш.

Характарыстыка барокамастацтва - гэта надзвычайнае выкарыстанне стылю жывапісу, святлаценю. Гэта драматычнае асвятленне было выкарыстана, каб яшчэ больш паўплываць на чалавечыя эмоцыі падчас прагляду мастацтва. Гэта адзначыла зрух у функцыі мастацтва ад лагічнай да эмацыйнай.

Хрыстос, увянчаны шыпамі (1602-1604) Караваджа, прыклад барочнага жывапісу ў стылі святлаценю; Караваджа, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Ракако (1700 – 1780)

Мастацтва ракако , з другога боку, пакінула цёмныя кантрасты мастацтва барока ззаду для больш лёгкага адлюстравання і выгнутых ліній. У той час як мастацтва барока ненадоўга выкарыстоўвалася, каб вярнуць увагу моцы царквы пасля таго, як яна была крыху дэцэнтравана страсцю эпохі Адраджэння да логікі і чалавечых дасягненняў, ракако было легкадумным і адлюстроўвала вясёлыя і легкадумныя заняткі.

Гэты стыль узнік з-за патрэбы французскай каралеўскай сям'і перааформіць свае старыя парыжскія асабнякі.

Такім чынам, гэты стыль быў прамым указаннем на лад жыцця і каштоўнасці кіруючых уладаў Францыі. Ён распаўсюдзіўся па ўсёй Еўропе і стаў больш папулярным сярод іншых багатых сем'яў і каралеўскіх асоб, пакуль яго не замяніў больш «сур'ёзны» неакласіцызм.

Неакласіцызм (1750 – 1820)

Мастакі-неакласікі спрабавалі аднавіць мараль і духоўныя каштоўнасці Старажытнай Грэцыі і Рыма. Тым не менш, як было так шмат гісторыі паміж гэтымі мастакамі і іх ідэалізаваныхстаражытных папярэднікаў, змешаныя ўплывы таго, як змянілася мастацтва, былі відавочныя ў іх творчасці. Эпоха Асветніцтва паўплывала на тое, што гэтыя мастакі сфарміравалі зусім новы погляд на класічны свет.

Іх карціны мелі на мэце перадаць каштоўнасці парадку, яснасці, розуму і навуковага даследавання. З улікам сказанага, пасля рэвалюцыі ў Францыі стала ясна, што гэтыя творы часта служылі палітычным мэтам.

Тэпідарый (1853 г.) Тэадора Шасерыі, прыклад неакласічнага жывапісу гэтай эпохі; Théodore Chassériau, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

19-е стагоддзе і яго «-ізмы»

19-е стагоддзе характарызуецца хуткасцю, з якой мастацкія рухі змянялі выбар уверх. Вынаходніцтва фотаапарата і трубкі з фарбамі, а таксама змены ўлады і грошай у свеце падчас і пасля Першай сусветнай вайны прывялі да хуткага пераасэнсавання мастацтва. Ізмы (напрыклад, рамантызм, рэалізм і імпрэсіянізм ) пачалі з'яўляцца на сцэне і адзначылі гэтую хуткую змену, якая распаўсюдзілася на 20-е стагоддзе.

Мастакі былі вызвалены ад сваіх ролю дакументалістаў і маглі б пачаць больш крэатыўна адлюстроўваць свет са свайго асабістага пункту гледжання.

Жанчына разглядае карціну імпрэсіяніста для выставы ў Музеі Орсэ, За межамі імпрэсіянізму : Нараджэнне сучаснага мастацтва , 2014, Нацыянальны музей Карэі, Ёнсан-Гу,