Што такое авангарднае мастацтва? Авангардны стыль адносіцца да здольнасці сучаснага мастацтва да грамадскай, палітычнай і культурнай рэвалюцыі. Мастакі-авангардысты імкнуліся парушыць агульнапрынятыя мастацкія крытэрыі, каб выпрацаваць новыя парадыгмы творчасці. Гэта быў адзін з мастацкіх рухаў 20-га стагоддзя з рэвалюцыйнай сацыяльнай і палітычнай мэтай, жаданнем дэканструкцыі і аднаўлення сацыяльных інстытутаў, якія разглядаліся як непарыўна звязаныя з агульнапрынятымі стандартамі эстэтыкі.

Даследаванне Свет авангарднага мастацтва

Нягледзячы на ​​тое, што канцэпцыя авангарду мае на ўвазе заклапочанасць пракладаннем следу, практычна ва ўсіх выпадках гэта было матывавана жаданнем перадаць больш дакладны вобраз «рэальнасці». Мастакі-авангардысты стварылі мастацтва, якое звычайна інтэрпрэтавалася двума спосабамі. З аднаго боку, яно разглядаецца як цесна звязанае з прагрэсіўнай палітычнай ці сацыяльнай праграмай, з трансгрэсіўным мастацтвам, якое служыць платформай для падрыўной палітычнай дзейнасці.

Авангарднае мастацтва, з другога боку, разглядалася як сфера чыстага мастацкага эксперыменту, не абмежаваная ніякімі грамадскімі клопатамі.

Кожнае з гэтых двух значэнняў мае свае ўласныя гістарычныя апісанні, класіфікацыі і аналітычныя рубрыкі, якія часта супярэчаць адно аднаму. Карціны авангарда, як правіла, былі звязаны з пэўным рухам, пачынаючы ад імпрэсіянізму і заканчваючысярэдні клас, матэрыялістычны і непалітычны Клод Манэ.

Рускі канструктывісцкі кінаплакат братоў Стэнбергаў; Браты Стэнберг, CC BY-SA 4.0, праз Wikimedia Commons

У іх працах тэрмін «авангард» набываў больш чыста фармальнае значэнне, падкрэсліваючы мастацкую рэвалюцыю асобна ад любой палітычнай або сацыяльныя мэты. На працягу 20-га стагоддзя паняцце авангарда як непазбежнай сацыяльна-падрыўной дзейнасці ўсё часцей ставілася пад сумнеў. У той час як рускі канструктывізм і сюррэалізм мелі асноўныя сацыяльныя мэты, накіраваныя на аспрэчванне і змяненне грамадскіх нормаў, мастацкія плыні 20-га стагоддзя, такія як кубізм, падкрэслівалі фармалізм. Разрыў са шматвяковай практыкай лінейнай перспектывы Жоржа Брака і Пабла Пікаса не меў адкрытага сацыяльна-палітычнага матыву.

Пісьменнік і мастацтвазнаўца Клемент Грынберг зрабіў сабе імя сам у 1939 годзе, калі апублікаваў сваё самае вядомае эсэ «Авангард і кітч».

Апублікаванае ў Partisan Review , Грынберг сцвярджаў, што сапраўднае авангарднае мастацтва было занадта простым, каб выкарыстоўваць яго ў якасці прапаганды або сфармаваць для канкрэтнай мэты, у той час як ідэя «кітчу» была ідэальнай для распальвання фальшывых перакананняў. Паколькі тэорыі Клемента Грынберга пазней сталі звязаны з рухамі абстрактнага экспрэсіянізму і кубізму, ён звязаў авангард з тэхнікай «мастацтва дзеля мастацтва». Для яго мастацтва не было патрэбыабараняць яго рэальнасць на любых сацыяльных падставах або забяспечваць якія-небудзь палітычныя мэты.

Навука і авангардны стыль

Навуковыя дасягненні часта ўплывалі на мастакоў-авангардыстаў, якія спалучалі тэхналагічныя матывы і паняцці ў сваіх творчыя вынаходкі. Неаімпрэсіянізм быў адной з першых авангардных мастацкіх груп, якія адкрыта прынялі навуковыя гіпотэзы, заснаваныя на акадэмічных даследаваннях асвятлення сятчаткай вока. Жоржа Сёра характарызуюць як «майстра сваіх работ, які разбірае цэлае на асноўныя перадумовы, прадстаўляючы функцыянуючыя структурныя часткі ў канчатковай форме, без упрыгожванняў».

Вядомасць навукі і тэхнікі таксама паўплывала паўплывала на тое, як бачаць мастакоў і творы мастацтва.

Супрэматычная кампазіцыя: Белае на белым (1918) Казіміра Малевіча, знаходзіцца ў Музеі сучаснага мастацтва ў Нью-Ёрку , Злучаныя Штаты; Казімір Малевіч , Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Рускія канструктывісты лічылі сябе «інжынерамі-канструктарамі», як ілюструе аўтапартрэт Эль Лісіцкага «Канструктар» (1924) . Па словах Куспіта, «большасць твораў авангарднага мастацтва ў рэчаіснасці з'яўляюцца прарыўнымі, і большасць з іх вырабляюцца машынамі, а не ручной працай».

Магчыма, гэтыя канцэпцыі дасягнулі свайго росквіту ў сярэдзіне ХХ ст., рух «канкрэтнае мастацтва» і канцэпцыя стмастацкія творы, пазбаўленыя эмацыйнага ўдзелу мастака, таксама паўплывалі на стварэнне канцэптуальных твораў мастацтва пазней у стагоддзі.

Авангардны жывапіс

Хоць канцэпцыя авангарда прадугледжвае імкненне спрабаваць нешта новае практычна ва ўсіх абставінах, гэта было абумоўлена жаданнем адлюстраваць больш дакладны вобраз праўды. Гэта азначала адлюстраванне цяжкага працоўнага жыцця, якое было забаронена на акадэмічным палатне для Гюстава Курбэ, а для імпрэсіяністаў гэта азначала атрыманне светлавых эфектаў на сятчатцы вока ў момант усведамлення. Для канструктывістаў гэта таксама азначала адлюстраванне невыяўнай сапраўднай навуковай сілы, якая дзейнічае пад знешнасцю назіральнай рэальнасці.

Аднак жаданне адлюстраваць рэчаіснасць па-новаму дакладна было асноўнай мэтай ва ўсіх сітуацыях.

Мастэрка жывапісца (1855) Гюстава Курбэ

Гэты твор, які адлюстроўвае мастака, які ляжыць з пэндзлем і палітрай у руцэ, сузіраючы сцэну, якую ён маляваў, павінен стаць аналогіяй ладу жыцця мастака. Твор называўся «сапраўдная алегорыя, якая рэзюмуе сем гадоў майго жыццямастацка-этычнае жыццё» Курбэ. Аголеная мадэль, якая сімвалізуе музу, і малюсенькае дзіця, якое сімвалізуе нявіннасць, апраўляюць мастака, а прастора запоўнена мноствам знаёмых людзей. Шарль Бадлер, знакаміты паэт і крытык, сядзіць за пісьмовым сталом у дальнім куце, сярод культурнай эліты, у той час як розныя асобы з усіх слаёў грамадства сядзяць злева.

мастак заявіў, што хоча паказаць «грамадства ў яго лепшым, горшым і пасрэдным выглядзе».

Далей ён сказаў: «Быццам увесь сусвет ідзе да мяне, каб яго адлюстраваць. Справа ўсе акцыянеры, пад якімі я маю на ўвазе сяброў, калег і аматараў мастацтва. Іншая сфера паўсядзённага існавання знаходзіцца злева, з мноствам, роспаччу, галечай, грашыма, ахвярамі гвалту і крыўдзіцелямі, асобамі, якія зарабляюць на жыццё са смерці». Курбэ, піянер рэалізму, вызначыў гэтую канцэпцыю, заявіўшы: «Рэалізм — гэта дэмакратыя ў мастацтве». «Ён разглядаў свой лёс як бесперапынны авангардны рух супраць сілы акадэмізму ў мастацтве і жорсткасці ў грамадстве», — піша мастацтвазнаўца Лінда Нохлін.

Студыя жывапісца (1855) Гюстава Курбэ, які знаходзіцца ў Музеі д'Орсэ ў Парыжы, Францыя; Гюстаў Курбэ , Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Пасля адмовы суддзяў на Сусветнай выставе ў Парыжы 1855 г. паказаць гэты твор, Курбэ запусціў The Павільён вРэалізм, яго асабістая выстава, дзе ён таксама выстаўляў Пахаванне ў Орнане , у якой таксама было адмоўлена. Шоў Курбэ, якому дапамагаў яго спонсар Альфрэд Бруяс, якога таксама бачылі ў Майстэрні жывапісца, супраціўлялася афіцыйным месцам.

«Шырокія сацыяльныя ідэалогіі сярэдзіны 19-га стагоддзя не забяспечваюць інтэрпрэтацыю ў дастаткова складанай піктаграфічнай і стылістычнай формай прыкладна праз сем гадоў пасля рэвалюцыі 1848 г. у Мастэрні жывапісца Курбэ – твор Курбэ з'яўляецца «авангардным», калі мы разумеем інтэрпрэтацыю ў канцэпцыях этымалагічнага вываду як аб'яднанне грамадскага і творча прагрэсіўнага», - кажа Нохлін.

«Матэрыя жывапісца», такім чынам, з'яўляецца жыццёва важнай прэзентацыяй самых ліберальных палітычных ідэалаў на самай складанай фармальнай і даступнай іканаграфічнай мове у сярэдзіне 19 ст.

Le Déjeuner sur l'herbe (1863) Эдуарда Манэ

Узрушаючая пейзажная карціна Мане, якая адлюстроўвае двух цалкам апранутых мужчын, абедаючых на лужку з аголенай жанчынай, выклікала вялікі ажыятаж, калі была паказана ў Salon des Адмаўляецца, анвыстаўка карцін, адхіленых афіцыйным Парыжскім салонам у 1863 г.

Нягледзячы на ​​тое, што Мане ніколі цалкам не асацыяваў сябе з авангарднымі патрабаваннямі мастакоў-імпрэсіяністаў, маладое пакаленне творцаў бачыла ў ім узор для пераймання , і з такімі тварэннямі, як «Le Déjeuner sur l'herbe», ён, несумненна, працягваў ламаць многія вароты, праз якія пазнейшыя авангардныя творцы працякаюць у сваёй пагоні за унікальным.

Гэты твор быў авангардным у двух адносінах, супрацьстаячы як эстэтычным прынцыпам эпохі, так і яе капіталістычным маральным і сацыяльным ідэалам. У першым выпадку велізарны памер палатна супрастаўляўся з, здавалася б, банальнай, сучаснай тэматыкай твора, вобраз, адлюстраваны ў маштабе, звычайна прызначаным для гістарычных і легендарных тэм.

<27 Le Déjeuner sur l'herbe ( Luncheon on the Grass) (1863) Эдуарда Мане, які знаходзіцца ў Музеі д'Орсэ ў Парыжы, Францыя; Эдуард Манэ , Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Танальныя характарыстыкі твора таксама былі незвычайнымі, з рэзкім святлом і ценем, якія кантраставалі са знешняй сцэнай (у прыватнасці, Манэ ніколі не прымаў захапленне імпрэсіяністаў маляваць на Пленэры ) і звяртаць увагу на масіўную белую скуру асноўнага аб'екта.

І вялікая частка фонавых малюнкаў выглядала бязладна, амаль напалову завершанай , нібыаранжыроўка прыцягвала да сябе ўвагу як такая: простая фанабэрыя ці выдумка, ад якой адмовіліся да завяршэння. Але па-сапраўднаму ўразіла тэма твора. Аголеныя жанчыны былі дазволены ў акадэмічным мастацтве, калі яны адлюстроўваліся ў кантэксце гістарычнай сітуацыі, ставячы аголенасць на інтэлектуальную і маральную дыстанцыю.

Сцэна Мане адлюстроўвала аголенага чалавека без якіх-небудзь прыкмет заслону гістарычнай гісторыі, робячы яе больш яркай і ўразлівай для гледачоў. З такім стаўленнем ён расчысціў шлях для авангардных ініцыятыў наступных дзесяцігоддзяў, каб усё больш не баяцца аголенасці і маральнага непадпарадкавання.

Уражанне, узыход сонца (1872) Клод Манэ

Імпрэсіяністы на чале з Клодам Манэ былі першым авангардным рухам, які дасягнуць міжнароднай папулярнасці і рэпутацыі. Манэ адлюстроўвае світанак у партовым горадзе Гаўры, сямейным доме, куды ён вярнуўся на адпачынак, у гэтым творы, ад якога ўскосна паходзіць назва «імпрэсіянізм». Істотная сіняя і аранжавая палітра колераў у спалучэнні з хуткай, спантаннай працай пэндзля прызначана для адлюстравання візуальнагауражанне, створанае пейзажам у пэўны момант часу, а не падкрэсліванне кожнай дэталі.

Гэты рэвалюцыйны метад не суправаджаўся радыкальнымі сацыяльнымі перакананнямі ў прыкладзе Манэ, але ён паставіў яго ў характэрны «Авант -Garde” пазіцыя апазіцыйнасці да звычайнай культуры і свету мастацтва.

У 1862 годзе Манэ сустрэў групу маладых мастакоў у майстэрні мастака Шарля Глейра, у тым ліку Фрэдэрыка Базыля, П'ера- Агюст Рэнуар і Альфрэд Сіслей. Гэтыя мастакі, разам з Марызо і Пісара, склалі аснову стылю імпрэсіянізму, які развіваў свае канцэпцыі на працягу многіх гадоў - пад неафіцыйным кіраўніцтвам старэйшага мастака Эдуара Мане - перш чым дасягнуць фінансавага поспеху.

Уражанне, узыход сонца (1872) Клода Манэ, знаходзіцца ў Музеі Мармотана Манэ ў Парыжы, Францыя; Клод Манэ, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Мане і яго калегі заснавалі ўласны клуб, каб падтрымліваць і дэманстраваць сваё мастацтва пасля таго, як ім неаднаразова адмаўлялі Парыжскі салон. Нягледзячы на ​​тое, што мы знаёмыя з падыходам Манэ і яго сучаснікаў да фіксацыі свету прыроды, у той час было наватарскім перадаць нюансы аб'екта такім хуткім і інстынктыўным спосабам, як гэта было стварыць на месцы, як гэта рабіў Манэ ствараць Уражанне, узыход сонца .

Імпрэсіянізмфармальны прагрэс, а таксама яго непазбежны антаганізм да пануючых сацыяльных і культурных канвенцый, усталявалі параметры для эвалюцыі авангарднага мастацтва на працягу наступных паўтара стагоддзя.

Чорны квадрат (1915) Казіміра Малевіча

Гэты вядомы твор складаецца з чорны квадрат на белым фоне. Пры ўважлівым разглядзе кавалак дэманструе невялікія расколіны на паверхні, выкліканыя старэннем пігмента, а таксама малюнак і адбітак пальца. Тым не менш менавіта звядзенне вобразнай плоскасці да адзінай істотнай геаметрычнай формы вылучала твор адначасова як смелы экскурс у абстракцыю і выразную авангардную падзею. На Апошняй футурыстычнай выставе жывапісу ў Санкт-Пецярбургу ў 1915 г. карціна была паказана як хрысціянская ікона, паднятая і выстаўленая ў куце прасторы, як гэта было звычайна ў рускіх сем'ях.

Малевіч назваў гэты твор «пачатковай стадыяй чыстага вынаходніцтва ў мастацтве», «зародкам усіх магчымасцяў». Чорны квадрат у яго будучых творах стаў падразумяваным будаўнічым блокам.

У той час як кубісты кінулі выклік шматвяковым законам выявыМалевіч разглядаў авангардны жывапіс як пачатак новага грамадства, вызваляючы сябе ад адказнасці за поўнае адлюстраванне рэчаіснасці. Малевіч дамагаўся «свабоды рэчаў ад абавязкаў мастацтва» ў сваім артыкуле 1915 г. «Ад кубізму і футурызму да супрэматызму : новы рэалізм у жывапісе», прадстаўляючы супрэматызм — рух, заснаваны ім — як эвалюцыя кубізму, якая не зайшла дастаткова далёка. «Упрыгожаная паверхня — гэта жывая форма, якая дыхае.

Чорны квадрат (Чорны супрэматычны квадрат) (1915) Казіміра Малевіча, знаходзіцца ў Траццякоўскай галерэі ў Маскве, Расія; Казімір Малевіч , Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Формы супрэматызму, новага мастацкага рэалізму, ужо сведчаць аб адкрыцці структур з ніадкуль інстынктыўным розумам . Кубістычныя намаганні дэфармаваць сапраўдную форму і разбіць прадметы, накіраваныя на стварэнне вырабленых твораў самастойнага жыцця». Творчасць Малевіча была пад уплывам расійскага канструктывізму і атмасферы рэвалюцыйнага хвалявання ў папярэднія гады, бальшавіцкай рэвалюцыі 1917 года.

Чорны квадрат Малевіча быў выключным прыкладам авангарднай вынаходлівасці, скараціўшы плоскасці вобраза да мінімуму фармальных кампанентаў і звязваючы яго творы з рэвалюцыйным сацыяльным часам.

Дыскусія можа выглядаць інтэлектуальнай, але час важны дляад рэалістычнага да экспрэсіянізму да сучаснага мастацтва і г.д.

Частковая мэта і значэнне мастакоў-авангардыстаў заўсёды ўключала ў сябе вызначэнне дакладнага і сістэматычнага набору мэт сваёй працы, якія звычайна звязаны са згуртаванай сеткай калег або таварышаў, якія забяспечваюць аснову для іх стварэння.

Вытокі авангарднага мастацтва

Першапачаткова «Авангард» быў французскім ваенным слова для таго, што мы назвалі б наканечнік пяхоты на англійскай мове. Аднак самае ранняе выкарыстанне яго ў мастацтве папярэднічала нараджэнню якіх-небудзь асабліва авангардных мастацкіх груп на некалькі дзесяцігоддзяў. Тэрмін упершыню з'явіўся толькі ў дачыненні да французскага мастацтва, прычым аўтарам гэтага тэрміна лічыцца Анры дэ Сен-Сімон, французскі грамадскі мысляр.

Сен-Сімон, чые палітычныя і сацыялістычныя тэорыі мелі значны ўплыў, быў быў важным мысляром таго часу і верыў, што сацыяльная сіла мастацтва разам з навукоўцамі і прамыслоўцамі дапаможа мастакам стаць новымі кіраўнікамі грамадства. Пасля гэтага «авангард» стаў тэрмінам, які часта выкарыстоўваўся, калі гаварылі пра мастакоў, і многія прыпісвалі рэалістычны стыль карцін Гюстава Курбэ як асноўную адпраўную кропку.

Сен-Сімон пісаў: «Мы, мастакі, будзем служыць вам як авангард - здольнасць творцаў самая непасрэдная і непасрэдная: калі мы хочам прапагандаваць канцэпцыі сярод чалавецтва, мыавангардызм як суддзя якасці. Тэрмін «вайскоўцы» адносіцца да людзей, якія ідуць наперадзе рэгулярных сіл, тых, за кім у канчатковым выніку пойдуць масы. Важнасць авангарднага мастацтва збольшага вынікае з таго, што яно было створана першым. Чорны квадрат Малевіча з'яўляецца выдатным прыкладам, не ў апошнюю чаргу таму, што сам Малевіч датаваў твор, які лічыцца створаным у 1915 годзе, узмацняючы значэнне таго, што ён быў першым.

Калі Малевіч прайграў частка ў 1920-х, геаметрычная абстракцыя пусціла карані; эстэтычная каштоўнасць наступных мадэляў можа быць неадрознай, але іх мастацка-гістарычныя і, магчыма, рынкавыя каштоўнасці зусім іншыя.

Cut with a Kitchen Knife Dada (1919) Ханна Хёх

Наватарскі калаж Ханны Хёх выкарыстоўвае газету і часопіс выразкі, каб праілюстраваць глупства і разбэшчанасць сучаснага нямецкага грамадства. Па словах Анахід Нерсэссіі, «калаж - гэта глыбока экалагічны акт брыкалажу, спалучэнне прадметаў, якія азначаюць разбіты аспект цывілізацыі, з якой яны сабраны».

частка раскрывае культурныя палярнасці і падзелы пасляваеннага Берліна. Сярод выразак фотаздымкі мастачак Кэтэ Кольвіц і Полы Нэгры, а таксама палітычных інтэлектуалаў і лідэраў, такіх як Карл Маркс і Уладзімір Ленін.

Невялікая карта Еўропы ў правым ніжнім куце паказвае нацыі дзе жанчыны маюць права голасу. Хёх была вядомая сваімі рэзка палітычнымі калажамі, у якіх яна рабавала і камбінавала выявы і тэксты з СМІ, каб крытыкаваць масовую культуру, няўдачы Веймарскай рэспублікі і сацыяльна створаныя ролі жанчын. Наватарскае выкарыстанне Хёхам фотамантажу, каб паставіць пад сумнеў сацыяльныя, культурныя і эстэтычныя канвенцыі, зрабіла яе ключавым персанажам ранняга дадаізму і выбітнай фігурай авангарду ў найбольш сацыяльна заангажаваным сэнсе гэтага слова.

Яна паказала гэты твор, як і іншыя, на Першым міжнародным кірмашы дада ў Берліне ў 1920 годзе, дзе яе праца была высока ацэненая, нягледзячы на ​​тое, што яе калегі-мужчыны спачатку спрабавалі перашкодзіць ёй удзельнічаць.

Практыка фотамантажу стала вельмі папулярнай і была запазычана паслядоўнымі групамі ад сюррэалізму да Флюксуса на працягу 20-га стагоддзя. Як адзначае Хайдзі Хіршль Орлі, «дзёрзкія калізіі Хёх і перастаноўкі шырока распаўсюджаных фрагментаў вобразаў звязвалі яе працу з публікай і адлюстроўвалі дзёрзкае, скептычнае стаўленнеміжваеннай эпохі, якая многім здалася новай эпохай. Праз свае экстрэмальныя эксперыменты яна стварыла істотны авангардны эстэтычны слоўнік, які дагэтуль гучыць».

Тры музыкі (1921) Пабла Пікаса

З пачатку 1900-х гадоў Пабла Пікаса, адзін са стваральнікаў кубістычнага руху, ствараў авангардныя творы. Гэты твор 1921 года, з іншага боку, адлюстроўвае радыкальны сацыяльны кантэкст, з якім часта звязваўся авангард.

Правая фігура Арлекіна лічыцца Пікаса, які часта маляваў сябе як гарэзны персанаж італьянскага тэатра, а цэнтральным чалавекам у белым лічыцца Гіём Апалінэр, вядомы авангардны мастацтвазнаўца і блізкі сябар Пікаса.

Чалавек, апрануты як П'еро, іграе на музычным інструменце, але адчувае змрочную адчужанасць. Макс Джэйкабс, паэт і блізкі сябар, бачны справа ў манахскім адзенні, які далучыўся да бенедыктынскага манастыра ў Сен-Бенуа-сюр-Луары. Калі ён і Жорж Брак стварылі кубізм праз яго ўвасабленне аналітычнага і сінтэтычнага кубізму, Пікаса атрымаў вядомасць як выбітны авантарМастак гвардыі. Як следства, адной з самых авангардных груп з'яўляецца кубізм.

Фігуры былі разбіты на геаметрычныя формы, колеры сталі больш яркімі і зменшанымі, а калаж выкарыстоўваўся для стварэння вынаходніцкага выніку, які ўсё яшчэ ўплывае на мастацтва сёння. . Калі вы паглядзіце на храналогію гісторыі мастацтва, вы ўбачыце, што заходнюю візуальную цывілізацыю можна падзяліць на два розныя перыяды: да і пасля кубізму.

Гэты малюнак змяшчае два варыянты, абодва з якіх разглядаюцца як канец і кульмінацыя эпохі сінтэтычнага кубізму Пікаса.

Фігуркі размаляваныя, але яны выглядаюць як папяровыя выразы, сабраныя як пазлы з разнастайных шырокіх палос каляровай і фактурнай паперы. Пікаса адлюстраваў калекцыю твораў, у тым ліку гэтыя два, падчас адпачынку са сваімі сваякамі ў Фантэнбло, што таксама падкрэсліла вобразнасць Commedia dell' Arte і ўплыў тэатральнага дызайну, паколькі ён працаваў з прызнаным драматычным прадзюсарам Сяргеем Дзягілевым для Ballets Russes .

Нумар 1 (1949) Джэксана Полака

Гэта вялізная карціна з шалёным вірам рытмічна пералітых слаёў і лінійпрамысловая фарба, сімвалізуе метад «кропельнага малявання» Джэксана Полака, які даў пачатак у Паўночнай Амерыцы ў 1940-х гадах руху Action Painting. Паклаўшы палатно на падлогу і распыліўшы на яго фарбу з дапамогай розных інструментаў, Полак паспрабаваў дасягнуць свайго роду аб'яднання з незавершаным творам, каб стварыць эмацыйную энергію, неабходную для яго завяршэння: «Я адчуваю сябе больш спакойным на падлогу. Я адчуваю сябе бліжэй да карціны, больш яе часткай, бо магу абысці яе, працаваць з усіх чатырох бакоў і фізічна быць у ёй».

Яна дэманструе цудоўную разнастайнасць дызайну і аварыі пад уяўнай аднастайнасцю складу паверхні. Грынберг бачыў абстрактны экспрэсіянізм, асабліва творчасць Полака, вяршыняй авангарднага мастацтва, таму што яно прарвалася да незалежнай абстракцыі, свабоднай ад якіх-небудзь сацыяльных праблем. Праца Полака, згодна з гэтай інтэрпрэтацыяй, увасабляе авангарднае мастацтва ў яго фармальным, а не філасофскім значэнні.

Фармальная абстракцыя, піянерам якой сталі Пікаса і кубісты, дасягнула сваёй вяршыні ў 1940-я гады са з'яўленнем аванта. -Garde амерыканскае мастацтва, абстрактны экспрэсіянізм. Метад Полака адлюстроўваў яго перакананне, што «новыя патрабаванні патрабуюць новых падыходаў». Многія наступныя авангардныя мастакі - і, магчыма, многія папярэднія - прытрымліваліся падобнага прынцыпу, але стыль малявання кропельніцай Полака асабліва нагадваўцяперашні японскі рух Гутай.

Сёдзо Сімамота і Джыра Ёсіхара заснавалі гэтую групу, якая стварала эксперыментальныя творы, якія сціралі межы паміж перформансам, карцінамі і мастацкімі інсталяцыямі. «Усе яны імкнуліся разбурыць звычайны пэндзаль і перайсці да жывапісу і стварэння па-іншаму, - сказаў галерыст Дэвід Дэ Бак, - таму Шымамото літаральна выкідваў кантэйнеры, шкляныя бутэлькі, шклянкі, поўныя колеру, на палатно».

Гэты і некалькі іншых выпадкаў дэманструюць важнасць Полака ў вызначэнні кірунку авангарда ў канцы 20-га стагоддзя.

Imagen da Yagul (1973) Ана Мендзіета

Мастак аголены і ахінуты белым і зелянінай кветкі ў гэтым колеры, калі яна спачывае ў мясцовай дакалумбавай магіле, пабудаванай сапатэкамі. Расліннасць, якая засланяе яе верхнюю частку тулава, здаецца жывой, як быццам яна хутка прарастае з яе фігуры. Яна сыходзіць у нябыт, сімвал смерці і багацця. Гэта частка была часткай серыі Мендыеты, якая ўключала больш за 200 твораў, на многіх з якіх яна ляжала на зямлі, адбіваючы сваё цела абозмешваючыся з навакольным асяроддзем, такім як флора на гэтым здымку.

Серыял лічыцца папярэднікам розных авангардных рухаў, у тым ліку бодзі-арт.

Мендзьета Па словах гісторыка мастацтва Лауры Руле, праца ахоплівае шырокі спектр авангардных рухаў 1970-х гадоў – перформанс, канцэптуальнае, феміністычнае мастацтва і мастацтва ідэнтычнасці. Значная частка твораў Мендыеты патрабавала навігацыі і пераадолення абмежаванняў, некаторыя з якіх былі навязаны мастацкай індустрыяй, якая па-ранейшаму класіфікавала творы паводле полу, расы, асяроддзя, першага і трэцяга свету, а таксама як высокае ці нізкае мастацтва».

Мендзьета азначыў серыю наступным чынам: «Я працягваў размову паміж навакольным асяроддзем і жаночай фігурай (на аснове маёй уласнай формы), і мяне перапаўняе адчуванне таго, што мяне выгналі з улоння маці ( прырода). Я звязваюся з зямлёй праз свае скульптуры зямлі/цела; Я раблюся пашырэннем асяроддзя, а асяроддзе становіцца прадуктам майго цела». "Маё мастацтва - гэта тое, як я аднаўляю сувязі, якія звязваюць мяне з космасам", - сказала яна пра арыгінальнасць сваёй працы, якая была звязана як з эстэтычнымі, так і з грамадскімі зменамі.

Гэта завяршае гэты погляд на свет мастакоў-авангардыстаў і іх твораў. Нягледзячы на ​​тое, што фраза авангард першапачаткова ўжывалася да творчых метадаў стварэння мастацтва ў дзевятнаццатым і пачатку дваццатага стагоддзяў, цяпер яна выкарыстоўваецца длявызначае ўсе творы мастацтва, якія рассоўваюць межы інавацыйнага мыслення, і па-ранейшаму выкарыстоўваецца для характарыстыкі мастацтва, якое з'яўляецца рэвалюцыйным або прадстаўляе унікальнасць успрымання. Канцэпцыя авангарду замацоўвае канцэпцыю таго, што творы мастацтва павінны ацэньвацца ў асноўным на аснове якасці і ўнікальнасці бачання і канцэпцый мастака.

Часта задаюць пытанні

Што такое авангарднае мастацтва ?

Авангард кідае выклік таму, што лічыцца нормай, галоўным чынам у культурным свеце. Некаторыя разглядаюць авангард як рысу мадэрнізму. Многія мастакі атаясамлівалі сябе з авангардным рухам і працягваюць гэта рабіць, адсочваючы свае карані да дадаізму. Авангард таксама выступае за кардынальныя грамадскія пераўтварэнні. Сен-Сіманян спасылаўся на гэтае меркаванне, сцвярджаючы, што сіла мастацтва насамрэч з'яўляецца самым прамым і хуткім сродкам для грамадскай, палітычнай і эканамічнай рэвалюцыі.

Што вызначае стыль авангарднага мастацтва?

Нягледзячы на ​​тое, што тэрмін авангард быў упершыню ўжыты да творчых метадаў стварэння мастацтва ў дваццатым стагоддзі, цяпер ён выкарыстоўваецца для апісання ўсіх твораў мастацтва, якія рассоўваюць межы вынаходлівасці, і гэта ўсё яшчэ выкарыстоўваецца для апісання мастацтва, якое з'яўляецца наватарскім або сімвалізуе індывідуальнасць пункту гледжання. Філасофія авангарду лічыць, што мастацтва трэба ацэньваць перш за ўсё па арыгінальнасці і адметнасці бачання творцы ідумкі. Мастакі-авангардысты спрабавалі стварыць новыя парадыгмы вытворчасці, кідаючы выклік агульнапрынятым мастацкім стандартам. Гэта быў адзін з мастацкіх рухаў дваццатага стагоддзя з радыкальнай сацыяльна-палітычнай мэтай.

Хто былі важнымі мастакамі-авангардыстамі?

Большасць уплывовых мастакоў, якія былі аднесены да авангардных мастацкіх стыляў, былі вядомыя сваім укладам у адметныя моманты. Некаторыя з гэтых мастакоў уключаюць Марсэля Дзюшана, які стварыў сумна вядомы Фантан (1917) у эпоху дадаізму, Джэксана Полака, які ўдасканаліў тэхніку капежнага капання ў часы абстрактнага экспрэсіянізму, і Жоржа Брака, заснавальніка кубізму, сярод іншых .

Што азначае тэрмін Авангард ?

Першапачаткова французскае ваеннае слова, якое выкарыстоўвалася для абазначэння наканечніка пяхоты ў англійскай мове, тэрмін авангард упершыню з'явіўся ў свеце мастацтва і адносіўся толькі да французскага мастацтва. Французскі сацыялістычны мысляр Анры дэ Сен-Сімон прыдумаў назву.

Партрэт Анры дэ Сен-Сімона Гадэфруа Энгельмана (каля 1825 г.); Гадэфруа Энгельман , Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Тым не менш, з-за недахопу літаратурных працэдур ідэнтыфікацыі ў той час, а таксама цесных працоўных сувязяў Сен-Сімона са сваім вучнем Оліндэ Радрыгесам акадэмічныя інтэрпрэтацыі адносна сапраўднага паходжання гэтага паняцця адрозніваліся. У любым выпадку, відавочна, што, калі канцэпцыя авангарднага мастацтва пазней была звязана з рэвалюцыйнай эстэтыкай і працэдурамі, Сен-Сімон і яго вучні не цікавіліся такімі пытаннямі. Авангарднае мастацтва, на іх думку, — гэта тое, што служыць прынцыпам і прынцыпам сацыяльнага прагрэсу, «аказваючы канструктыўную ўладу над грамадствам».

Гэтая канцэпцыя, якая падкрэслівала і нават патрабавала клопату пра сацыяльныя змены, заставаліся пастаянным уплывам на авангардных мастакоў і каментатараў, нават калі іх падыходы сталі больш спецыялізаванымі.

Папярэднікі авангарднага стылю

Канцэпцыя авангарднага мастацтва узнікла ў перыяд сацыяльных узрушэнняў, і першапачаткова гэта была адна з некалькіх канкуруючых ідэй для яе апісання і разгляду. Аднак па сту пачатку 1800-х гадоў асабліва моцны ўплыў аказаў Сен-Сіманізм, які падкрэсліваў ролю эканамічнага класа і навукі ў аднаўленні грамадства.

Тэорыя Сен-Сімона была незвычайнай у тым, што яна пашырала ідэю сярэдні клас таксама ўключае навукоўцаў, прадпрымальнікаў, банкіраў і менеджэраў.

Фантан (1917) Марсэля Дзюшана, фота Альфрэда Штыгліца; Марсэль Дзюшан, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Гэта пашырэнне паслужыла мадэллю для канчатковага ўключэння творчых людзей усіх абласцей у якасці каталізатараў зменаў. Тэорыі Сен-Сімона набывалі моц да канца яго жыцця, калі шэраг вучняў, у тым ліку Бартэлемі Праспер Энфантэн, перанеслі іх у сярэдзіну дзевятнаццатага стагоддзя. Фрыдрых Энгельс і Карл Маркс, заснавальнікі камунізму, пазней віталі Сен-Сімона як «ідэалістычнага сацыяліста», сцвярджаючы, што яго погляды ўплываюць на іх уласныя.

Сен-Сімон таксама паўплываў на П'ера-Жазэфа Стварэнне анархізму Прудонам.

Уплыў Французскай рэвалюцыі

Паняцце авангарднага мастацтва сфармавалася ў Францыі ў пачатку-сярэдзіне 19-га стагоддзя. Гэтыя 18 гадоў былі адзначаны палітычнымі ўзрушэннямі, сацыял-рэвалюцыйнымі рухамі і антырэпрэсійнымі сіламі. Паўстанні і паўстанні ўспыхнулі па ўсёй Еўропе ў 1848 годзе, ад Італіі да Скандынавіі да Германіі і Венгрыі.

Сярод іх наступстваў былі шырокіяголад і беспрацоўе, няроўнасць індустрыялізацыі і ціск рэпрэсіўнага кіравання. Рэвалюцыі 1848 года былі таксама вядомыя як вясна народа, падкрэсліваючы інклюзіўную і дэмакратычную аснову групы.

Тэндэнцыі і канцэпцыі авангарднага мастацтва

Узніклі ў канцы 1960-х і у пачатку 1970-х гадоў авангардны стыль прывёў да з'яўлення абсалютна новых формаў сучаснага мастацтва, якія па азначэнні былі авангарднымі. Пераходзячы ад рэалізму да імпрэсіянізму , экспрэсіянізму і кубізму, мастакі-авангардысты імкнуліся вызначыць выразны набор мэтаў для сваіх твораў, якія моцна адыходзілі ад традыцыйных каштоўнасцей, якія падтрымліваліся раней.

Такім чынам, пачатак авангарднага мастацтва прывёў да пачатку сучаснага мастацтва ў грамадстве.

Як ключавое паняцце для разумення эвалюцыі мастацтва на працягу 20-га стагоддзя, авангарднае мастацтва было тоеснае паняццю «рух». Па словах сучаснага філосафа Алена Бад'ю, "больш-менш усё мастацтва 20-га стагоддзя прэтэндавала на ролю авангарда".

Часам, як у выпадку з кубізмам Жоржа Брака або арфізмам Дэланэ, авангард -Гардскі рух складаўся ўсяго з некалькіх асоб.

Сюррэалізм і дадаізм, з іншага боку, сталі сусветнымі рухамі. Незалежна ад іх размаху і значэння, авангардныя мастацкія плыні часта размяшчаліся ўсупрацьлегласць мінулым артадоксальным поглядам, незалежна ад таго, ці былі яны эстэтычнымі крытэрыямі або культурнымі і сацыяльнымі ўмоўнасцямі.

Музеі і галерэі

Адмова ад папярэдніх сацыяльных і мастацкіх артадоксацый была ключавой асаблівасцю авангарднага мастацтва. У выніку яго ранні поспех часта залежаў ад невялікай колькасці крытыкаў і галерыстаў, гатовых кінуць выклік устояным артадаксальным поглядам. Як адзначае мастацтвазнаўца Разалінда МакЭвер, «Авангард — гэта і назоўнік, і прыметнік.

Яно адносіцца да груп мастакоў і пісьменнікаў 19-га і пачатку 20-га стагоддзяў, якія стваралі і распаўсюджвалі мастацтва не так, як іх равеснікі; мастакі, якія самасвядома стваралі «ізмы», падтрымліваліся самі або рэцэнзентамі ў невялікіх часопісах, выстаўлялі і прадавалі свае творы ў асабістых галерэях або на выставах, якія кіруюцца мастакамі».

Заснаванне музея сучаснага мастацтва, самая першая ўстанова, прысвечаная сучаснаму мастацтву, замацавала дамінаванне авангарднага мастацтва як сусветнага культурнага руху ў 1929 годзе. Стварэнне музея стала кульмінацыйным доказам грамадскага і камерцыйнага трыумфу авангарднага мастацтва.

Бар, які кіраваўся Канвайлерам, таксама стварыў парадыгму, якая апісвае развіццё авангарднага мастацтва ў часе, ад Сезана да кубізму (якому надаецца галоўны прыярытэт), да абстрактнага мастацтва . Вера Бара ў навучанне свету авангарднаму мастацтву «прымусіла цэлую групулюдзей да сучаснага мастацтва». У той жа час «здольнасць суб'екта прадпісваць і рэгуляваць гісторыю мастацтва відавочная».

Адчужэнне і авангардысты

Рамантык пачатку 19 ст. групы былі першымі, хто вылучыў канцэпцыю самотнага і аўтаномнага мастака, які часта прадстаўляўся як тып байранічнага героя. Да сярэдзіны 19-га стагоддзя вобраз творчага чалавека як аўтсайдэра цывілізацыі, якога цураецца і адкідае тупая капіталістычная сацыяльная структура, не быў новым.

Да сярэдзіны 19-га стагоддзя гэта ператварылася ў больш прыкметнае адчуванне сацыяльнага адчужэння.

Ілюстрацыя Le rire (1887), упершыню паказаная ў 1883 годзе на выставе «Incohérents» Артура Сапека ( Eugène Bataille); Леанарда да Вінчы, Грамадскі набытак, праз Wikimedia Commons

Іх статус як часткі эліты ствараў клопаты для французскіх аўтараў і мастакоў сярэдзіны 91-га стагоддзя, такіх як Мане, Флобэра, аддзяляючы іх не толькі ад існуючых мастацкіх і сацыяльных арганізацый, але і ствараючы моцна адчувальныя ўнутраныя дыхатаміі». Гэта адчуванне ізаляцыі стала прыкметнай рысай мастакоў-авангардыстаў.

Авангард часта імкнуўся шакаваць публіку, каб падняць свядомасць адчужэння, якое ляжыць у аснове сучаснай рэчаіснасці.

Авангард разбурыў канцэпцыі нармальнасці або наўмысна культываваў пачуццё жудаснага(як у сюррэалізме.) Аўтаномныя і самотныя, эксцэнтрыкі тых, хто знаходзіцца ў стылі, сталі тэмай мастацтва і яго рухаючай сілай.

Анты-мастацтва

Пагарда да ідэй звычайнай культуры эстэтычнай прывабнасці або якасці было натуральным следствам пачуцця авангардысцкага мастака адчужанасці ад яго сімпатый і сацыяльных нормаў. Некаторая такая думка заўсёды ляжала ў аснове фармулёвак мастакоў-авангардыстаў, ад адкрытых адлюстраванняў жыцця рабочага класа Курбэ да імпрэсіяністаў , якія адмовіліся ад цяжкай аранжыроўкі і метадаў дапрацоўкі сучасных акадэмічных мастакоў.

Уяўленне аб тым, што мастацтва не павінна адпавядаць агульнапрынятым уяўленням аб эстэтычнай каштоўнасці, магчыма, дасягнула свайго зеніту ў 1910-я гады дзякуючы іканаборчай дзейнасці творцаў дадаізму.

Artist's Shit (1961) П'ера Манцоні; Енс Седэрск'ёльд, CC BY 3.0, праз Wikimedia Commons

Праца ў перыяд сусветнай вайны і ўзрушэнняў, калі ўсе грамадскія стандарты здавалася, вісела ў паветры, такія мастакі, як Марсэль Дзюшан , пачалі ствараць творы, пазбаўленыя якіх-небудзь пазнавальных эстэтычных атрыбутаў, у тым ліку, у выпадку Дзюшана, уяўлення, што яны былі зроблены мастаком. Яго масавыя вырабы, утылітарныя аб'екты, якія дэманстраваліся ў выглядзе скульптур, такія як кола ровара і ўнітаз, у той час сапраўды выклікалі трывогу, асабліва ў гледачоў, якіябылі добра знаёмыя з дасягненнямі кубізму.

Практычна ўсе наступныя інавацыі ў авангардным мастацтве грунтуюцца на перадумовы, што мастацтва не павінна ці не павінна прытрымлівацца традыцыйных уяўленняў аб прыгажосці ці эстэтычная каштоўнасць.

Канцэптуальнае мастацтва , адзін з самых уплывовых «неаавангардных» мастацкіх рухаў дваццатага стагоддзя, узнік з ідэі, што твор мастацтва можа быць проста запісам паняцця, не звязаным з якім-небудзь канкрэтным прадметам або малюнкам, у значнай ступені эстэтычна прыемным. Іншыя неаавангардныя плыні, якія ўзніклі пасля нараджэння авангарда, уключалі абстрактны экспрэсіянізм, новы рэалізм, оп-арт, поп-арт , кінетычнае мастацтва і мінімалізм.

Канцэптуальнае авангарднае мастацтва супраць фармальных версій

Паняцце авангарду спачатку было заснавана на адчуванні палітычнага або сацыяльнага паўстання. Курбэ прадбачыў, што прагрэсіўны мастак будзе ў супярэчнасці з дамінуючай сілай грамадства, і часам ён адкрыта, з'едліва і з відавочным задавальненнем сутыкаўся з сістэмай у лабавую барацьбу. Вобраз жывапісца як старонняга чалавека, якога арыстакратычнае грамадства пазбягала і няправільна інтэрпрэтавала, да сярэдзіны XIX стагоддзя не быў адзіным.

Тым не менш, сувязь авангарднага мастацтва з сацыяльнай трансфармацыяй заўсёды супярэчыла сацыяльным і фінансавым мэтам пэўных мастакоў-авангардыстаў, напрыклад