Artistas e pinturas famosas de naturezas mortas - Celebrações de objectos

John Williams 07-02-2024
John Williams

Os artistas de naturezas mortas têm vindo a criar pinturas que retratam arranjos de objectos inanimados desde a Idade Média. No final do século XVI, as pinturas a óleo de naturezas mortas tornaram-se um género significativo e distinto, com artistas especializados que retratavam composições de objectos do quotidiano, tanto artificiais como naturais.símbolos religiosos, mas em períodos posteriores foram utilizados por alguns artistas como objecto puramente estético.

Pinturas e artistas famosos de naturezas mortas

O que é uma natureza-morta? Uma pintura de natureza-morta pode conter um certo número de objectos que são colocados numa determinada disposição. Devido ao facto de ser um género popular, os artistas criaram tudo, desde pinturas realistas de frutas de natureza-morta a naturezas-mortas abstractas - cada uma dando à disposição objectiva de vários objectos a sua própria interpretação única.

Hoje, vamos descobrir mais sobre os mais famosos artistas de naturezas mortas e os quadros que são considerados os seus melhores trabalhos.

Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571 - 1610)

Nacionalidade do artista italiano
País de nascimento Itália
Data de nascimento 29 de Setembro de 1571
Estilo Associado Barroco

Caravaggio foi um importante e polémico pintor italiano. Abandonado aos 11 anos de idade, foi educado por um artista em Milão e mudou-se para Roma, onde a sua arte se tornou conhecida pela método do tenebrismo O seu sucesso, infelizmente, foi breve: Caravaggio partiu de Roma depois de matar uma pessoa numa briga.

Retrato a giz de Caravaggio por Ottavio Leoni, cerca de 1621; Ottavio Leoni, Domínio público, via Wikimedia Commons

O escândalo, por outro lado, alimentou a popularidade de Caravaggio e, à medida que a fama do pintor aumentava, aumentava também a sua angústia emocional. Era um indivíduo potencialmente violento, com extremos altos e baixos emocionais e uma propensão para o jogo e para a bebida. Era um brigão habitual, acabando por cumprir uma breve pena de prisão em 1603, em resposta à acusação de outro artista de que Caravaggio tinha agredidoele.

A cólera de Caravaggio acentuou-se nos anos que se seguiram.

Cesto de fruta (c. 1595)

Ano de conclusão c. 1595
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 31 cm x 47 cm
Actualmente alojado Biblioteca Ambrosiana, Milão

A obra de arte retrata uma simples cena de natureza-morta. Caravaggio retratou folhagem murcha, uvas caídas e até mesmo indícios de infecção no seu estilo vívido e corajoso, como evidenciado pelo buraco de minhoca no fruto. Talvez se trate de uma metáfora para as falhas da vida. Ou talvez Caravaggio tenha simplesmente retratado o que observou; só podemos adivinhar.

Cesto de fruta Repare nos frutos redondos, nos desenhos de folhas orgânicas, nos grupos de folhas e no recipiente tecido. Isto é visualmente atractivo porque dá uma sensação de ordem em toda a imagem.

As naturezas mortas são geralmente representadas de um ângulo mais baixo, o que faz sentido, uma vez que muitas composições de naturezas mortas se encontram em cima de mesas ou prateleiras por toda a casa, geralmente abaixo do nível dos olhos.

Cesto de fruta (c. 1595) de Caravaggio; Caravaggio, Domínio público, via Wikimedia Commons

Com Cesto de fruta A partir deste ponto de vista, é difícil obter uma noção de profundidade e de estrutura. Consideremos que o vime não é mais do que uma simples forma cilíndrica. Deste ângulo, não conseguimos ver os planos inferior e superior, e as bordas curvas parecem mais linhas rectas.forma rectangular em vez de uma forma tridimensional.

Clara Peeters (1594 - 1657)

Nacionalidade do artista flamengo
País de nascimento Bélgica
Data de nascimento 15 de Maio de 1594
Estilo Associado Natureza morta flamenga

Tendo em conta as restrições ao acesso das mulheres ao ensino criativo e à admissão no sindicato, Clara Peeters é conhecida como a maior artista flamenga da sua época, uma das poucas pintoras a exercer activamente a sua profissão na Europa do século XVII. Peeters destacou-se pelas pinturas de naturezas mortas com refeições e foi uma figura-chave na formação dos costumes dos "trabalhos de pequeno-almoço" holandeses, imagens de pratos básicos e"obras de banquete", com copos e recipientes luxuosos em metais raros.

Possível auto-retrato de Clara Peeters, sentada a uma mesa com objectos preciosos, c. 1618; Clara Peeters, domínio público, via Wikimedia Commons

Em 1611, estabeleceu-se em Amesterdão e foi registada pela primeira vez em 1617, em Haia. Alguns especularam que, como não existem obras visíveis de Peeters depois de 1621, ela basicamente deixou de criar depois de se casar, tal como Judith Leyster. Alguns pensam que Peeters pode ter liderado um modesto atelier de pintores, com base no número de alegadas reproduções da sua obra de arte por várias mãos.

Não há registo da data de morte de Peeters; no entanto, os académicos levantam várias hipóteses.

Natureza morta com queijos, amêndoas e pretzels (1615)

Ano de conclusão 1615
Médio Óleo sobre madeira
Dimensões 34 cm x 49 cm
Actualmente alojado Mauritshuis

O significado desta obra de arte não é totalmente compreendido, podendo ser um apelo à moderação ou uma alusão a A Última Ceia Para além das coisas mencionadas no título, esta fotografia apresenta ainda um remoinho de natas, figos e uma baguete. Ao longe, vê-se um copo veneziano dourado. Os figos e as nozes estão num prato feito em Wanli China.

Os objectos desta obra de arte eram frequentemente utilizados nas naturezas mortas de Peeters.

Natureza morta com queijos, amêndoas e pretzels (c. 1615) de Clara Peeters; Clara Peeters, domínio público, via Wikimedia Commons

O seu nome está pintado no punho da lâmina conjugal de prata e a imagem de Peeters está espelhada na manga do jarro situado por detrás dos queijos, seguindo assim as pisadas de Jan van Eyck, que se retratou a si próprio no reflexo da sua Retrato de Arnolfini Peeters criou sete auto-retratos no total. A origem histórica da obra de arte é desconhecida, tendo sido propriedade pessoal em França desde 1920 até 1998, altura em que foi vendida na Drouot-Richelieu, em Paris.

Foi adquirida pela Galeria Richard Green e transferida para um comprador privado nos Estados Unidos em 2000. Em Junho de 2012, o Museu Mauritshuis, em Haia, adquiriu a obra de arte.

Jacob Van Es (1596 - 1666)

Nacionalidade do artista flamengo
País de nascimento Bélgica
Data de nascimento c. 1596
Estilo Associado Barroco

Jacob van Es era conhecido pelas suas pinturas de naturezas mortas, muitas vezes de alimentos, mas também de flores em algumas ocasiões. Trabalhou em pinturas de grinaldas juntamente com outros pintores. Foi uma figura-chave do estilo arcaizante na arte flamenga de naturezas mortas, com Clara Peeters e Osias Beert. Não existem muitas informações disponíveis sobre a vida de Jacob Foppens van Es. De acordo com o texto num quadro, foi sobretudoprovavelmente nascido em Antuérpia, foi nomeado chefe do Grémio de São Lucas de Antuérpia em 1617.

Retrato de Jacob van Es, século XVII; Wenceslaus Hollar, Domínio público, via Wikimedia Commons

Já estava noivo de Joanna Claessens quando se registou como mestre em Antuérpia, e tiveram um filho chamado Nicolaas. Em 1648, foi eleito como um dos mestres da guilda. Van Es teve mais quatro filhos, três homens e três raparigas. A sua realização como pintor é evidenciada pelo facto de os seus quadros estarem documentados em várias colecções de Antuérpia do século XVII.

Dois dos seus quadros foram incluídos no catálogo do famoso artista barroco flamengo Peter Paul Rubens.

Natureza morta com frutas em porcelana (1630)

Ano de conclusão 1630
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 60 cm x 45 cm
Actualmente alojado Museu Getty Center

Natureza morta com frutos em porcelana retrata numerosos frutos dispostos em cima de uma mesa, com uma luz suave a iluminar a cena, acentuando a forma de cada elemento do quadro. O artista Van Es completou a obra em 1630, que se tornou uma das obras de natureza-morta mais emblemáticas da história.

O domínio de Van Es sobre a luz e a sombra, bem como a coloração orgânica de cada fruta e legume, estão patentes na fotografia.

Natureza morta com frutos em porcelana (c. 1630) de Jacob van Es; Jacob van Es, Domínio público, via Wikimedia Commons

Repare na reprodução da luz sobre os frutos semi-translúcidos, bem como no contraste evidente entre fundo e primeiro plano criado pela aplicação de sombras. Os críticos de arte atribuíram numerosas interpretações aos objectos sobre a secretária, tal como fizeram com Uma mesa de sobremesas Segundo uma explicação, a fruta vermelha no prato minúsculo no canto inferior direito do quadro representa a paixão e o amor sexual. No entanto, as cores ameixa e amarela podem indicar loucura ou fidelidade.

Pieter Claesz (1597 - 1661)

Nacionalidade do artista flamengo
País de nascimento Bélgica
Data de nascimento c. 1597
Estilo Associado Idade de Ouro Holandesa

O instrutor de Claesz não é claro, embora as suas primeiras peças datadas recordem as cenas de mesa meticulosamente organizadas dos artistas de Antuérpia Osias Beert e Clara Peeters. Os quadros de mesa de Claesz estavam repletos de uma grande variedade de alimentos e bebidas, dispositivos de tabaco e equipamento musical. Pintava com uma precisão significativa e examinava cuidadosamente os efeitos de luz, procurando aumentar a ilusão óptica através deorganizar os objectos em cima da mesa de forma a parecerem desaparecer no espaço.

Claesz utilizou uma paleta mais suave e monocromática entre 1630 e 1640.

Um grande plano de Natureza-morta Vanitas com auto-retrato (c. 1628) de Pieter Claesz, mostrando o reflexo do artista; Pieter Claesz, Domínio público, via Wikimedia Commons

Quando Willem Claesz Hed começou a pintar naturezas mortas em 1628, recorreu a Claesz para obter temas, bem como respostas estruturais e estéticas.

Constantijn Huygens incluiu Claesz numa lista de 1647 de artistas suficientemente talentosos para ajudar na ornamentação do Oranjezaal do Huis ten Bosch, especialmente nas partes que mostravam artigos de prata e ouro, no entanto, não se verificou que Claesz estivesse envolvido na encomenda

Vanitas com violino e bola de vidro (1628)

Ano de conclusão 1628
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 36 cm x 59 cm
Actualmente alojado Museu Nacional Alemão, Nuremberga

Pieter Claesz apresenta um conceito da sua arte nesta obra de arte. A iluminação atrai o olhar do observador para as numerosas características. O copo entornado, esvaziado até à última gota, parece representar a natureza fugaz dos prazeres terrenos. O relógio de bolso está virado para o lado oposto ao do observador e tem as costas abertas, como se alguém tivesse tentado compreender a essência enigmática do tempo. O violinoestá orientado diagonalmente para o pano de fundo, com o arco assente diagonalmente sobre os seus trastes.

A instrumentação representa, muito provavelmente, o contraste e o conflito entre as duas artes, a música e a arte.

Natureza-morta Vanitas com auto-retrato (c. 1628) de Pieter Claesz; Pieter Claesz, Domínio público, via Wikimedia Commons

A pena e o seu portador, juntamente com o volume, fazem alusão à escrita, à literacia e à vanitas A bola de vidro é um tema intrigante e invulgar. Um auto-retrato do artista no seu posto de trabalho é reflectido na sua superfície esférica. Por estar representado em efígie, o pintor não tem de autografar o quadro, que se torna assim um verdadeiro registo autobiográfico: o artista está na imagem. A projecção do seu auto-retrato na sua pintura de natureza-morta pode também servisto como um indício de que cada obra de arte esconde mais do que mostra.

Rachel Ruysch (1664 - 1750)

Nacionalidade do artista holandês
País de nascimento Países Baixos
Data de nascimento 3 de Junho de 1664
Estilo Associado Barroco, Século de Ouro Holandês

O pai da mãe de Rachel Ruysch, Pieter Post, era um designer de renome, e o pai, Frederik Ruysch, era um físico de renome. Aprendeu com o pai a observar e a documentar com precisão a vida selvagem. Aos 15 anos, Ruysch tornou-se assistente de Willem van Aelst, o proeminente pintor de flores. A partir daí, criou uma variedade de naturezas mortas, principalmente composições florais e cenários florestais.Em 1701, juntou-se à associação de artistas de Haia.

Retrato de Rachel Ruysch (antes de 1706) de Rachel Ruysch (auto-retrato); Godfried Schalcken, Domínio público, via Wikimedia Commons

Ruysch foi chamada a Düsseldorf muitos anos mais tarde para trabalhar como pintora real do Eleitor Palatino da Baviera, Johann Wilhelm, onde permaneceu de 1708 a 1716, altura em que o príncipe morreu. Ruysch continuou a pintar frutos e imagens florais para uma clientela abastada depois de se mudar para a Holanda. Continuou a ser pintora,escrevendo com confiança a sua idade num quadro que terminou em 1747, com 83 anos.

A fama de Ruysch nunca diminuiu, apesar das flutuações na atracção das obras florais nos anos que se seguiram ao seu falecimento.

Flores num vaso de vidro (1704)

Ano de conclusão 1704
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 83 cm x 66 cm
Actualmente alojado Museu de Arte de Toledo

Esta obra-prima é uma parte célebre da produção de Ruysch, mostrando as suas capacidades no auge da sua profissão. As narinas do observador são preenchidas com o agradável e sedutor aroma das flores a desabrochar. Escaravelhos, borboletas e outros insectos zumbem e esvoaçam de uma flor para a outra e de um botão para o outro. Alguns parecem estar à procura do pólen mais saboroso, enquanto outros se sentam calmamentenos rebentos e na folhagem do arranjo, com as suas antenas a moverem-se intermitentemente em diferentes direcções para manterem uma noção do seu ambiente.

As curvas dinâmicas do bouquet, incluindo os seus níveis intrincados e sobrepostos, tornam difícil para o observador identificar um único ponto de entrada no denso arranjo de Ruysch.

Flores numa jarra de vidro sobre uma mesa de mármore (1704) de Rachel Ruysch; Rachel Ruysch, Domínio público, via Wikimedia Commons

A grande quantidade de variedades florais, a sua diversidade de tamanhos e formas e as suas tonalidades vibrantes deslumbram a mente do público e implicam um elevado grau de conhecimento biológico. As tonalidades das flores intensificam-se e aumentam contra o fundo escuro e sombrio da obra de arte. As flores brancas e cor-de-laranja vivas no meio atraem imediatamente o olhar do público. A partir deste ponto de vista, o espectador observaas três delicadas rosas repolho cor-de-rosa que fazem um arco suave em direcção à base do bouquet.

Paul Cézanne (1839 - 1906)

Nacionalidade do artista francês
País de nascimento França
Data de nascimento 19 de Janeiro de 1839
Estilo Associado Pós-Impressionismo

A obra de Paul Cézanne lançou as bases para a passagem de uma ideia de criação artística do século XIX para um mundo artístico novo e fundamentalmente alterado no século XX. Cézanne pode ser visto como a ponte entre o final do século XIX e o século XX. Impressionismo e a nova via de exploração criativa do início do século XX, o cubismo.

O adágio atribuído tanto a Picasso como a Matisse, segundo o qual Cezanne "é o pai de todos nós", é difícil de ignorar.

Auto-retrato sobre um fundo cor-de-rosa (c. 1875) de Paul Cézanne; Paul Cézanne, Domínio público, via Wikimedia Commons

O trabalho de Cézanne exemplifica a sua perícia em composição, cores, arranjos e modelação. A sua pincelada, tipicamente recorrente, delicada e curiosa, é distinta e facilmente identificável. Utilizou planos de cor e pinceladas minúsculas para criar áreas intrincadas que eram simultaneamente um reflexo directo das percepções do olho que vê e uma abstracção do que pode ser visto na natureza.

A sua avaliação minuciosa dos seus objectos, o seu olhar perscrutador e a sua tentativa tenaz de lidar com as complexidades do processamento visual humano estão patentes nas pinturas.

Cortina, jarro e taça de fruta (1894)

Ano de conclusão 1894
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 59 cm x 72 cm
Actualmente alojado Colecção particular

O talento de Cézanne para criar objectos de natureza morta com uma precisão espantosa está patente na sua obra intitulada Cortina, jarro e fruteira. Esta peça foi criada em 1894 e tem sido elogiada pela forma distinta como o artista preenche o arranjo com uma visão matizada. Esta peça está entre as mais valiosas pinturas de naturezas-mortas de fruta alguma vez compradas num leilão, tendo atingido mais de 60 milhões de dólares em 1999.

Um exame mais atento da imagem faz com que o espectador sinta que pode esticar-se e agarrar uma das maçãs ou pêras que estão a amadurecer.

Cortina, jarro e fruteira (1893-1894) de Paul Cézanne; Paul Cézanne, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

A habilidade de Cézanne para harmonizar as tonalidades de cada peça de fruta, que variavam de tons alaranjados a verdes profundos, foi elogiada por muitos especialistas em arte. Ele abordou eficazmente o problema do espaço; parece tridimensional, apesar do facto de a superfície da pintura ser bidimensional. O quadro recorda o aroma da fruta, que parece ter sido levantada da mesa, e produz uma sensação agradável e familiarambiente.

O sentimento de beleza e de prazer do artista é transmitido através da obra.

Paul Gauguin (1848 - 1903)

Nacionalidade do artista francês
País de nascimento França
Data de nascimento 7 de Junho de 1848
Estilo Associado Simbolista, Pós-Impressionismo

Paul Gauguin foi um importante artista pós-impressionista. As suas ousadas experiências de coloração abriram caminho para o estilo sintético da arte contemporânea, enquanto a sua apresentação do significado intrínseco dos temas nas suas telas, influenciada pelo estilo cloisonne, abriu caminho para o primitivismo e para uma reintrodução da pastoral. Foi também um proeminente defensor das formas de arte da xilogravura e gravuras.

Gauguin foi uma peça-chave no movimento de pintura simbolista do início do século XX.

Auto-retrato com auréola ou Auto-retrato com serpente (1889) de Paul Gauguin; Paul Gauguin, Domínio público, via Wikimedia Commons

A utilização de cores vivas, proporções corporais acentuadas e elementos contrastantes nas suas telas distinguiram-no dos seus pares, abrindo caminho para o estilo de arte Primitivismo. Gauguin aspirava a fugir aos constrangimentos da sociedade europeia em 1891, e acreditava que o Taiti lhe poderia proporcionar alguma independência emocional e artística.

Quando Gauguin chegou ao Taiti, não gostou de descobrir que as autoridades coloniais francesas tinham ocidentalizado a maior parte do país, pelo que optou por viver entre os povos indígenas e não entre os europeus que residiam na cidade.

Jarra de madeira e jarro de metal (1880)

Ano de conclusão 1880
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 40 cm x 33 cm
Actualmente alojado Instituto de Arte de Chicago

O pintor Paul Gaugin era muito parecido com o célebre artista de naturezas mortas Vincent Van Gogh, ao ponto de as suas técnicas de pintura serem bastante comparáveis. Jarra de madeira com jarro de metal de Gauguin tem tons idênticos aos de muitos dos quadros de Van Gogh.

No entanto, tem também as qualidades únicas e distintas que fazem dela uma das mais famosas pinturas de naturezas mortas existentes.

Jarra de madeira e jarro de metal (1880) de Paul Gauguin; Paul Gauguin, Domínio público, via Wikimedia Commons

Esta obra, produzida em 1880, é há muito elogiada pelos críticos e entusiastas da arte pela sua utilização de elementos opostos. O artista representa o frasco de madeira e o jarro de metal de tal forma que o método único de reflexão da luz de cada objecto é realçado, chamando toda a atenção do público para cada um deles. A pintura está agora alojada no Instituto de Arte de Chicago.

Vincent van Gogh (1853 - 1890)

Nacionalidade do artista holandês
País de nascimento Holanda
Data de nascimento 30 de Março de 1853
Estilo Associado Pós-impressionista

Vincent van Gogh Filho de um pregador e criado num ambiente tradicional e sofisticado, era uma pessoa extremamente emotiva, que não tinha muita auto-confiança e se debatia com a sua personalidade e vocação. Pensava que o seu verdadeiro objectivo era evangelizar; no entanto, levou anos a encontrar o seu verdadeiro destino como pintor.

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Quando tomou a decisão de se tornar pintor, entre 1860 e 1880, van Gogh já tinha tido dois interesses amorosos insatisfatórios e decepcionantes e tinha trabalhado ineficazmente como caixa numa livraria, representante de vendas de arte e evangelista.

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Auto-retrato (c. 1887) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Domínio público, via Wikimedia Commons

As melhores obras de Van Gogh foram criadas em menos de três anos, utilizando um estilo que se tornou cada vez mais apaixonado pela pincelada, pelas cores metafóricas e vivas, pela tensão da superfície e pelo movimento e ressonância dos contornos e da forma. A combinação distintiva de Van Gogh de conteúdo e forma é forte; apaixonada, poeticamente harmónica, criativa e apaixonada, pois o pintor estava totalmente envolvido naO seu esforço para transmitir a sua luta contra a loucura ou a sua compreensão da essência divina da natureza e de Deus.

Girassóis (1889)

Ano de conclusão 1889
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 95 cm x 73 cm
Actualmente alojado Museu Van Gogh, Amesterdão

As obras de girassóis de Vincent van Gogh estão entre as mais conhecidas. Van Gogh produziu-as em Arles, a cidade mais a sul de França. Van Gogh criou cinco grandes quadros com girassóis num recipiente em três tons diferentes de amarelo "e nada mais". Com esta abordagem, provou que era possível produzir uma pintura a óleo de natureza morta com muitas mudanças de uma cor específica, mantendo a elegância.

As pinturas de girassóis tinham um significado único para Van Gogh: exprimiam "apreço", observou.

Girassóis (Terceira Versão) (1888) de Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, Domínio público, via Wikimedia Commons

Os dois primeiros foram pendurados no quarto do seu conhecido, o artista Paul Gauguin, que foi viver com van Gogh durante algum tempo. Os girassóis, que Gauguin acreditava serem "totalmente Vincent", impressionaram-no. Durante a visita do seu amigo, Van Gogh já tinha criado uma nova versão, e Gauguin pediu uma de presente, que van Gogh hesitou em oferecer-lhe. No entanto, mais tarde criou duasversões separadas, uma das quais se encontra actualmente no Museu Van Gogh.

Henri Matisse (1869 - 1954)

Nacionalidade do artista francês
País de nascimento França
Data de nascimento 31 de Dezembro de 1869
Estilo Associado Fauvismo

Henri Matisse O pintor francês, conhecido pela sua utilização da cor e pelo seu desenho fluido e inovador, foi um dos líderes indiscutíveis da pintura do século XX. Foi desenhador, pintor e escultor, mas é mais conhecido como pintor.

Matisse, juntamente com Marcel Duchamp e Picasso, é amplamente reconhecido como um dos três artistas que contribuíram para caracterizar os desenvolvimentos revolucionários nas formas de arte no início do século XX, a quem se atribuem mudanças emocionantes na escultura e na pintura.

Retrato de Henri Matisse, 1933; Carl Van Vechten, Domínio público, via Wikimedia Commons

Apesar de ter sido inicialmente apelidado de Fauvista O seu domínio das linguagens dinâmicas da cor e do desenho, evidenciado por uma obra que se estende por mais de meio século, valeu-lhe a proeminência como líder proeminente da arte contemporânea.

Em 1952, fundou um museu para acolher a sua obra na sua cidade natal, que alberga actualmente o terceiro maior arquivo de pinturas de Matisse em França.

Natureza morta com um jarro de estanho e uma estatueta cor-de-rosa (1910)

Ano de conclusão 1910
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 90 cm x 117 cm
Actualmente alojado Museu Hermitage, Rússia

Natureza morta com um jarro de estanho e uma estatueta cor-de-rosa é um dos quadros mais conhecidos de todos os tempos. O quadro foi pintado em 1910 e apresenta objectos em cores vivas sobre uma espécie de armário. Esta peça pertence à fase fauvista de Matisse, quando este era reconhecido por combinar tons extremamente brilhantes com um estilo de pintura linear.

O quadro tem as conhecidas paredes azuis que eram comuns em várias pinturas de Matisse, uma vez que representavam o aspecto geral da sua residência perto de Paris. O fauvismo era uma técnica de pintura que enfatizava a extracção das cores vibrantes de cada objecto único, como Matisse consegue neste quadro.

Esta abordagem levá-lo-ia posteriormente a uma posição de destaque entre os pintores que trabalham no Modernismo do século XX.

Georges Braque (1882 - 1963)

Nacionalidade do artista francês
País de nascimento França
Data de nascimento 13 de Maio de 1882
Estilo Associado Fauvismo, Cubismo

Georges Braque esteve na vanguarda do Cubismo, um estilo artístico inovador. Ao longo da sua carreira, o trabalho de Braque centrou-se em naturezas mortas e em métodos de visualização de objectos a partir de múltiplos pontos de vista, utilizando matizes, formas e texturas. Pablo Picasso e as suas obras cubistas são mais recordadas, Braque teve uma carreira artística ilustre que se prolongou muito para além desse período.

Embora tenha começado por ser um seguidor dos fauves, só quando conheceu Picasso é que Braque começou a estabelecer uma técnica cubista.

Fotografia de Georges Braque, 1908-1910; Fotógrafo não identificado, anónimo, Domínio público, via Wikimedia Commons

Embora ambas as telas tenham muitos paralelos em termos de cor, técnica e material de origem, Braque disse que a sua obra, ao contrário da de Picasso, era "desprovida de observações iconológicas" e preocupava-se apenas com imagens e arranjos. Nas suas obras, Braque procurou a harmonia e o equilíbrio, utilizando particularmente collés de papel, um método de composição de papel colado criado por Braque e Picasso em 1912. Braque, por outro ladomão, empurrado arte de colagem para o nível seguinte, colando publicidade cortada nas suas obras de arte.

Isto previu tendências da arte contemporânea centradas na crítica dos media, tais como Arte pop.

Violino e castiçal (1910)

Ano de conclusão 1910
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 61 cm x 50 cm
Actualmente alojado Museu de Arte Moderna, São Francisco

A obra de Georges Braque é Violino e castiçal A obra foi criada em Paris, em 1910, e é produzida de forma monocromática, o que significa que utiliza apenas uma tonalidade, mas com muitos tons distintos dessa tonalidade. Inclui também um motivo de natureza-morta, o que implica que os elementos da imagem foram meticulosamente colocados. Alguns dos objectos, como o violino e a vela, podem ser vistos claramente, mas é difícil identificar o que os outros objectossão.

Trata-se de uma obra de arte que fractura, quebra e comprime coisas familiares e as volta a montar em vários pontos de vista a uma escala minúscula, como consequência da sua paixão pela solidez e pela forma e da sua ambição de explorar o Cubismo Analítico.

O artista descreveu a segmentação como uma estratégia para se aproximar de um objecto. Dispõe numerosas superfícies numa tela plana para dar aos visitantes uma perspectiva tridimensional sobre um fundo bidimensional. Este quadro foi concebido para ser observado de várias perspectivas. Além disso, combina os objectos com o fundo abrindo as peças delineadas a preto e sobrepondo os seus bordos comtons de terra em toda a imagem.

Giorgio Morandi (1890 - 1964)

Nacionalidade do artista italiano
País de nascimento Itália
Data de nascimento 20 de Julho de 1890
Estilo Associado Futurismo

Giorgio Morandi, a famoso artista italiano O seu método de comunicação preferido são as naturezas-mortas de garrafas em cenários neutros, que alguns consideram aborrecidos, mas que outros acham infinitamente apelativos. É o tipo de obra de arte que se pode contemplar durante horas, absorvido pela sua tranquilidade. E são o tipo de telas que fazem com que olhar para elas pareça que se está a contemplar a própria arte - o processo,o resultado, o estranho diálogo que um quadro pode emitir.

Embora o estatuto de Morandi entre os conhecedores de arte seja seguro, ele continua a ser uma personagem única e algo misteriosa que não está fortemente associada a nenhuma escola ou período.

Fotografia do pintor italiano Giorgio Morandi (antes de 1965); Autor desconhecido anónimo / Imagno, domínio público, via Wikimedia Commons

Antes do seu falecimento, em 1964, parecia viver para além do tempo, no seu próprio universo. Era um artista cuja vida poderia parecer tão misteriosa e contemplativa como as imagens que criava. Possivelmente apropriado para um pintor cujo ponto de vista era tão próximo e pessoal, era conhecido por ficar perto de Bolonha - o local da sua morte, bem como da sua vida, e a residência de um museu dedicado à sua obra de arte comobem como o seu estúdio mantido, que podem ser visitados.

Natura Morta (1951)

Ano de conclusão 1951
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 24 cm x 32 cm
Actualmente alojado Museu de Arte Moderna, São Francisco

O estilo característico de Morandi era a tranquilidade e a reclusão. Em 1920, Morandi estava a afastar-se de di Chirico e a adoptar a sua própria estética. Nesta obra de arte, abandonou as sombras intensas e as linhas escuras e nítidas em favor de uma iluminação mais suave e ambiente. O pão, a fruta e o recipiente vazio na obra de arte aludem a um jantar modesto, em consonância com a narrativa que cresceu em torno de Morandi.

É considerado um homem modesto e isolado, conhecido como "O Monge".

Solteiro convicto, passou a maior parte da sua vida profissional num pequeno apartamento com as suas irmãs, onde o seu quarto servia também de oficina. A simplicidade desta peça chama a atenção do espectador para as formas de cada objecto e não para as tonalidades que normalmente acompanham cada um deles. Obras de arte de Morandi porque não se enquadrava em nenhum tipo de pintura de natureza-morta e parecia pertencer a um género distinto.

Salvador Dalí (1904 - 1988)

Nacionalidade do artista espanhol
País de nascimento Espanha
Data de nascimento 11 de Maio de 1904
Estilo Associado Surrealismo

Quando Dalí era criança, diziam-lhe muitas vezes que ele era a reencarnação do seu irmão que tinha falecido, o que certamente imprimiu uma variedade de crenças na criança sensível. O seu carácter de grandeza cresceu juntamente com a sua paixão pela pintura desde tenra idade. Diz-se que Dalí tinha birras erráticas, frenéticas e cheias de raiva contra os seus familiares e amigos.

Dalí encontrou uma inspiração significativa nos seus primeiros ambientes na Catalunha, e muitas das suas cenas tornar-se-iam temas recorrentes nas suas grandes obras de arte posteriores.

Salvador Dali com a sua jaguatirica de estimação, Babou, e bengala, 1965; Roger Higgins, fotógrafo da equipa do World Telegram, domínio público, via Wikimedia Commons

O seu pai advogado e a sua mãe fomentaram o seu interesse emergente pela pintura. As pinturas de Dalí em meados da década de 1930 são particularmente indicativas das suas opiniões relativamente à condição psicológica da paranóia e ao seu significado como tema. Dalí retratou cadáveres, ossos e itens metafóricos que representavam preocupações sexualizadas de figuras paternas e esterilidade, bem como motivos que aludiam aMuitas das obras mais conhecidas de Dalí datam desta época prolífica.

Natureza morta (1956)

Ano de conclusão 1956
Médio Óleo sobre tela
Dimensões 125 cm x 160 cm
Actualmente alojado Museu Salvador Dali

Salvador Dalí criado Natureza morta A obra é composta por muitas ideias que tentam explicar as ligações entre a consciência e a teoria quântica. A ciência nuclear, a arte contemporânea e o tradicionalismo, bem como os pensadores espanhóis, estão todos incorporados nas muitas ideias. A obra foi concluída em 1956 e está actualmente alojada no Museu Salvador Dalí em St.Petersburg, Florida.

O termo deriva do termo francês "nature morte", que significa "natureza morta".

Como resultado, ao acrescentar "Vivante", que significa "actividade rápida mais um certo carácter vivaz", Dalí intitulou efectivamente a peça "natureza morta em movimento". Isto liga-se ao seu conceito de Misticismo Nuclear, que combina arte, física e ciência. Dalí inspirou-se em Floris van Schooten e na sua obra de arte Mesa com comida pelo seu trabalho.

O trabalho de Van Schooten, que era um estilo de arte prevalecente na altura, era uma natureza-morta convencional que mostrava bebidas e comida numa mesa com uma toalha de mesa branca e limpa. Dalí quis acrescentar a sua opinião e, ao representar todas as coisas em movimento, deu-lhe o seu cunho surrealista.

E assim termina a nossa lista de artistas e pinturas de naturezas mortas famosas. Estas pinturas a óleo de naturezas mortas conseguiram captar a imaginação da população mais do que a maioria das outras. Desde pinturas de naturezas mortas de frutas a naturezas mortas surreais e abstractas, continuam a encantar o público ao longo dos tempos.

Veja aqui a nossa famosa história de pinturas de naturezas mortas!

Perguntas mais frequentes

O que é uma natureza morta?

Uma natureza-morta é um tipo de forma de arte em que o artista tenta capturar um conjunto específico de objectos. Estes objectos são normalmente inanimados e podem ser orgânicos ou feitos pelo homem. Embora o artista possa retratar objectos do quotidiano, cada natureza-morta será única com base na interpretação do artista.

Que objectos aparecem normalmente nas naturezas mortas?

Os artistas utilizam qualquer coisa, desde objectos naturais a objectos criados pelo homem. Algumas das primeiras naturezas mortas utilizavam objectos com significado religioso. Agora utilizam qualquer coisa que sintam que representa a sua própria mensagem ou simplesmente pelo valor estético do objecto.

John Williams

John Williams é um artista experiente, escritor e educador de arte. Ele obteve seu diploma de bacharel em Belas Artes pelo Pratt Institute na cidade de Nova York e, mais tarde, fez seu mestrado em Belas Artes na Universidade de Yale. Por mais de uma década, ele ensinou arte para alunos de todas as idades em vários ambientes educacionais. Williams exibiu suas obras de arte em galerias nos Estados Unidos e recebeu vários prêmios e bolsas por seu trabalho criativo. Além de suas atividades artísticas, Williams também escreve sobre temas relacionados à arte e ministra workshops sobre história e teoria da arte. Ele é apaixonado por encorajar os outros a se expressarem através da arte e acredita que todos têm capacidade para a criatividade.