Todos nós conhecemos a América do Sul, as culturas latinas e as suas línguas. Se vive na América, tem uma experiência e interacção em primeira mão com as culturas latinas, que são culturalmente diversas e ricas no seu património artístico, musical, gastronómico, linguístico e muito mais. Mas até que ponto conhecemos realmente as culturas latino-americanas? É aqui que a nossa história da arte latinaNeste artigo, abordaremos a arte sul-americana e o seu enquadramento no colectivo mais vasto da arte latino-americana.

Breve panorama histórico da América Latina

Quando falamos de arte sul-americana, estamos a falar de um dos muitos ramos que compõem a arte latino-americana. Em primeiro lugar, o termo América Latina é um termo colectivo que engloba áreas da América do Sul, da América Central, bem como países das Caraíbas. Inclui países onde as línguas são originárias da língua latina, como o francês, o espanhol e o português.

Se olharmos especificamente para a América do Sul, esta inclui países como a Argentina, Bolívia, Brasil, Chile, Colômbia, Equador, Guiana, Paraguai, Peru, Suriname, Uruguai, Venezuela, entre outros.

Mapa político da América do Sul; Fonte elevada, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

A história da arte latina tem estado intimamente ligada à história profundamente enraizada das Américas. Além disso, as artes latinas têm tido uma base e uma recepção instáveis por parte da sociedade, sendo muitas vezes ignoradas e consideradas periféricas ou "outras", e talvez compreendidas sobretudo através de várias perspectivas estereotipadas.

Mas esta situação tem vindo a mudar à medida que a América tem vindo a abraçar cada vez mais as suas raízes latinas, e vemos colecções de pintura latino-americana em exposições e mostras em todas as instituições culturais. Há um maior destaque para o valor inerente à arte latino-americana, e assim todos os outros ramos, incluindo a arte sul-americana, que iremos focar mais neste artigo.

A Colonização das Américas

Em primeiro lugar, o que queremos dizer exactamente quando falamos de artes latinas ou arte latina? Para isso, temos de olhar para a própria história e para a origem destes termos. O termo "latino-americano" foi supostamente utilizado pela primeira vez como forma de distinguir algumas diferenças das Américas com os povos da América do Norte, também designados por "anglo-saxões".

Diz-se que foi utilizado em 1862, aquando da invasão do México pelo imperador Napoleão III.

Aparentemente, os mexicanos e os franceses aperceberam-se de que as suas línguas não eram muito diferentes umas das outras. O período de colonização, que decorreu entre 1492 e 1810, foi considerado como um dos principais formadores da cultura latina. A América Latina foi conquistada por Espanha e Portugal, bem como pelo Império Francês.

Arte latina

A arte latino-americana é diversa e não pode ser colocada dentro das mesmas categorias ou considerada uma forma singular de arte latina. Em cada região, encontramos diferentes géneros, modalidades e estilos de arte latina, e todos eles contam uma história única e diferente por si só. Abaixo, olhamos para vários exemplos de artistas sul-americanos, desde o início do século XX até aos tempos mais contemporâneos.

Ao longo da história da arte latina, houve diferentes estilos ou movimentos e uma das exposições mais proeminentes que vale a pena mencionar foi a do Museu de Arte Moderna (MOMA). A exposição começou a 6 de Junho e durou até 7 de Setembro de 1993, e chamava-se Latina Artistas americanos do século XX .

Museu de Arte Moderna, Nova Iorque; Elisa.rolle, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

A exposição, com mais de 300 obras de arte de artistas de todos os quadrantes e meios de comunicação, por exemplo, pintura, desenho, escultura e várias instalações, bem como outras, como a fotografia, oferece um panorama impressionante e significativamente educativo da arte latina, desde o início do século XX até aos períodos mais contemporâneos.

O movimentos artísticos Esta exposição abrangeu, nomeadamente, o Modernismo Inicial, o Expressionismo e a Pintura de Paisagem, a Pintura Mexicana e o Realismo Social, o Surrealismo e a Abstracção Lírica, a Abstracção Geométrica e a Arte Cinética, a Nova Figuração, a Pop Art e a Assemblage, e a Pintura e Escultura Recentes.

Todos estes movimentos desempenham um papel fundamental na formação das artes latinas e da sua diversidade.

O muralismo tem sido também uma das formas primárias e mais comuns de arte latina. Muralismo mexicano O objectivo era confrontar e unificar o México, após a Revolução Mexicana. Os murais tinham um significado sócio-político. Os principais artistas associados a este movimento foram, nomeadamente, José Clemente Orozco, Diego Rivera e David Alfaro Siqueiros.

Mulheres indianas , do Os Teules série (1947) de José Clemente Orozco; Museo Nacional de Arte, Domínio público, via Wikimedia Commons

Surrealismo Frida Kahlo, considerada uma artista surrealista e realista mágica, pintou imagens que transmitem a dor que sentiu enquanto mulher e deu a outras mulheres a possibilidade de se exprimirem.

Para dar um exemplo de pintura latino-americana, algumas das obras de arte de Kahlo incluem a sua famosa Auto-retrato na fronteira entre o México e os Estados Unidos (1932), Os dois Fridas (1939), Auto-retrato com colar de espinhos e beija-flor (1940), e Cervo ferido (1946).

Arte sul-americana

A seguir, analisaremos a arte sul-americana, especificamente os exemplos pré-colombianos, que eram anteriores a 1500 e posteriores a 1500, quando Colombo colonizou as Américas. A arte andina inclui principalmente a arte sul-americana pré-colombiana.

Alguns exemplos pré-colombianos

Caracterizou-se pela sua vasta gama de modalidades, incluindo têxteis, cerâmica, bem como arte rupestre Havia uma estreita ligação entre a natureza e a arte e as duas estavam interligadas, ou seja, a arte era também funcional. Alguns exemplos O têxtil de Paracas (100 a 300 d.C.), proveniente do Peru, ao longo da costa sul.

A imagem representa várias figuras, que se crê serem xamãs, segurando cabeças cortadas e com asas que as transportam para outro mundo, possivelmente o além?

O têxtil de Paracas , 100-300 D.C.; Cultura Nasca, Peru, Sem restrições, via Wikimedia Commons

Outros exemplos de arte sul-americana incluem a magnífica arte terrestre chamada Linhas de Nazca ou Geoglifos do Deserto de Nazca, especialmente a formação chamada Beija-flor (Embora existam numerosas outras formações em forma de animais como aranhas, macacos e mamíferos marinhos como as baleias assassinas.

Beija-flor A estrutura de pedra que se encontra no Peru, na costa sul do país, tem cerca de 300 metros de comprimento e foi construída com vários materiais, como a pedra, e acredita-se que tenha sido feita por grupos de pessoas. O significado destas estruturas maciças ainda é debatido. Alguns acreditam que eram para divindades, porque só podem ser vistas na sua totalidade a partir de cima, uma vista aérea.

Geoglifo de beija-flor aéreo no deserto de Nazca, Peru; Diego Delso, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Outros significados podem apontar para a utilização destas estruturas para que as pessoas as percorressem, como peregrinações, e utilizassem estas estruturas para celebrações mais colectivas e encontros baseados em rituais. No entanto, outras ideias sugerem que as estruturas se destinavam a fins agrícolas e à fertilidade das colheitas. Outras formações relacionadas com a água poderiam ter servido para o crescimento das colheitas.

Além disso, estas formações apontavam também para as zonas montanhosas onde, segundo a mitologia, residiam os deuses e, mais uma vez, estas estruturas poderiam ter sido utilizadas para venerar divindades.

Entre a arte sul-americana encontram-se grandes estruturas arquitectónicas, por exemplo, a cidadela inca chamada Machu Picchu (c. 1450 a 1540), construída para o imperador Pachacuti Inka Yupanqui, que aí permanecia durante uma época seleccionada do ano.

Machu Picchu; Pedro Szekely em //www.flickr.com/photos/pedrosz/, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Foi construída como uma casa de montanha, por assim dizer, com secções superiores e inferiores, todas com as suas próprias funções, podendo albergar não só o imperador Inka e a sua família, mas também outras habitações, armazéns, áreas para assistentes, várias áreas religiosas, terraços, etc.

A estrutura era feita de pedras colocadas umas ao lado das outras, e estas eram também paredes de pedra seca polida.

As pedras foram construídas individualmente para se encaixarem umas ao lado das outras e as pedras polidas pareciam quase um mosaico, isto nas paredes exteriores, o que sem dúvida teria acrescentado um atractivo estético.

Existem três estruturas religiosas principais em Machu Picchu, nomeadamente, o Templo do Sol, também conhecido como Observatório, que foi construído para seguir as constelações e os solstícios, mais especificamente o solstício de Junho.

Machu Picchu, Templo do Sol; Unukorno, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

O Intihuatana A pedra Inka é uma outra estrutura religiosa, que significa "posto de atrelagem do sol". Foi feita para seguir o caminho do sol através do céu ao longo do ano e durante o solstício de Inverno alinha-se com o sol. A cultura Inka construiu numerosas pedras como esta para seguir o sol.

Machu Picchu só foi utilizada durante cerca de 80 anos, tendo sido depois abandonada devido às invasões e conquistas espanholas que ameaçaram a subsistência dos habitantes da região. É Património Mundial da UNESCO desde 1983.

Desde 2007, é também considerada uma das Novas Maravilhas do Mundo.

Arte colombiana e pós-colombiana da América do Sul

É importante notar que a história da América Latina é complexa e diversificada, o que implica também a forma como a arte foi produzida. tipos de arte Por isso, vamos analisar alguns exemplos de arte sul-americana colonial, pós-independência e contemporânea.

Arte Colonial

Durante o período colonial na América do Sul, quando Cristóvão Colombo fundou as Américas em 1492, havia novos e complexos sistemas e estruturas de poder em jogo. Não foi apenas Cristóvão Colombo que fundou as Américas, mas os portugueses também chegaram ao Brasil durante os anos 1500.

Foi o navegador português Pedro Álvares Cabral que, sem querer, encontrou o Brasil quando tentava fazer a mesma rota que o português Vasco da Gama, que navegou de Portugal para a Índia em 1498 para criar rotas comerciais entre os diferentes continentes, nomeadamente, a Europa e a Ásia.

Pormenor da pintura Vaz de Caminha lê ao Comendador Cabral, Frei Henrique e Mestre João a carta que será enviada ao Rei Dom Manuel I (1900), que retrata Pedro Álvares Cabral, líder da expedição portuguesa que descobriu a terra que viria a ser conhecida como Brasil em 1500; Francisco Aurélio de Figueiredo e Melo (1854-1916), Domínio público, via Wikimedia Commons

Uma das principais atracções do Brasil era a agricultura de cana-de-açúcar; os holandeses também tentaram colonizar o Brasil, o que aconteceu entre as décadas de 1630 e 1650. Vários artistas holandeses foram encarregados de documentar o ambiente natural do Brasil, bem como a cultura brasileira. Um desses artistas, entre os quais um artista bem conhecido durante esta época, foi Albert Eckhout (c. 1610 a 1665), que criou a obra "SouthA arte americana mas na perspectiva europeia.

Entre as obras de arte de Eckhout está a sua série de oito figuras representativas das diferentes culturas que testemunhou enquanto pintava no Brasil. As figuras consistem em quatro homens e quatro mulheres, cada um numa pose que lembra os padrões europeus de como a arte era feita.

Como sugerem algumas fontes, cada pessoa posou com o objectivo de representar um grupo étnico e não tanto como um retrato individual, uma mistura de ciência e arte, bem como uma abordagem quase estereotipada de outras culturas, que abre o debate sobre o conceito do "Outro" e a forma como este tem sido representado na arte, especialmente pelos europeus.

Mulher Tapuya (1641) de Albert Eckhout; Nationalmuseet, domínio público, via Wikimedia Commons

Nas oito pinturas, vemos os pares masculinos e femininos dos Tapuyas, nomeadamente, o Mulher Tapuya (1641) e o Homem Tapuya (1641), e ainda o par africano, ou seja, o Mulher africana (1641) e o Homem Africano (1641). O par brasileiro, com o mesmo nome, o Mulher brasileira (1641) e o Homem brasileiro (1641) Por último, o Mameluca Mulher (1641) e o Homem Mulato (1641).

Cada figura é pintada com objectos culturalmente característicos à sua volta, incluindo as paisagens e os ambientes de fundo.

Por exemplo, vemos a mulher da tribo Tapuya carregando membros cortados, o que alude ao facto de serem canibais e uma das tribos que lutaram contra os europeus. A tribo brasileira é retratada como mais "civilizada", com a paisagem de fundo a parecer mais estruturada em comparação com o cenário de selva dos Tapuyas. Além disso, os brasileiros estão vestidos com panos brancos e limpos que cobrem as suasOs Tapuyas aparecem completamente nus, com os órgãos genitais cobertos por uma folhagem improvisada.

Homem brasileiro (1641) de Albert Eckhout; Albert Eckhout, Domínio público, via Wikimedia Commons

O casal africano é representado como figuras fortes, aludindo à noção de que os africanos são fortes e que, por essa razão, são usados como escravos. Vemos objectos transculturais na pintura da mulher, nomeadamente as jóias e o cachimbo, que são originários da Europa, o cesto e o chapéu são originários de África, e a paisagem com figuras ao longe é brasileira.provavelmente do Norte de África e rodeado de objectos que eram comercializados nessa época, nomeadamente, a presa de marfim no chão, no primeiro plano inferior direito, e a tamareira logo atrás da figura.

Homem Africano (1641) de Albert Eckhout; Albert Eckhout, Domínio público, via Wikimedia Commons

Por último, o Mameluca Mulher (1641) e o Homem Mulato (1641) sugerem pessoas que são mestiças. A mulher tem ascendência indígena e europeia e o homem tem ascendência europeia e africana. As posturas de cada um são diferentes e sugerem a sua etnia. A mulher usa um longo manto ou vestido branco com a perna esquerda (a nossa direita) ligeiramente exposta para indicar a sua sexualidade e desejo de ser concubina. O homem é representado de pé sobreO seu rosto é um guarda com o fundo de um canavial e veste roupas que lembram a cultura europeia e outras culturas - um pouco de ambos os mundos, por assim dizer.

Mameluca Mulher (1641) de Albert Eckhout; Albert Eckhout, Domínio público, via Wikimedia Commons

Pós-Independência

Se olharmos para um exemplo do período pós-independência da América do Sul e da América Latina, que foi em torno da última parte do século XVIII e do início do século XIX, encontraremos muitos exemplos de arte que retratam a ideia de independência e as batalhas com ela relacionadas; a arte retratava figuras heróicas e a noção de libertação.

Alguns dos géneros artísticos mais proeminentes incluem o retrato e a pintura histórica.

Pedro José Figueroa (1770 a 1838) foi um pintor colombiano que se especializou em retratos, mas na sua linhagem havia outros artistas que também pintavam retratos e miniaturas. O que é interessante na pintura de Figueroa é o facto de se concentrar em figuras consideradas importantes em termos de libertação e proezas militares.

Uma dessas figuras que Figueroa pintou com frequência foi o venezuelano Simón Bolívar, uma das principais figuras políticas e militares que libertaram não só a Venezuela, mas também outros países sul-americanos como o Peru, o Equador, a Colômbia, a Bolívia e o Panamá da conquista do Império Espanhol durante o século XIX. El Libertador e Libertador da América.

Retrato de Simón Bolívar (c. 1810) de Pedro José Figueroa; Museu Nacional da Colômbia, domínio público, via Wikimedia Commons

Exemplos de pinturas incluem o óleo sobre tela de Figueroa Bolívar e a alegoria da América (1819) e Simón Bolívar: Libertador da Colômbia (A figura heróica é representada numa pose frontal, com uma postura corporal rígida e erecta. Em ambas as pinturas acima, ele veste o seu uniforme militar, aparentemente orgulhoso, com estrelas douradas, dragonas, fivelas de cinto e a sua espada encostada à anca esquerda (à nossa direita).

Também notamos que as palavras fazem parte da pintura, utilizadas frequentemente na arte colonial para realçar a importância da figura. Bolívar e a Alegoria da América, vemos El Libertador O homem está ao lado da figura mais pequena de uma mulher, com o braço direito à volta dos ombros dela, segurando um arco na mão esquerda e um conjunto de flechas penduradas nas costas, parecendo desproporcionado em relação a ele.

Se olharmos para a pintura de História, que foi um género importante durante esta época, esta retrata cenas de batalhas e acontecimentos importantes.

José María Espinosa foi um artista colombiano que retratou vários momentos históricos da Batalha do Rio Palo. No entanto, as fontes também indicam que a sua pintura Batalha de Palo River (c. 1850) é mais uma pintura do género Paisagem, devido ao facto de o artista se concentrar no ambiente e não tanto na batalha ou nas figuras que lhe são pertinentes.

Batalha de Palo River (c. 1850) de José María Espinosa; José María Espinosa Prieto, Domínio público, via Wikimedia Commons

Independentemente do género de Spinosa, esta pintura é habilmente composta e retrata uma vasta paisagem com um sol poente enevoado ao longe, fumo ondulante perto do lado esquerdo no meio do terreno e dois soldados que parecem estar a discutir profundamente um com o outro enquanto montam os seus cavalos a galope para o lado direito, onde vemos um grupo de mais soldados montados nos seus cavalos.O sentido de urgência desta cena e a beleza irónica do ambiente que rodeia a batalha.

Arte e artistas sul-americanos contemporâneos

Abaixo, discutimos artistas desde o início do século XX até aos tempos mais contemporâneos, uma vez que a arte sul-americana se desenvolveu exponencialmente em muitas modalidades e meios de comunicação. Embora existam centenas de artistas sul-americanos talentosos, convidamo-lo a explorá-los mais além dos artistas que mencionamos abaixo.

A brasileira Tarsila do Amaral (1886 a 1973) esteve entre os pioneiros da arte latino-americana durante o modernismo.

Retrato de Tarsila do Amaral, c. 1925; Autor desconhecidoAutor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

Polivalente como tradutora, pintora e desenhista, fez parte do grupo do modernismo brasileiro chamado Grupo dos Cinco que significa "Grupo dos Cinco", cujos artistas exploraram o significado de ser brasileiro e tocaram em ideologias pertinentes em torno da identidade, e abriram caminho para o modernismo no Brasil.

Além disso, Amaral também foi influenciada pela arte surrealista e, após um período em Paris, retornou ao Brasil, onde começou a produzir um novo estilo de arte. Sua famosa Abaporu (1928), pintura a óleo sobre tela, foi feita para presentear seu marido Oswald de Andrade, que depois dessa pintura escreveu o Manifesto Antropofágico, que também deu origem ao movimento chamado Movimento Antropofágico.

Esse manifesto e movimento buscava "engolir" os estilos europeus, com o objetivo de inspirar os artistas brasileiros a deixarem de lado a necessidade de imitar a arte europeia e abraçarem suas identidades brasileiras.

Se olharmos para Abaporu, A pintura retrata um homem nu sentado num pedaço de relva verde, com um cacto verde à direita e um sol amarelo brilhante a brilhar no céu azul acima. O céu representa dois terços da cor de fundo e a relva cerca de um terço. Esta pintura parece bastante simples; no entanto, a figura do homem é representada de forma única. O seu braço e perna são desproporcionadamente grandes em primeiro plano e, quando olhamosaté à cabeça, o seu tamanho é minúsculo, como se o víssemos através de uma espécie de telescópio especial.

Amaral descreveu a sua figura como uma "monstruosa figura solitária". Outros exemplos de Tarsila do Amaral incluem Antropofagia (1929), que representa uma outra figura alargada característica, nua, sentada no meio de uma paisagem natural de folhagem e grandes cactos, com um sol de fundo ardente.

A Negra (1923) representa uma figura feminina nua, sentada de pernas cruzadas, com um fundo geométrico de faixas horizontais e diagonais azuis escuras, verdes e vermelhas. Aqui vemos também o aspecto voluptuoso da figura, o peito direito (à nossa esquerda) pende ligeiramente sobre o antebraço direito (à nossa esquerda) com o cotovelo apoiado no joelho direito (à nossa esquerda).

A sua cabeça é desproporcionalmente mais pequena do que o seu corpo e os seus olhos são muito pequenos em comparação com os seus lábios cheios e maiores. Estes são apenas alguns exemplos do estilo único de Amaral, um estilo que ela, sem dúvida, infundiu com a sua identidade e cultura brasileiras.

A partir de meados dos anos 1900, o colombiano Fernando Botero (1932 até à actualidade) tornou-se um artista de renome, tendo até um estilo próprio, o "Boterismo".

Fernando Botero, 1958; Dantelectrico, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Este estilo pode ser facilmente identificado pelas suas figuras grandes, ou como eram chamadas "gordas", e desproporcionadas, que muitas vezes retrata de forma muito descontraída e relaxada, com um elemento de humor e, como foi descrito, de sátira, mas também com conotações políticas e sociais.

Apesar de ter viajado internacionalmente e estudado em Estilo de arte renascentista Botero intitulou-se o "artista mais colombiano da actualidade", porque não parece interessado em aderir às "tendências" artísticas predominantes no mundo.

Algumas das suas obras de arte incluem Dançar na Colômbia (1980), que retrata uma cena de café com sete músicos de grandes dimensões a olharem fixamente para nós, os espectadores. Parecem estar a tocar os seus instrumentos, mas, de alguma forma, parecem estar parados. À frente dos músicos está um casal de adultos a dançar e a divertir-se na pista de dança.Notamos vários botões de cigarro e comida no chão e parte de uma jukebox à esquerda.

O que é que Botero está a comunicar através desta pintura?

Algumas fontes sugerem que este café poderia indirectamente indicar mais do que aquilo que vemos, por exemplo, quem seria o tipo de clientes que frequentaria um café como este e o que aconteceria no andar de cima se houvesse quartos para alugar? Embora Botero preencha a composição com as suas figuras completas, deixa espaço para imaginarmos o que mais poderá estar a acontecer para além da pista de dança.

As figuras de Botero também se encontram para além da tela, em numerosas esculturas espalhadas pelo mundo, desde mulheres voluptuosas, por exemplo, Broadgate Venus (1989), soldados como Homem a cavalo (1992), animais como Gato (1990), e um cavalo chamado Caballo con bridas (2009).

Eduardo Kobra (1975 até à actualidade) é um jovem artista sul-americano de São Paulo, no Brasil. É um artista de rua que começou a pintar muito cedo, aos 12 anos de idade. Criou milhares de murais em todo o mundo. Chama a atenção para figuras sociais e políticas, aproximando-as de todos os membros da sociedade através dos seus murais em edifícios. Alguns exemplos Grupos étnicos (2016), que foi um dos seus maiores murais para os Jogos Olímpicos, e Madre Teresa & Gandhi (2018).

Leo Chiachio (1969 até à actualidade) e Daniel Giannone (1964) desafiam os estereótipos de género inerentes ao artesanato e à arte têxtil. Como casal gay, ambos da Argentina, criam mosaicos têxteis e bordados à mão que exploram vários estereótipos e ideias sociais tradicionais e modernos.

Realizaram numerosas exposições colectivas e individuais das suas obras e também se formaram como pintores.

A dupla de artistas descreve as suas obras como "pintura feita com fios" e centra-se em temas relacionados com a família e a diversidade inerente às estruturas familiares. Veremos este tema recorrente que retrata o casal e o seu cão em alguns exemplos como Nacimiento (2010), A família na Fontana di Trevi (2011), Piolin Boogie Woogie (2012), e Calaverita (2014), entre muitos outros.

Celebrando a América Latina

A América Latina tem resistido aos testes do tempo, considerando que passou por numerosas conquistas e batalhas coloniais. A essência do poder, da independência e da libertação está no coração da arte latino-americana, seja ela do início do século XIX, do século XX ou do século XXI. É uma cultura agora repleta de diversidade e da alegria de expressar a identidade e o orgulho nacionais. Além disso, a América Latina tem sidoHá anos que as pessoas são vistas de forma estereotipada, e os artistas têm estado entre aqueles que abordam estes estereótipos e ideologias, colocando as peças culturais correctas no lugar.

Este artigo explorou uma faceta da arte latino-americana, vista do ponto de vista da arte sul-americana. Analisámo-la brevemente a partir da era pré-colombiana, quando a arte não estava manchada pelo sangue metafórico das batalhas do domínio colonial das potências europeias.Tudo isto nos mostra que não só a arte sul-americana, mas a arte latina em geral, é complexa e diversificada e merece ser mostrada e celebrada em todo o seu esplendor, mesmo que nem sempre seja compreendida pelo resto do mundo.

Perguntas mais frequentes

O que é a arte sul-americana?

A arte sul-americana faz parte da arte latino-americana. A América Latina é um termo colectivo que inclui as áreas da América do Sul, da América Central e dos países das Caraíbas. As línguas dos países partilham as mesmas origens da língua latina, por exemplo, o francês, o espanhol e o português. A América do Sul inclui a Argentina, a Bolívia, o Brasil, o Chile, a Colômbia, o Equador, a Guiana, o Paraguai e o Peru,Suriname, Uruguai, Venezuela e outras regiões.

Qual a idade da arte sul-americana?

A arte sul-americana remonta à antiguidade, com as culturas andinas, por exemplo, que construíram locais famosos como Machu Picchu. Tem uma rica história pré-colombiana e colonial e obras de arte que exploram esses períodos sociais e políticos. O período pós-independência expressa um tipo diferente de arte sul-americana, cheia de liberdade e liberdade, veremos a grande variedade em centenas deObras de arte modernas e contemporâneas da América do Sul e da América Latina. Por conseguinte, a linha do tempo da arte sul-americana remonta a um passado longínquo e está sempre a expandir-se para o presente e o futuro.

O que influenciou a arte latino-americana?

A arte latino-americana é diversificada, com diferentes géneros, modalidades e estilos, tendo sido influenciada por muitas outras culturas, como a francesa, a portuguesa, a espanhola e a holandesa. Os artistas modernos e contemporâneos também foram influenciados por estilos europeus, como o Renascimento, por exemplo, no entanto, alguns artistas ainda mantêm e permanecem ligados à identidade nacional e à cultura latina.