Todos temos uma ideia da importância da época do Renascimento na história europeia e da era da inovação e do iluminismo que a caracteriza. A arte que veio desta época ainda hoje se encontra entre nós, desde os revivals na cultura pop até aos originais alojados em galerias de arte por toda a Europa. Se está interessado nesta parte da história e se pergunta o que foi o período da arte renascentistasobre, o que o caracterizou e onde teve lugar, esta visão geral fornecer-lhe-á tudo o que precisa de saber.

O que foi o Renascimento?

Antes de começarmos, vamos dar uma breve olhada no significado do Renascimento e onde ele se encaixa em um contexto histórico mais amplo. Renascença é uma palavra de origem francesa, que deriva da palavra italiana rinascita A era do Renascimento foi um período de renascimento em quase todas as faculdades e instituições culturais e sociais em toda a Europa, incluindo a arte, a ciência, a matemática, a tecnologia, a filosofia, a religião e a política, para citar apenas algumas.

O período do Renascimento teve o seu ponto de partida em Florença, Itália, durante os anos 1300 (século XIV), logo após o Período medieval O período medieval é caracterizado por ser uma época mais sombria da história da Europa, sendo frequentemente designado por Idade das Trevas devido às várias convulsões socioeconómicas e políticas.

Quando olhamos para o contraste entre a era medieval e o Renascimento, pode parecer um período de escuridão versus luz na história. O Renascimento desenvolveu novas ideias e conceitos e deu origem a muitos grandes seres humanos que contribuíram com os seus talentos e dinheiro para a fama e fortuna da época ao longo da história.

Saiba mais sobre o período artístico do Renascimento

• Início da Renascença
• Alta Renascença
• Renascença do Norte
• Arte italiana do Renascimento
• Maneirismo
• Humanismo Renascentista
• Arte do Renascimento do Harlem
• Pinturas famosas do Renascimento
• Artistas famosos da Renascença

Humanismo

Uma das novas ideias e conceitos que surgiram durante o Renascimento foi o Humanismo, um pensamento filosófico ou movimento intelectual dos anos 1300 que influenciou a forma como as pessoas se percepcionavam a si próprias e a Deus em relação ao mundo, bem como uma nova abordagem às artes visuais e aos temas, fornecendo um quadro principal para o significado geral do Renascimento.

A filosofia do Humanismo colocava o homem no centro do universo, por assim dizer, e acreditava nas capacidades inerentes ao homem como força criativa, o que era totalmente diferente da forma como as coisas eram feitas de acordo com a Igreja Católica, que detinha a maior parte do poder e da palavra sobre o lugar do homem no universo.

O humanismo centrou-se na aprendizagem de vários domínios das ciências humanas, conhecidos como estudos humanitários Foi uma época de novas descobertas e de exploração pelo homem, tanto no sentido figurado como no sentido literal.

Seis poetas toscanos (1569) de Giorgio Vasari, representando um grupo de humanistas italianos (Dante Alighieri, Giovanni Boccaccio, Petrarca, Cino da Pistoia, Guittone d'Arezzo e Guido Cavalcanti); Giorgio Vasari, domínio público, via Wikimedia Commons

Antiguidade Clássica

Outro conceito importante no período do Renascimento foi o regresso à Antiguidade Clássica, com os ideais gregos e romanos. Os gregos procuravam imitar a beleza, a harmonia e a simetria ou a perfeição proporções na sua arte Também chamado de Realismo, que retratava a forma humana com correcção anatómica, diferente das formas mais abstractas e idealizadas das figuras humanas do período anterior. Período da arte bizantina .

As literaturas grega e latina também se tornaram importantes materiais de leitura e recursos intelectuais que influenciaram os estudiosos e filósofos do Renascimento. A obra do arquitecto romano Vitrúvio, do século I a.C., ofereceu conhecimentos sobre a aplicação de proporções matemáticas à pintura e à anatomia humana.

A família Medici

O Renascimento não teria sido o mesmo sem o Família Medici O Banco dos Médicis, fundado entre 1397 e 1494, era o maior banco da Europa, o que conferiu aos Médicis um grande respeito e estatuto na sociedade.

Além disso, os Médicis foram importantes mecenas das artes durante o período do Renascimento em Florença, tendo encomendado vários artistas e prestado apoio financeiro a estabelecimentos como bibliotecas, em prol do desenvolvimento das artes e da cultura. Cosimo de' Medici era também um ávido amante e coleccionador de arte.

A família de Ferdinando II de' Medici, Grão-Duque da Toscana, cerca de 1621, de um artista desconhecido; Anónimo Autor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

O desenvolvimento da arte renascentista

O contexto histórico do período do Renascimento ajuda-nos a compreender melhor o desenvolvimento da arte durante este período da história europeia. Existem diferentes características que definem a arte renascentista, quer se trate de pintura, escultura ou arquitectura - as formas de arte dominantes durante este período.pormenorizadamente a seguir, incluindo as obras de arte mais proeminentes de cada período.

Características da arte renascentista

Existem várias características primárias que nos ajudam a compreender as pinturas renascentistas e outras modalidades, como a escultura e a arquitectura, que contribuem para a estética, a forma como as cores e a luz são utilizadas e a exactidão das proporções retratadas nestas composições. Algumas características incluem conceitos como o Naturalismo, Contrapposto , Chiaroscuro e Perspectiva de um ponto, também conhecida como Perspectiva Linear.

Naturalismo

O naturalismo evoluiu a partir do desenvolvimento da forma como os artistas estudavam a forma humana, que passou a ser retratada com mais realismo, parecendo mais fiel à natureza. A anatomia humana foi melhor compreendida por alguns artistas através do estudo de cadáveres, o que criou representações ainda mais realistas de músculos e membros.

ESQUERDA: Miguel Ângelo Estudos para a Sibila da Líbia (c. 1510-1511); Michelangelo, CC0, via Wikimedia Commons A Sibila da Líbia (1508-1512) de Miguel Ângelo, do tecto da Capela Sistina; Michelangelo, Domínio público, via Wikimedia Commons

Contrapposto

Contrapposto Esta técnica foi utilizada por muitos artistas para realçar o realismo das figuras e a forma como se posicionavam, tornando a composição mais fluida e realista. Esta técnica começou originalmente durante a era clássica e renasceu novamente durante a era renascentista, sendo frequentemente comparada com as representações mais planas e verticais de figuras de períodos artísticos anteriores.

Contrapposto é uma palavra italiana que significa "contrapeso" e que se traduz pela postura do corpo com uma anca mais alta do que a outra e com mais peso num pé do que no outro, o que dá uma curva em "S" característica a toda a postura do corpo.

Esta técnica é frequentemente descrita como dinâmica e dá às figuras uma disposição mais descontraída.

Chiaroscuro

Chiaroscuro A luz é outra palavra italiana que significa "claro-escuro" e envolve o jogo entre os contrastes de cor entre o claro e o escuro, o que cria um efeito tridimensional e uma intensidade emocional acrescida. Também contribui para o realismo da composição, uma vez que representa a luz e as sombras.

Sfumato

Sfumato Esta técnica era utilizada para esbater cores do claro ao escuro, de modo a que se combinassem numa nebulosidade, dando assim a ideia de ilusão de espaço ou forma. Era também utilizada para esbater linhas e bordos, de modo a que a composição parecesse mais natural. Esta técnica era frequentemente utilizada em paisagens para fundos epara criar o que se designa por efeito "atmosférico" nas características faciais.

O sfumato técnica é especialmente evidente no fundo da obra de Leonardo da Vinci A Virgem Maria, o Menino Jesus e a Santa Ana ("A Virgem e o Menino com Santa Ana", c. 1503); Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons

Perspectiva linear e o ponto de fuga

A perspectiva linear (também chamada perspectiva de um ponto) e o ponto de fuga foram duas técnicas importantes amplamente utilizadas para criar uma sensação de tridimensionalidade nas pinturas. Esta técnica foi revolucionária e deu aos artistas a capacidade de criar novos espaços nas composições e elevar a estatura da sua arte a novos níveis, literal e figurativamente, bem comoilusionisticamente.

O arquitecto italiano Filippo Brunelleschi foi o pioneiro desta técnica no início do século XIV.

Brunelleschi descobriu que a perspectiva linear consistia em linhas paralelas (ortogonais e transversais) que convergem para uma linha do horizonte que se encontra num ponto de fuga à distância. Esta técnica também deu origem à ideia de que cada quadro é visto por um único espectador, porque há apenas um ponto de vista para o quadro. Isto foi contrastado pela arte medieval, que representava composiçõesde vários pontos de vista.

A cronologia da arte renascentista

A arte renascentista é classificada em várias linhas de tempo ou fases, nomeadamente, o Proto-Renascimento, o Primeiro Renascimento, o Alta Renascença bem como noutras regiões fora de Itália, o que é colectivamente designado por Renascimento do Norte.

As datas do Renascimento também se distinguem por diferentes nomes italianos relacionados com o ano.

O Renascimento começou por volta de 1300, com o que foi chamado de Trecento O período a partir de 1400 é designado por Quattrocento que significa "400", e a década de 1500 é designada por Cinquecento Houve muitos grandes artistas em cada fase da arte, bem como alguns notáveis que foram pioneiros nos seus meios e técnicas, deixando os seus nomes gravados na história do Renascimento. Abaixo, analisamos cada fase do Renascimento, incluindo os artistas proeminentes e as pinturas relacionadas com cada uma.

Proto-Renascimento

O período proto-renascentista, também conhecido como período pré-renascentista, teve início por volta de 1300 a 1425. Este período era ainda marcadamente bizantino, com representações iconográficas e idealistas de temas religiosos, mais bidimensionais e de aparência mais plana. No entanto, alguns artistas exploraram diferentes modos de representação para além do que era esperadoda arte medieval da época.

Dois importantes artistas do período proto-renascentista, Cimabué e Giotto, são conhecidos por terem produzido obras de arte em que as composições pareciam mais naturalistas, lembrando o realismo da época clássica.

A análise da obra destes dois artistas criará um quadro contextual para o início do período renascentista.

Cimabué (c. 1240 - 1302)

Cimabué, também chamado Bencivieni Cenni di Pepo, foi um artista florentino considerado um dos pioneiros a afastar-se do estilo bizantino. Embora sejam mínimas as pinturas deixadas para trás confirmadas como sendo da autoria de Cimabué, há muitos relatos de que este artista é o criador de muitas outras pinturas.

O mosaico da Catedral de Pisa, Cristo Entronizado com a Virgem e São João (1301 a 1320) é conhecida como a última obra realizada por Cimabué, havendo registos de pagamentos que o atestam, mas também há outros frescos que se dizem ser do artista, como por exemplo Crucificação de Santa Croce (1287 a 1288) e o Maestà (c. 1280).

Crucificação de Santa Croce (1287-1288) de Cimabué; Cimabué, Domínio público, via Wikimedia Commons

O Crucificação de Santa Croce é uma das obras de Cimabué que representa uma figura naturalista de Cristo na cruz. ontrapposto Curva em "S". A sua pele é também pintada de forma realista, sendo descrita por algumas fontes como tendo um aspecto mais "suave" em comparação com as pinturas da era bizantina.

Há uma nova expressão emotiva inerente a esta pintura, que a tornou precursora do Renascimento.

Giotto (c. 1267 - 1337)

Giotto di Bondone Giotto, frequentemente referido como Giotto, foi considerado um dos aprendizes de Cimabué, embora este facto tenha sido contestado por alguns estudiosos. No entanto, Giotto foi um dos grandes nomes deste período, estando entre os pioneiros que realmente começaram a mostrar novos avanços na perspectiva composicional, bem como retratos naturalistas de figuras. Algumas obras de Giotto incluem Nossa Senhora de Ognissanti (c. 1300 a 1306) e A Traição de Cristo (Beijo de Judas) (1305), que é um fresco que faz parte da Capela Scrovegni.

Um quadro famoso que ilustra as capacidades pioneiras de Giotto é Lamentação (O luto de Cristo) (1304-1306). Faz parte de uma série de frescos da Capela Scrovegni (Capela da Arena), em Pádua, Itália. Representa Cristo deitado no chão, depois de ter sido retirado da cruz. À sua volta estão várias figuras claramente de luto, e nota-se também uma procissão de figuras que recuam para o fundo, à esquerda da pintura. Acima das figuras vemos anjos no céu, com um ar entristecidoe triste.

Cena nº 36 do filme Vida de Cristo : Lamentação (O luto de Cristo) (1304-1306) de Giotto di Bondone; Giotto di Bondone, Domínio público, via Wikimedia Commons

Giotto representou com pormenor os traços faciais das figuras, incluindo os braços e as mãos em gestos emotivos. A rocha da direita inclina-se para baixo em direcção às figuras, especificamente para as cabeças de Cristo e de Maria, que abraça o seu cadáver.

Além disso, parece que Giotto liga os céus à terra, colocando a pedra como objecto medial.

Giorgio Vasari O historiador de arte e autor da famosa publicação que documenta as biografias de numerosos artistas, intitulada As vidas dos mais excelentes pintores, escultores e arquitectos (1550), descreveu Giotto como tendo feito uma "ruptura decisiva com o rude estilo tradicional bizantino" e que o artista "deu vida à grande arte da pintura tal como a conhecemos hoje, introduzindo a técnica de desenhar com precisão a partir da vida, que tinha sido negligenciada durante mais de duzentos anos".

Início da Renascença

O período do início do Renascimento começou durante a década de 1400, entre 1400 e 1495. Os artistas deste período começaram a representar características mais naturalistas e a utilizar a perspectiva nas suas pinturas. Os artistas também se afastaram dos temas religiosos mais rigorosos e incluíram cenas e figuras mitológicas mais seculares.

O início do Renascimento começou em Florença, considerada o centro cultural de Itália, nomeadamente no que diz respeito às artes plásticas. Como Florença era uma república, havia mais liberdade de expressão. A forma como as pessoas se viam a si próprias e ao mundo estava a começar a mudar - a filosofia do Humanismo tomou forma e as pessoas começaram a acreditar nas suas próprias capacidades.

Apesar de terem existido muitos artistas durante o início do Renascimento, houve três mestres do seu tempo que foram pioneiros em novas técnicas e influenciaram outros artistas. Na pintura foi Masaccio, na escultura foi Donatello e na arquitectura foi Brunelleschi.

Brunelleschi (1377 - 1446)

Filippo Brunelleschi, artista nascido em Florença, foi um dos principais arquitectos, engenheiros e designers do início do Renascimento. Estudou também as ruínas arquitectónicas romanas e as obras do arquitecto romano Vitrúvio, do século I a.C. Diz-se que foi o pioneiro da técnica da perspectiva linear.

Desenho de Cigoli da Santa Maria del Fiore (Catedral de Florença) de Brunelleschi, 1613; Lodovico Cardi, Domínio público, via Wikimedia Commons

Uma das suas estruturas arquitectónicas mais famosas é a Catedral de Santa Maria del Fiore (1296 a 1436), onde Brunelleschi foi o responsável pela construção da cúpula desta catedral. Para evitar que a cúpula caísse sobre si mesma, Brunelleschi concebeu vários reforços no interior e no exterior da cúpula, que a mantiveram estável no topo da igreja de forma octogonal.

A cúpula, feita de tijolo vermelho e com uma altura estimada em 372 pés, é uma das maiores igrejas de Itália e um testemunho do pensamento inovador e da compreensão de Brunelleschi.

Donatello (1386 - 1466)

Donatello, também Donato di Niccolò di Betto Bardi, foi um artista nascido em Florença que estudou escultura clássica. Era amigo íntimo de Brunelleschi e começou a utilizar a perspectiva linear nas suas esculturas em relevo de bronze enquanto estudava esculturas romanas durante a sua estadia em Roma.

Algumas das suas esculturas mais famosas incluem a estátua de bronze, David (1430 a 1440) e Madalena Penitente (Outras esculturas incluem o seu relevo em bronze, Festa de Herodes (1423 a 1427), que mostra dois grupos de pessoas em ambos os lados da composição e um espaço vazio entre eles. O artista utiliza a característica perspectiva linear em forma de "V".

A escultura de Donatello, David de Bronze (1430 a 1440); Donatello, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Em Donatello's David , Esta escultura é bastante diferente para a sua época, pois Donatello representou um David nu, também a primeira escultura de nu em pé. A figura de David está de pé, bastante descontraída, com a espada na mão direita e a mão esquerda apoiada na anca, sem dúvida devido à técnica clássica do contrapposto utilizado pelo artista.

Esta postura também confere à figura de David um dinamismo, como se estivesse prestes a mover-se ou tivesse acabado de se mover, contribuindo para o realismo geral inerente à obra.

Vemos este elevado sentido de realismo nas obras de Donatello Madalena Penitente, Trata-se de uma escultura em madeira de Maria Madalena, que é representada de forma radicalmente diferente das outras esculturas de Maria Madalena, uma vez que aqui vemos de perto os seus traços faciais e corporais. Aparece abatida e magra, como se estivesse a morrer de fome (algumas fontes indicam que o artista utilizou a versão de Maria quando esta esteve no Egipto).corpo forte e aparentemente ágil, especialmente para uma mulher retratada nessa época.

Madalena Penitente, uma escultura de madeira (choupo branco) de Maria Madalena pelo escultor italiano do Renascimento Donatello A escultura, criada por volta de 1453-1455, foi provavelmente encomendada para o Baptistério de Florença e foi recebida com espanto pelo seu realismo sem precedentes, encontrando-se actualmente no Museo dell'Opera del Duomo, em Florença; George M. Groutas, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Masaccio (1401 - 1428)

O antepassado florentino da pintura é Tommaso di Ser Giovanni di Simone, também conhecido como Masaccio, que é uma alcunha do nome Tommaso, que significa "Tom Desastrado" ou "Tom Grande". Masaccio é conhecido por ter criado algumas das pinturas mais revolucionárias durante o início do Renascimento, que influenciaram a forma de pintar que se seguiu.

Algumas das suas obras de arte incluem Tríptico de São Giovenale (1422), Madona e Menino com Santa Ana (1424 a 1425), Nossa Senhora e o Menino com quatro anjos (1426), Adoração dos Reis Magos (1426), O dinheiro do tributo (1425 a 1427), Expulsão do Éden (1425 a 1427), Painel Predella, Retábulo de Pisa , A Santíssima Trindade (1427 a 1428), e O Baptismo dos Neófitos (1425 a 1428).

O dinheiro do tributo é um famoso fresco que retrata a vida de São Pedro e que foi realizado para a Capela Brancacci de Santa Maria del Carmine, situada em Florença. A cena central mostra-nos como Cristo e os seus discípulos falam com o cobrador de impostos em Cafarnaum. À esquerda, vemos a figura ajoelhada de Pedro a tirar ouro de um peixe e, à direita, vemos a mesma figura de Pedro a dar ao cobrador de impostos o dinheiro que lhe é devido.

O dinheiro do tributo (1426-1427) de Masaccio; Masaccio, Domínio público, via Wikimedia Commons

Masaccio utiliza aqui a perspectiva no edifício e nas montanhas, que recuam para o fundo, dando uma sensação de consciência espacial e de tridimensionalidade. As figuras também parecem clássicas nas suas roupas e posições.

Todos estes elementos convergem para dar à pintura uma sensação de realismo, afastando-se completamente do espaço bidimensional plano. Masaccio dá vida à harmonia inerente a todos os elementos de espaço, cor e perspectiva que trabalham em conjunto, deixando possivelmente o enredo real como um foco secundário.

Mais artistas do início do Renascimento

Outros artistas do início do Renascimento são Piero della Francesca Uma das suas obras de arte mais famosas é A Flagelação de Cristo (c. 1455), onde utiliza habilmente linhas de perspectiva nas estruturas arquitectónicas pintadas que dividem os espaços interiores com os exteriores. Há também Allesandro Botticelli, cujo A Primavera (1477 a 1482) e Nascimento de Vénus (c. 1486) são algumas das pinturas mais famosas até hoje, retratando a deusa mitológica Vénus.

Também vemos o afastamento do naturalismo nas figuras e um foco mais na representação da beleza e do valor estético.

Também temos artistas como Fra Filippo Lippi, Fra Angelico Na sua famosa série de pinturas, A batalha de San Romano (c. 1450), vemos a batalha furiosa dos florentinos contra os exércitos de Siena. Aqui, vemos mais do que apenas uma batalha, mas também a elegante disposição de cores e linhas. Em primeiro plano, há cores mais ousadas como azuis As lanças que ladeiam a composição funcionam também como linhas que guiam o nosso olhar para o fundo, onde somos ainda guiados pela folhagem e pelas árvores que criam fronteiras nos terrenos.

A batalha de San Romano (c. 1438) de Paolo Uccello, representando Niccolò da Tolentino à frente das tropas florentinas; Paolo Uccello, domínio público, via Wikimedia Commons

Alta Renascença

Enquanto o Renascimento inicial se centrou em Florença, o Alto Renascimento decorreu principalmente em Roma, sob o domínio da Igreja Católica e do Papa. Teve início por volta de 1495 a 1520 e foi o culminar cultural da virtude artística. Durante este período, os artistas (pintores, escultores e arquitectos) aperfeiçoaram as técnicas dos períodos anteriores, criaram novas técnicas e utilizaram também novos meios, como os óleos,o que deu à pintura um efeito completamente diferente.

Tal como no início da Renascença, a Alta Renascença teve três grandes nomes, mas a maioria de nós conhece o que Leonardo da Vinci, Miguel Ângelo e Rafael trouxeram não só ao mundo da arte, mas a todo o mundo.

A obra de Leonardo da Vinci Homem Vitruviano (1492), que representa as proporções do corpo humano segundo Vitrúvio; Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons

O realismo na pintura era uma preocupação, mas também o desejo de regressar aos valores de beleza e harmonia da época clássica. As ideias do Humanismo foram mais longe e introduziram o "Homem Universal" ou "Homem Renascentista" (Da Vinci era considerado um "Homem Renascentista").

A beleza era representada na forma humana, o que a tornava quase divina na sua aparência, e, inversamente, o realismo emocional representado nas figuras divinas e santas conferia-lhes uma qualidade humana.

A perfeição na forma como os artistas representavam os seus temas com uma exactidão anatómica pormenorizada. Os artistas introduziram novas técnicas como sfumato e desenvolveu técnicas como quadratura , que se refere às pinturas ilusionistas nos tectos.

Leonardo da Vinci (1452 - 1519)

Leonardo da Vinci era um polímata, um homem com muitas capacidades e talentos. Era pintor, escultor, desenhador, engenheiro, desenhador, cientista e inventor. Utilizou técnicas como sfumato e claro-escuro a um nível mais elevado, dando às suas pinturas uma profundidade elaborada e uma qualidade misteriosa.

Algumas das suas pinturas famosas incluem Mona Lisa (La Gioconda) (c. 1503), Virgem dos Rochedos (1483 a 1486), Senhora com um Arminho (1489), O Homem Vitruviano (c. 1485), A Última Ceia (1498), Salvatore Mundi (1500), e desenhos como Retrato de um homem em giz vermelho (1512), O embrião no útero (c. 1510 a 1512), A Virgem e o Menino com Santa Ana e São João Baptista (c. 1491 a 1508).

Um exemplo da capacidade de génio de Da Vinci é o seu quadro A Última Ceia. A pintura apresenta Cristo como figura central, sentado a uma longa mesa horizontal com os discípulos ao seu lado. Atrás de Cristo há três janelas verticais, com a janela central directamente atrás de Cristo, quase como uma auréola a emoldurar o topo da sua cabeça. Ao longo das paredes, vemos também aberturas rectangulares verticais que conduzem o nosso olhar para o ponto de fuga.

A Última Ceia (1495-1498) de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons

Da Vinci construiu esta pintura em perfeita consonância com o sistema de perspectiva linear, com todas as linhas convergindo para enfatizar a figura central de Cristo. As janelas indicam uma paisagem verde montanhosa de aspecto quase idílico no exterior.

Está em Virgem dos Rochedos onde reparamos como da Vinci utiliza claro-escuro e sfumato Esta mudança de sombras e de luz é visível sobretudo na pele das figuras centrais da Mãe Maria com dois bebés, Jesus Cristo e João Baptista. À direita, a figura do arcanjo Gabriel.

O cenário é misterioso. Vemos as figuras rodeadas de rochas, podendo também estar sentadas numa gruta. O lado esquerdo da composição abre-se para uma paisagem de águas sinuosas e formações rochosas mais montanhosas. No primeiro plano, em frente das figuras, há algumas flores e folhagens. As figuras estão também dispostas numa forma piramidal característica.

Virgem dos Rochedos (c. 1491 a 1508) de Leonardo da Vinci, representando a Virgem Maria com o menino São João Baptista a adorar o Menino Jesus, acompanhados por um Anjo. Nesta segunda versão, Maria e Jesus são representados com uma auréola e João Baptista com a cruz; Leonardo da Vinci e oficina, Domínio público, via Wikimedia Commons

Quando olhamos para as expressões faciais de cada figura, há uma sensação de humanidade nelas. Podemos ver estados emocionais, bem como uma sensação de calma. Os seus gestos também dão à pintura uma sensação de movimento e um significado mais profundo para a narrativa.

Notamos esta expressão emotiva no rosto de da Vinci Mona Lisa Atrás dela há uma outra paisagem aquática e rochosa, que muitas vezes se diz ser imaginária, como a paisagem de Virgem dos Rochedos .

Mais uma vez, da Vinci cria realismo com a sfumato e claro-escuro que podemos ver nos tons de pele de Mona Lisa, bem como na gradação de cores e luz no fundo. No primeiro plano, há tons mais escuros que também iluminam gradualmente as suas mãos em repouso.

Retrato de Mona Lisa del Giocondo , frequentemente abreviado para Mona Lisa (1503-1506), de Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, Domínio público, via Wikimedia Commons

Miguel Ângelo (1475 - 1564)

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, também conhecido como Michelangelo, nasceu na aldeia de Caprese, na Toscana, Itália, e foi responsável pela famosa pinturas no tecto da Capela Sistina , nomeadamente, A criação de Adão (1508 a 1512) e O Juízo Final (1536-1541): o Papa Júlio II encomendou o primeiro quadro a Miguel Ângelo no âmbito do seu projecto de repintura do tecto da capela; o Papa Clemente VII e o Papa Paulo III encomendaram o segundo quadro a Miguel Ângelo, O Juízo Final .

Miguel Ângelo era famoso pelas suas representações realistas da anatomia humana; podemos ver isso nas suas figuras dos dois quadros acima referidos.

A criação de Adão Ambas as figuras são retratadas com um aspecto forte e musculado, com especial destaque para os contornos da maioria dos principais grupos musculares.

O livro de Miguel Ângelo A criação de Adão (c. 1511); Michelangelo, Domínio público, via Wikimedia Commons

Nas famosas esculturas de Miguel Ângelo, Pietà (1498 a 1499) e David (1501-1504), podemos ver o seu domínio do mármore, conhecido também por esculpir uma escultura a partir de um bloco de mármore. Pietà , vemos o mesmo formato piramidal característico que vimos na obra de Da Vinci Virgem dos Rochedos Embora, neste caso, seja a Mãe Maria a segurar o corpo de Cristo ao colo.

As duas figuras são retratadas com uma qualidade emocional serena, evidente nas suas expressões faciais, o que é diferente das expressões faciais mais abaladas de temas semelhantes criados por outros artistas. Vemos também a habilidade do artista na forma como retrata a roupa - parece quase real e diáfana na forma como flui e se enrola à volta da base da Mãe Maria.

A Pietà de Miguel Ângelo (1498-1499), Basílica de São Pedro; Michelangelo, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Em David Michelangelo cria a figura bíblica de David de forma quase perfeita, com uma atenção especial aos pormenores da musculatura. contrapposto A estátua tem uma altura de 3 metros, o que lhe dá uma sensação de movimento e realismo que lembra as estátuas da época clássica.

Outras esculturas de Miguel Ângelo incluem Baco (1496 a 1497), Madona com o Menino (Madona de Bruges) (1501 a 1504), Moisés (1513 a 1515), que faz parte do túmulo do Papa Júlio II, Rapaz agachado (1530 a 1534), e O depoimento (1547 a 1555), entre muitas outras esculturas, tanto acabadas como inacabadas.

Rafael (1483 - 1520)

As pinturas de Raffaello Sanzio da Urbino Por outras palavras, embora tenha utilizado as técnicas características que vemos em muitas pinturas do Renascimento, Rafael é conhecido por representar as suas composições com uma elegância e "clareza" que o distinguem.

Nascido em Urbino, uma cidade italiana, Rafael foi outro artista multifacetado da época, tendo sido pintor, arquitecto, desenhador e gravador. Produziu numerosas pinturas durante a sua vida, algumas das quais são frescos conservados nas Salas de Rafael no Palácio Apostólico, na Cidade do Vaticano, e foram também encomendadas pelo Papa Júlio II.

O fresco mais famoso de Rafael, Escola de Atenas (1509 a 1511), retrata os filósofos clássicos Platão e Aristóteles como figuras centrais, rodeados por muitos outros filósofos em profunda discussão uns com os outros ou em profunda contemplação consigo próprios.

Rafael Escola de Atene ("Escola de Atenas", 1511), fresco nas Salas Rafael, Palácio Apostólico, Cidade do Vaticano; Rafael, domínio público, via Wikimedia Commons

Em primeiro plano, há um arco arquitectónico que enquadra o quadro, e o nosso ponto de vista desloca-se gradualmente para as duas figuras centrais. Atrás delas há mais arcos arquitectónicos que conduzem ao exterior, que é um céu azul claro com nuvens brancas. As cores também são suaves e não demasiado brilhantes, o quetorna a composição mais convidativa e mais fácil de absorver.

Vemos a utilização hábil que Rafael faz da perspectiva e da cor para criar uma composição harmoniosa que faz lembrar o estilo da era clássica.

Outras pinturas de Rafael incluem Casamento da Virgem (1504), Disputa do Santíssimo Sacramento (1510), O Parnaso (1511), Madona Sistina (1512), Triunfo de Galatea (1514), La Fornarina (1520), e A Transfiguração (1520).

Rafael Disputa do Santíssimo Sacramento (1509-1510), Stanza della Segnatura, Salas Rafael, Palácio Apostólico, Cidade do Vaticano; Rafael, domínio público, via Wikimedia Commons

Mais artistas do Alto Renascimento

Outro Elevado Pintores do Renascimento incluem Antonio Correggio, que criou o Assunção da Virgem (1526-1530) na Catedral de Parma, este afresco ilusionista de grande qualidade no tecto da cúpula da catedral parece que o céu se abre no tecto.

Donato Bramante foi outro grande arquitecto deste período, conhecido por ter encontrado o estilo arquitectónico do Alto Renascimento e tido em grande estima. Fazia parte do grupo de arquitectos (Miguel Ângelo e Rafael) que devolveram a arquitectura de Roma ao que era na época romana.

Foi encarregado pelo Papa Júlio II de recriar a Basílica de São Pedro, que tinha sido um edifício constantiniano, e de criar várias novas estruturas para elevar a cidade de Roma e o Vaticano.

Arte do Renascimento do Norte

A arte do Renascimento do Norte começou por volta das décadas de 1430 a 1580 em países como a Bélgica, os Países Baixos e a Alemanha. Este período foi marcadamente diferente do Renascimento italiano acima referido - não emulou as virtudes da era clássica, mas foi sobretudo influenciado pelo estilo de arte gótico.

Quando comparamos o Renascimento italiano com o Renascimento do Norte, há palavras características que descrevem cada período Por exemplo, o lado italiano era "sonhador" e "idealizado", enquanto o lado nortenho era "realista" e "prático".

O Jardim das Delícias Terrenas (1490-1500) do pintor holandês Hieronymus Bosch; Hieronymus Bosch, Domínio público, via Wikimedia Commons

A tinta a óleo foi utilizada para transmitir um realismo profundo no tema, em que todos os pormenores eram pintados de forma clara e objectiva. Isto foi feito em pinturas de painéis e retábulos em edifícios religiosos. Devido às mudanças históricas da época, principalmente da Reforma Protestante, os artistas não abordaram o seu tema da mesma forma que os artistas italianos.

O tema do Renascimento do Norte incluía mais objectos do quotidiano e estilos de vida, muitas vezes com mensagens morais, em oposição às formas idealizadas para a Igreja Católica, que eram vistas como iconográficas por natureza. Alguns dos géneros de pintura incluíam paisagens, naturezas mortas e retratos. As pinturas eram também mais pequenas e não eram feitas em tão grande escala como em Itália, ondeeram principalmente expostos para fins públicos nas igrejas.

A criação da imprensa foi um desenvolvimento revolucionário, permitindo a disseminação generalizada de livros, panfletos, gravuras e impressões.

Jan van Eyck (1390 - 1441)

Um dos artistas populares durante este período inclui Jan van Eyck , que produziu o famoso Retábulo de Gante (1431), que é considerada a obra de arte pioneira que abriu caminho para a arte do Renascimento do Norte, famosa pelo seu realismo profundo e pela forma como os artistas utilizaram o óleo como meio de pintura a um nível de especialista, o que contribuiu ainda mais para o realismo.

Retábulo de Gante (1432) de Jan van Eyck; Jan van Eyck, domínio público, via Wikimedia Commons

O Retábulo de Gante é um políptico (uma pintura ou retábulo composto por mais de três painéis) que representa uma rica narrativa religiosa, muitas vezes considerada misteriosa devido a todas as figuras religiosas e a quem elas pertencem na composição.

Outras obras de v an Eyck incluem Retrato de Arnolfini (Mais uma vez, nota-se o realismo detalhado obtido através da aplicação de várias camadas de esmalte pelo artista, realçando ainda mais as cores.

Albrecht Dürer (1471 - 1528)

Albrecht Dürer foi outro artista importante durante este período, devido à forma como combinou o estilo realista naturalista do Norte com as teorias da proporção, do equilíbrio e do humanismo do Renascimento italiano. Explorou também as teorias da perspectiva de um ponto de vista científico e escreveu várias publicações sobre o assunto, nomeadamente a Quatro livros sobre medição (1525), Tratado sobre a fortificação (1527), e o Quatro livros de proporção humana (1528).

Auto-retrato (1500) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

Algumas das obras de arte de Dürer incluem o seu famoso Auto-retrato (Vemos a sua mão direita erguida com dois dedos, aparecendo como o clássico gesto de bênção que tantas vezes vemos nas pinturas religiosas.

De facto, pensa-se que este quadro representa o artista a fazer-se passar por Cristo, com o seu cabelo comprido e encaracolado a contribuir também para essa semelhança. Juntamente com o fundo escuro, este quadro sugere uma essência medieval.

Lebre (1502) é outro exemplo da habilidade de Dürer como artista. Retrata uma lebre, pintada em pormenor e em aguarela, mostrando o estudo atento do artista da natureza. O fundo branco também indica uma observação mais científica, em vez do foco na pintura de um objecto religioso. A lebre parece relaxada e imóvel, mas também há uma sensação de movimento, com as patas traseiras da lebre empoleiradas empronto a saltar se alguém se aproximasse dele.

Lebre (1502) de Albrecht Dürer; Albrecht Dürer, Domínio público, via Wikimedia Commons

Mais artistas do Renascimento do Norte

Outros artistas do Renascimento do Norte incluem Robert Campin, Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel, o Velho Este período terminou devido a várias dificuldades políticas, como a Guerra dos Oitenta Anos (1568). O Século de Ouro holandês também retomou aspectos e técnicas do Renascimento do Norte, continuando o seu legado.

Os movimentos de arte moderna, como o impressionismo, o pós-impressionismo, o cubismo e o surrealismo, também se inspiraram neste período e nos géneros que se desenvolveram a partir dele. Alguns estudiosos afirmam também que este período e os seus artistas, como van Eyck, Dürer, Bosch e Bruegel, foram mais influentes do que o Renascimento italiano.

Depois do renascimento: uma questão de maneirismo

Com o fim do Renascimento como principal movimento cultural e artístico na Europa, o movimento artístico chamado Maneirismo começou a desenvolver-se por volta da década de 1520. Os artistas sentiram que o Alto Renascimento em Itália tinha alcançado tudo o que podia e não se concentraram em desenvolvê-lo. Em vez disso, os artistas criaram um novo estilo que era mais expressivo, assimétrico e imperturbável pela perfeição e proporções tãometiculosamente atribuídas pelos pintores do Renascimento.

Veja a nossa história sobre as características da arte renascentista aqui!

Perguntas mais frequentes

O que é a cronologia do Renascimento?

O Renascimento foi uma mudança cultural, social e política na história europeia após a Idade Média. Foi um "renascimento" e considerado uma era de descoberta e exploração em muitas disciplinas como a arte, a ciência, a matemática, a tecnologia, a astronomia, a música, a literatura, a filosofia, a arquitectura, etc. Começou por volta do século XIV e terminou por volta do século XVII. O Renascimento italianoA linha do tempo divide-se em proto-renascentista, renascentista e alto-renascentista, bem como a sua congénere dos países do Norte da Europa.

O que caracterizou a arte renascentista?

A arte renascentista em Itália começou a representar temas mais realistas e a aproximar-se do naturalismo. Os artistas também se inspiraram na era clássica da arte grega e Arte romana Embora os artistas se concentrassem em temas religiosos, o homem era também considerado uma parte importante do mundo, o que se reflectia na filosofia do Humanismo. Foram também utilizadas novas técnicas e meios para criar uma maior tridimensionalidade, por exemplo, tintas a óleo, perspectiva linear, sfumato e claro-escuro , entre outros.

Quem foram os principais artistas do Renascimento?

Durante o Proto-Renascimento, os artistas pioneiros foram Cimabué e Giotto. Durante o Primeiro Renascimento, artistas como Brunelleschi, Masaccio e Donatello desenvolveram novas técnicas de pintura, escultura e arquitectura. Durante o Alto Renascimento, Leonardo da Vinci, Miguel Ângelo e Rafael foram considerados os três grandes nomes que aperfeiçoaram muitas técnicas dos períodos anteriores. Artistas comoAlbrecht Dürer, Jan van Eyck, Pieter Bruegel, o Velho, e Hieronymus Bosch eram bem conhecidos durante o Renascimento do Norte.