Tanto na arte como na história, a era helenística refere-se ao período das conquistas de Alexandre, o Grande, e à subsequente expansão da civilização grega pelas grandes cidades e países do Mediterrâneo, do Sul da Europa e do Próximo Oriente. A arte helenística é representada principalmente pela escultura, que tinha sido mais eficazmente representada em termos de precisão, fisiologia, emoção e movimentoOs helenistas esforçaram-se por promover a tradição grega antiga junto dos povos que invadiram e por demonstrar a supremacia da sua civilização.

História da arte grega helenística

Quando Alexandre conduziu os gregos ao triunfo, dividiu as regiões capturadas entre os seus comandantes, os Diadochi. Nestes países nasceram os Selêucidas do Próximo Oriente, os Ptolomeus do Egipto e os Antigonidas da Macedónia. Outras terras formaram ligas, como a Liga Aqueia e a Liga Aetoliana.

Estes reinos e alianças acabaram por se desintegrar em reinos mais pequenos, enriquecidos com características culturais gregas.

Cultura helenística

As influências gregas combinadas com a cultura nativa durante estes reinos resultaram numa vasta gama de técnicas e temas na arte helenística. A curiosidade histórica que definiu esta era foi também uma influência significativa na valor da arte As bibliotecas de Pérgamo e de Alexandria proporcionaram aos artistas o acesso a este património, o que, juntamente com o conhecimento de obras de arte anteriores, lhes deu uma base para trabalharem com invenção e criatividade.

À medida que as religiões locais se tornavam mais secularizadas em resultado da influência grega, e à medida que essas religiões afectavam a Grécia, os artistas descobriram novos métodos para representar os seus próprios deuses. Eros, por exemplo, é representado como um rapaz, enquanto Afrodite é representada nua. A presença de idosos e crianças, indivíduos de várias raças (especialmente africanos) e esculturas grotescas demonstram que a diversidadenão se limitava à influência religiosa ou secular.

Uma vez que nem todas as figuras eram olímpicas, divindades ou oradores, os artistas tiveram de conceber uma vasta gama de posições para reflectir eficazmente estas novas personalidades escultóricas. Com estas estátuas helenísticas, os escultores procuraram construir a posição numa torção em espiral para que o observador pudesse ver algo interessante de todos os ângulos.

Nike alado de Samotrácia (ca. 190 a.C.), feita em mármore de Parian e encontrada em Samotrácia em 1863, actualmente no Museu do Louvre em Paris, França; Museu do Louvre, domínio público, via Wikimedia Commons

Por vezes, estas posturas pareciam servir um propósito, enquanto outras vezes as razões pareciam ser insignificantes ou contidas num único movimento, como o de um sátiro a inspeccionar a sua cauda. Há relativamente poucas pinturas da cultura helenística que sobreviveram.

O que sobreviveu foram mosaicos que se pensa serem réplicas exactas dos frescos originais. Os estudiosos poderão concluir, a partir destes mosaicos, que os artistas helenistas utilizavam movimentos de torção, características fortemente expressivas e representações exactas da natureza. Uma obra de arte de paisagem numa colecção inacabada de imagens da Odisseia demonstra que a obra de arte foi criada por um artista talentoso que utilizouA sua arte de pincel disciplinada e a sua perícia em matéria de luz e sombra, bem como a sua capacidade de retratar a distância a cores.

Existem também retratos de múmias egípcias helenistas de Fayum, que demonstram o quanto os helenistas afectaram a arte egípcia. Estes retratos retratavam seres humanos vivos, e não múmias, com detalhes precisos, realistas e realistas.

Vénus de Milo (Afrodite de Milos) (c. 130-100 a.C.), descoberta em 1820 na ilha de Milos, no Egeu, actualmente no Museu do Louvre, em Paris, França; Rodney, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Enquanto o barro e a cerâmica entravam em declínio, os ourives de bronze e de ouro da época destacavam-se pela criação de vasos, jóias e figuras com intrincados trabalhos decorativos. Monstros míticos, povos africanos, deuses e grinaldas estavam entre os temas. Muitos dos objectos em metal eram engastados com pedras e jóias caras.

O vidro soprado foi descoberto pelos helenistas, que puderam desenvolver novos tipos de arte. O vidro moldado foi utilizado para fazer jóias em Itália, e os joalheiros criaram e aperfeiçoaram o camafeu.

Estátuas e esculturas helenísticas

A partir de 293 a.C., a escultura sofreu um decréscimo considerável. Depois disso, houve um período de estagnação, com um ressurgimento relativamente curto a partir de 153 a.C., mas nada que atingisse o nível de qualidade dos períodos anteriores. A escultura tornou-se cada vez mais realista e expressiva ao longo deste período, com ênfase na transmissão de expressões extremas. Para além da precisão física, o escultor helenístico esforça-se porA obra retrata a personalidade do seu sujeito, abrangendo temas como a angústia, o sono e a velhice.

Pessoas comuns, mães, crianças, vida animal e cenas domésticas tornaram-se temas apropriados para as estátuas helenísticas, que eram financiadas por famílias ricas para decorar as suas residências e jardins. Um exemplo notável é "Um Rapaz com Espinhos" (101 d.C.).

Laocoonte e os seus filhos (também conhecido como Grupo Laocoön ) (ca. 200 a.C.), encontrada nas Termas de Trajano em 1506, actualmente nos Museus do Vaticano, na Cidade do Vaticano, Itália; Museus do Vaticano, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Os artistas já não se sentiam obrigados a mostrar os indivíduos como padrões de beleza ou perfeição corporal, e foram criadas representações exactas de mulheres e homens. O reino de Dionísio, uma utopia pastoral repleta de sátiros e ninfas, tinha sido mostrado frequentemente em pinturas e figuras de vasos anteriores, mas raramente em esculturas de tamanho real. O Velho Bêbado (século I d.C.), em Munique, representa uma senhora idosa, magra e abatida, segurando contra si um frasco de álcool.

Retratos

Por conseguinte, a época é notável pelo seu retrato. O Fauno de Barberini (1799) de Munique, por exemplo, retrata um sátiro adormecido com uma postura confortável e uma expressão preocupada, talvez a presa de sonhos. Temas semelhantes reflectem-se na Sátiro em repouso , O tronco do Belvedere (1430), e O Hermafrodito adormecido (1620).

"Demóstenes" (384-322 a.C.), de Polieuctos, é mais um conhecido retrato helenístico que o representa com um rosto bem executado e os punhos cerrados.

Privatização

Na arte helenística nota-se uma outra tendência: a privatização, demonstrada na reintrodução de padrões públicos anteriores na escultura ornamental. Sob a influência de Arte romana As novas cidades helenísticas surgiram no Egipto, na Síria e na Anatólia.

O Altar de Pérgamo, situado no Museu de Pérgamo; © Raimond Spekking

A escultura, tal como a cerâmica, tornou-se assim um negócio, com uniformidade e alguma degradação da qualidade.

Devido a estes factores, o número de estátuas helenísticas que perdurou é consideravelmente superior ao das esculturas clássicas.

Segundo Classicismo

Os desenvolvimentos do "segundo classicismo" repetem-se nas estátuas helenísticas: a escultura nua e redonda, que permite apreciar a escultura de todos os lados; os panejamentos e as ilusões de transparência das roupas, bem como a flexibilidade das posições.

Assim, a "Vénus de Milo" (entre 150 e 125 a.C.), apesar de imitar uma figura tradicional, diferencia-se pela curva das ancas.

Barroco

O grupo de estátuas com múltiplas figuras foi uma invenção helenística, provavelmente do século III, que retirou das paredes os conflitos épicos dos antigos relevos dos santuários e os criou como esculturas em tamanho real.

O seu estilo é comummente designado por "barroco", devido às suas posições corporais extravagantemente deformadas e às emoções dramáticas nos seus rostos. "O Grupo de Laocoonte" (1506), que será discutido mais adiante, é considerado um exemplo clássico da era barroca helenística.

Cena do Sarcófago de Alexandre, mostrando Alexandre na batalha de Issus (333 a.C.); Ronald Slabke, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Pergamon

Pérgamo não se identificava apenas com a sua arquitectura, mas também com o famoso estilo de escultura barroca de Pérgamo, que, à semelhança de épocas anteriores, representa situações traumáticas, emotivas, com desenhos tridimensionais e hiper-realismo fisiológico.

Um exemplo é o "Fauno de Barberini" (1799).

Gauleses

Para comemorar o seu triunfo contra os Gauleses, Átalo I criou duas séries de grupos: a primeira, ungida na Acrópole de Pérgamo, contém o famoso Gaulês a massacrar-se a si próprio e à sua mulher; a segunda, oferecida a Atenas, é composta por pequenas estátuas de amazonas, seres divinos e gigantes.

A "Artemis Rospigliosi" do Louvre (séculos I - II d.C.) é muito provavelmente uma réplica de uma delas.

O chamado gaulês Ludovisi e a sua mulher, em mármore, cópia romana de um original helenístico de um monumento construído por Átalo I de Pérgamo após a sua vitória sobre os gauleses, cerca de 220 a.C; Museu Nacional Romano do Palácio Altemps Domínio público, via Wikimedia Commons

Isto deve-se ao facto de as cópias do A Gália moribunda O estilo Pergamene caracteriza-se pela representação de emoções, pela ousadia dos pormenores e pela agressividade dos movimentos.

Grande Altar

Estas características estão patentes nos frisos do Grande Altar de Pérgamo (séc. II a.C.), que foi adornado, sob a direcção de Eumenes II, com uma gigantomaquia de 110 metros de comprimento, retratando poesia em pedra escrita especificamente para a corte.

A vitória é dos olímpicos, cada um do seu lado, sobre os gigantes, a maior parte dos quais se transformam em monstros terríveis como cobras, aves de rapina, leões ou vacas. Gaia acorre em seu auxílio, mas é impotente para ajudar e tem de assistir à agonia dos seus corpos sob os golpes dos deuses.

Colosso de Rodes

Rodes foi uma das poucas cidades-estado que conseguiu manter-se completamente independente de qualquer potência helenística. Depois de sobreviverem a um cerco de um ano, os rodesianos ergueram a Colosso de Rodes (280 a.C.) para celebrar o seu triunfo.

Os gregos conseguiram construir enormes esculturas graças aos avanços na fundição do bronze. Muitas das enormes estátuas de bronze foram destruídas, sendo a grande maioria derretida para recuperar o material.

O Fauno de Barberini, também conhecido como Sátiro Adormecido (século II a.C. helenístico ou século II d.C.) Cópia romana de um bronze anterior; Glyptothek Domínio público, via Wikimedia Commons

Laocoonte

Descoberta em Roma em 1506 e imediatamente notada por Miguel Ângelo, começou a ter um efeito tremendo nas obras de arte renascentistas e barrocas. Laocoonte, sufocado por serpentes, luta arduamente para se libertar sem olhar para os seus filhos mortos.

O grupo é uma das poucas esculturas antigas não arquitectónicas que podem ser relacionadas com as registadas em textos antigos.

Rococó

As características barrocas da arte helenística, em particular da escultura, foram comparadas com uma tendência contemporânea conhecida como rococó. Wilhelm Klein inventou o termo "rococó helenístico" no início do século XX.

Em contraste com as intensas estátuas barrocas, o movimento rococó realçou temas leves como sátiros e ninfas. O grupo escultórico "O convite à dança" foi um exemplo proeminente do movimento.

O grupo central das esculturas de Sperlonga com a Cegueira de Polifemo , reconstrução do elenco do grupo; Carole Raddato de FRANKFURT, Alemanha, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

Mais tarde, acreditou-se que o desejo de temas "rococós" nas estátuas helenísticas poderia estar ligado a uma mudança no uso da escultura em geral. O coleccionismo pessoal de esculturas tornou-se mais prevalecente no final da era helenística e parece ter havido uma tendência para elementos "rococós" neste tipo de colecção.

Neo-Ático

Os estudiosos consideram o estilo de escultura neo-ático como uma resposta à extravagância barroca, uma reversão a uma forma de tradição clássica ou uma continuação do estilo habitual das estátuas de culto a partir do século II.

Os estúdios do estilo começaram a especializar-se na produção de réplicas para o mercado romano, que privilegiava as obras tradicionais em detrimento das helenísticas.

Mosaicos e pinturas da época helenística

As pinturas e os mosaicos eram meios importantes na época helénica Arte grega No entanto, nenhum exemplo de pinturas em painéis escapou à conquista romana. Os suportes relacionados e o que parecem ser réplicas ou extensões soltas de obras de arte numa gama mais vasta de materiais podem dar uma ideia de como eram.

Paisagem

A maior utilização da paisagem nos mosaicos e pinturas helenísticas é talvez a característica mais notável: as paisagens destas obras de arte representam personagens realistas reconhecidas, bem como motivos mitológicos e sacro-idílicos.

Os frisos paisagísticos eram frequentemente utilizados para representar cenários da poesia helenística. Estes cenários, que representavam os contos dos autores helenísticos, eram utilizados na casa para sublinhar o conhecimento e a educação da família para o mundo da literatura.

O Mosaico do Nilo de Palestrina (c. 100 a.C.), um mosaico romano e helenístico que representa o Egipto ptolemaico; Autor desconhecidoAutor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

O termo "sacro-idílico" refere-se aos aspectos mais proeminentes da obra de arte, que são os associados a temas religiosos e pastoris. Este estilo, que surgiu pela primeira vez na arte helenística, mistura elementos sagrados e profanos para criar uma cena de sonho. o Mosaico do Nilo de Palestrina (século I a.C.) apresenta uma narrativa imaginativa com um esquema de cores e componentes quotidianos que retratam o Nilo no seu trânsito do Mediterrâneo para a Etiópia.

Os cenários helenísticos podem também ser encontrados em obras de Pompeia, Cirene e Alexandria.

Além disso, podem observar-se motivos florais e membros em tectos e paredes espalhados de forma desordenada mas tradicional, imitando um estilo grego tardio, particularmente no sul da Rússia. Além disso, as pinturas "Cubiculum" desenterradas na Villa Boscoreale mostram vegetação e uma paisagem rochosa no fundo de pinturas realistas de grandes estruturas.

Pinturas de parede

Durante o período pompeiano, as pinturas murais tornaram-se mais frequentes, não só nos templos ou nos túmulos, mas também para embelezar as habitações. Em Priene, Thera, Olbia, Pantikapaion e Alexandria, as pinturas murais eram muito comuns nas residências privadas.

Apenas alguns exemplares de murais gregos sobreviveram ao tempo, sendo os que se encontram nos túmulos imperiais macedónios de Vergina os mais espectaculares em termos de demonstração do aspecto da arte grega de alta qualidade.

Pintura mural representando uma cena de banquete do túmulo de Agios Athanasios, Tessalónica (século IV a.C.); Autor desconhecidoAutor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

Os artistas gregos são responsáveis pela introdução de representações-chave no hemisfério ocidental através das suas obras de arte. O ponto de vista tridimensional, a utilização de luzes e sombras para transmitir a forma e Trompe-l'oeil A realidade era constituída por três características fundamentais do estilo helenístico de pintura. Exceptuando os painéis de madeira e os colocados em pedra, existem muito poucos exemplos de pinturas na cultura helenística.

As pinturas rupestres mais conhecidas encontram-se no túmulo macedónio de Agios Athanasios.

Técnicas e meios

As recentes escavações no Mediterrâneo mostraram as tecnologias utilizadas na pintura helenística. O secco e o os métodos do fresco eram utilizados na arte mural A técnica do fresco exigia a aplicação de camadas de gesso rico em cal sobre as superfícies e os alicerces de pedra antes de serem decorados.

Pintura mural representando Hades a raptar Perséfone (340 a.C.); Autor desconhecidoAutor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

O método secco, por outro lado, não necessitava de uma base e, em vez disso, empregava goma-arábica e têmpera de ovo para criar características finais no mármore ou noutra pedra. Os frisos de alvenaria em Delos são um exemplo desta técnica.

Ambas as técnicas utilizavam materiais disponíveis localmente, pigmentos artificiais manufacturados e materiais orgânicos como corantes.

Descobertas modernas

Entre os achados mais recentes contam-se os túmulos de Vergina (1987), no antigo reino da Macedónia, onde foram descobertos vários frisos. Os arqueólogos descobriram, por exemplo, um friso de estilo helenístico que retrata uma caça ao leão no túmulo II. Este friso, descoberto num túmulo que terá pertencido a Filipe II, é notável pela sua estrutura, pela colocação das personagens no espaço e pela sua representação exacta denatureza.

Outros frisos, como um simpósio e uma festa ou uma procissão militar, preservam um enredo realista e podem repetir acontecimentos reais.

Pintura romana a fresco, conhecida como "Cubiculum" (quarto), da Villa de P. Fannius Synistor em Boscoreale (50-40 a.C.), conservada no Metropolitan Museum of Art, em Nova Iorque; Museu Metropolitano de Arte, CC0, via Wikimedia Commons

Há também os frescos nabateus do século I, recentemente reparados, na igreja jordana de Casa pintada Uma vez que os nabateus interagiram com os egípcios, romanos e gregos, os insectos e outras criaturas representadas nos murais representam o helenismo, enquanto as diferentes variedades de videiras estão ligadas ao deus grego Dionísio. Os últimos achados arqueológicos no cemitério de Pagasae, nos arredores do Golfo Pagasetic, revelaram várias obras únicas.

As obras escavadas podem estar ligadas a numerosos artistas gregos dos séculos III e IV, que representam acontecimentos do reinado de Alexandre Magno. Nos anos 60, foi descoberta em Delos uma colecção de pinturas murais.

Os restos de frisos descobertos foram claramente construídos por uma colónia de pintores que existia durante o final da era helenística. As pinturas enfatizavam a decoração doméstica, o que implica que o regime de Delian permanecerá suficientemente forte e estável para que este trabalho seja apreciado pelos residentes durante muitos anos.

Mosaicos

Certos mosaicos dão uma excelente compreensão da "grande pintura" da época. Estes mosaicos são reproduções de frescos que se perderam com a devastação do tempo. Esta forma de arte foi sobretudo utilizada para embelezar paredes, pavimentos e colunas.

Técnicas e meios

A evolução da arte do mosaico durante a era helenística começou com os mosaicos de seixos, que são melhor representados no século V a.C. no local de Olynthos. Os mosaicos de seixos foram criados através da disposição de pequenos seixos pretos e brancos de tamanhos variados num painel rectangular ou circular para representar imagens da mitologia.

Para produzir a imagem, foram colocadas pedras brancas de cores ligeiramente diferentes sobre um fundo azul ou preto. As pedras pretas foram utilizadas para enquadrar a imagem.

Uma forma de arte muito avançada pode ser observada nos mosaicos do sítio de Pella do século IV a.C. Os mosaicos deste sítio mostram a utilização de pedras que foram tingidas num espectro mais vasto de matizes e tons. Demonstram também a utilização precoce de fio de chumbo e de terracota para gerar curvas e características mais definidas nas imagens de mosaico.Seixos cortados com precisão, pedras partidas, vidro e cerâmica cozida, conhecidos como tesselas, são exemplos desta utilização crescente de elementos em mosaicos a partir do século III a.C.

Pormenor do Mosaico de Alexandre (c. 100 a.C.), encontrado na Casa do Fauno em Pompeia; Autor desconhecidoAutor desconhecido Domínio público, via Wikimedia Commons

Independentemente da ordem cronológica em que estes métodos apareceram, não há dados que indiquem que o mosaico tesselado tenha evoluído a partir dos mosaicos de seixos. A grande maioria dos mosaicos foi criada e instalada no local.

No entanto, alguns mosaicos de pavimento utilizam o processo "emblemata", no qual os painéis de imagens são fabricados fora do local, em tabuleiros de terracota ou de pedra, sendo depois colocados no local, no leito de assentamento.

Foram utilizadas caldas de cimento coloridas em opus vermiculatum O mosaico do Cão e Askos, em Alexandria, é um exemplo de utilização de argamassa colorida. As argamassas e tesselas em Samos são ambas coloridas. O estudo científico forneceu informações valiosas sobre as argamassas e tesselas utilizadas nos mosaicos helenísticos. Como característica distintiva do tratamento de superfície, foram detectadas tiras de chumbo emmosaicos.

As tiras de chumbo eram muito populares nos mosaicos do estilo opus tesselado de Delos, sendo utilizadas para delinear bordos ornamentais e elementos decorativos geométricos. As tiras eram especialmente populares em Alexandria opus vermiculatum Uma vez que as tiras de chumbo estavam presentes em ambos os tipos de superfícies, não podem ser a principal característica distintiva de um ou de outro.

Tel Dor Mosaico

Os investigadores acreditam que este mosaico foi feito in situ por artesãos itinerantes, com base numa investigação técnica do mosaico.

Desde 2000, foram descobertos mais de 200 fragmentos do mosaico na manchete de Tel Dor, mas a demolição do mosaico original não é clara. Os escavadores acreditam que a razão é um terramoto ou uma remodelação urbana.

Pormenor de um mosaico de Tel Dor (séc. I-II), situado no Museu Ha-Mizgaga, em Israel; Bukvoed, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Embora o contexto arquitectónico original não seja claro, os paralelos estilísticos e técnicos apontam para uma data do período helenístico tardio, possivelmente no final do século II A.E.C. Os estudiosos descobriram que o mosaico original incluía um rectângulo centrado com iconografia desconhecida, ladeado por uma sucessão de bordos artísticos que consistiam num meandro em perspectiva.após análise dos fragmentos recuperados no local original.

Mosaico de Alexandre

Outro exemplo é o Mosaico de Alexandre (100 a.C.), que retrata o jovem vencedor e o Grande Rei Dário III em confronto durante uma batalha e é uma obra de arte de um piso do edifício de Pompeia Casa do Fauno Pensa-se que seja uma réplica de um quadro mencionado por Plínio como tendo sido criado por Filoxeno de Eretria para o rei Cassandro da Macedónia no final do século IV a.C., ou talvez de uma obra de Apeles contemporânea de Alexandre.

O mosaico permite-nos avaliar a paleta de cores, bem como a composição do conjunto através do movimento de rotação e das expressões faciais.

Mosaico da caça ao veado (300 a.C.)

O emblema é circundado por um requintado desenho floral, rodeado por representações estilizadas de ondas. A obra é um mosaico de seixos, composto por pedras recolhidas no litoral e nas margens dos rios e colocadas em cimento. O mosaico, como talvez fosse frequente, representa técnicas de pintura. As figuras brilhantes contra o fundo mais escuro podem ser uma referência a uma pintura de figuras vermelhas. O mosaico tambémemprega sombreamento, nas suas representações dos músculos e das capas dos indivíduos.

O trabalho artístico é tridimensional como resultado deste facto, bem como da utilização de figuras sobrepostas para criar profundidade.

Mosaico da Caça ao Veado (finais do século IV a.C.) de Pela, Grécia, provavelmente representando Alexandre e Heféstion; Autor desconhecidoAutor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

Sosos

A época helenística é também um período de desenvolvimento do mosaico, nomeadamente com as criações de Sosos de Pérgamo, que se destacou no século II a.C. O seu interesse pela ilusão de óptica e os impactos do meio podem ser vistos em várias criações que lhe são atribuídas, incluindo o Chão não limpo no Museu do Vaticano, que representa os restos de uma refeição, e o Bacia do Pombo no Museu Capitolino, que é conhecido graças a uma reprodução descoberta na Villa de Adriano.

O período helenístico durou 300 anos e foi marcado pelas invenções, pela globalização e pela ligação cultural através de uma língua partilhada e de uma escolaridade padronizada. As famílias reais viveram em magnificência e prosperidade durante todo o período helenístico. Os palácios apresentam salas de jantar opulentas, câmaras ornamentadas e jardins magníficos.A riqueza circundava as casas senhoriais e os palácios da aristocracia, da elite política e dos comerciantes, que organizavam regularmente celebrações e simpósios para exibir as suas riquezas. Uma sociedade rica com patronos famosos das artes que encomendavam projectos públicos de escultura, bem como luxos privados para demonstrar o seu dinheiro e posição social.

Veja a nossa história da arte do período helenístico aqui!

Perguntas mais frequentes

O que é um helenista?

Um helenista é um indivíduo que viveu durante o período helenístico e era grego no dialecto, no ponto de vista e no modo de vida, mas não era necessariamente de linhagem grega. Os helenistas trabalharam durante anos para promover a tradição grega antiga junto dos povos que conquistaram e para demonstrar a superioridade da sua civilização.

O que é a definição de helenismo?

O período helenístico começou com a morte de Alexandre, o Grande, em 323 a.C. Durante este período, a arte começou a afastar-se dos princípios clássicos tradicionais, com os pintores da época a injectarem nas suas obras novas escolhas estilísticas. As jóias tornaram-se mais ornamentadas, as esculturas mais expressivas (quase teatrais) e os edifícios desafiaramDurante estes reinos, as influências gregas, juntamente com a cultura nativa, resultaram numa gama diversificada de estilos e temas na arte helenística. O interesse histórico que marcou esta época teve um enorme impacto no valor da arte resultante. A arte helenística retratou indivíduos de diferentes idades, desde crianças a idosos.