A arte maneirista surgiu em Itália perto do final do Alto Renascimento, no início de 1500, e foi também designada por Renascimento tardio. O estilo maneirista foi quase um "renascimento" de tudo o que foi explorado e descoberto na arte (até à perfeição) durante o período do Renascimento. A arte tornou-se menos naturalista e mais artificial na sua representação.

Rejeição do clássico pelo estilo: o que é o maneirismo?

A arte maneirista não era apenas um estilo, mas era elegante na sua maneira de ser. A seguir, exploramos este período artístico relativamente curto, situado entre o Renascimento e o Barroco. Em primeiro lugar, analisaremos a definição do termo, incluindo o que significava em relação ao período em que ocorreu, que é datado de cerca de 1520.

Maneirismo Definição de arte

Para compreendermos a definição de Arte Maneirista relacionada com todo o movimento, comecemos pela palavra "maneirismo". A origem da palavra vem da palavra italiana maniera, que significa "estilo" ou "maneira". Se formos mais longe, o termo maniera tem origem na raiz latina manus De raízes francesas antigas e médias, a palavra indica "método" ou "caminho".

O Maneirismo era exactamente isso - uma "forma" particular e algo peculiar de fazer as coisas, neste caso, a arte.

Embora o termo se traduza directamente para "estilo" ou "maneira" do italiano, encontrou o seu caminho nas mãos de muitos outros significados, alguns com interpretações negativas sobre a artificialidade do estilo em comparação com os artistas renascentistas que vieram antes dele. Outros definiram-no simplesmente como o estilo de arte durante os anos 1500 (século XVI).

Leda e o Cisne , uma cópia do século XVI de uma pintura perdida de Miguel Ângelo; Galeria Nacional, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Influências históricas da arte maneirista

Foram muitas as influências históricas que influenciaram o movimento e o estilo do Maneirismo. Foi uma época na história europeia de grandes mudanças e evolução, não só a nível político, mas também religioso e económico. O papel da Igreja e a sua influência nas massas foi um factor de influência considerável. Além disso, a ascensão do Protestantismo catalisou muitas novas perspectivas e guerras relacionadas comà religião, que sem dúvida afectou todos, incluindo a forma como a arte era feita e retratada.

A arte do maneirismo apresenta a figura humana em novas formas, literalmente (e figurativamente) retorcidas, o que sugere uma das principais influências dos maneiristas, que é a escultura e a estátua do período helenístico, Laocoonte e os seus filhos (c. 200 a.C.), que retrata a história mitológica, durante a Guerra de Tróia, do sacerdote Laocoonte, atacado por serpentes do mar, tendo como filhos Antifantes e Timbros.

O dinamismo representado pelas figuras desta estátua foi uma mudança em relação ao aspecto mais austero e sereno das esculturas e estátuas romanas. Muitas fontes académicas discutem o elemento de figura serpentinata A forma serpentina, que significa "figura serpentina", que é retratada nesta escultura, e como ela actua como um factor de influência na arte maneirista, na medida em que emulou a forma serpentina nas suas figuras pintadas e esculpidas.

Laocoonte e os seus filhos , também conhecido como Grupo Laocoön Mármore, cópia de um original helenístico de cerca de 200 a.C. Encontrado nas Termas de Trajano, 1506; Museus do Vaticano, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

As diferentes fases do maneirismo

O Maneirismo é visto em duas fases, nomeadamente, o Maneirismo Inicial e o Maneirismo Superior. A fase do Maneirismo Inicial teve início próximo do Alto Renascimento, e os artistas durante este período criaram arte oposta à dos mestres do Renascimento. Esta fase é frequentemente descrita como "anti-clássica".

O período do Alto Maneirismo distingue-se do anterior pelo facto de procurar imitar a arte do período renascentista, sendo referido como tendo um estilo "cortês" devido ao seu domínio nas cortes, estando geralmente rodeado por grupos de pessoas mais associadas a faculdades e interesses intelectuais.

O período do Alto Maneirismo foi também designado por Maniera Greca , que é um termo que descreve a pintura durante a era medieval em Itália, influenciada por Arte bizantina O termo em si traduz-se por "estilo grego" e descreve este estilo de arte, que também influenciou os maneiristas.

Este período foi marcado pela sua artificialidade, ou seja, a arte procurava deliberadamente chamar a atenção dos espectadores. Foi também criticado pelo seu sentido de artifício e pela forma "não natural" de trabalhar. Havia um grande cuidado com os pormenores e as figuras eram colocadas com mais atenção, parecendo mais elegantes e equilibradas.

Miguel Ângelo foi a principal influência para os artistas desta fase do Maneirismo.

Maneirismo na Europa do Norte

Embora o período do Maneirismo tenha tido início em Itália, mais concretamente em Roma e Florença, ocorreu em vários outros países do Norte da Europa, nomeadamente em França, na Grã-Bretanha, em Praga e nos Países Baixos. A Escola de Fontainebleau foi liderada por Rosso Fiorentino (1494/1495-1540), um maneirista italiano, convidado por Francisco I para decorar o Palácio de Fontainebleau.Rosso era também conhecido por utilizar o relevo em estuque, que é um motivo decorativo.

Elefante fresco (1533-1539) de Rosso Fiorentino, situado na Galeria François I, Château de Fontainebleau, França; Rosso Fiorentino, Domínio público, via Wikimedia Commons

Durante este período, várias artes da corte tornaram-se populares. Por exemplo, em Praga, o maneirista flamengo Bartholomeus Spranger (1546-1611) foi o principal artista de Rudolf II. As pinturas de Spranger exploravam cenas mitológicas com ênfase na figura nua. As suas pinturas eram dinâmicas e decorativas.

Noutros países, como os Países Baixos, o famoso gravador Hendrick Goltzius (1558-1617) foi o pioneiro do estilo maneirista, influenciado por Spranger e criando muitas vezes gravuras a partir de pinturas de Spranger. No entanto, foi também pioneiro em várias técnicas de gravura, como o "ponto e losango" e a "linha de dilatação". As suas figuras eram frequentemente demasiado musculadas e extravagantes em termos anatómicos.

Características da arte do maneirismo

A arte do Maneirismo pode ser caracterizada principalmente pelo seu estilo e abordagem aparentemente opostos aos dos artistas do Renascimento, que eram mais refinados e precisos na representação da vida real nas artes, quer se tratasse de pintura, escultura ou arquitectura. razão de ser .

Putto che suona (1518), traduzido em inglês como Querubim a tocar alaúde ou Querubim musical , de Rosso Fiorentino; Rosso Fiorentino, Domínio público, via Wikimedia Commons

Forma: Em direcção à expressão

A pintura maneirista foi uma nova exploração e representação da vida e da natureza, o que significa que, no contexto das principais tendências da arte durante o século XVI, foi algo totalmente diferente do esperado.

O estilo dos maneiristas é claramente observado nos seus objectos de estudo. Podemos observar como os membros das figuras humanas são representados de forma mais alongada e não em proporção anatómica. Também são representadas figuras com as suas formas serpentinas características, o que sugere uma expressão mais pessoal na representação dos objectos de estudo, em vez de se manterem representações fiéis à natureza. Um exemplo disto pode ser visto emas pinturas de um dos mais proeminentes maneiristas, Francesco Mazzola, mais conhecido por Parmigianino (1503-1540).

Madonna dal Collo Lungo ("Madona de pescoço comprido", 1534-1540) de Parmigianino; Parmigianino, Domínio público, via Wikimedia Commons

Parmigianino, ou "o pequeno de Parma", era conhecido por retratar figuras com membros alongados, o que é evidente no seu famoso quadro Nossa Senhora do Pescoço Longo (Como se depreende do título desta obra, a Madonna é retratada com um pescoço desproporcionadamente longo. Além disso, o seu auto-retrato, Auto-retrato num espelho convexo (1524) mostra o próprio artista a explorar os efeitos do espelho sobre a sua imagem, nomeadamente os dedos alongados em primeiro plano.

Muitos maneiristas também exploraram a sua expressão temática combinando ou hibridizando a figura humana com elementos da natureza, como se pode ver nas obras de pintor italiano Giuseppe Arcimboldo (c.1526/1527-1593): as suas figuras humanas eram pintadas como retratos, mas compunham-nas com elementos orgânicos, como legumes, frutas e carnes, bem como com outros objectos, como livros e tigelas (em forma de chapéu).

Estações do ano (1573) de Giuseppe Arcimboldo; Giuseppe Arcimboldo, Domínio público, via Wikimedia Commons

Cor: um sentido de falsidade

Os maneiristas também exploraram uma paleta de cores exagerada. Muitos artistas utilizaram cores não locais com fortes contrastes. As cores notáveis utilizadas foram azuis Os artistas também retrataram a sua arte em tons de amarelo, rosa e verde. tons de pele em espectros exagerados, em que algumas figuras aparecem muito pálidas, enquanto outras parecem demasiado cremes, como se um foco de luz emanasse directamente delas.

Este foi outro aspecto relacionado com o estilo maneirista - o jogo de contrastes de luz e escuridão. Enquanto alguns artistas utilizaram as técnicas do Renascimento, como claro-escuro A atenção dada à luz e à escuridão criou uma ênfase mais dramática nas cenas.

Um exemplo da utilização frequentemente descrita como "rica" da cor é evidente nas obras de arte dos maneiristas como Jacopo da Pontormo (1494-1557), um dos pioneiros do movimento artístico. A sua pintura, A deposição da cruz (1528), apresenta representações quase ilustres de cores; notam-se rosas, azuis e verdes no tema.

A deposição da cruz (c. 1528) de Jacopo Pontormo; Pontormo, Domínio público, via Wikimedia Commons

Artistas famosos do Maneirismo

Embora tenham existido muitos artistas notáveis do Maneirismo, veremos a seguir alguns dos nomes conhecidos da época nas modalidades de pintura, arquitectura e escultura do estilo maneirista.

Pintura do Maneirismo

A pintura maneirista tornou-se uma pedra angular da arte, seguindo uma nova direcção após o Alto Renascimento. Veremos, a partir dos pintores maneiristas a seguir referidos, como a expressão e os princípios estilísticos se tornaram mais importantes do que a necessidade de fazer com que o tema de uma pintura se parecesse exactamente com a sua contraparte natural. Foi um fio revolucionário tecido no início dos ideais de "arte parapela arte".

Jacopo da Pontormo (1494 - 1557)

Jacopo da Pontormo foi um dos primeiros maneiristas, pioneiro do estilo de pintura maneirista com a sua utilização mais expressiva da cor, da forma e da composição. Embora Pontormo tenha utilizado técnicas renascentistas como o claro-escuro, o seu estilo desenvolveu-se mais longe dos retratos naturais que vemos na Artistas do Renascimento .

Pontormo teve um contacto precoce com a arte renascentista, tendo viajado para Roma para ver a Capela Sistina, obra de Miguel Ângelo Podemos ver como o artista ainda aplicou princípios da Alta Renascença , evidente nos seus trabalhos anteriores como o Visitação da Virgem e de São Por exemplo, elementos clássicos como um espaço arquitectónico em torno das figuras, bem como efeitos mais naturalistas das cores.

A visita (1514-1516) de Pontormo; Pontormo, Domínio público, via Wikimedia Commons

No entanto, na obra acima mencionada, também podemos ver pequenos indícios de um estilo mais expressivo, por exemplo, as formas das figuras parecem mais serpentinas, bem como mais alongadas. O tema desta obra retrata a grávida Santa Isabel a visitar a Virgem Maria, igualmente grávida, onde também se inclina em frente de Maria.

Nos últimos anos de vida de Pontormo, ele criou uma outra pintura baseada nesta cena, no entanto, podemos ver a imersão total do artista no estilo maneirista. Visitação (Em comparação com a versão anterior de Pontormo, a cena é quase um grande plano, com apenas quatro figuras em vez de várias a ocuparem o espaço.

Visitação de Carmignano (1528) de Pontormo; Pontormo, Domínio público, via Wikimedia Commons

Notamos que as figuras dominam o primeiro plano sem que haja qualquer indicação do que se passa no segundo plano. O segundo plano mostra um vislumbre de um qualquer cenário arquitectónico, mas não conseguimos discernir mais nada. A perspectiva é também tão enigmática como o contexto cénico em que as figuras estão inseridas. Além disso, vemos características do estilo maneirista de Pontormo também representadas na sua representação deas cores ricas e vivas das roupas das mulheres e as formas dos seus corpos.

Pontormo's A deposição da cruz (1528) é uma das suas obras de arte mais populares e um exemplo clássico do estilo maneirista. A cena representa várias figuras que preenchem o primeiro plano com expressões angustiadas. Notaremos também a falta de quaisquer outros objectos contextuais que informem a cena. Tudo o que notamos é uma nuvem no canto superior esquerdo da composição (que se diz simbolizar o Espírito Santo) - vemos ligeiras sugestões do céu e do chãotambém.

Um pormenor da obra de Pontormo A deposição da cruz (1528); Pontormo, Domínio público, via Wikimedia Commons

As figuras de Pontormo também estão vestidas com cores ricas de azuis, rosas e verdes, com a forma serpentina característica que vemos tantas vezes representada no estilo maneirista. Além disso, as figuras são desproporcionadas na sua anatomia, por exemplo, a figura ajoelhada no chão tem um tronco e um pescoço mais compridos do que o natural.

Para além disso, as outras figuras parecem não ser perturbadas pelo peso do corpo de Cristo, assim como não são pesadas pela gravidade - os seus corpos parecem não ter peso no espaço. Pensa-se que Pontormo se inspirou na Pietà de Miguel Ângelo devido à forma como o corpo de Cristo está posicionado e contorcido.

El Greco (1541 - 1614)

A obra de El Greco é digna de nota, uma vez que é frequentemente considerada um precursor do movimento expressionista, influenciando também muitos outros artistas. artistas contemporâneos De facto, Picasso pintou um retrato dele intitulado Retrato de um pintor, segundo El Greco (1950).

Nasceu em Creta como Doménikos Theotoképoulos, El Greco foi inicialmente um pintor de ícones com exposição aos estilos de arte bizantina e renascentista, tendo-se mudado para Roma e depois para Espanha durante os seus últimos anos, onde começou a desenvolver o seu próprio estilo de arte em linha com a pintura maneirista da época.

Veremos que as suas pinturas são típicas do estilo maneirista, com cores não locais, figuras alongadas e interpretação figurativa do tema e da composição.

Embora continuasse a representar cenas religiosas típicas do período renascentista que dominava a cultura, para El Greco era mais do que isso - ele próprio era profundamente religioso e acreditava que a sua arte significava mais. De facto, a sua arte era um testemunho do divino e procurava representá-lo fervorosamente nas suas composições.

Algumas das suas obras mais populares incluem a sua pintura inicial, A Santíssima Trindade (1577-1579) Aqui vemos a representação de Cristo morto, segurado por Deus e rodeado de anjos, com uma pomba branca por cima da cabeça de Deus. Por detrás das figuras sagradas há uma luz dourada, que é justaposta pelas nuvens cinzentas por baixo das figuras - isto simboliza os aspectos da vida e da morte.

A Santíssima Trindade ("A Santíssima Trindade", 1577-1579) de El Greco; El Greco, Domínio público, via Wikimedia Commons

Embora esta obra esteja em consonância com os ideais renascentistas, notaremos como El Greco incorpora o seu próprio estilo e expressão utilizando contornos espessos e escuros com sombras pesadas à sua volta, figuras alongadas e um efeito de outro mundo devido à sua abordagem mais expressiva e figurativa do tema.

Outra obra de arte popular é A visão de São João (1608-1614), que representa a cena relacionada com o Quinto Selo do Livro das Revelações da Bíblia, em particular os mártires que recebem as suas vestes brancas. Vemos várias figuras nuas em poses activas a reclamar as suas vestes, com a diferença de que as vestes aparecem em cores diferentes, algumas de um amarelo rico e verde juntamente com o branco. A figura principal em primeiro plano é São João de braços abertos.

El Greco pintou A cor geral da pintura é de tom escuro, com um céu elaborado, cinzento, com fendas de luz a atravessá-lo. Além disso, as figuras de El Greco são alongadas, com um mínimo de pormenor quanto à sua proporção ou anatomia.Esta é uma indicação clara da mudança para representações mais expressivas e menos naturalistas da figura humana.

A visão de São João (1608-1614) de El Greco; El Greco, Domínio público, via Wikimedia Commons

Arquitectura do Maneirismo

A arquitectura maneirista era conhecida como um "jogo" com a harmonia da estrutura relacionada com o período do Renascimento. Período da Renascença Os maneiristas procuravam imitar os ideais gregos e romanos do classicismo na arquitectura, que eram a "simetria", a "ordem" e a "proporção", os maneiristas procuravam criar mais "ritmo" nas suas estruturas - o que também permitia uma maior liberdade de expressão.

Michelangelo (1475-1564), conhecido como uma das figuras de proa da arquitectura maneirista, é conhecido pela sua obra arquitectónica para a Biblioteca Laurenciana de Florença (encomendada pelo Papa Clemente VII). Notam-se motivos junto às colunas com fins decorativos, bem como as formas variadas dos degraus da escadaria e movimentos mais dinâmicos de elementos estruturais comocolunas e cantos, que recuam e sobressaem.

Um postal que representa o Vestíbulo de Miguel Ângelo da Biblioteca Laurentiana antes da I Guerra Mundial; Autor desconhecido Autor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

Giulio Romano (c.1499-1546) foi outro arquitecto proeminente dentro do estilo maneirista, embora fosse principalmente pintor e escultor. Um exemplo dos seus desenhos em arquitectura é visto no Palazzo del Te (1524-1534), que se destinava a ser um "palácio de prazer" para Federico II Gonzaga, que governava a cidade de Mântua, Itália.

Este edifício incluía motivos decorativos elaborados, grutas, janelas e portas que pareciam reais dentro de um recinto quadrado com um pátio. Os afrescos cobriam todo o edifício com várias cenas de mitologia e animais como cavalos.

A variedade de formas e feitios que compõem o conjunto arquitectónico deste edifício é um exemplo famoso de como o estilo maneirista cresceu na arquitectura e como, eventualmente, este estilo se desenvolveu no estilo barroco.

Escultura Maneirista

A escultura do Maneirismo assemelhava-se ao estilo da pintura; nota-se o alongamento das figuras e as tendências não naturalistas, onde as proporções não são simétricas. As formas também tinham as características formas serpentinas. A escultura do Maneirismo transmitia o movimento dinâmico dos sujeitos, bem como qualidades como a força e os gestos apaixonados.

Violação da mulher sabina (1583), de Jean de Boulogne, ou Giambologna (1529-1608), é um exemplo da forma serpentina que vemos no estilo maneirista. Além disso, Giambologna foi um escultor popular do Maneirismo. Era originário da Flandres, mas mudou-se para Roma para estudar e trabalhar sob encomenda do Família Medici .

O livro de Giambologna Violação das mulheres sabinas (1583), localizado na Galleria dell' Accademia, Florença, Itália; Andy Montgomery, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

A sua outra obra em mármore (embora esculpisse habilmente em bronze) foi Sansão mata um filisteu (c. 1562) que representa Sansão activamente no processo de matar o filisteu e Hércules a vencer Nessus (O que há de semelhante em ambas as esculturas é o dinamismo das figuras em acção umas com as outras, que estão igualmente enredadas umas nas outras, o que realça ainda mais as formas serpentinas.

Também vemos o estilo maneirista na escultura em bronze de Benvenuto Cellini (1500-1571), Perseu com a cabeça da Medusa (1545-1554), foi esculpida de forma a poder ser observada de vários ângulos, à semelhança de outras esculturas do Maneirismo, e faz lembrar o estilo renascentista esculturas de Donatello David .

Esta escultura foi encomendada pelo Duque Cosimo I de' Medici e indica o intrincado significado político inerente às esculturas feitas durante a época, especificamente as esculturas na Piazza della Signoria em Florença, que é o centro político da cidade.

Perseu com a testa da Medusa ("Perseu com a cabeça da Medusa", 1553) de Benvenuto Cellini; © Marie-Lan Nguyen / Wikimedia Commons

Para além do maneirismo: a evolução do perfeito

O Maneirismo começou a atingir o seu apogeu nos últimos anos de 1500 e no início de 1600, período em que Arte barroca que era um movimento artístico com maior ênfase nos efeitos decorativos e no dramatismo - quase uma evolução natural da Arte Maneirista.

Embora possa ter sido obscurecida e esquecida ao longo do tempo, a Arte Maneirista voltou a ser explorada por artistas de diferentes épocas. Por exemplo, o pintor romântico francês Eugène Delacroix foi influenciado por El Greco, incluindo muitos grandes artistas contemporâneos, nomeadamente Artistas expressionistas como Max Beckmann e artistas cubistas como Pablo Picasso.

Embora o Maneirismo tenha sido um período artístico curto na história da Europa, não deixou de lançar novas bases de uma forma que o Renascimento não fez. Os artistas começaram lentamente a evoluir a forma perfeita do período do Renascimento para algo mais figurativo, ligado a um significado mais profundo que não a exactidão matemática e a proporção.

Veja a nossa história do Maneirismo aqui!

Perguntas mais frequentes

O que é o maneirismo?

O maneirismo foi um movimento estilístico que ocorreu durante os anos 1600, como continuação e reacção ao Alto Renascimento e que terminou com o início do período barroco. O maneirismo foi uma mudança de perspectiva para muitos, especialmente no mundo da arte (pintores, escultores e arquitectos). Muitos afastaram-se dos ideais clássicos de perfeição e proporção que definiram o período renascentista para umaabordagem mais figurativa e não-naturalista da arte.

O que é a definição de arte maneirista?

O termo "Maneirismo" traduz-se directamente por "estilo" ou "maneira", a partir da palavra italiana maniera. No entanto, a origem da palavra remonta ao latim e ao francês antigo, nomeadamente, "mão" (da palavra latina manus ) e "método" ou "caminho" (do francês antigo e médio manere ou meniere O termo tem sido debatido muitas vezes, sendo muitas vezes considerado um insulto ao ambiente algo caótico da tipo de arte No entanto, actualmente é utilizado para definir e designar o período artístico.

Quais são as principais características do Maneirismo?

As principais características do Maneirismo na arte são o não-naturalismo, ou seja, os artistas não retratavam o seu objecto de estudo de forma fiel à natureza. Vemos figuras mais desproporcionadas, com membros alongados e traços exagerados, uma utilização mais rica das cores e uma exibição dinâmica do movimento através da aplicação da forma serpentina, também designada por figura serpentinata , que significa "figura serpentina".