Arquitectura Rococó - Explorar a era Rococó e o seu estilo

John Williams 01-06-2023
John Williams

O estilo rococó, muitas vezes designado por estilo barroco tardio, é uma estética de design dramática e extravagante. A arquitectura rococó é mais frequentemente associada a edifícios construídos durante o século XVIII em França, mas o estilo também teve impacto nas artes, na música, no design de mobiliário e até na loiça. No entanto, em comparação com outras revoluções artísticas, as características do rococó só prevaleceram durante um curto período de tempo.período de tempo.

Arquitectura Rococó

Na viragem do século, a arquitectura rococó francesa tinha caído em desuso na região. No entanto, as curvas fluidas, as paletas vivas e a assimetria graciosa da arquitectura rococó expandiram-se rapidamente por toda a Europa e depois para além dela. Era rococó bem como uma definição rococó!

Definição e história do rococó

O nome "rococó" foi cunhado como uma versão humorística da palavra francesa rocaille que se referia à utilização de pequenos seixos e conchas como decoração em decorações e grutas, que estava na moda desde o Renascimento.

O rococó surgiu em Paris, França, durante a década de 1730 como uma reacção ao estilo Luís XIV, um estilo geométrico que reflectia numerosos elementos clássicos. O rococó era muito mais frívolo e extravagante.

O rococó é ornamentado e repleto de mobiliário dourado, como poltronas, mesas e baús. Germain Boffrand, o projectista do Hôtel de Soubise, ganhou proeminência como um dos principais arquitectos rococós de França. O apelo vistoso do rococó serviu como símbolo de estilo e luxo em toda a Europa, especialmente na Áustria, Baviera e cidades metropolitanas como Roma, São Petersburgo e Munique.

A Igreja de Santo André, em Kiev, é um exemplo da arquitectura rococó; Koshelyev, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

O estilo rococó começou num contexto mais secular, com ornamentos de inspiração rococó empregues para adornar salões de entretenimento. As características rococó depressa se estenderam a estruturas mais espirituais, influenciando significativamente as igrejas criadas durante este período em Portugal e na América do Sul.

A extravagância da era rococó e das formas de arte barrocas foi criticada por intelectuais franceses como o designer Jacques-François Blondel e o dramaturgo Voltaire.

Neoclassicismo As formas neoclássicas são caracterizadas por colunas, estruturas e objectos simétricos. As casas rococó tinham saído de moda no século XIX, mas a sua influência perdura: construções mais contemporâneas, como a Grand Central Station e o Woolworth Building de Nova Iorque, incorporam o esplendor que caracterizou a era rococó.

Rococó vs. Barroco

Para ajudar a diferenciar o estilo rococó do barroco, criámos uma lista concisa de características do rococó que não se encontram no estilo barroco.

  • À semelhança da Arte Nova, há um abandono parcial da uniformidade Tudo é composto por curvas e linhas elegantes.
  • Um grande número de volutas em forma de C bem como curvas assimétricas.
  • A utilização generalizada de flores como adorno, como os festões de flores.
  • A utilização de motivos japoneses e chineses aumentou drasticamente.
  • Tons quentes as cores pastel foram utilizadas predominantemente.

Características do rococó

Que características do rococó melhor definem o estilo? A simetria e o sentido de admiração desempenham um papel importante na arquitectura rococó. Segue-se uma lista de características que ajudam a descrever o estilo dos edifícios rococó.

  • O estilo com folhos do rococó, com curvas serpenteantes, torções e ondulações, foi uma mudança bem-vinda em relação às linhas simples do estilo do classicismo francês.
  • Os interiores rococó surpreendem em salões, mansões, igrejas e outras grandes residências. Uma escadaria magnífica pode tornar-se o ponto focal de um espaço, e um mural no tecto com querubins pode ser um ponto de partida para os convidados.
  • O estuque era um material popular na era rococó O estuque pode ser moldado e concebido para surpreender o espectador.
  • Outro aspecto importante do estilo rococó foi o brilho dos tons pastel. Esta paleta pode incluir cinzentos perolados, tons cremosos, amarelos suaves, azuis pastel e lilases, entre outras cores em pó.
  • Os adornos assimétricos foram usados em tudo Os padrões assimétricos podem incluir conchas ou folhas.

Ala sul de Trier, palácio dos príncipes-eleitores construído por Johannes Seiz (1756); Berthold Werner, Domínio público, via Wikimedia Commons

  • Os elementos da vida selvagem aparecem frequentemente em pinturas e esculturas da era rococó. Os desenhos rococó incluem frequentemente pássaros, flores e frutos.
  • Trompe l'oeil , que se traduz por "enganar os olhos". era um truque artístico comum utilizado nas obras rococó. O Trompe l'oeil introduziu a perspectiva belas artes A sua utilização é muito simples, pois permite que as obras bidimensionais tenham profundidade ou que as obras imóveis pareçam ter movimento.
  • Os exteriores dos edifícios rococós são frequentemente modestos, mas os seus interiores são completamente dominados pelos seus adornos. O estilo era muito dramático, com o objectivo de impressionar e espantar o espectador à primeira vista.
  • A disposição dos pisos das igrejas era frequentemente complicada. Tinham ovais que se interligavam e escadas magníficas que se tornavam pontos centrais nos castelos, oferecendo numerosos pontos de vista sobre a decoração.
  • O estilo utilizava frequentemente arte, estuque moldado, trabalhos em madeira fina, bem como frescos ilusionistas. O objectivo era criar a sensação de que os visitantes que entravam na casa rococó estavam a olhar para o céu, enquanto querubins e outras personagens os observavam.

Exemplos famosos de arquitectura rococó

O termo "rococó" refere-se a um estilo de arquitectura que surgiu em França em meados de 1700 e que se distingue por uma decoração delicada mas robusta. As artes ornamentais rococó existiram durante um breve período antes de o neoclassicismo conquistar o mundo ocidental e são frequentemente classificadas simplesmente como "barroco tardio".

Eis alguns exemplos de casas e edifícios rococós famosos que exemplificam a definição rococó de arquitectura.

Palácio Brühl - Varsóvia, Polónia

Localização Varsóvia, Polónia
Arquitecto Joachim Daniel von Jauch (1688 - 1754)
Ano de conclusão 1642
Função Palácio

Lorenzo de Sent desenhou a residência de estilo rococó para o Grão-Chanceler da Coroa, Jerzy Ossoliski, entre 1639 e 1642. Foi concebido como um rectângulo alargado com duas torres hexagonais no lado do jardim. O palácio foi embelezado com esculturas, incluindo um emblema da Polónia acima da porta principal, quatro imagens de governantes polacos em nichos e uma estátua de Minerva acima do telhado.

A renovação do Belvedere de Praga por Bonifaz Wohlmut, em 1557-1563, pode ter servido de inspiração para o pavilhão superior do palácio e para o seu telhado característico. Heinrich von Brühl comprou o palácio como casa em 1750.

Retrato de Joachim Daniel von Jauch, o arquitecto do Palácio Brühl em Varsóvia, Polónia; Ver página do autor, Domínio público, via Wikimedia Commons

Entre 1754 e 1759, o palácio foi reconstruído com base nas ideias de Joachim Daniel von Jauch, tendo-lhe sido atribuído um telhado de mansarda. Foram construídas duas estruturas no complexo do palácio, que rodeavam um pátio triangular, por vezes utilizado como local de parada. O palácio passou então a chamar-se Palácio Brühl.

Em 27 de Maio de 1787, o palácio foi o centro de um esquema engendrado pelo enviado da Rússia à Polónia, Otto Magnus von Stackelberg, que interrompeu mais uma política polaca que parecia representar um perigo para a Rússia. Com poucos conflitos importantes nas últimas décadas, a economia da Commonwealth estava a prosperar e o seu orçamento tinha um excedente significativo. Muitas pessoas defendiam que o dinheiro fosse utilizado na expansão da Polóniaexército e a aquisição de novas armas.

No entanto, uma vez que um grande exército polaco poderia representar uma ameaça para as guarnições russas que pretendiam dominar a Polónia, von Stackelberg instou os seus representantes no Conselho Permanente a desviarem os fundos para um novo fim. Por uma soma substancial de 1 milhão de zlotys, o Conselho comprou o Castelo de Brühl e decidiu imediatamente doá-lo à "nação aliada da Polónia", a Rússia, para o utilizar como nova embaixada russa.

Palácio Brühl em Varsóvia, Polónia; Henryk Poddębski, domínio público, via Wikimedia Commons

Dominik Merlini deu ao interior um estilo neoclássico no final do século XVIII. Durante os anos de 1932 a 1937, o palácio foi convertido no Ministério dos Negócios Estrangeiros da nova República Polaca. Desta vez, o arquitecto foi Bohdan Pniewski, que criou um novo edifício contemporâneo e actualizou os interiores de todas as estruturas do complexo do palácio.

Em 18 de Dezembro de 1944, os alemães demoliram-na intencional e totalmente.

Por volta de 2008, o governo local de Varsóvia planeou a renovação do Palácio Brühl. A estrutura reconstruída deveria ter uma fachada que remetesse para o seu design original, mas um novo investidor independente poderá alterar os interiores de acordo com as exigências de um escritório ou de um hotel.

Palácio de Charlottenburg - Berlim, Alemanha

Localização Berlim, Alemanha
Arquitecto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (desconhecido)
Ano de conclusão 1699
Função Palácio

A fachada foi embelezada com pilares coríntios e o telhado foi rematado por uma cornija com esculturas. Nas traseiras do palácio, no centro, havia duas salas circulares, a mais alta servindo de salão de festas e a mais baixa de entrada para os jardins. Andreas Schlüter concluiu o palácio após a morte de Nering durante a construção.

Em 11 de Julho de 1699, no 42º aniversário de Frederico, o palácio foi inaugurado e, em 1701, Frederico foi coroado Rei Frederico I da Prússia.

Dois anos antes, tinha escolhido Johann Friedrich von Eosander como arquitecto real e ordenou-lhe que investigasse as tendências arquitectónicas em Itália e em França, nomeadamente o Palácio de Versalhes. Quando Eosander regressou, em 1702, procedeu à ampliação do palácio, começando por construir duas alas laterais para encerrar um amplo pátio, e o palácio central foi ampliado em ambos os lados.

Retrato de Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff (1737), arquitecto do Palácio de Charlottenburg, de Antoine Pesne; Antoine Pesne, Domínio público, via Wikimedia Commons

Em 1705, morreu Sophie Charlotte e Friedrich deu o seu nome ao castelo e aos terrenos de Charlottenburg. Nos anos seguintes, foi construído o Laranjal a oeste do palácio e a secção central foi ampliada com uma enorme torre abobadada e um vestíbulo mais largo. Andreas Heidt criou um cata-vento no topo da estrutura com a forma de uma figura dourada da Fortuna. O Laranjal foi inicialmente utilizadopara armazenar plantas pouco comuns durante o Inverno.

Durante os meses de Verão, quando mais de 500 árvores de citrinos e laranjeiras enchiam o jardim barroco, o Laranjal proporcionava um belo cenário para as celebrações da corte. Vários pintores foram incumbidos de embelezar o interior do palácio. Como pintor da corte de Friedrich I, Jan Anthonie Coxie foi encarregado de criar as paredes e os tectos dos numerosos aposentos do palácio.

Entre 1701 e 1713, Coxie produziu frescos e um retábulo no interior da Capela do Palácio, bem como obras de arte na Galeria Gobelin e na Sala da Porcelana. Os frescos da Sala da Porcelana eram uma óbvia propaganda que celebrava o ilustre reinado de Friedrich I.

Palácio de Charlottenburg em Berlim, Alemanha; ernstol, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Após a morte de Friedrich I, em 1713, sucedeu-lhe o seu filho Friedrich Wilhelm I, cujos objectivos de desenvolvimento eram menos elevados, embora tenha assegurado a boa conservação da estrutura. A construção foi retomada após a subida ao trono do seu filho Friedrich II, em 1740. Nesse ano, foram construídos estábulos para o seu regimento de guarda privada a sul do lado do Laranjal e iniciaram-se os trabalhos na ala leste. O edifícioA construção da ala adicional foi supervisionada por Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff, o inspector de todos os Palácios Reais, que seguiu de perto o conceito de Eosander.

O exterior era bastante modesto em termos de design, mas a decoração interior era pródiga em arte e escultura, tapetes e espelhos.

O piso térreo foi destinado a Elisabeth Christine, que preferia o Palácio de Schönhausen e só o visitava ocasionalmente. Johann August Nahl foi o principal responsável pela decoração requintada do piso superior, que incluía o Salão de Banquetes, o Salão Branco, a Sala do Trono e a Galeria Dourada.

Amalienburg - Munique, Alemanha

Localização Parque do Palácio de Nymphenburg, Munique
Arquitecto Joachim Dietrich (1690 - 1753)
Ano de conclusão 1739
Função Pavilhão de caça

A circular Salão dos Espelhos no coração da estrutura ocupa a maior parte do nível do solo; as suas superfícies reflectoras reflectem o parque. Joachim Dietrich e Johann Baptist Zimmermann desenharam-no. Nas cores nacionais da Baviera, azul e prata cria um ambiente etéreo.

A porta do Gabinete Azul e da casa de banho, com acesso à casa de banho privativa, situa-se a sul do pavilhão. A zona de repouso servia de quarto de dormir da Condessa, e o pavilhão alberga também um arsenal e canis para os cães de caça. As entradas para a Sala de Caça e para a Sala do Faisão situam-se a norte da Sala dos Espelhos. A Sala do Faisão situa-se junto à cozinhaárea.

A cozinha é ornamentada com valiosos azulejos de Delft que foram misturados na sequência errada pelos empregados durante a colocação.

Interior do Amalienburg em Munique, Alemanha; Rufus46, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Os azulejos brancos e azuis, de estilo chinês, representam flores e pássaros. O fogão Castrol da kitchenette é de pedra e tem vários orifícios para o lume, tapados por placas de ferro ondulado. Foi o primeiro modelo que cobria totalmente o lume e era também conhecido como fogão de caldeirada.

Uma obra escultórica em gesso de Johann Baptist Zimmermann representa um episódio de caça com a divindade Diana no nicho central da fachada oriental. A exposição introduz o programa de imagens em todas as instalações do edifício rococó.

Interior do Amalienburg em Munique, Alemanha; Rufus46, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

O pombal, datado de 1737, foi igualmente realizado segundo o projecto de Zimmermann, com vasos ornamentados que desapareceram numa época desconhecida. Hans Geiger restaurou-os e desenhou-os em 1992: quatro decoram a fachada de entrada e doze decoram o lado do pátio do Amalienburg.

Um esconderijo elevado para a caça ao faisão era proporcionado por uma plataforma com grade decorativa fixada à estrutura no centro do telhado: as aves eram conduzidas ao Amalienburg a partir do antigo edifício dos faisões.

O Amalienburg carece de edifícios agrícolas independentes em comparação com os outros dois pavilhões do parque, uma vez que o castelo podia ser alimentado pelas cozinhas do Palácio de Nymphenburg.

Asamkirche - Munique, Alemanha

Localização Munique, Alemanha
Arquitecto Egid Quirin Asam (1692 - 1750)
Ano de conclusão 1746
Função Igreja

A igreja foi construída como uma igreja pessoal para o bem maior e a redenção dos fundadores, e não como uma encomenda. Como trabalhadores contratados, isso também permitiu que os irmãos Asam criassem de acordo com seus ideais. Egid Quirin Asam, por exemplo, podia ver o altar através de uma janela em sua residência particular perto da igreja. Ele também imaginou a igreja como uma igreja confessionalpara os jovens.

Por isso, a pequena igreja apresenta sete confessionários com motivos alegóricos.

As residências da Sendlingerstraße fundem-se com a fachada barroca, que se inclina um pouco convexa para o exterior. São João Nepomuceno foi erguido numa área pequena, com apenas 22 por 8 metros. Mais impressionante ainda é o trabalho artesanal dos dois construtores, que conseguiram misturar perfeitamente construção, pintura e escultura na área de dois andares.

Interior da Asamkirche em Munique, Alemanha; Foto: Andreas Praefcke, CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

A iluminação indirecta no coro está excepcionalmente bem conseguida: as figuras da Trindade são efectivamente iluminadas por detrás, escondidas atrás da janela da cornija. A própria cornija parece oscilar para cima e para baixo devido ao seu desenho curvo. O interior está dividido verticalmente em três partes, com a luminosidade a aumentar de baixo para cima.

A zona mais baixa dos assentos, para os convidados da igreja, é mantida um pouco sombria; o seu desenho representa o sofrimento do mundo. A segunda parte, posicionada acima, é de cor branca e azul e é designada para o imperador.

Deus e a eternidade são comemorados na zona mais alta do mural de tecto iluminado, distante e velado. O altar-mor da Igreja de Asam é ladeado por quatro colunas em espiral. Estas colunas são utilizadas no altar-mor para homenagear as quatro colunas de Bernini que se encontram por cima do túmulo de São Pedro.

Anteriormente, os irmãos Asam estudaram na Accademia di San Luca, em Itália, com Lorenzo Bernini. Deus, o Salvador, está no topo. Uma relíquia de João de Nepomuceno está alojada por baixo do tabernáculo. Ignaz Günther esculpiu dois anjos que rodeiam o altar da galeria e que foram posteriormente acrescentados.

Devido à sua posição de capela privada, a Asamkirche distingue-se de outros edifícios barrocos de modelo mais rigoroso: o altar da capela está virado para oeste e não para leste, como era habitual.

Além disso, o crucifixo virado para o púlpito era anormalmente baixo, pois nas igrejas barrocas era colocado por cima do púlpito para que o pregador pudesse olhar para Cristo Jesus. O coro foi severamente destruído num bombardeamento em 1944. De 1975 a 1983, foi efectuado um restauro interior, de acordo com a pesquisa de fontes, com o objectivo de devolver ao coro o seu suposto aspecto original.

Palácio Braniki - Varsóvia, Polónia

Localização Varsóvia, Polónia
Arquitecto Johann Sigmund Deybel (c. 1685/1690 - 1752)
Ano de conclusão 1753
Função Palácio

A estrutura original que existia no local onde se encontra actualmente o palácio, como casa da família Sapieha no século XVII, foi comprada por Stefan Mikoaj Branicki no início do século XVIII, o que deu origem ao actual palácio, construído em 1740 para o Hetman Jan Klemens Branicki por Johann Sigmund Deybel. Os palácios franceses influenciaram o actual palácio em estilo rococó.

A planta foi concebida como uma ferradura, com um corpo de logis no centro e duas alas laterais.

O exterior do Palácio Braniki em Varsóvia, Polónia; KrzysztofPrzygodzki, CC BY-SA 3.0 PL, via Wikimedia Commons

A estrutura foi afastada da rua por um pátio simétrico, onde entravam os convidados privilegiados. As fachadas eram bem equilibradas, com um desenho rococó e janelas no telhado. Jakub Fontana desenhou o interior em estilo rococó. Mais tarde, foi construído um pavilhão chamado "Buduar" nas traseiras da ala sul.

O Palácio Branicki era originalmente conhecido como o Palácio da Sra. Krakowska, uma vez que a propriedade foi herdada pela adorável esposa de Branicki, Izabella Poniatowska, irmã do Rei Stanislaw August Poniatowski, após a sua morte.

Pouco tempo depois, em 1804, o Palácio Branicki foi comprado pelo General Józef Niemojewski.

A mansão foi renovada pelo novo proprietário, que encomendou ao arquitecto Fryderyk Albert Lessel a construção de dois anexos laterais entre 1804 e 1808. A família Stanislaw Sotyk viveu no palácio a partir de 1817.

A mansão foi severamente danificada durante a Segunda Guerra Mundial (foi incendiada em 1939 e devastada pelos alemães durante a ocupação da Polónia), mas foi totalmente reconstruída após a guerra. Foi reconstruída em 1967, com base nos desenhos de Bernardo Bellotto, e alberga actualmente a Câmara Municipal de Varsóvia.

Palácio de Catarina - São Petersburgo, Rússia

Localização São Petersburgo, Rússia
Arquitecto Francesco Bartolomeo Rastrelli (1700 - 1771)
Ano de conclusão 1756
Função Palácio

Enquanto os interiores neoclássicos de Stasov são excelentes exemplos do estilo de finais do século XVIII e inícios do século XIX, o enorme conjunto de salas formais de Rastrelli, conhecido como o Enfilade de Ouro, é a característica mais famosa do palácio. Começa com o vasto e arejado salão de baile, o "Grande Salão" ou "Salão das Luzes", com um belo tecto pintado, e continua com várias salas mais pequenas adornadas de forma diferente, incluindo oSala Âmbar reconstruída.

O Salão Nobre é um apartamento formal criado por Bartolomeo Rastrelli em estilo barroco russo, concebido para grandes reuniões, como bailes, eventos formais e bailes de máscaras.

O salão, com cerca de 1000 metros quadrados, foi decorado em dois tons. As janelas do lado oriental do palácio estão viradas para o parque, enquanto as janelas do lado ocidental estão viradas para a praça do palácio. À noite, 696 lâmpadas iluminam uma dúzia de candelabros à volta dos espelhos.

Retrato de Francesco Bartolomeo Rastrelli (antes de 1762), o arquitecto do Palácio de Catarina, por Pietro Rotari; Pietro Rotari, Domínio público, via Wikimedia Commons

Rastrelli criou a sala em meados do século XVIII. A modesta sala é iluminada por quatro janelas que dão para o pátio formal. Na outra parede, o arquitecto instalou janelas falsas com reflexos e vidros espelhados, tornando a sala mais vasta e alegre. A sala está decorada no tradicional estilo barroco de interiores, com esculturas douradas nas paredes, intrincadas peças douradas nas portas epadrões ornamentados de flores estilizadas.

A obra de arte do tecto foi criada por um conhecido estudante da Escola Russa de meados do século XVIII e deriva do conto grego antigo de Hélios, o deus do sol, e Eos, a senhora da aurora.

A Sala de Jantar Formal Branca situa-se perto da antiga Sala de Jantar, mas do outro lado da Escadaria Principal. Os jantares cerimoniais das imperatrizes, ou "refeições nocturnas", realizavam-se nesta sala. Os lados da sala de jantar eram adornados com esculturas douradas no mais alto grau de extravagância.

O salão de baile do Palácio de Catarina; W. Bulach, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

O mobiliário apresenta incrustações douradas nas consolas. Actualmente, alguns dos móveis da sala são originais, enquanto outros são cópias . O triunfo de Apolo A pintura é uma reprodução de uma obra de arte de Guido Reni do século XVI. Os pavimentos embutidos do salão são feitos de madeira valiosa. A Sala de Desenho Alexandre I foi criada entre 1752 e 1756 e fazia parte da suite privada do imperador.

Devido ao facto de as paredes estarem cobertas de seda chinesa, a sala de estar destaca-se da maioria dos aposentos formais do palácio. O restante design da sala era típico dos aposentos formais do palácio, incluindo um fresco no tecto e adornos dourados.

As belas mesas compridas e a cómoda de madeira incrustada exibem porcelana asiática e berlinense. As estátuas de gesso de Ivan Martos decoram as paredes cor de pistácio do espaço. A câmara foi severamente destruída durante o Grande Incêndio de 1820, tendo sido posteriormente reparada sob a supervisão de Stasov.

Christian's Church - Copenhaga, Dinamarca

Localização Copenhaga, Dinamarca
Arquitecto Nicolai Eigtved (1701 - 1754)
Ano de conclusão 1758
Função Igreja

Christianshavn foi construída em 1617 por Christian IV como uma cidade especificamente para comerciantes, e uma população substancial de homens de negócios e artesãos alemães estabeleceu-se aí. Apesar de Christianshavn ter sido integrada em Copenhaga antes de 1674, não frequentavam a Igreja de S. Pedro, como o resto da comunidade alemã da cidade, mas reuniam-se na Igreja de Nosso Salvador local.

O rei aceitou os projectos e contribuiu significativamente para a construção de uma antiga salina no final da Strandgade, na parte sul do bairro.

Em troca do seu consentimento e da cedência da propriedade, o monarca estabeleceu critérios muito rigorosos para a localização e o estilo da igreja. O arquitecto escolhido pelo rei na altura, Nicolai Eigtved, foi encarregue de construir a nova igreja, mas morreu antes de a construirpoderia ser concluída em 1754.

O exterior da Igreja de Christian em Copenhaga, Dinamarca; Lonni Besançon de Paris, França, CC BY-SA 2.0, via Wikimedia Commons

O seu genro, Georg David Anthon, foi encarregado de supervisionar a construção da igreja, que ficou concluída em 1759. Anthon também planeou o pináculo, que foi acrescentado em 1769. A igreja é rectangular, com a nave a preencher a área entre os lados mais pequenos e não os mais compridos, o que lhe dá uma amplitude extraordinária. A igreja, que assenta num pedestal de granito, é uma estrutura de tijolo amarelo comacabamentos em grés para a porta de entrada e a torre.

A porta é ornamentada com pilares jónicos e os vidros de arco redondo são altos e finos. A torre tem 70 metros de altura. O pináculo foi erigido em 1769 pelo genro de Eigtved, D. G. Anthon. A torre situa-se no centro do lado norte, que serve de fachada principal, e tem 70 metros de altura.

Veja também: A proporção áurea na arte - Aprenda a usar a proporção áurea na arte

A Christian's Church tem um design interior único que sugere um teatro.

O exterior da Igreja de Christian em Copenhaga, Dinamarca; Ib Rasmussen, Domínio público, via Wikimedia Commons

Para além dos lugares sentados de cada lado da nave, três níveis de varandas com camarotes elevam-se a toda a altura do edifício, nos lados norte, oeste e sul, todos eles situados de forma a proporcionar ao público uma boa visão da plataforma do lado oriental, que se assemelha a um palco.

O retábulo alto e delgado, que inclui não só a mesa do altar, mas também o pódio sobre ela e os órgãos no topo, domina o espaço.

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A entrada principal, encimada pelo camarote real, situa-se no lado oeste, virada para o altar e por baixo da torre. À maneira medieval, o órgão está colocado no retábulo incorporado, por cima de um mostrador de relógio. Hartvig Jochum Müller, um notável especialista da época, desenvolveu o instrumento inicial em 1759. Um novo instrumento pneumático na fachada de Müller foi erigido em 1917, e o órgão da igreja, que éainda hoje utilizada, foi construída por P.-G. Andersen em 1976.

A arquitectura rococó é geralmente associada a edifícios construídos em França durante o século XVIII, mas o estilo influenciou as artes, a música, o design de mobiliário e até a louça de mesa. No entanto, em comparação com as revoluções estéticas anteriores, os traços rococós só foram dominantes durante um curto período de tempo.No entanto, as curvas fluidas, as cores vibrantes e a elegante assimetria da arquitectura rococó espalharam-se rapidamente por toda a Europa e mais além.

Perguntas mais frequentes

Quais são algumas das características das casas rococó?

No Rococó, as decorações assimétricas eram utilizadas em tudo, desde guarnições a inserções de marcenaria para mobiliário. As conchas ou folhas eram utilizadas em desenhos assimétricos. Os exteriores das casas Rococó são frequentemente modestos, mas os seus interiores são totalmente dominados pela sua ornamentação. O estilo era bastante dramático, com o objectivo de impressionar e surpreender imediatamente o observador.

Qual é a diferença entre o estilo rococó e o estilo barroco?

Há distinções significativas entre os estilos rococó e barroco. Há um abandono parcial da homogeneidade, semelhante à Arte Nova, com tudo consistindo em curvas e linhas graciosas. O estilo rococó, muitas vezes denominado estilo barroco tardio, é uma estética de design dramática e extravagante. A arquitectura rococó é mais frequentemente associada a edifícios construídos durante o século XVIII emNo entanto, em comparação com outras revoluções artísticas, as características do Rococó só prevaleceram durante um curto período de tempo.

John Williams

John Williams é um artista experiente, escritor e educador de arte. Ele obteve seu diploma de bacharel em Belas Artes pelo Pratt Institute na cidade de Nova York e, mais tarde, fez seu mestrado em Belas Artes na Universidade de Yale. Por mais de uma década, ele ensinou arte para alunos de todas as idades em vários ambientes educacionais. Williams exibiu suas obras de arte em galerias nos Estados Unidos e recebeu vários prêmios e bolsas por seu trabalho criativo. Além de suas atividades artísticas, Williams também escreve sobre temas relacionados à arte e ministra workshops sobre história e teoria da arte. Ele é apaixonado por encorajar os outros a se expressarem através da arte e acredita que todos têm capacidade para a criatividade.