A apropriação artística refere-se à utilização de objectos ou imagens pré-existentes sem praticamente nenhuma alteração. A prática da apropriação na arte tem desempenhado um papel importante ao longo da sua história. No que diz respeito às artes visuais, a apropriação artística refere-se à adopção, empréstimo, reciclagem ou amostragem correctas de imagens culturais criadas pelo homem.

O que é a apropriação de arte?

A premissa é que a peça actual recontextualiza aquilo de que toma emprestado imagens, o que torna a criação fresca - um aspecto fundamental a compreender na nossa compreensão da fotografia de apropriação e da arte. Na maioria das circunstâncias, o "objecto" original permanece disponível na sua forma original.

A apropriação artística, tal como a arte de objectos encontrados, é definida como "a cópia, o empréstimo e a alteração intencionais de imagens, objectos e conceitos anteriores como um método estético".

A arte da apropriação também tem sido caracterizada como "a incorporação de uma entidade física ou talvez de uma obra de arte existente numa nova obra de arte". A apropriação na arte realça questões de singularidade, legitimidade e propriedade, e faz parte da longa herança modernista da arte que põe em causa a essência ou o significado da própria arte.

A história da apropriação na arte

Muitos pintores do século XIX fizeram alusões a obras ou temas de artistas do passado, por exemplo, Jean-Auguste Dominique Ingres produziu o retrato de Madame Moitessier em 1856. A postura invulgar foi influenciada pela famosa antiguidade Obras de arte romanas Herakles encontra o seu filho Telephas (início do século II a.C.).

Madame Moitessier (1856) de Jean-Auguste Dominique Ingres, que se encontra na National Gallery em Londres; Jean Auguste Dominique Ingres, Domínio público, via Wikimedia Commons

Assim, o criador estabeleceu uma ligação tanto com o seu objecto de estudo como com a deusa do Olimpo, Vincent van Gogh pode ser identificado por exemplos de obras influenciadas por Delacroix, Jean François Millet ou imagens japonesas na sua posse pessoal.

No entanto, a arte da apropriação como forma de arte pode ser rastreada até às montagens e colagens cubistas de Georges Braque e Pablo Picasso a partir de 1912, nas quais coisas genuínas, como o papel de jornal, eram utilizadas para se simbolizarem.

Início do século XX

Georges Braque e Pablo Picasso incorporaram artefactos de ambientes não artísticos nas suas obras nos primeiros anos do século XX. Picasso colocou uma tira de oleado sobre a pintura em 1912. As peças seguintes, como Guitarra, jornal, vidro e garrafa (1913), em que o artista utilizou recortes de notícias para construir formas, são exemplos de assemblage precoce que ficou associada ao cubismo sintético. Os dois pintores incluíram elementos do "mundo real" nas suas pinturas, provocando um debate sobre o significado percebido e a expressão artística.

Em 1915, Marcel Duchamp propôs a noção de readymade, segundo a qual "os objectos funcionais criados comercialmente só atingem a estatura de arte através dos processos de escolha e exibição".

Fotografia do artista Dadaísta francês Marcel Duchamp, tirada em 1927; Autor desconhecidoAutor desconhecido, Domínio público, via Wikimedia Commons

Duchamp experimentou esta ideia pela primeira vez em 1913, quando fixou um assento com uma roda de bicicleta, e novamente em 1915, quando comprou uma pá de neve e a escreveu "em antecipação do braço partido, Marcel Duchamp". readymade para a exposição da Sociedade de Artistas Independentes, em 1917, e foi apelidada de Fonte e consistia num urinol de porcelana pousado sobre uma plataforma.

A peça foi rejeitada pelo comité da exposição por constituir um claro desafio às concepções estabelecidas de arte erudita, autoria, singularidade e imitação. No entanto, outros críticos de arte tinham opiniões fortes sobre a obra.

O Sr. Mutt construiu a fonte com as suas próprias mãos ou não. Ele escolheu-a. Pegou numa peça do quotidiano, reorganizou-a de modo a que a sua utilidade desaparecesse sob o novo nome e ponto de vista, e depois inventou uma nova noção para essa peça".

Fotografia da infame obra de Duchamp Fonte (1917); Marcel Duchamp Domínio público, via Wikimedia Commons

O grupo Dada continua a experimentar a apropriação de materiais comuns e a combiná-los em colagens. As peças Dada exibiam um absurdo propositado e um desrespeito pelas normas estabelecidas pela arte. merz "Algumas peças foram construídas a partir de objectos encontrados e tomaram a forma de enormes estruturas conhecidas como instalações.

Na sequência do movimento Dada, os surrealistas adoptaram a utilização de "objectos encontrados", como o Lobster Telephone (1936) de Salvador Dali. Quando estes artefactos recuperados se juntaram a outros objectos invulgares e assustadores, adquiriram um novo significado.

Realismo e Pop Art (1950 - 1960)

Robert Rauschenberg O artista, que trabalhou com Rauschenberg durante esse período, integrou artefactos encontrados na sua arte.

O movimento artístico Fluxus também recorreu à apropriação artística, uma vez que os seus membros combinaram vários domínios artísticos, como as artes visuais, a música e a escrita.

O manifesto oficial do movimento artístico Fluxus; fluxo Domínio público, via Wikimedia Commons

Durante os anos 60 e 70, realizaram reuniões de "acção" e criaram peças escultóricas com materiais pouco ortodoxos. Artistas como Andy Warhol e Claes Oldenburg copiaram motivos do design empresarial e da cultura pública, bem como métodos destes sectores, no início da década de 1960, tendo Warhol, por exemplo, pintado garrafas de Coca-Cola.

Foram apelidados de "artistas pop" porque consideravam a cultura popular de massas como a principal língua vernácula partilhada por todos, independentemente da educação.

Estes criadores estavam completamente imersos nos detritos criados por esta cultura de massas, abraçando a descartabilidade e desprendendo-se dos vestígios da presença de um artista. Roy Lichtenstein , um dos mais conhecidos pintores pop, tornou-se famoso por copiar imagens de livros de banda desenhada em obras como Rapariga que se afoga (1963).

Os funcionários preparam uma exposição de 1967 das obras de Roy Lichtenstein no Museu Stedelijk, nos Países Baixos; Ron Kroon / Anefo, CC0, via Wikimedia Commons

Elaine Sturtevant recriou grandes obras-primas dos seus pares. Entre os artistas que "copiou" contam-se Jasper Johns A autora não reproduziu principalmente os trabalhos de Andy Warhol, Joseph Beuys, James Rosenquist, Marcel Duchamp, Roy Lichtenstein, entre outros. Arte pop Em 1965, recriou a obra de Andy Warhol Flores Era instruída para reproduzir a abordagem do próprio criador, ao ponto de, quando Warhol era constantemente questionado sobre o assunto, ter respondido uma vez: "Não sei. Não tenho a certeza. Informe-se com a Elaine".

Na Alemanha do pós-guerra, os pintores alemães Sigmar Polke e Gerhard Richter, seu companheiro, desenvolveram o "Realismo Capitalista", uma crítica satírica ao consumismo, utilizando imagens previamente tiradas e alterando-as. As obras mais conhecidas de Polke eram composições de cultura pop e imagens comerciais, como a sua Supermercados cenário de super-heróis a passear num supermercado .

Neo-Pop e a Geração Pictures (1970 - 1980)

Enquanto que em épocas anteriores a apropriação na arte era representada pela "linguagem", a arte de apropriação actual é simbolizada pela fotografia como um método de "formas semióticas de representação". A Pictures Generation foi um conjunto de criadores que utilizaram a apropriação e a colagem para realçar o carácter artificial das imagens e que se inspiraram na arte Pop.

Sherrie Levine abordou a prática da apropriação como uma questão artística.

Coelho (1986) de Jeff Koons; Fred Romero, Jeff Koons, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Levine cita frequentemente composições completas na sua arte, tais como Fotografias de Walker Evans Levine aborda o conceito de "quase igual", questionando as ideias de singularidade e chamando a atenção para as relações entre autoridade, sexismo, inovação, comercialização e valor de mercado, as origens sociais e os objectivos da arte. Richard Prince voltou a fotografar a publicidade aos cigarros Marlboro nas décadas de 1970 e 1980. O seu trabalho realça o significado de uma arte sem rosto e omnipresentepromoções publicitárias de cigarros e concentra a nossa atenção nas imagens.

Os artistas da apropriação fazem observações sobre muitas partes da sociedade e da cultura.

Tulipas (1994) de Jeff Koons, exposta no exterior do Museu Guggenheim de Bilbau, em Espanha; Mais fotografias do que vistas..., CC BY 3.0, via Wikimedia Commons

Para interagir com a teoria filosófica e cognitiva, Joseph Kosuth apropriou-se de fotografias. Richard Pettibone começou a reproduzir peças de pintores recentemente reconhecidos, como Andy Warhol, e ícones modernistas subsequentes, numa escala minúscula, marcando o nome do artista actual e também o seu próprio.

Jeff Koons ganhou proeminência na década de 1980 ao produzir esculturas conceptuais, como The New Series.

Trata-se de uma sequência de aspiradores de pó, normalmente escolhidos por nomes comerciais que se identificavam com o artista, como o lendário Hoover, e à maneira dos readymades de Duchamp. Mais tarde, realizou obras de aço inoxidável influenciadas por brinquedos insufláveis como coelhos e cães.

Os anos 90

Os artistas continuaram a fazer arte de apropriação ao longo da década de 1990, utilizando-a como um veículo para confrontar preocupações teóricas e sociais, em vez de se concentrarem nas próprias peças. Damian Loeb utilizou o cinema e a cinematografia para falar sobre temas de realismo e simulacro.

Deborah Kass, Christian Marclay e Genco Gulan foram alguns dos outros pintores conhecidos que estiveram activos durante este período de apropriação.

A homenagem de Sherrie Levine à obra de Marcel Duchamp Fonte , intitulado Fonte (Buda) (1996); Hesperian Nguyen, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons

Sherrie Levine pegou na ideia do A obra de Duchamp Fonte (Contribuindo para a audácia de Duchamp, Levine eleva o materialismo e o polimento do seu gesto, transformando-o de novo num "objecto de arte". Como designer feminista, Levine reimagina obras de pintores masculinos que se apoderaram do controlo patriarcal na história da arte".

Século XXI

A apropriação é amplamente utilizada por artistas actuais que recriam regularmente obras de arte anteriores, tais como Artista francês Muitos pintores de metro e de rua, como Banksy ou Shepard Fairey, utilizam imagens de culturas dominantes, como o Rapariga com um piercing no tímpano , que roubou obras de arte de Vermeer ou Claude Monet .

Richard Prince publicou uma série de trabalhos de fotografia de apropriação intitulada Novos retratos em 2014, roubou fotografias de pessoas famosas e sem nome que tinham carregado uma selfie no Instagram. As alterações feitas pelo artista às fotografias são os comentários que Prince colocou por baixo das fotografias.

Fotografia de Banksy Amante bem pendurado (2006) mural, pintado com spray em Inglaterra; Fotografado por Richard Cocks, CC BY-SA 2.5, via Wikimedia Commons

Mr. Brainwash é um artista de rua que se tornou proeminente graças a Banksy e cujo trabalho mistura imagens pop históricas com iconografia cultural actual para produzir a sua interpretação da fusão pop-graffiti favorecida por outros artistas de rua.

Apropriação de arte na era digital

Desde a década de 1990, a apropriação de antecessores históricos tem sido tão diversa como a própria noção de apropriação. Uma quantidade nunca antes vista de apropriações permeia não só as artes visuais, mas todos os campos culturais. A geração mais jovem de apropriadores vê-se a si própria como "arqueólogos do momento". Algumas pessoas referem-se à "pós-produção", que é a reedição do "guião decultura" baseada em composições pré-existentes.

Os chamados "prosumers" - pessoas que consomem e produzem ao mesmo tempo - percorrem a biblioteca omnipresente do mundo digital, recolhendo imagens, frases e sons sempre acessíveis para os "remisturar" a seu bel-prazer. As apropriações tornaram-se agora uma ocorrência comum.

A nova "geração remix", que se apoderou não só das artes visuais, mas também da música, dos livros, da dança e do cinema, tem suscitado discussões acesas. Lawrence Lessig, um investigador dos media, inventou a expressão "cultura remix" no início dos anos 2000.

Esculturas de petecas desenhadas por Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen no exterior da Galeria Nacional de Arte dos Estados Unidos (1994); Americasroof na Wikipédia em inglês, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Por um lado, muitos antecipam uma nova era de métodos inventivos, úteis e agradáveis para a arte no século XXI digital e globalizado. Os novos apropriadores não só reconhecerão a afirmação de Joseph Beuys de que toda a gente é artista, como também "criarão sociedades livres".o caminho para novas formas de interpretar e descrever a arte.

Se a criatividade se basear apenas em procedimentos descuidados de descoberta, cópia, recombinação e modificação de material, conceitos, formas, nomes, etc., pré-existentes de qualquer fonte, a arte será vista como uma actividade marginalizada, pouco exigente e atrasada aos seus olhos.

Como a arte se limita a alusões a noções e formas pré-existentes, eles antecipam um fluxo infinito de bens recompilados e reciclados. Os cépticos vêem isto como uma sociedade de reciclagem com uma fixação pelo passado. Alguns argumentam que só os indivíduos ociosos e sem nada a dizer se deixam inspirar pela história desta forma. Outros estão preocupados que esta nova tendência de apropriação seja motivadaapenas pelo desejo de se adornar com uma ascendência apelativa.

A apropriação na arte é caracterizada como um tipo de "paragem de corrida", aludindo à aceleração de acções imprevisíveis e incontroláveis em sociedades ocidentais altamente mobilizadas e dinâmicas, regidas mais por métodos abstractos de autoridade.

O acesso ilimitado ao repositório digital de obras criativas e às tecnologias digitais de fácil acesso, bem como a prioridade dada à nova criatividade e aos novos procedimentos em detrimento de uma obra-prima ideal, dá origem a uma agitação excitante em torno do passado, em vez de introduzir novas excursões em território desconhecido.mitos e filosofias populares.

Exemplos de apropriação na arte

Andy Warhol foi alvo de uma série de processos de fotógrafos cujas obras de arte roubou e depois transformou em serigrafias. Latas de sopa Campbell's Jeff Koons até já foi processado anteriormente; numa dessas ocasiões, o designer foi acusado de se ter apropriado de uma imagem feita por Art Rogers de dois indivíduos a embalar uma ninhada de cachorrinhos. Vejamos alguns exemplos famosos de apropriação na arte.

Fonte (1917) de Marcel Duchamp

Uma peça de canalização comum seleccionada por Duchamp foi inscrita numa instalação da Sociedade de Artistas Independentes em Abril de 1917, a exposição de estreia da Sociedade. Duchamp descreveu as suas esculturas Readymade como "coisas comuns elevadas à grandeza de uma obra de arte pela acção de selecção do designer".

Fountain não foi recusado pelo comité, uma vez que os regulamentos da Sociedade indicavam que todas as obras apresentadas por artistas que pagassem o dinheiro seriam admitidas, mas a escultura nunca foi exposta.

A obra é considerada um marco significativo na arte do século XX pelos historiadores de arte e vanguardista Nos anos 50 e 60, 16 reproduções foram pedidas a Duchamp e realizadas com o seu acordo.

Há quem defenda que a peça original foi criada pela artista Elsa von Freytag-Loringhoven, que a ofereceu a Duchamp como amiga, enquanto os historiadores de arte defendem que Duchamp foi inteiramente responsável pela exposição de Fountain.

A influência do trabalho artístico de Duchamp alterou as percepções das pessoas sobre a arte devido à sua ênfase na "arte intelectual" em vez de meramente "arte ocular", uma vez que esta era uma forma de envolver os potenciais espectadores de uma forma estimulante em vez de recompensar a ordem estética estabelecida de "passar do tradicionalismo para a modernidade".escultura, certas interpretações de Fonte baseiam-se na análise não só das cópias, mas também desta fotografia específica.

Latas de sopa Campbell's (1968) de Andy Warhol

Latas de sopa Campbell's As latas de sopa, que começaram como uma série de pinturas em 1962, receberam reconhecimento internacional como um marco na Pop Art. Quando as obras de arte foram originalmente exibidas naquele ano, foram apresentadas em conjunto como se fossem itens de uma mercearia. Cada lata de sopa representava um sabor diferente e foi modelada com base na sopa branca e vermelhalatas.

Embora parecessem semelhantes a produtos de supermercado conhecidos, o trabalho do artista podia ser visto nas pequenas alterações no texto e na insígnia carimbada à mão na base de cada recipiente.

A série torna-se ainda mais fascinante pelo contraste entre a cópia pura e a mão do artista. A inspiração da série veio da vida privada de Warhol. "Eu costumava consumi-la", diz ele. "Comi a mesma refeição todos os dias durante talvez 20 anos, o mesmo prato vezes sem conta."

Esta noção de recorrência foi, sem dúvida, absorvida pelo artista, bem como expressa pela cultura de massas comercializada. O aparecimento de Latas de sopa Campbell's foi muito questionado no início, pois muitos espectadores tiveram dificuldade em conciliar uma exploração tão flagrante de um bem mundano.

No entanto, em 1968, Warhol expandiu as ideias de repetição e produção ao fazer duas apresentações de serigrafias de Campbell's Soup Can.

Depois de Walker Evans (1981) por Sherrie Levine

Levine refotografou sem remorsos a fotografia de Walker Evans de Allie Mae Burroughs, esposa de um agricultor de subsistência do Alabama, mais de cinquenta anos depois de Evans a ter tirado. Nomeadamente, não capturou a fotografia propriamente dita, mas sim uma réplica da imagem num folheto de uma exposição de Walker Evans. A imagem depois de Walker Evans: 4 é uma cópia de uma réplica da fotografia real.

Mesmo esta caracterização é um pouco enganadora, porque não existe uma única imagem "original" de Evans - existem muitas impressões, todas idênticas. Levine expõe as ambiguidades de autenticidade e genuinidade inerentes ao meio ao refotografar a fotografia de Evans.

A autora também questiona a forma como o valor artístico, ou estético, de uma obra de arte está ligado a conceitos de génio artístico, e como esse valor é depois comercializado no mercado da arte, dependendo da exclusividade e da escassez.

O esforço conceptual de Levine, elogiado como uma característica de arte pós-moderna faz lembrar o artigo "A morte do autor", do filósofo francês Roland Barthes, em que este defendia que era da responsabilidade do leitor, e não do autor, produzir e decidir o significado. Levine usou as palavras de Barthes quando disse: "O significado de um quadro não reside no seu início, mas no seu destino." "A criação do espectador deve ser feita à custa do pintor."

Ao colocar tanto poder nas mãos do espectador, ou seja, ao pedir ao público que desafie e perceba, Levine põe em discussão as ideias românticas do artista "prodígio" que fornece uma realidade autêntica, mas indica, em vez disso, uma circunstância em que os visuais nunca são autênticos e são sempre derivados de numerosas fontes que têm de ser descodificadas pelo público.

Arranjo de Barbara e Eugene Schwartz (1982) de Louise Lawler

Esta imagem faz parte de uma das primeiras séries de imagens de Lawler sobre exposições de arte residenciais e institucionais. Podemos ver duas das Obras de arte de Cindy Sherman pendurado numa sala visível através da porta aberta, bem como uma cena abstracta, montada na parede junto à entrada, com o quadro centrado numa porta que passa entre salas.

Lawler não nomeia cada obra; em vez disso, os coleccionadores Barbara e Eugene Schwartz são creditados com a organização da obra, que é destacada no título como criadores activos da cena em exposição.

O artista torna visível a recepção contínua da obra de arte, deslocando a ênfase do espectador do criador para o coleccionador, oferecendo esta exposição ao público de uma forma que coloca a obra de arte no contexto do seu valor comercial e do seu estatuto cultural.

Já não pertencem ao seu criador, mas reflectem os gostos e a personalidade do seu proprietário.

Embora este acto de retratar obras de arte tal como são apresentadas nas casas dos coleccionadores se preocupe com as formas como a aquisição e a organização modificam o significado das obras de arte, a posição de Lawler a este respeito permanece ambígua. Evita a simples condenação da forma como as obras de arte são comercializadas através do mercado, em vez de se concentrar no tópico sem pretender esclarecê-lo.

Não precisamos de outro herói (1986) de Barbara Kruger

A imagem e as palavras associadas ao trabalho de Barbara Kruger têm uma conotação figurativa, uma vez que se relacionam com um dos cartazes de J. Howard Miller, de 1942, intitulado Rosie the Riveter. Durante a Segunda Guerra Mundial, a imagem de Rosie the Riveter foi produzida para encorajar as mulheres a entrar no sector do trabalho. Kruger explora o ambiente em que o cartaz de Rosie the Riveter foi criado para realçar o significado deo seu trabalho.

O trabalho de Kruger baseia-se no pressuposto de que o público reconheceria a relação entre a forma como as mulheres eram percepcionadas antes da guerra e a forma como são percepcionadas depois da guerra, de modo a compreender o seu trabalho.

No entanto, o pós-modernismo implica que, embora uma criação pós-moderna possa ser uma "crítica da fonte", "não deve reverter para ela". Assim, a arte de Barbara Kruger pode ser lida como um outro herói que não é necessário, porque a batalha já se foi e não voltará.

Como resultado, o trabalho de Kruger é intertextual mas não autodeterminado, uma vez que reconhece o passado para desenvolver a consciência no presente.

Hino (1999) de Damien Hirst

Em 2000, Damien Hirst foi obrigado a pagar uma indemnização desconhecida aos criadores de um brinquedo que tinha pirateado, culminando numa escultura de grandes dimensões que se assemelhava notavelmente ao original. O método de Hirst é conhecido como apropriação, mas o que implica exactamente, e será roubo ou inovação?

Hirst ampliou o brinquedo para uma escultura de seis metros de altura e alterou os componentes de plástico para ouro, bronze e prata.

Hirst também alterou o ambiente da obra de arte de um brinquedo médico para um museu de arte moderna. A sua pequena modificação do desenho do brinquedo original culminou num processo judicial que o acusou de plágio. Hirst foi condenado e sentenciado a restituir o dinheiro pela sua apropriação.

Embora a escultura de Hirst pareça ser uma réplica, também funciona a um nível mais profundo, evocando a fé e a história da arte.

Esta escultura não é uma letra nem uma canção, mas pode ser reconhecida como uma imagem que retrata um objecto de culto, como é habitual na idolatria em todo o mundo, onde as esculturas são construídas com os materiais mais valiosos do mundo, com a maior complexidade e perfeição.

Um político belga (2011) de Luc Tuymans

Este é um retrato do político Jean-Marie Dedecker. A paleta de cores restrita de Tuymans e a visão em grande plano são comuns. A característica mais marcante da fotografia é o corte severo a meio do rosto do modelo. O recorte da fotografia tem sido muito debatido, embora sobretudo em termos jurídicos e não artísticos.

Isto deve-se a um processo judicial em que Tuymans foi considerado culpado de plágio, uma vez que a obra de arte foi considerada como violando os direitos de autor da imagem em que se baseia.

O original foi fotografado para o diário belga De Standaard pela premiada fotógrafa de retratos e jornalismo Katrijn Van Giel e utiliza o mesmo recorte. No entanto, por ser a cores, a interpretação de Tuymans conota mais uma imagem de jornal do que a sua contraparte impressa.

De acordo com o advogado de Tuymans, Michael De Vroey, o artista "pretendia produzir um quadro marcante para comunicar uma crítica à marcha da sociedade belga para a direita".

Durante muitos anos, a sua carreira concentrou-se na utilização de fotografias pré-existentes, frequentemente já publicadas. Tuymans vê esta forma de operação como análoga à liberdade de expressão e como um modo de crítica moderna. "Como pode um artista pôr o mundo em dúvida com as suas criações se não lhe é permitido utilizar as imagens desse mundo?

A arte da apropriação é definida como a utilização de objectos ou imagens pré-existentes com pouca ou nenhuma modificação. Ao longo da história da arte, a prática da apropriação tem desempenhado um papel crucial. Nas artes visuais, a apropriação criativa é a adopção adequada, o empréstimo, a reciclagem ou a amostragem de imagens culturais criadas pelo homem.

Leia também a nossa webstory sobre arte de apropriação.

Perguntas mais frequentes

O que é a apropriação de arte?

O conceito é que a presente peça recontextualiza qualquer material de onde provém, tornando a produção nova - o que é um factor crítico a compreender no nosso entendimento da fotografia de apropriação e da arte. Na maioria das vezes, o original ainda está disponível na sua forma original. A apropriação artística, tal como a arte de objectos encontrados, é descrita como a cópia, o empréstimo e a modificação deliberadosA arte da apropriação é definida alternativamente como a integração de uma entidade física, ou mesmo de uma peça de arte existente, numa obra de arte totalmente nova.

Há quanto tempo existe a apropriação na arte?

Muitos artistas do século XIX incorporaram referências a obras ou ideias de artistas anteriores. Jean-Auguste Dominique Ingres, por exemplo, criou o retrato de Madame Moitessier em 1856. A postura estranha foi inspirada na conhecida antiguidade Pintura romana Herakles Finding His Son Telephas (início do século II a.C.). Como resultado, o autor estabeleceu uma ligação entre o seu tema e a divindade do Olimpo. Do mesmo modo, obras influenciadas por Delacroix, Jean François Millet ou quadros japoneses na sua posse pessoal podem ser utilizados para identificar Vincent van Gogh. No entanto, a arte da apropriação como forma de arte pode ser rastreada até Georges Braque e Pablo Picassomontagens e colagens cubistas a partir de 1912, nas quais objectos autênticos como os jornais eram utilizados para se significarem a si próprios.