Wat is kontemporêre kuns? - 'n Kykie na moderne kontemporêre kuns van vandag

John Williams 25-09-2023
John Williams

K ontemporêre kuns is die kuns wat vandag gemaak word. Maar hierdie term is taaier as dit omdat die term Kontemporêre kuns se betekenis nie altyd dieselfde is as ander kunsbewegings soos ons in die Moderne kuns-era gesien het nie. Die term word gekenmerk deur 'n verandering in die manier waarop kunstenaars na hul kunsmaak kyk, en ons kan baie vernuwing sien in terme van die mediums wat hulle gebruik en die idees wat hulle aanbied. In hierdie artikel gaan ons die idee van kontemporêre kuns uitpak – kyk na sommige van die temas van kontemporêre kuns, asook voorbeelde van kontemporêre kuns.

Wat is kontemporêre kuns?

Die definisie van kontemporêre kuns is die kuns wat in die laaste helfte van die 20ste eeu tot nou toe gemaak is. Hierdie kuns reageer op die moderne tye waarin ons leef, en fokus op breë kontekstuele raamwerke – van politieke en kulturele, temas van identiteit en die bevordering van tegnologie. Kunstenaars maak kuns gebaseer op konsepte en reageer op die wêreld se politieke en kulturele lewens.

Kontemporêre kuns gaan nie bloot oor die estetiese plesier om na 'n kunswerk te kyk nie, maar is baie meer daarop gefokus om idees te deel. Kontemporêre kuns word gekenmerk deur sy diversiteit van mediums en style.

Kenmerke van Kontemporêre Kuns

Alhoewel die belangrikste kenmerk van kontemporêre kuns is dat daar geen werklike bepalende kenmerke daarvan is nie, daar is 'n paar algemene kenmerke wat deur kontemporêre kuns as geheel gedeel word.landskap, en in hierdie spesifieke kunswerk het die kunstenaar gewys op die geweld wat vroue en hul liggame ervaar, sowel as deur die aarde. Hierdie kunswerke is volgens 'n Feministiese tema, maar kan ook gesien word as Omgewingskuns gefokus op die aarde en ons behandeling van ons natuurlike hulpbronne. Gevra oor haar eie werk, het die kunstenaar gesê: "Deur my aarde/liggaambeelde word ek een met die aarde ... ek word 'n uitbreiding van die natuur en die natuur word 'n verlenging van my liggaam."

Self (1991) deur Marc Quinn

Kunswerktitel Self
Kunstenaar Marc Quinn
Jaar 1991
Medium Bloed, vlekvrye staal, Perspex en verkoelingstoerusting
Waar It Was Made London, UK

Self is 'n selfportret wat in 1991 deur kunstenaar Marc Quinn gemaak is. Die kunstenaar het sy eie liggaamsmateriaal gebruik om hierdie beeldhouwerk te skep – sy eie bloed. Die kunstenaar het sy eie kop gegooi met tien pinte van sy eie bloed wat oor 'n paar maande versamel is. Hierdie kunswerk is gemaak gedurende 'n tyd waarin die kunstenaar met afhanklikheid gesukkel het, en dit hou verband met die manier waarop die beeldhouwerk elektrisiteit nodig het om sy vorm te behou.

Die wesenlikheid van die kunswerk is ook hier baie betekenisvol – maak die selfportret die naaste materiaal aan sy eie liggaam wat die kunstenaar kon– die gebruik van dele van sy werklike liggaam.

Op hierdie manier het die kunstenaar met nuwe materiale geëksperimenteer op 'n manier wat dit die sinvolste gemaak het. Dit is 'n goeie voorbeeld van kontemporêre kuns wat die medium sinvol gebruik. Hierdie is nie net nog 'n borsbeeld van 'n kop wat met enige materiaal gemaak is nie, die medium word 'n deel van die boodskap.

Dropping a Han Dynasty Urn (1995) deur Ai Weiwei

Kunswerktitel 'n Han-dinastie-urn laat val
Kunstenaar Ai Weiwei
Jaar 1995
Medium Prestasiekunswerk
Waar dit gemaak is China

In 1995 het die Chinese kunstenaar en aktivis hierdie uitdagende voorbeeld van kontemporêre kunswerk geskep. Die kunstenaar het wat hy genoem het 'n "kulturele gereedgemaakte" gebruik - 'n 2000 jaar oue urn uit die Han-dinastie. Soos die titel aandui, het die kunswerk self bestaan ​​uit die kunstenaar wat 'n belangrike stuk Chinese geskiedenis laat val en vernietig het. Toe hy oor die kunswerk gevra is, het die kunstenaar, bekend vir sy omstrede kunswerke wat die Chinese regering kritiseer, hul leier Mao Zedong aangehaal: "Die enigste manier om 'n nuwe wêreld te bou is deur die ou een te vernietig."

Nadat honderde duisende dollars vir die urn betaal is, was dit nie net 'n verlies vir die kultuur nie, maar ook vir die kunstenaar self. Sommige sê hierdie kunswerk wasselfs oneties om te skep. Daar is ook 'n debat oor die vraag of die kunstenaar 'n regte stuk oudheid of 'n vervalsing gebruik het, maar sy stilswye oor die saak bly skandalig vir sy gehoor.

In hierdie kunswerk kan 'n mens sien dat die kunstenaar het die idee van die klaargemaakte gebruik, geïnspireer deur Marcel Duchamp se gebruik van klaargemaakte. Dit is voorwerpe wat gevind word en wat in die alledaagse lewe gebruik word wat herdoel is om kunswerke te skep. In hierdie sin is dit op sigself verregaande om na so 'n kragtige deel van die Chinese geskiedenis as 'n gereedgemaakte te verwys. Die vernietiging daarvan is net een aspek van wat hierdie kunswerk so kragtig maak.

Deur die urn te laat val, laat die kunstenaar ook kulturele waardes los in die hoop om 'n beter toekoms te skep.

The 99 Series (2014) deur Aïda Muluneh

Kunswerktitel Die 99-reeks
Kunstenaar Aïda Muluneh
Jaar 2014
Medium Fotografie
Waar dit gemaak is Ethiopië

Aïda Muluneh is 'n Kontemporêre kunstenaar wat ook fotografie gebruik. Haar portrette in The 99 Series (2014) beskou postkoloniale Afrika. Sy gebruik portrette, meestal van vroue van haar tuisdorp Addis Abeba, op 'n manier wat tradisionele portretkuns uitdaag. Die 99-reeks sluit vroue in geklee in teaterklere, met gesigtegeskilder.

Die kunstenaar gebruik hierdie portrette en haar fotografie om vroue se geslagsrolle en identiteit in Ethiopië aan te spreek. Die foto's in hierdie reeks is kalm en gebruik wit en rooi simbolies.

Daar word deur die kunstenaar na die wit gesig verwys as 'n masker, wat die manier omskryf wat verteenwoordiging vir politieke voordele verander word. Die meeste van die hande op hierdie foto's is rooi, wat verwys na hulle wat bloedbevlek is. Hierdie hande probeer om die portret te beheer, wat die vroue se gesigte bedek – met verwysing na die donker geskiedenis van kolonialisme en die manier waarop dit Afrika-nasies beïnvloed het.

Uiteindelik ontleed hierdie reeks hoe dit vir Muluneh is om wees 'n Afrikaanse vrou, altyd beskou as 'n buitestander oral waar sy gegaan het.

Op hierdie manier word haar eie persoonlike storie universeel van toepassing op baie vroue regoor die wêreld en gee dit 'n insig aan ander wat nie verstaan ​​nie hoe dit is. Hierdie verhaal word deur die kunstenaar beskryf as, "'n storie wat ons elkeen dra, van verlies, van onderdrukkers, van slagoffers, van ontkoppeling, van behoort, van verlange wat jy die paradys in die donker afgrond van die ewigheid sien."

Girl with Balloon (Shredded Painting) (2018) deur Banksy

Artwork Title Girl with Balloon (Shredded Painting) )
Kunstenaar Banksy
Jaar 2018
Medium Kuns op doek metSnipper in raam
Waar dit gemaak is Londen, VK

Banksy , bekend vir sy straatkuns, het in 2018 nuus gemaak toe hy 'n kunswerk by Sotheby's in Londen opgeveil het. Sodra die kunswerk verkoop is en die afslaer sy hamer geslaan het, het die kunswerk begin piep en is die kunswerk aan sy raam versnipper.

Die kunstenaar het in die geheim 'n versnipperaar in die raam gesit. Sodra dit verkoop is, is een van sy bekendste kunswerke onmiddellik vernietig.

In 'n Instagram-plasing het die kunstenaar later gesê: "Die drang om te vernietig is ook 'n kreatiewe drang." Banksy is bekend vir sy kragtige en simplistiese graffiti-kunswerke en die slenteragtige versnipperde kunswerk wys dat humor ook 'n belangrike deel van Moderne Kontemporêre kuns is.

Hier het jy geleer oor die verskillende kenmerke van Kontemporêre kuns. , en het 'n paar voorbeelde gesien van die inspirerende en opwindende kunswerke wat in die afgelope 60 jaar geskep is. Die voorbeelde van kontemporêre kuns hier wys hoe anders en divers kunsmaak kan wees, en laat ons 'n kykie kry van die stories en die lewens wat ander mense van regoor die wêreld leef. Van landkuns tot uitvoering tot installasies, kunstenaars skep elke dag indrukwekkende nuwe dinge sodat hulle 'n boodskap kan oordra – ons enigste taak is om te luister en te verstaan!

Kyk na ons kontemporêre kuns-webstorie !

GereeldGevrade Vrae

Wat is die definisie van kontemporêre kuns?

Kontemporêre kuns is die kuns wat vandag gemaak word – gebaseer op die lewe in die tegnologies gevorderde wêreld en al sy politieke en kulturele stories.

Is Kontemporêre Kuns dieselfde as moderne kuns?

Kontemporêre kuns en moderne kuns is nie dieselfde nie – al is die twee woorde sinonieme. Moderne kuns beskryf die tydperk in kunsmaak voordat kontemporêre kuns na vore gekom het.

Wat is 'n paar kenmerke van kontemporêre kuns?

Kontemporêre kuns is uiteenlopend in style en tegnieke, en die belangrikste eienskap is dat elke kunstenaar op hul eie manier werk maak oor 'n aspek van die lewe in die wêreld vandag.

Sommige van hierdie kenmerke sluit in:
  • Kontemporêre kunstenaars is betrokke by innovasie met nuwe idees en nuwe kunsvorme, en gebruik enigiets tot hul beskikking van videospeletjies tot ingenieurswese tot plastiese chirurgie. Die kunstenaars gebruik uiteenlopende mediums.
  • Kunswerke word gemaak met 'n konsep agter hulle, en elke kunswerk sal 'n rede hê as om as 'n suiwer estetiese objek te bestaan.
  • Sommige kontemporêre kunstenaars werk in groepe maar daar is nie groot bewegings soos in die moderne kuns-era nie.
  • Die mediums is deel van die betekenisgewing proses wat kunstenaars vir hulself uitdink.
  • Daar is ook 'n beweging na 'n minder eurosentriese kunsbeskouing, en baie meer kunstenaars uit verskillende wêrelddele word erken en ontvang meer aandag.

Is kontemporêre kuns dieselfde as moderne kuns?

Die woorde kontemporêr en modern is tegnies sinonieme, maar hierdie twee fases in die kunsgeskiedenis verskil baie. Kontemporêre kuns se betekenis behels baie meer konteks. Kontemporêre kuns word as postmodern beskou, wat beteken dat dit ná Modernisme gekom het.

Kontemporêre kuns verskil van moderne kunsbewegings soos Popkuns of Surrealisme. Moderne kuns is gekenmerk deur kunstenaars wat selfverwysend was (kuns maak oor kuns).

Roos beeldhouwerk deur Isa Genzken, 'n voorbeeld van kontemporêre kuns; Christoph Müller, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons

Kunstenaars het kunsbewegings geskep, met soortgelyke idees en tegniese uitdagings wat die gedagtes van baie verskillende kunstenaars in beslag geneem het. In die kontemporêre kuns-era skep kunstenaars kuns wat reageer op die unieke ervaring om in die tegnologies vooruitstrewende wêreld te leef waarin ons onsself bevind, elke storie uniek. Kunstenaars skep kunswerke op grond van hul unieke ervarings. Daar is geen oorkoepelende idees en ideologieë nie, en kunstenaars skep nie nuwe “-ismes” soos Surrealisme en Fauvisme nie.

Moderne kunstenaars het kunswerke geskep wat op die kunsmaakproses self fokus – soos wanneer Impressioniste kunswerke geskep het wat reageer op die uitvinding van die kamera – geïnspireer deur die idee om lig op 'n minuut-tot-minuut basis vas te vang. Kontemporêre kunstenaars het nie almal 'n oorkoepelende medium wat hulle verken nie, en elke kunstenaar gebruik die medium as 'n manier om groter temas en idees te verken.

Kontemporêre kuns reageer op 'n manier op idees van die moderne wêreld wat by hierdie oomblik in die geskiedenis en tyd pas – met elke kunstenaar wat op 'n lewenslange reis van kunsmaak fokus oor die ingewikkeldhede van die lewe in die wêreld op hul eie manier.

Voorbeelde van kontemporêre kunswerke

Ons sal nou kyk na sommige van die bekendste moderne kontemporêre kunswerke wat tot dusver gemaak is, en beskryf hoe hierdie kunstenaars innoveer en nuwe opwindende skepkunswerke. Hierdie kunswerke is bloot 'n blik op die uiteenlopende idees waarmee kunstenaars werk, maar gee 'n voorsmakie van die wonderlike werk wat gemaak word en die opwindende en belangrike idees waarmee kunstenaars elke dag werk.

Cut Piece (1964) deur Yoko Ono

Kunswerktitel Cut Piece
Kunstenaar Yoko Ono
Jaar 1964
Medium Uitvoerkuns werk
Waar dit was Made New York City, VSA

Cut Piece (1964) is 'n vroeë voorbeeld van kontemporêre kuns. Dit is 'n performance kunswerk. In die 1960's het kunstenaars soos Yoko Ono bekend geword om geleenthede genaamd Happenings aan te bied, waarin die kunstenaar kunsbekykers en deelnemers die mag gegee het om self kuns te maak of 'n hand in kuns te hê.

Die meeste van hierdie gebeure was slegs kortstondig en sou eers later in foto's bestaan, of in 'n finale kunswerk wat minder betekenis sou hê sonder die konteks van die opvoering.

Foto van kunstenaar Yoko Ono in 2011; Earl McGehee – www.ejmnet.com, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Cut Piece is een van hierdie gebeurtenisse, waarin die kunstenaar mense gevra het om stukke te sny uit haar klere terwyl sy roerloos sit. Namate die kunstenaar meer en meer blootgestel word, het die gehoor stiller en meer geskok geword, onthou die kunstenaar. Hierdieuitlokkende kunswerk het die kunstenaar ook in verskeie vlakke van gevaar geplaas aangesien sy haar vertroue in die gehoor gestel het dat hulle net haar klere sou sny en nie haar skêr vir ander doeleindes gebruik nie.

Infinity Mirror Room (1965) deur Yayoi Kusama

Kunswerktitel Infinity Mirror Room
Kunstenaar Yayoi Kusama
Jaar 1965
Medium Installasiekunswerk
Waar dit gemaak is New York City, VSA

Kusama se Infinity Mirror Rooms (1965), waarvan daar baie verskillende variasies is, word as installasiekunswerke beskou. Met behulp van spieëls het die kunstenaar die intense herhaling van haar vroeë skilderye omskep in 'n driedimensionele ruimte en perseptuele ervaring. Daar is ten minste twintig afsonderlike Infinity Mirror Rooms in die wêreld. Hierdie kamers skep kaleidoskopiese visies met multimedia-aspekte, wat almal 'n vreemde illusie skep dat die vertrek oneindig is, en die gehoorlede ook oneindig is.

'n Infinity Room -installasie deur Yayoi Kusama; Pablo Trincado van Santiago de Chile, Chili, CC BY 2.0, via Wikimedia Commons

Sien ook: Gedempte kleure - Jou gids vir die maak en gebruik van 'n gedempte kleurpalet

Die eerste van hierdie kamers , Infinity Mirror Room: Phalli's Field , vertoon 'n kamer gevul met honderde polka-gestippelde falliese vorms wat elkeen bedekoppervlak van die kamer. Die arbeidsintensiewe werk het die kunstenaar ander maniere laat oorweeg om die effek te skep om heeltemal omring te wees deur hierdie lang, geronde voorwerpe. Die kunstenaar is beroemd gekoppel aan die stippel en met sirkels, wat sê dat die skep van sirkels haar eindeloos getroos het.

Hierdie kunswerk het ook die gehoorlede die onderwerp van die werk gemaak, en die liggaam se bestaan ​​in die ruimte verander dit en gee dit meer betekenis.

Spiral Jetty (1970) deur Robert Smithson

Kunswerk Titel Spiral Jetty
Kunstenaar Robert Smithson
Jaar 1970
Medium Landkuns
Waar dit gemaak is Great Salt Lake, VSA

Spiral Jetty (1970) is 'n voorbeeld van 'n Contemporary Land-kunswerk. Hierdie kunswerk is op die Groot Soutmeer in Utah gebou en het bestaan ​​uit modder-, sout- en basaltrotse wat in 'n 1500 voet lange spiraal ingebou is wat antikloksgewys omgebuig het.

Hierdie spiraal kan wees van bo af gesien, afhangende van die watervlak van die meer. Dit het beteken dat die aarde self die betekenis van die kunswerk verander het, aangesien dit soms nie bestaan ​​het nie of weggesteek was, en ander kere het die aarde ons 'n blik daarop laat kry.

Spiral Jetty (1970) deur Robert Smithson, geleë by Rozel Point in die GrootSalt Lake, Utah, Verenigde State; Beeldhouwerk: Robert Smithson 1938-1973Beeld:Soren.harward at en.wikipedia, Public domain, via Wikimedia Commons

Hierdie kunswerk is een van die bekendste Landkunswerke. Grondkunstenaars gebruik tipies die land self as 'n medium, maak werk wat geïnspireer is deur en bestaan ​​in die aarde, sonder om nadelig vir die aarde te wees. Hierdie tipe kuns was ook nogal berug omdat dit nie kon verkoop nie – niemand kon moontlik 'n stukkie van die meer koop nie, en hierdie dekommersialisering in die kunsmark was ook 'n nuwe aspek van Moderne Kontemporêre kuns wat dit gemaak het anders as Modernisme.

Rhythm 0 (1974) deur Marina Abramović

Artwork Title Ritme 0
Kunstenaar Marina Abramović
Jaar 1974
Medium Uitvoerkuns
Waar dit gemaak is New York City, VSA

In 'n soortgelyke kunswerk van jare uitmekaar het Marina Abramović geskep die Ritme 0 (1974) uitvoering. Die kunstenaar het aan gehoorlede 72 voorwerpe gegee waarmee hulle enigiets kon doen wat hulle voel hulle wil. Hierdie voorwerpe het onder meer 'n skêr, 'n roos, skoene, 'n stoel, leerstringe, 'n skalpel, 'n geweer, 'n veer, 'n koeël en 'n bietjie sjokoladekoek ingesluit.

Die kunstenaar het stilgestaan ​​vir die ses uur van die uitvoering, terwyl gehoorlede het al hoe meer gewelddadig geword. Een gehoorlid het die kunstenaar se nek oopgesny, terwyl 'n ander die geweer teen die kunstenaar se kop gehou het.

Die gehoor het in 'n bakleiery beland oor hoe ver sekere lede van die publiek bereid was om te gaan met hul gewelddadige optree. Aan die einde van die opvoering het almal wat deelgeneem het weggehardloop om nie te konfronteer waaraan hulle deelgeneem het nie. Hierdie kunswerk het 'n skokkende voorbeeld van die menslike natuur geword, asook hoe ver kuns verder kon strek as 'n tradisionele skildery op 'n muur .

Sien ook: Honde-kleurbladsye – kleurblaaie vir 21 gewilde rasse

The Dinner Party (1974) deur Judy Chicago

Artwork Title The Dinner Party
Kunstenaar Judy Chicago
Jaar 1974
Medium Feministiese Kuns , Installasiekuns
Waar dit gemaak is New York City, VSA

Judy Chicago se bekende kunswerk was 'n groot installasie kunswerk. Die medium van installasie verwys na 'n kunswerk waarin gehoorlede ten volle onderdompel kan word, 'n kunswerk waarin jy kan instap. Hierdie groot installasie het verskeie tafels in 'n driehoekige vorm ingesluit.

Die kunswerk het honderde komponente, maar "The Dinner Party" (1974) reël 'n verbeelde banket waar die kunstenaar 39 vroue uit die geskiedenis genooi het om letterlik en figuurlik “aan tafel te sit”.

Daar is plek-instellingsvir vroue uit geskiedenis en mitologie – van Sacajawea, Susan B. Anthony, en Emily Dickinson, tot die oergodin. Hierdie plek-instellings beeld meestal gestileerde beelde van vroulike anatomie uit, soos vulvas. Hierdie kunswerk het nogal 'n skok geskep met die blatante vertoon van vroulike anatomie en die omvangrykheid van al die honderde dele waaruit die werk bestaan.

Hierdie kunswerk het bekend geword as een van die belangrikste stukke feministiese kuns in die geskiedenis en is permanent te sien by die Brooklyn Museum in die Verenigde State van Amerika.

Alma, Silueta en Fuego (1975) deur Ana Mendieta

Kunswerktitel Alma, Silueta en Fuego
Kunstenaar Ana Mendieta
Jaar 1975
Medium Fotografie, landkuns en liggaamskuns
Waar dit gemaak is VSA

Ana Mendieta was 'n Land-kunstenaar en het haarself ook 'n Liggaamskunstenaar genoem wat fotografie gebruik het om haar werk vas te vang. In die Kontemporêre era het kunstenaars ook digitale en fotografiese middele begin gebruik om hul idees te skep en te vertoon, en die gebruik van video het alledaags geword.

“Alma, Silueta en Fuego” (1975) is slegs een kunswerk in 'n reeks waarin die kunstenaar haar eie silhoeët gebruik het, gekamoefleer in natuurlike omgewings.

Sy het vergelykings getref tussen die vroulike figuur en die

John Williams

John Williams is 'n gesoute kunstenaar, skrywer en kunsopvoeder. Hy het sy Baccalaureusgraad in Beeldende Kunste aan die Pratt Institute in New York verwerf en later sy Meestersgraad in Beeldende Kunste aan die Yale Universiteit gevolg. Vir meer as 'n dekade onderrig hy kuns aan studente van alle ouderdomme in verskeie opvoedkundige omgewings. Williams het sy kunswerke in galerye regoor die Verenigde State uitgestal en verskeie toekennings en toekennings vir sy kreatiewe werk ontvang. Benewens sy artistieke strewes, skryf Williams ook oor kunsverwante onderwerpe en bied werkswinkels oor kunsgeskiedenis en -teorie aan. Hy is passievol daaroor om ander aan te moedig om hulself deur kuns uit te druk en glo dat almal die vermoë het vir kreatiwiteit.